Un film di animazione si affaccia timidamente nel concorso della 76° Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia, rappresentando un evento veramente raro. Si tratta di No.7 Cherry Lane (Ji yuan tai qi hao) di Yofan, un’opera dal forte impatto visivo, che narra una storia personale realmente vissuta, seppure raccontata con visionarietà.

Siamo a Hong Kong negli anni sessanta, dove il giovane e aitante Ziming è uno studente universitario, colto, appassionato di letteratura e sportivo. In quegli anni c’è un gran fermento sociale e culturale che influisce sullo stile di vita e porterà alle rivolte politiche e agli accadimenti turbolenti del 1967. Il ragazzo intraprende una relazione con la signora Yu, una donna trasferitasi da Taiwan durante i difficili anni del Terrore Bianco e che ora vive a Hong Kong come esule. Ma Ziming è attratto anche dalla giovane e bellissima Meiling, la figlia di Yu. Sarà l’inizio di un mènage à trois, tra film, libri, sogni e focosi incontri.

Il regista di No.7 Cherry Lane ha realizzato un film complesso ed elegante che racconta sé stesso in maniera molto intima e lo fa in maniera inconsueta, scegliendo come mezzo espressivo l’animazione. Dice: “Si tratta della storia di un amore disperato, farcito di ingredienti contraddittori: dentro e fuori, alti e bassi, vizio e virtù, guerra e pace, la bella e la bestia, est e ovest, eterodosso e classico, spirituale e fisico… il tutto mescolato a migliaia di immagini realizzate a mano che costellano l’intera pellicola.”

Yofan dichiara che questo film sia il suo primo tentativo nell’ambito dell’animazione, ma si fa fatica a credergli, visto il risultato finale di rara bellezza, di un’eleganza visiva e narrativa difficilmente raggiungibile senza una maturità poetica e tecnica. I colori sono splendidi, le texture e i tratti di pastello restituiscono moltiplicate le emozioni di trovarsi a Hong Kong in quegli anni, con aerei mastodontici che passano a pochi metri sopra i palazzi oscurando il sole, il cotone che fluttua sulla città come tiepida neve, la folta vegetazione che sembra voler inghiottire le architetture affastellate e avvinghiate con cavi e antenne. E poi le scene sono disseminate di presenze, animaletti, bimbi, piccoli elementi che contribuiscono a orchestrare una sinfonia vivace e ipnotizzante. Yofan aggiunge, a proposito della scelta dell’animazione “È solo attraverso questa forma d’arte che posso trasmettere il mio sentimento di ‘desolazione nello splendore’. È la mia lettera d’amore dedicata a Hong Kong e al cinema. Una storia che parla di ieri, oggi e domani. E soprattutto, è un film che parla di liberazione.”

No.7 Cherry Lane è un delicato libro illustrato che si sfoglia davanti agli occhi dello spettatore, cullandolo con musica e suoni che lo trasportano in un sogno ad occhi spalancati. Il ritmo è lentissimo, quasi esasperante, ma il punto di partenza è Alla ricerca del tempo perduto di Proust. Questo lo legittima e impone di abbandonarsi.

Tutti la ricordano per quel taglio così corto e quel pollice delicatamente passato sopra alle labbra, alla fine di Fino all’Ultimo Respiro, ma l’attrice Jean Seberg è stata protagonista di una delle più interessanti, misteriose e tormentate biografie. Questa biografia viene riproposta in Seberg, di Benedict Andrews, presentato Fuori Concorso a Venezia 76.

La storia ruota intorno alla periodo in cui l’attrice, divenuta il simbolo della Nouvelle Vague, decise di proseguire la sua carriera a Hollywood, della sua relazione clandestina con un attivista per i diritti dei neri, del suo finanziamento alle Pantere Nere e della sua intensa attività sociale. L’attrice diventa così d’interesse del FBI che la spia secondo il protocollo illegale voluto da Hoover, il COINTELPRO. Questo processo porterà l’attrice a un tracollo personale che la spingerà addirittura a tentare il suicidio.

Andrews sceglie Kristen Stewart per interpretare l’avvincente biografia della Seberg, peccato che non faccia lo stesso con il tono e l’angolazione del racconto. Il fuoco del racconto, infatti, si sposta di continuo dall’attrice al privato di uno degli agenti del FBI incaricati di spiarla, passando anche per la vita privata dell’attivista per i diritti dei neri che ebbe una storia d’amore con Jean.

Questa mancanza di direzione rende il film un compendio biografico che informa di una storia, romanzando dove possibile, senza aggiungere un valore cinematografico al progetto che pure vede coinvolta la Stewart che è una delle giovani attrici più richieste e amate del cinema d’autore. Lei, dal canto suo, offre un’ottima performance, giocando alla diva degli anni ’60, scivolando in abitini, costumi da bagno e vestiti di scena con grande agilità e restituendo parte della forza e della determinazione, ma anche della fragilità di questa donna così affascinante e misteriosa.

Il film vuole essere principalmente un omaggio alla figura della Seberg, un ricordo, nemmeno troppo commosso, di una storia dimenticata.

Il veterano della mostra Olivier Assayas, dopo  Doubles Vies  dello scorso anno, porta in concorso a Venezia il suo nuovo film Wasp Network, storia ambientata a Cuba negli anni novanta e interpretata tra i tanti attori da Gael García Bernal e Penélope Cruz.

Nel film, basato su una storia realmente accaduta, è raccontata la storia dei cosiddetti “Cinque Cubani”, ovvero cinque prigionieri politici (in realtà erano molti di più), accusati di spionaggio, omicidio, traffico di droga e altri crimini e condannati a molti anni di carcere dal governo Americano. Tra loro c’è René González, un pilota cubano, che rubò un aereo e fuggì da Cuba, abbandonando la moglie e  la figlia. González, una volta arrivato in Florida si costruì  una nuova vita a Miami, entrando in contatto con altri dissidenti, tutti impegnati nella destabilizzazione del regime di Castro, ma in realtà si trattava di agenti che dovevano raccogliere informazioni per sventare atti terroristici a Cuba a danno dei turisti stranieri. Il gruppo di infiltrati venne chiamato Wasp Network. La vicenda narrata nel film inizia nel 1990, proprio con la fuga di René González, per intrecciarsi poi con altre fughe ed espatri, in una ragnatela di intrighi, bugie e continui voltafaccia.

Olivier Assayas pensa che i fatti accaduti durante tutto il periodo della Guerra Fredda abbiano influenzato il pensiero della sua generazione e delineato i contorni del presente. Le ceneri di quei conflitti ardono ancora, anche se poco visibili, ma possono riprendere facilmente vigore e bruciare nuovamente. Per questo motivo ha scelto di raccontare in Wasp Network la storia di uno di questi avvenimenti, nella convinzione che la distanza storica sia ormai tale da poterne discutere. Sicuramente non distaccandosene, ma potendo “fruire di libertà e rigore in un’analisi magnanima, seppur prudente. Senza farsi ingannare dalle maschere dell’ideologia.” Assayas si dichiara interessato alla storia moderna vista attraverso la lente della sua umanità e chiamando in causa Shakespeare dice: “La politica, come la vita, è un racconto narrato da uno stolto, pieno di rumore e furore, che non significa nulla. Ma è di questa passione che gli uomini vivono. E muoiono.”

Wasp Network è ben costruito e descrive esaurientemente tutte le figure, gli intrecci e le motivazioni che spinsero i personaggi reali fare scelte così difficili. Tutto il cast è centrato e credibile. Su tutti spicca l’interpretazione di Penélope Cruz, nel ruolo della moglie del pilota, abbandonata a cuba con la figlia piccola. Ma il film di Assayas manca di ritmo, in molte sequenze la narrazione diviene didascalica e mera illustrazione di una descrizione necessaria alla comprensione dello svolgimento dei complessi fatti. Lo svolgimento della vicenda, che si dipana su oltre un decennio, non aiuta certo ad alleggerire.

Dopo la prima stagione di The young Pope , che era stata proiettata in anteprima a Venezia nel 2016, Paolo Sorrentino presenta un goloso assaggio della nuova serie. Il titolo cambia in The new Pope  per assecondare  l’andamento narrativo della storia. Sono stati presentati il secondo e il settimo episodio, puntellati da un riassunto della prima serie e di uno di collegamento tra le due puntate. Il cast è ricchissimo, composto da nomi internazionali: Jude Law, John Malkovich, Silvio Orlando, Cécile de France, Javier Cámara, Ludivine Sagnier.

La storia riprende dopo l’infarto del giovane Papa nel finale della prima stagione. Ora Pio XIII è in coma e sembra destinato a non riprendersi. Passati alcuni mesi viene proclamato un nuovo pontefice che però muore in circostanze sospette. Il Cardinale Voiello si opera allora, con tutto il suo potere politico, a far salire al soglio pontificio Sir John Brannox, un aristocratico inglese, affascinante e sofisticato, che prende il nome di Giovanni Paolo III. Il nuovo papa sembra perfetto, ma cela debolezza e segreti. Pio XIII sembra ormai destinato a essere solamente ricordato e venerato, ma  forse i miracoli sono sempre possibili.

The new Pope conferma in pieno lo stile inconfondibile di Paolo Sorrentino. Bastano pochi fotogrammi per riconoscere il suo modo di raccontare, fatto di simmetrie geometriche innaturali, di scene al rallentatore esasperate, di musica pop e tecno, di nudi femminili e maschili, di colori acidi e luci al neon. E’ uno stile che film dopo film si evolve, o meglio lievita, come un impasto impazzito che potrebbe anche rischiare di esplodere, imbrattando tutto. Gli stilemi si fanno reiterati e insieme a grande bellezza e  fascino visivo si ha la sensazione di patinatura, di estrema impalcatura estetica che spesso vorrebbe soffocare i contenuti. E’ un male? Certamente no. Tanti autori, dai quali Sorrentino sembra attingere a piene mani, hanno fatto lo stesso, costruendo la propria poetica espressiva sull’eccesso e sulla costruzione barocca e provocatoria.

Nel vedere The new Pope come si fa a non pensare a Peter Greenaway, a Derek Jarman, a Federico Fellini, a Ken Russell, solo per citarne alcuni. Forse è citazionismo, o forse è uno studio accurato di riferimenti importanti per la costruzione di uno stile personale, che si nutre di arti figurative con golosità. Per Sorrentino il volgare si sposa con l’eleganza, la trivialità si eleva a stile, il sacro abbraccia il profano e la blasfemia è così ruffiana da apparire ammaliante. Vedendo The new Pope si avvertono sensazioni simili a quelle che si provano nell’ammirare una fotografia di David La Chapelle, o una scultura di Jeff Koons, o anche un opera di Damien Hirst. Si può rimanere stupefatti, indignati, affascinati, o magari anche schifati, o offesi. E questo è bello. Vuol dire che sta succedendo qualcosa di positivo nella serialità televisiva, che stiamo parlando di una serie che strappa i confini dello schermo, cinematografico o televisivo che sia, e che pone l’opera in territori di sperimentazione che sembravano persi a favore della speculazione.

La capacità di narrazione di Sorrentino è notevole e la descrizione dei tanti personaggi risulta perfettamente calibrata, scritta in punta di pennino da un abile affabulatore moderno, con calligrafia elegante e mai ovvia. Gli interpreti sono tutti azzeccati, nella loro caratterizzazione forzata che li rende pupazzi, burattini alla mercé di un estroso burattinaio. Spiccano Jude Law e John Malkovich, per aver dato spessore e sfumature a due uomini misteriosi, apparentemente impenetrabili, con dubbi e tormenti profondi, ma che rappresentano il più alto punto di riferimento per gran parte dell’umanità.

The New Pope di Paolo Sorrentino conferma l’originalità e la fascinazione di The Young Pope e si conferma una serie che rompe violentemente gli schemi e allarga lo sguardo verso progetti di grande respiro espressivo, uscendo finalmente dalla mera commercialità.

Adattamento dell’omonimo testo teatrale di Eduardo De Filippo, Il Sindaco del Rione Sanità è il nuovo film di Mario Martone, in Concorso a Venezia 76. Modificando alcuni elementi dell’originale, il regista tenta di dare una nuova attualità all’opera, avvalendosi di giovani attori del panorama teatrale partenopeo e di alcuni volti molto noti del cinema, trai quali spicca Massimiliano Gallo, sempre in grande forma.

Antonio Barracano, “uomo d’onore” che sa distinguere tra “gente per bene e gente carogna”, è “Il Sindaco” del rione Sanità. Con la sua carismatica influenza e l’aiuto dell’amico medico amministra la giustizia secondo suoi personali criteri, al di fuori dello Stato e al di sopra delle parti. Chi “tiene santi” va in Paradiso e chi non ne tiene va da Don Antonio, questa è la regola. Quando gli si presenta disperato Rafiluccio Santaniello, il figlio del fornaio, deciso a uccidere il padre, Don Antonio, riconosce nel giovane lo stesso sentimento di vendetta che da ragazzo lo aveva ossessionato e poi cambiato per sempre. Il Sindaco decide di intervenire per riconciliare padre e figlio e salvarli entrambi. Nei panni di Antonio Barracano c’è Francesco Di Leva, di trent’anni più giovane di Eduardo, quando mise in scena la prima volta il testo nello stesso ruolo. Uno spostamento, e soprattutto un cambiamento di look, laddove l’incarnazione anziana era elegante e quella giovane è appariscente, che sono sintomatiche del lavoro di spostamento verso una contemporaneità in cui i boss non diventano vecchi, oppure lo sono già a 40 anni.

Il Sindaco del Rione Sanità, il film

Il testo di Eduardo al cinema è inizialmente forzato, ostico, teatrale nel senso negativo del termine perché sembra non sposarsi con i ritmi di un racconto filmato, ma man mano che entriamo nella vicenda, ci abituiamo all’enfasi e scopriamo cosa qual è il racconto principale, dove va a parare e soprattutto che razza d’uomo è questo signorotto un po’ sgradevole nei modi autoritari, con un fine nobile però, tanto che arriva a sacrificare la sua vita, più o meno volontariamente, per la pace nel suo rione. Martone trasla i tre atti su grande schermo, e si avvale di interpreti efficaci e dedicati, così che la sua messa in scena de Il Sindaco del Rione Sanità, al netto dello spostamento del testo originale, riesce comunque a restituire il contenuto altissimo che Eduardo aveva dato alle parole di Barracano. Certo, l’effetto straniante rimane, ma la potenza delle parole travalica il tempo.

È stato proiettato in concorso uno dei film più attesi della 76° Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia, Joker di Todd Phillip, interpretato da un superlativo Joaquin Phoenix, nei panni del noto, quanto ilare, acerrimo nemico di Batman.

Nei film di supereroi, ma anche nei fumetti o nella letteratura, i nemici e i cattivi destano da sempre empatia e fascino, tanto da surclassare spesso le meste figure, che bardandosi con la bandiera del bene e dell’ordine pubblico, si prodigano per combatterli. Joker è di certo uno dei più popolari di questi antieroi e il ritratto che ne costruisce Todd Phillips contribuisce a donargli spessore, umanità e motivazioni. Il suo oscuro affresco metropolitano fa comprendere che il male non è sempre dalla stessa parte e che molte volte i paladini della giustizia combattono contro chi ha invece ragione da vendere. Joker è intriso di tanta disperazione e forse avrebbe anche più diritti rispetto a chi lo combatte e deve mantenere il controllo della legalità.

La storia si sposta indietro nel tempo, a cavallo tra gli anni settanta e ottanta, quando Bruce Wayne/Batman era ancora un bambino, in una fatiscente Gotham City , molto simile a NY, afflitta da sporcizia e invasioni di ratti, regno sudicio di violenza e disperazione e dove la lotta della sopravvivenza è all’ordine del giorno, soprattutto per i deboli e i derelitti. Il giovane Arthur Fleck racimola i pochi soldi per sopravvivere esibendosi come clown in strada o negli ospedali pediatrici, ma è continuamente vittima di aggressioni e scherno che minano il suo già fragile equilibrio psichico. Soffre di un disturbo emotivo che lo costringe a fare continuo uso di psicofarmaci e a essere monitorato dai servizi sociali. Quando è colto dall’emozione scoppia in un riso incontrollabile, isterico e forzato,  che non riesce a reprimere. Il sogno di Arthur è quello di diventare un comico e di esibirsi nei locali, ma viene deriso ed emarginato in modo crudele.  Un giorno, durante l’ennesima aggressione, al culmine della sopportazione, ha una reazione che cambierà per sempre il corso della sua vita.

Joker va oltre le tante storie che i film di supereroi ci hanno raccontato, è un viaggio nel profondo della psiche di un uomo al quale tutto è negato, non è permesso essere normale, nato in un posto sbagliato, in un momento sbagliato, tra persone sbagliate. Non ha colpe, non ha mai fatto nulla di male, non è cattivo, non pretende nulla di più del condurre una vita ordinaria, di amare e di essere amato. La madre gli ha imposto fin da bambino di sorridere e lui lo fa, si sforza di farlo, si allarga la bocca con le dita per apparire sorridente, si dipinge con i colori del pagliaccio. Ma è tutta apparenza, la gioia non si esprime semplicemente con il sorriso. Per lui le fondamenta della felicità sono marce dal profondo e al suo orizzonte si stagliano solamente i cancelli del tetro Arkham Asylum, il manicomio di Gotham City.

Todd Phillips racconta con piglio energico e concitato una storia tragica e rivela l’inizio di una vicenda fin troppo conosciuta. La mostra da un’angolazione completamente diversa, così differente da farci sperare che da grande quel piccolo, mesto insignificante rampollo viziato che si chiama Bruce Wayne, abbia sorte differente. Costruisce una Gotham City lontana dai fumetti e dall’immaginario comune, tradendo ogni aspettativa. La città è più affine ai contesti urbani della saga de La notte del giudizio, piuttosto che alle architetture gotiche Bartoniane o alla maestosità degli edifici esibiti da Nolan. La fotografia, il suono e la musica contribuiscono nella costruzione di un mondo credibile, che si avverte essere fuori dalla porta di casa e non allocato nei meandri dell’immaginazione, come troppo spesso avviene in questo genere di film. Non ci sono effetti speciali o elementi prodigiosi, ma solo lacrime, sudore, sangue, che sciolgono in continuazione il cerone bianco da pagliaccio e si confondono col rosso sbafato del sorriso sforzato di Joker. E poi c’è dolore, tanto dolore. Todd Phillips sembra sussurrarci all’orecchio che anche noi potremmo essere Arthur Fleck. E noi dovremmo preoccuparcene.

Il regista racconta di essere stato sempre attratto dalla complessità del personaggio di Joker, pensando che sarebbe stato appassionante esplorarne le origini, oltretutto nessuno lo aveva ancora fatto, salvo sporadiche narrazioni inserite nei vari film che lo vedevano presente. Ragione fondamentale del suo fascino, risiede proprio nel mistero oscuro del non avere un’origine precisa. Phillips sostiene che in fase di scrittura ha voluto conservare gli elementi di riconoscibilità e ha pensato sempre a Joaquin Phoenix, perché è un attore che quando recita è capace di trasformazioni sorprendenti, andando oltre i limiti. E non si può dare torto a questa felice intuizione, perché il film si regge tutto sulle spalle scheletriche di Joaquin Phoenix, sul suo volto capace di espressioni furastiche che tradiscono celata tenerezza, di smorfie crudeli e di profonde esternazioni di sofferenza. E’ in grado di esibirsi in balli squinternati, di raggomitolarsi su se stesso come un randagio impaurito, di esplodere in improvvisi lampi di cieca violenza, di cadere come un sacco di stracci e di rialzarsi come se tutte le ossa del suo scheletro siano frantumate. Joaquin Phoenix non interpreta Joker, è Joker.

Joker di Todd Phillips è un film oscuro, convincente, tagliente, raccontato con la minuzia di uno psichiatra. Scandaglia le origini profonde di un personaggio diventato mito, supera i canoni e gli stereotipi del genere e regala una delle più toccanti interpretazioni di Joaquin Phoenix. Joker è però altamente sconsigliato agli ammiratori irriducibili dell’uomo pipistrello.