Two Sisters  (Janghwa, Hongryeon) è il film horror coreano del 2003 diretto da Ji-woon Kim

La trama di Two sisters

Due sorelle, Su-mi ( Lim Soojung ) e Su-Yeon ( Moon Geun-young ) tornano alla casa di campagna dove il loro padre vive con la loro matrigna, Eun Joo ( Jung-ah Yum ). Tra le ragazze e la matrigna c’è un grande odio. Tutto sembra legarsi a presenze soprannaturali e minacciose che popolano la casa.

Raccontare la storia di Two Sisters significa in buona parte raccogliere tasselli e indizi disseminati dalla regia ( pillole, armadi, parole ), trovare rispondenze e incoerenze per dare un senso a tutto ciò che si vede. Storia di fantasmi o di una mente paranoica?  Entrambe le cose? Di chi è questa mente? Di chi i “fantasmi”? In questo film ( si può anche parlare di tipologia di film ) lo spettatore avverte fin da subito lo “strano” e il “perturbante” (traspare dalle primissime scene in cui le “two sisters” arrivano nella casa, grazie anche ad un ottima recitazione “deformante” della matrigna (la Yum).

Lo spettatore più che dalla “paura” è preso  dal  bisogno di capire, che si lega ad un vago senso di inquietudine. Con lo scorrere del film, non può che affastellare congetture su congetture che di volta in volta le scene confermano, smentiscono o, cosa che chi ha familiarità con film lynchani avrà provato spesso, “confermano in parte”, e sì! perché c’è sempre, o quasi, qualcosa che non torna! L’orrore in Two Sisters è affidato a poche scene propriamente “horror”:  a quelle atmosfere alla “vedo la gente morta” stile “Il Sesto Senso” (con apparizioni dal fuori campo annesse ) e a un paio di scene che danno fondo al repertorio “orientale” di bambine alla “Samara di the Ring” (non resta che scegliere se avvicinarsi alla vittima con steady o camera a mano).

Ma chi cerca un “The Ring” non può restare soddisfatto da un “Two sisters“. Del resto è una diversa tipologia di horror. I punti di forza, e le tensioni del film sono in altre scelte: nel senso di enigma attraverso un montaggio che lega scene di apparizioni o sevizie ad altre che lasciano avvertire una tragedia più “intima” e “metaforica”, nelle sequenze complesse (ancor più se riviste col senno di poi) aperte da dettagli significativi o evocativi ( l’occhio in dettaglio di Soo-mi o il calice inquadrato con grandangolo che occupa l’intero schermo e si  riempie di vino rosso aprendo una perturbante cena con parenti ).

L’angoscia e l’orrore iniziano a emergere negli ultimi minuti del film, per l’accumulo di tensione e di enigmi che si “sciolgono”. In Two sisters ci sono pochi personaggi, legati da una rete di conflitti ad eventi passati cui si accenna continuamente ma che non vengono mai affrontati direttamente ( ottimo sviluppo del concetto di “perturbante” da parte Ji-woon Kim, sia in qualità di regista che di sceneggiatore ).  Le primissime scene sono curate con grandi dote estetiche ( molto bella l’opposizione lirica dei paesaggi naturali con gli ambienti chiusi della casa ).

Le musiche di Byung-woo Lee, pochi temi ben dosati e ricorrenti, che creano suggestioni e avvolgono gli eventi in una rassegnata e dolorosa malinconia, aprono i poetici titoli di testa. Per far tornare i conti in “Two Sisters” serve più di una visione, senza la garanzia di venire poi appagati da una vera coerenza. Se non altro una seconda visione è invogliata anche dalle pregevoli qualità estetiche del film.

Todd Phillips torna in sala con Parto col folle, una brillante commedia che si presenta come piccolo intervallo fra il suo grande successo Una notte da leoni e l’attesissimo sequel previsto per questa primavera. Ma Phillips non permette ai suoi fan più accaniti di disperarsi nell’attesa e anche questa volta butta dentro il film il divertente e amato (nonostante il nome impronunciabile) Zach Galifianakis, il cognato dello sposo de Una notte da leoni per intenderci.

Protagonista di Parto col folle questa volta è il carismatico Robert Downey jr. che visti i successi degli ultimi anni (da Iron Man a Sherlock Holmes) può permettersi di guardare al futuro e lasciarsi alle spalle le vicissitudini giudiziarie che l’hanno coinvolto nei primi anni del 2000 e che gli regalarono anche un calo di popolarità. Peter Highman, architetto in trasferta, riceve la notizia dell’imminente nascita del suo bambino, intenzionato a prendere il primo volo per Los Angeles si imbatte nel curioso Ethan, aspirante attore, con cui ha una serie di imprevisti che gli faranno saltare il volo. Paradossalmente da qui in poi sarà proprio Ethan l’unico con cui potrà viaggiare on the road fino all’ospedale di Los Angeles in una corsa contro il tempo piena di situazioni “anomale”.

Parto col folle, Robert Downey jr. e Zach Galifianakis in stato di grazia

Formula già vista e ben rodata, Phillips utilizza l’ennesima strana coppia per l’ennesimo film on the road pieno zeppo di spunti comici, malintesi, equivoci e situazioni irritanti. I due attori tengono bene il film, Downey ha finalmente la possibilità di mettere i suoi costumi da detective/supereroe nell’armadio mentre Galifianakis ripropone con pochissime varianti il personaggio di Alan Garner della precedente pellicola di Phillips. Il regista dal canto suo, si rifà molto al suo datato ma sempre molto divertente Road Trip.

Oltre ai due attori che recitano a tutto campo sono senz’altro da segnalare le altre presenze del film, Jamie Foxx, Juliette Lewis e RZA, attori che curiosamente svolgono tutti e tre la duplice carriera di cantante/attore, chi più e chi meno bilanciato da una parte e dall’altra. Un Jamie Foxx, qui nei panni dell’amico Jim, che ritrova per la terza volta Robert Downey jr.  dopo Kiss Kiss Bang Bang e il bellissimo film di Joe Wright: Il solista. Chiude la fila Michelle Monaghan fresca del film Somewhere di Sofia Coppola che qui interpreta la moglie di Peter, donna incinta in attesa dell’arrivo di suo marito.

Ottima anche la colonna sonora per lo più a tinte rock dove spiccano nomi come Cream, Wolfmother, Rod Stewart, Neil Young e Pink Floyd.

La recensione del film cult del 1976, Taxi Driver diretto da Martin Scorsese e con protagonisti Robert De Niro, Jodie Foster e Harvey Keitel.

Taxi Driver è un film del 1976 diretto da Martin Scorsese e scritto da Paul Schrader, vincitore della Palma d’oro al 29º Festival di Cannes.  Il primo film-denuncia sugli effetti negativi della guerra in Vietnam sui reduci, benché non lo faccia in modo esplicito, ma in modo brillantemente sottinteso. La nevrosi di Trevis è talmente ben raffigurata da De Niro che pare materializzarsi e poter essere toccata con mano. Una certa polemica viene destinata anche all’universo femminile, a volte eccessivamente auto-idealizzato e verso la politica e la sua ipocrisia. La colonna sonora di Bernard Herrmann fa il resto.

Il folgorante film di Martin Scorsese

Travis, ex marines in Vietnam, si fa assumere come tassista notturno poiché da quella brutta avventura non riesce più a dormire serenamente. Vive così la strada di notte, con i suoi “mostri” e i suoi “fantasmi”, che egli senza mezze misure ritiene rifiuti della società. Non riesce nemmeno a frequentare o anche semplicemente a parlare con qualche donna, e soffoca questa incapacità recandosi spessissimo ad un Cinema porno. Nota però una donna dall’aspetto angelico. Betsy, che lavora nello staff di un senatore candidato alle presidenziali, l’on. Palantine; e per avvicinarsi a lei finisce anche per appassionarsi alla politica di quest’ultimo, sebbene non ne conosca minimamente le idee politiche. Ben presto però la solitudine tornerà a fargli compagnia, ma riuscirà anche a farsi valere.

Taxi Driver, il capolavoro di Martin Scorsese

Considerato da molti uno dei più importanti e controversi film del cinema statunitense, è stato acclamato per le sue scene di forte impatto e per il suo ruvido realismo. Il film ha reso celebri entrambi i suoi attori protagonisti, Robert De Niro e Jodie Foster, quest’ultima solo tredicenne quando il film fu distribuito. Di spessore anche l’interpretazione della bella Cybill Shepherd e di Harvey Keitel, che Scorsese aveva già reso celebre nel film Mean Streets.

Taxi Driver fu un successo commerciale, ricevette diverse nomination al Premio Oscar e fu premiato al Festival di Cannes con la Palma d’oro. Negli anni successivi è stato inserito al 47º posto nella lista AFI’s 100 Years… 100 Movies redatta dall’American Film Institute. Nel 1994 è stato scelto per la preservazione nel National Film Registry della Biblioteca del Congresso degli Stati Uniti. È stato inserito da Quentin Tarantino nella lista dei suoi 12 film preferiti al terzo posto. A colpire molto la critica e il pubblico sono stati due fattori: la sparatoria finale, per l’epoca, molto intensa; la quale ha mantenuto il suo impatto visivo ancora oggi. Nel tentativo di evitare il massimo divieto della censura, Scorsese desaturò i colori della pellicola, rendendo il rosso del sangue meno appariscente. In alcune interviste rilasciate in seguito, Scorsese commentò che col tempo aveva apprezzato il cambiamento dei colori, considerandolo un miglioramento rispetto al girato originale (che non è possibile vedere perché andato perduto).

Il secondo fattore è la presenza di un’attrice appena tredicenne, nel ruolo di una giovane prostituta. Trattasi di Jodie Foster. In particolare, a destare scalpore è la presenza della ragazzina nella sopra citata scena della sparatoria finale; ma come lei stesso affermò, fu eseguito con un occhio di riguardo per lei, che non ne rimase traumatizzata e che il backstage di preparazione degli effetti speciali suscitò in lei molto interesse.

Tra le varie curiosità che esso ha suscitato, si ricorda la scena finale che ritrae Travis aggiustare nervosamente lo specchietto retrovisore non appena Betsy (la collaboratrice del Senatore Palantine, interpretata dall’affascinante Cybill Shepherd) lascia il taxi a pochi fotogrammi dai crediti finali. Scorsese ha commentato i momenti finali del film dicendo che il rapido sguardo quasi nevrotico di Travis allo specchietto potrebbe rappresentare la possibilità che Travis possa soffrire di nuovo di depressione e scatti d’ira in futuro. Questo finale quasi aperto è stato paragonato a quello di Arancia meccanica di Stanley Kubrick, in cui Malcolm McDowell nei panni di Alex DeLarge sembra riconquistare il suo lato sociopatico nella sua battuta finale: «Ero guarito, eccome!».

Tra le altre curiosità sul film ricordiamo: inizialmente Martin Scorsese scelse Dustin Hoffman per la parte di Travis Bickle, ma l’attore rifiutò e la parte andò a De Niro. Quando nel film Iris si accinge a slacciare i pantaloni a un Travis riluttante, a recitare fu la sorella maggiore della Foster (allora diciannovenne), quasi sua sosia, per evitare la partecipazione di una minore a scene ad alto tasso di eccitazione sessuale. La Foster, come detto allora dodicenne, dovette passare quattro ore con uno psichiatra prima di ottenere la parte (la quale era stata prima offerta a Melanie Griffith, che rifiutò). Furono utilizzate dal regista modalità di ripresa alquanto innovative per l’epoca come quando Travis telefona e la telecamera si sposta al corridoio, o quando De Niro è nel deposito dei taxi e l’inquadratura smette di seguirlo per soffermarsi su altri particolari. Infatti il raccordo di sguardo a semi-soggettiva, non segue tradizionalmente il protagonista nel deposito, ma la telecamera compie un giro panoramico, per poi ritrovare il protagonista più avanti.

De Niro recitava parallelamente sia nel film di Scorsese sia in Novecento di Bertolucci, girato in Italia proprio nello stesso periodo. Inoltre l’attore ha lavorato come tassista nei sei mesi antecedenti alle riprese, e ha studiato le malattie mentali. Nel film compare anche Martin Scorsese, il quale interpreta la parte del marito che osserva sua moglie dal taxi di Travis. L’attore che doveva recitare quella parte fu costretto a rifiutare a causa di un infortunio. Martin Scorsese si vede anche quando Betsy entra nell’ufficio, seduto vicino alle scale.

La scena più famosa del film è probabilmente quella in cui Travis fa pratica con la pistola davanti allo specchio ed inizia un monologo in cui si rivolge alla sua immagine riflessa: «Ma dici a me? Ma dici a me? … Ma dici a me? Ehi con chi stai parlando? Dici a me? Non ci sono che io qui». Questa scena non era prevista nel copione, che indicava solo «Travis guarda in uno specchio», ma De Niro decise di aggiungere delle battute per calarsi nella personalità di Travis. A Scorsese piacque così tanto che decise di tenerla nel montaggio finale.

L’autore della colonna sonora è come detto il celebre Bernard Herrmann (1911-1975), noto per la sua collaborazione con Alfred Hitchcock (in particolare per Psycho). Fu la sua ultima composizione, poiché Herrmann morì prima che il film uscisse nelle sale. Taxi Driver è dedicato alla sua memoria. Il pezzo principale è “Twisted nerve”, capolavoro in chiave jazz. Il finale ha lasciato spazio a molte fantasie riguardo ad un sequel. Voci tornate in auge anche nel corso del 2010. Scorsese ha dichiarato più volte di non avere intenzione di realizzarlo. Ma visto che proprio nel 2010 molti sono stati i sequel anche a distanza di decenni, non si esclude un ritorno di Trevis e le sue manie.

La recensione del film Il Cigno Nero diretto da Darren Aronofsky con protagonista Natalie Portman, Mila Kunis e Vincent Cassel.

Una giovane ballerina è pronta a sbocciare, il ruolo della vita, del debutto da solista, sta per arrivare e vuole fare di tutto per fare bene, per essere perfetta. Con questa premessa entriamo nel mondo de Il Cigno Nero, thriller psicologico che vede una straordinaria Natalie Portman al centro di una vicenda oscura che non manca di sorprendere. La bella Nina (Portman) si trova alle prese con un doppio ruolo, sarà lei la protagonista de Il Lago dei Cigni, e interpreterà sia il cigno bianco che quello nero.

Il Cigno Nero recensione del film di Darren Aronofsky

E proprio qui Nina incontrerà le sue prime difficoltà, come farà la dolce e delicata creatura, perfezionista del balletto e maestra di disciplina a lasciarsi andare alle emozioni sensuali che dovrà esprimere per rendere vivo il cigno nero? Darren Aronofsky ci racconta una storia molto avvincente che però sullo schermo presenta non poche lacune. A partire dalla costruzione del personaggio principale, che viene mostrato già all’inizio del film come disturbato, il suo sgretolamento psicologico non comincia con la difficoltà relativa al ruolo che deve interpretare, ma è già cominciato, seguendo dei piccoli segnali, come le ferite sul suo corpo, che poi ci verranno rivelati essere delle sue ‘cattive abitudini’.

Per cui siamo di fronte probabilmente ad una psicologia già provata dall’eccessiva ricerca della perfezione fisica e armonico delle sue forme in movimento. A testimoniare questa teoria c’è anche la semi-anoressia della ragazza che rifiuta il cibo e spesso lo vomita. Nonostante una buona costruzione della suspance Aronofsky finisce intrappolato nel suo stesso film, regalandoci un ritratto incompleto, senza spiegare il disagio della protagonista, ma lasciandolo indovinare allo spettatore (è probabile che il personaggio della madre, ballerina mancata e iper-protettiva possa aver minato lo sviluppo della ragazza, ma è solo una congettura).

Il gioco di specchi e riflessi, metafora fin troppo palese e abusata, risulta dopo un po’ fastidioso, dal momento che se è vero che in un’accademia di danza è plausibile che ci siano tutti quegli specchi, specie nelle aule, è quantomeno strana e straniante la presenza dei numerosi specchi nella vita di Nina. Il film si basa quindi sulla doppia identità, sul lato oscuro che nel caso dell’immaginario di Nina, viene rappresentato e incarnato da Lily (Mila Kunis), altra ballerina irriverente e passionale che non ha paura di perdere il controllo e che diventa la vera e propria ossessione della protagonista.

Le due attrici, la Portman e la Kunis, offrono davvero delle interpretazioni interessanti: la Kunis si rivela un’ottima giovane attrice, che comincia adesso a farsi conoscere dal mondo (lo scorso ano è stata al cinema con Codice Genesi), la Portman invece, già da tempo stimata oltre che per la sua bellezza anche per la sua bravura di interprete, sfodera qui una tensione drammatica davvero notevole, oltre ad aver la possibilità di fare sfoggio delle sue doti di danzatrice (non è certo una etoile ma infondo è un’attrice mica una ballerina!). il suo cigno nero nasce dal suo stesso corpo e il suo viso, così sofferente per tutta la durata del film, assume fattezze mostruosamente belle nel finale, confermando la grande interpretazione che le è valsa la candidatura agli Oscar di quest’anno.Nel cast anche Vincent Cassel che si conferma attore di classe, perfetto nel ruolo ambiguo del regista dello spettacolo, e Wynona Rider che interpreta Beth, ballerina ormai giunta a fine carriera e che per Nina diventa un’altro specchio dentro al quale distorce la sua realtà.

Nell’insieme Il Cigno Nero non può considerarsi certo un brutto film, resta tuttavia l’amaro in bocca per quello che sembra lo spreco di una storia con grosse potenzialità, e purtroppo se di un colpevole si vuole parlare è giusto e doveroso puntare il dito contro il regista, che non riesce bene a tenere le fila del racconto, costruendo sul filo della tensione un thriller psicologico che si risolleva solo nel finale ma che resta sbilanciato e poco coeso.