In The Housemaid Eun-yi è una giovane che viene assunta per fare da cameriera e bambinaia nella lussuosa casa di una coppia ricchissima. Quando il padrone le richiederà anche altri servigi, lei accetta, rimanendo però incinta, e così all’interno della casa si alterano gli equilibri e le donne della famiglia faranno di tutto per difendere la loro posizione dall’intrusa.

La cinematografia coreana è avvezza a storie di vendetta, tuttavia, nel caso del film di Im Sang-soo (remake di un omonimo classico coreano diretto nel 1960 da Kim Ki-young) la vendetta è solo una conseguenza di una storia forse più diluita, o almeno ‘allungata’, che conduce lo spettatore al suo esito inevitabile e tragico. The Housemaid seguendo gli stilemi cari al cinema orientale, procede per inquadrature fisse o comunque con movimenti molto lenti, a volte prediligendo lo sbilanciamento del piano dello sguardo a favore dell’indagine dello spazio.

Proprio questa dimensione è fondamentale e principalmente occupata dalla grande e lussuosa villa dei ricchi protagonisti: marmo e vetro, a simulare una gigante cappella funeraria, all’interno della quale tutto sembra svolgersi nel più classico dei modi. The Housemaid che mantiene quindi questa forma impeccabile che sfocia nel manierismo, si affida soprattutto alla recitazione di attori davvero bravi, su tutti l’anziana domestica interpretata da Yoon Yeo-jeong, che con sguardi e gesti avvolge lo spettatore e conosce ogni cosa che avviene sotto il tetto di quella gabbia dorata. Oltre ai toni drammatici, sottaciuti sotto una apparente perfezione dei corpi che si muovono nello spazio, il film si rivela un thriller che parte dalle dinamiche di dominio tra padrone e lavoratore e sfocia poi nella violenta ed efferata ‘conservazione della specie’ ad opera delle bellissime e malefiche donne di casa, che si vedono minacciate dalla sprovveduta protagonista interpretata da Jeon Do-youn.

Nella prima parte di The Housemaid si cogli un vago tentativo, da parte del regista, di provare a destabilizzare, inquietare lo spettatore che tuttavia, di fronte all’ultima scena, che dovrebbe forse essere quella maggiormente d’effetto, resta più che altro perplesso e forse confuso dalla volontà di dire troppe cose, nel corso di un film che, se fosse durato anche 20 minuti di meno, non avrebbe tolto nulla alla storia. Soprattutto considerando che il tentativo di realizzare un approfondito ritratto psicologico di questa persona comune in una situazione straordinaria non ha nessun effetto se non quello di annoiare.

A sette anni da una delle controversie più chiacchierate del Festival di Cannes, Lars Von Trier torna a salire la montée des marches e a presentare sulla croisette un suo film, fuori concorso. Sette anni fa era Melancholia, nella competizione ufficiale, quest’anno è il turno di The House That Jack Built, un thriller in cui Matt Dillon accompagna lo spettatore nella sua discesa all’Inferno, un luogo popolato di cadaveri e di propositi scabrosi, per la gente comune e per lo spettatore stesso, ma considerati artistici e altissimi nella visione di questo oscuro personaggio.

Jack, interpretato da Dillon, è infatti un ingegnere che sarebbe voluto diventare un architetto, e che nella vita ha due scopi: il primo è quello di riuscire a costruire per sé una casa su un suo terreno, l’abitazione perfetta; il secondo è quello di raggiungere il massimo grado di creatività nel corso della sua carriera da serial killer. È lo stesso Jack che ci racconta l’evoluzione del suo “vizio”, cominciato quasi per caso con l’omicidio impulsivo della prima vittima, una fastidiosissima donna interpretata da Uma Thurman. Il film procede per capitoli, che Jack, con voce fuori campo, definisce “incidenti”, cinque vittime che hanno particolarmente stimolato l’istinto omicida/creativo del protagonista.

Il primo elemento degno di riflessione, in The House That Jack Built, è l’aspirazione di Jack. L’uomo ha una preparazione da ingegnere, esecutore, quindi, ma ha anche dentro di sé un forte istinto creativo e artistico che, nel suo ambito professionale, è attribuito maggiormente ad un architetto, una professione per cui non ha la preparazione, ma che prova ad esercitare su se stesso, progettando la sua casa, un esercizio lungo e difficile, che non riesce a portare avanti. Vuole comporre la musica, non eseguirla, per usare una metafora che lui stesso adotta nel film. Questo suo voler creare invece di eseguire sembra un perfetto parallelo con le intenzioni del regista, che riempie di sé e della sua visione il film intero.

Lunghi dal ripetere se stesso, con The House That Jack Built, Lars Von Trier racconta il valore dell’opera e dell’aspirazione umana, che in Jack si tramuta in istinto omicida, mai impulsivo o fuori controllo, se non per il primo episodio. Dal momento che il lavoro con la casa è fermo, Jack sfoga la sua creatività nell’omicidio, escogitando sempre nuovi modi per realizzare i suoi scopi. Lo sforzo creativo di Jack si sovrappone a quello di Lars, e senza paura di risultare sgradevole, il regista si cala nel suo personaggio, tanto che lo fa scendere all’inferno, una catabasi accompagnata da un Virgilio d’eccezione, Bruno Ganz nei panni del misterioso Verge.

La tensione verso la perfezione dell’opera d’arte può essere rintracciata anche nel nome che Jack sceglie per il suo alter ego da serial killer: Mr. Sophistication. La raffinatezza è quella che lui stesso insegue, e dal grezzo colpo di crick che sblocca il suo istinto omicida, lo vedremo percorrere un cammino lungo e sanguinoso per aspirare allo stato d’arte.

Molte polemiche hanno anticipato l’arrivo del film a Cannes 2018, tra queste anche l’accusa di estrema violenza. In realtà Von Trier è crudo e sanguinario, ma senza compiacimento visivo, lascia quasi ogni scena scabrosa fuori dal quadro e permette allo spettatore di intuire il fuori campo. Si tratta di un gioco molto raffinato che consente al regista di suggerire i momenti più efferati, senza risparmiare una buona dose di sangue.

Il risultato di questo sforzo e questa tensione verso l’arte è un compendio dell’opera stessa di Lars Von Trier, un film cardine di una filmografia mai paga di stupire e interrogare il suo fruitore. Oltretutto il regista danese condisce anche la più cruenta delle scene con un tono ironico che rende divertente la visione del pur lungo film, con la sua tipica acuta intelligenza, con la sua voglia di giocare con chi lo guarda, provocandolo e spingendolo oltre le sue stesse barriere della mente.

Presentato in concorso alla Festa del Cinema di Roma, arriva The Hotel del regista cinese Wang Xiaoshuai, girato con povertà di mezzi e in poco tempo – soli quattordici giorni – durante il confinamento del regista e di un gruppo di suoi colleghi, artisti e tecnici del cinema, in un albergo in Thailandia. Qui Wang era in vacanza. Vi è rimasto confinato assieme alla troupe, con il dilagare della pandemia e l’interruzione dei voli verso la Cina. 

La trama di The Hotel

Vite che si intrecciano in un albergo e si confrontano con l’irrompere della pandemia da Covid-19. Sova, Yuanyuan Ning, una ragazza ventenne con sua madre, Ying Qu. Il giovane A Dong, Srisai Worrapon, che si occupa di un uomo disabile di mezza età, Jun Dai. Una coppia formata da un ex professore universitario, Fu Ye, e sua moglie, in crisi. Costretti a stare insieme, si conoscono e in alcuni casi, nascono amicizie o simpatie. Sova sta per compiere vent’anni e sua madre le ha promesso, per il suo compleanno, di rivelarle un segreto.

Un esperimento non riuscito

The Hotel cerca di fotografare lo spaesamento e la difficoltà dei rapporti umani, acuiti dalla pandemia. Lo fa attraverso scelte stilistiche e tecniche che non lo portano però all’efficacia, eccetto per il bianco e nero e per una fotografia tecnicamente molto bella, sebbene non particolarmente originale. Ecco allora, tempi dilatati, lunghe pause. I dialoghi sono ridotti al minimo. Le difficoltà relazionali così mostrate, le fragilità umane così rivelate, non riescono però a coinvolgere lo spettatore, che finisce per annoiarsi. La struttura del film è suddivisa in capitoli, con una parziale inversione dell’ordine cronologico. Questa scelta, però, non giova particolarmente al film, né trova una precisa giustificazione. Il cast offre interpretazioni che difficilmente riescono ad emozionare e non trasmettono la paura, l’incertezza, il senso del pericolo e della tragedia incombente, che in quei giorni tutti hanno provato. Peccato, perché avere poco tempo a disposizione e pochi mezzi non necessariamente significa non poter dar vita a un buon film. Nel caso di The Hotel, purtroppo, l’esperimento non sembra essere riuscito.  

Dall’autrice della Saga di Twilight arriva The Host, una nuova fantascientifica storia d’amore, adattata per il grande schermo e diretta da Andrew Niccol, abile traghettatore di storie Sci-fi.

Siamo in un futuro imprecisato, la Terra è stata colonizzata dagli alieni e la razza umana è stata annientata e spodestata dei propri corpi, divenuti semplici dimore per vagabondi interplanetari. I pochi superstiti sono costretti a nascondersi in un rifugio sotterraneo, tra le lande desertiche di un mondo che sembra aver perso ogni traccia di umanità. I procacciatori di umani, i cosiddetti cercatori (Diane Kruger e compagni), sono assuefatti da una brama di onnipotenza che rende la caccia agli umani da spolpare, sempre più spietata.

Melanie (Saoirse Ronan) è una ragazza che ha scontato sulla propria pelle la vendicativa furia aliena. Privata della sua vita corporea, continua a vivere spiritualmente nel corpo dell’aliena viandante Wanderer, che la ricorda nelle fattezze, nei gesti ma non nello sguardo. L’anima di Melanie che ancora pulsa in lei, la induce a ritrovare il fidanzato Jared (Max Irons) e il fratellino Jamie (Chandler Canterbury), latitanti e dispersi nel deserto.

Un invasore alieno e un essere umano intrappolati nello stesso corpo, una convivenza destinata a scompaginare equilibri, a soffocare sentimenti e a generarne di nuovi. E un conflitto interiore che non poteva non invadere la sfera sentimentale. Perché l’aliena Wanda è in grado di provare le stesse emozioni di un essere umano, e si dà il caso che il suo cuore batta per un ragazzo che non è Jared.

Andrew Niccol architetta ed evidenzia il dualismo alieni vs umani, facendo leva sulla carica emotiva e comparativa che solo il flashback sa restituire. Wanda prende confidenza con il suo nuovo corpo, con il mondo high tech che la circonda e con gli alieni, e intanto rivive, nella sua mente, gli ultimi e decisivi istanti di vita dell’umana, ostaggio del suo corpo. Un’accurata contrapposizione cromatica e stilistica sottolinea l’acuta divergenza che affligge i due mondi prevaricatori, che non sanno e non vogliono comunicare. Da una parte l’atmosfera tiepida del mondo umano, suggerita da una fotografia dai toni caldi e avvolgenti, dall’altra la neutralità asettica del bianco e del luccicante color argento a palesare il deserto di emozioni delle anime aliene.

Una pellicola che rievoca l’atmosfera avveniristica di Gattaca, ma che a differenza di quest’ultimo film, non riesce a sollevare questioni socio-psicologiche altrettanto coinvolgenti e rivoluzionarie. E’ evidente come il fulcro narrativo di The Host miri a solleticare altre dimensioni emotive, puntando sul pathos del triangolo amoroso, e rischiando per questo di diventare l’ennesimo Twilight, stavolta in chiave aliena.

Amori contrastati da forze esterne avverse o dalle spietate leggi della natura, guerre tra mondi distanti e incompatibili, argomenti ormai logori e fin troppo abusati dalle pellicole fantasy; gli ingredienti possono anche cambiare, ma il sapore resta sempre lo stesso.

THE HORDE è il film del 2019 diretto da Yannick Dahan e Benjamin Rocher. Presentato in diversi festival tra Francia, Spagna e Portogallo il film ha ricevuto diversi riconoscimenti e critiche positive prima della sua distribuzione in terra francese nel febbraio del 2010 (in Italia è stato distribuito ad ottobre dalla casa di produzione Fandango di Domenico Procacci).

The Horde, la trama

Un gruppo di poliziotti, in cerca vendetta dopo la morte di un collega, raggiunge un palazzo semiabbandonato per regolare i conti con la  banda di criminali responsabile dell’omicidio. Non passerà molto tempo che il palazzo sarà infestato da decine di zombie.

The Horde, il film

Francia che da qualche anno sta dimostrando di essere diventata una grande distributrice di horror di forte impatto, basti ricordare alcuni dei titoli che hanno suscitato polemiche come Frontiers – Ai confini del tempo, A L’Interieur e Martyrs perché “ai limiti del rappresentabile”. Ciò nonostante questa volta non si tratta di un film eccessivo come i titoli precedentemente citati ma dell’ennesimo “Zombie movie”.

The Horde scorre bene sin dai primissimi minuti, ma questo accade perché nella parte iniziale la direzione che prenderà il film sembra un’altra, probabilmente molto più interessante di quello che accadrà poco dopo il primo quarto d’ora, ovvero l’arrivo di zombie assatanati da ogni dove. Da questo punto in poi, oltre ad una serie di rimandi a film più o meno famosi visti nell’arco di una vita, ci si imbatterà nella noia più totale in attesa del già preannunciato finale privo di qualsiasi colpo di scena.

Possiamo comunque dire che di film con gli zombie ce ne sono a centinaia per tutti i gusti e che in un modo o nell’altro riescono sempre a vendere qualcosa, il problema di questa pellicola però è che non passa tantissimo dal far ricordare altri due film di genere di qualche anno fa: il primo è sicuramente Rec, horror spagnolo del 2007 che come questo ha ricevuto riconoscimenti al Fantasporto, mentre il secondo è 28 giorni dopo (film a sua volta influenzato da altri B-Movies) di Danny Boyle.

La direzione vede al suo comando due giovani registi: Yannick Dahan, alla sua prima esperienza da regista con alle spalle una carriera da critico cinematografico in diverse riviste francesi, elementi che ricordano i grandi artisti della Nouvelle Vague, e il suo collega Benjamin Rocher, nell’ambiente del cinema da qualche anno anche lui al primo lungometraggio. Come i registi anche il cast comprende esclusivamente attori di nazionalità francese, quasi sconosciuti a casa nostra e che inevitabilmente rimarranno sconosciuti visto che nessun personaggio da loro interpretato è degno di nota, eccezion fatta per il personaggio di Aurore interpretata da Claude Perron che si rivela il più interessante di tutta la banda in più di un’occasione.

In Italia gli incassi nelle prime settimane non sono stati grandiosi e difficilmente ci saranno colpi di scena, non è comunque da escludere nei prossimi mesi un buon risultato con la distribuzione in DVD.

Ambientato tra una splendida Venezia ed il confine con la Slovenia, The honeymoon è la nuova commedia, a tratti più romantica o più d’azione, scritta e diretta dal regista britannico Dean Craig. La pellicola è già stata proiettata in alcune limitate sale statunitensi a partire dal 16 dicembre 2022, mentre è disponibile nel Regno unito dal 29 dicembre sulla piattaforma streaming Prime video. Nel cast ritroviamo figure già recentemente note nel cinema internazionale: l’attore Lucas Bravo (l’affascinante chef Gabriel nella serie Emily in Paris) interpreta il boss Giorgio, mentre Maria Bakalova (Borat seguito di film) qui è nei panni di Sarah. Ritroviamo anche Asim Chaudhry(Black mirror: bandernastch, Wonder Woman 1984) nel ruolo di Bav  e Pico Alexander (Mike Shubin nel nuovo Gossip Girl) come Adam.

The honeymoon: una luna di miele indimenticabile

The honeymoon si apre con il matrimonio di Adam e Sarah. Bav, migliore amico di Adam e testimone di nozze, già si denota come un personaggio più che comico ed impacciato: sembra che abbia perso gli anelli all’inizio, per poi ritrovarli e farne cadere uno nel lago, fa un discorso per il brindisi alquanto discutibile.

Giorni dopo, la coppia felice si sta preparando per la partenza per il loro viaggio di nozze nella romantica Venezia, quando Adam riceve una chiamata da un Bav molto depresso ed abbattuto. Per paura che l’amico possa suicidarsi, Adam lo invita ad unirsi al loro viaggio di nozze. Qui a Venezia la convivenza tra i tre si dimostra essere da subito insostenibile; Bav, troppo attaccato all’amico, finisce sempre per mettersi tra i due innamorati.

Durante la vacanza i tre partecipano ad una festa organizzata da Giorgio, affascinante nuova conoscenza di Bav e boss mafioso. Qui Bav, con la sua goffaggine, rompe tutta una serie di opere d’arte dal valore inestimabile; per ripagare Giorgio, Bav e Adam diventeranno dei corrieri per la droga, trasportando cocaina oltre il confine con la Slovenia, lasciando Sarah come garanzia al boss.

Una action comedy

The honeymoon è caratterizzato dalla copresenza di scene d’azione, soprattutto nella seconda metà del film, e da una certa comicità tendente al demenziale. Emblema di questa comicità è il personaggio di Bav: amico di vecchia data di Adam, questo sembra non essere in alcun modo cresciuto e maturato, restando anche ancorato alla relazione da inseparabili che i due avevano da piccoli. Bav non ha filtri, non comprende cosa può essere considerato giusto da dire o fare in certi contesti, e, specialmente durante i primi giorni di luna di miele di Adam e Sarah, non si rende conto di essere eccessivamente invadente. Questo porta naturalmente al crearsi di contrasti anche accentuati tra la sposa ed il migliore amico, ponendo Adam in una posizione mediana tra  i due.

Altro elemento interessante di The honeymoon è la rappresentazione parzialmente stereotipata dell’Italia e degli italiani: è generalmente noto come nel panorama internazionale il bel paese sia noto solo per il cibo, l’arte e… la mafia! Ciononostante, pur risultando sgradevole per gli italiani ad essere rappresentati sempre come boss mafiosi, la presenza di tali stereotipi accentua la comicità della pellicola.

La rappresentazione di un’amicizia tossica

Un tema focale in The honeymoon è l’amicizia tra Bav  e Adam: amici da una vita, i due continuano ad essere come fratelli l’uno per l’altro. Bav cerca di mantenere tra i due lo stesso rapporto di quando erano adolescenti, volendo stare sempre col suo migliore amico e non rendendosi conto dei cambiamenti che ci sono stati nelle loro vite.  Questo crea tra i due quella che si potrebbe definire un’amicizia tossica: Adam ammette di stare con Bav per proteggerlo, e perché sono amici da sempre, ma lui stesso critica di continuo l’amico e ne è effettivamente infastidito. Bav, continuando ad aggrapparsi al passato, assilla l’amico, e non gli garantisce gli spazi ormai necessari; anzi, cerca di passare ancora più tempo con Adam, realizzando che, una volta sposato con Sarah, non sarebbero più stati amici come prima.

Focale è quindi il principio per cui anche le amicizie possono tramutarsi in relazioni tossiche e quasi soffocanti. Ed, inoltre, anche le amicizie stesse sono destinate a cambiare con il corso del tempo, ma, come afferma anche lo stesso Adam nel film, ciò non significa che l’affetto verso l’altra persona venga meno.

Con The Homesman Tommy Lee Jones torna dietro la macchina da presa dopo Le tre sepolture del 2005. Il suo nuovo film da regista racconta la difficile impresa di Mary Bee Cuddy (Hilary Swank), una donna indipendente che vive da sola nella frontiera americana dell’Ottocento e decide di assumersi il compito di trasportare tre donne malate di mente dal Nebraska fino all’Iowa. Durante il viaggio si imbatte in George Biggs (Tommy Lee Jones), un disertore dell’esercito a cui salva la vita. I due intraprendono questo viaggio insieme attraverso l’America, che li metterà a dura prova in un doloroso confronto di anime solitarie.

Tratto dall’omonimo romanzo di Glendon Swarthout, The Homesman attinge al genere western per l’ambientazione, i dialoghi essenziali e gli scenari dalle ampie distese desertiche, ma è un’opera che mostra senza pietà l’altra faccia del sogno americano: soprusi e avidità, prevaricazione sulla terra e sulla persona, soprattutto sulla donna. Le tre donne in preda alla malattia mentale sono vittime della terra spietata e della violenza subita dall’uomo, mentre Mary Bee Cuddy è una figura femminile che sotto l’apparenza autoritaria nasconde una profonda umanità e una fatale fragilità alimentata dalla solitudine.

Nonostante sia accompagnato da un valido cast di contorno, The Homesman si regge interamente su Tommy Lee Jones (che ha anche scritto e prodotto il film) e Hilary Swank, due fuoriclasse che mettono in scena un duplice viaggio di formazione che va incontro a un tragico colpo di scena, quando la trama lineare della narrazione giunge a una svolta che sovverte l’equilibrio del dramma.

La regia di Tommy Lee Jones è impeccabile ed è esaltata dall’elegante fotografia di Rodrigo Prieto. The Homesman mostra le scelte contrastanti dei personaggi che animavano questa America: la totale chiusura nelle proprie convinzioni, nelle barriere mentali o fisiche, come anche la disponibilità e la volontà di mettersi in discussione, con la determinazione del singolo che può confluire verso qualcosa di più grande.

Forse non è un paese per donne, ma di certo la gentilezza di piccoli gesti rimane nella memoria e insegna a convivere col rimpianto, trovando la forza di andare avanti e di continuare a seguire la strada che porta a Ovest.