Leopold Socha (Robert Wickiewicz) è un operaio che arrotonda il suo stipendio con qualche furto. Conosce le fognature di Lvov come le sue tasche: quei cunicoli sotterranei dove nessuno metterebbe piede sono sia il suo posto di lavoro, sia il nascondiglio per la sua refurtiva.

Durante il 1943 l’uomo, in ricognizione tra i canali, si imbatte in un gruppo di ebrei che vuole nascondersi nelle fogne per sfuggire all’imminente rastrellamento del ghetto. Deciso a non farsi sfuggire un’occasione di guadagno, stringe un patto con loro: non li denuncerà e, anzi, li aiuterà a orientarsi nel labirinto sotterraneo, solo in cambio di una grossa somma di denaro.

Gli ebrei, soprattutto il giovane Mundek (Benno Fürmann), sono inizialmente rassegnati e diffidenti nei confronti del polacco, ma poco a poco, testimoni dei rischi crescenti che l’operaio si assume nel tentativo di salvarli, si affezionano a lui.

Recensione film In Darkness di Agnieszka Holland

Il tempo passato nell’oscurità, la mancanza d’aria e la convivenza forzata tra i rifugiati, portano lentamente alla luce gli aspetti migliori e quelli peggiori dell’animo umano, l’amore e la follia, la disperazione e la tenerezza, la fiducia e l’odio, in un affresco potente che riesce nell’intento di ricordare al pubblico una delle pagine più nere della storia del Novecento.

In Darkness, infatti, porta sullo schermo la vera storia degli ebrei salvati da Leopold Socha, ed è tratto da un libro, Nelle fogne di Lvov di Robert Marshall, che narra proprio di quei 14 mesi di prigionia forzata messa in atto per evitare la deportazione.

La regista Agnieszka Holland, però, in accordo con lo sceneggiatore David F. Shamoon, evita di trasporre nel film gli orrori del libro e cerca piuttosto di sondare i sentimenti di alcuni uomini e donne trovatisi a dover fare delle scelte difficili al limite del comprensibile e a vivere in condizioni quasi inumane.

Con un uso della fotografia decisamente metaforico, che vede scene buie e soffocanti nelle fogne con il solo Socha illuminato costantemente (come portatore di luce) e una durata notevole, due ore e mezza, la Holland lascia a chi guarda il compito di immedesimarsi nei corpi dei rifugiati e trascina, anche per poco, il pubblico sottoterra, preda della paura, della noia, del freddo.

Un film non facile, talvolta claustrofobico, che prova a usare diversi registri e a mettere a fuoco personaggi complessi, per narrare la non banalità del bene e l’eroismo di un uomo lontano dai canoni dell’eroe.

Da sottolineare soprattutto i contrasti, resi con dei dolly che sembrano spezzare il confine che divide la città dalle fognature, tra il mondo luminoso in cui scorre la vita della città di Vlov e la condizione di Mundek, Klara e degli altri ebrei.

In Darkness è un film da vedere per riflettere, per scuotersi dal torpore, per porsi delle domande.

In uscita il 24 gennaio, non a caso in prossimità del Giorno della Memoria.

Il regista di fama Tim Burton torna al cinema con un film in animazione stop-motion (passo a uno) Frankenweenie, adattamento in stop motion di un cortometraggio omonimo realizzato dallo stesso Burton nel 1984, chiaramente ispirato al romanzo Frankenstein di Mary Shelley.

In Frankenweenie il piccolo Victor Frankenstein assiste alla tragica morte del suo amato cagnolino Sparky, investito da un automobile per recuperare una palla finita in strada. Dopo momenti di tristezza profonda, Victor ha un idea folgorante, scaturita durante le lezioni di scienze di un arcigno professore dai metodi strampalati. Emulando gli esperimenti di Galvani sulle rane, Victor appronta un laboratorio in soffitta e restituisce la vita a Sparky sfruttando l’elettricità dei fulmini. Ma qualcuno lo spia, è invidioso, e darà il via ad un gioco strambo e molto pericoloso per la tranquilla cittadina di New Holland.

Frankenweenie riporta Tim Burton nell’animazione stop-motion

Terza incursione di Tim Burton nell’universo dell’animazione stop-motion dopo Nightmare before Christmas e La Sposa Cadavere, bisogna dire che quando questo avviene ci troviamo veramente di fronte all’anima più profonda e spontanea dell’autore. A differenza degli ultimi suoi film con attori, qui tutto funziona alla perfezione, il racconto cattura e avvince, si provano sentimenti sinceri per i vari personaggi, anche per quelli meno importanti, e soprattutto si sogna. Frankenweenie è il rifacimento ampliato di uno dei suoi primi lavori. Si trattava di un mediometraggio in bianco e nero prodotto dalla Disney, con Shelly Duvall come protagonista e già pregno di tutta la poetica e lo stile di Tim Burton. Nella nuova versione la storia rimane la medesima, ma viene arricchita e popolata di un riuscito microcosmo di personaggi, ognuno perfettamente caratterizzato.

Oltre a Victor, Sparky e ai genitori, c’è un odioso vicino con la nipote Elsa e la sua cagnolina Persefone (con la stessa acconciatura di Elsa Lancaster in La moglie di Frankenstein), Edgar, un ragazzino disadattato, maligno e pasticcione, il signor Rzykruski, l’insegnate di scienze, dalle fattezze incredibilmente simili a quelle di Vincent Price, il Signor Baffino, il gatto di Stranella. E poi ci sono una serie di mostri che omaggiano tutto il cinema di fantascienza degli anni 50-60, ma anche quello più recente di Joe Dante; come non riconoscere nelle scimmiette d’acqua un affettuoso omaggio ai Gremlins?

L’animazione, ad opera di Trey Thomas, è strepitosa, anche se non perfetta come nel precedente film La Sposa Cadavere. Alcuni materiali, come lana, pelo, erba, non obbediscono agli animatori e si ribellano. Ma sono proprio queste piccole imperfezioni, sottolineate da uno splendido bianco e nero, a conferire all’opera il pregio dell’artigianalità, elevandola così a qualcosa di unico e personale, dando scacco matto all’animazione di sintesi 3D, ormai, in una fase di stallo. I disegni semplici ed elementari di Tim Burton acquistano tridimensionalità, e si arricchiscono di delicate texture che caratterizzano la loro pelle, piccoli graffi o segni di spatola che ricordano il tratteggio delle opere di Edward Gorey. I materiali dei costumi sono strepitosi e sembra di poter toccare i maglioni di lana grossa fatti a mano e i cenci da laboratorio intrisi di ripugnanti sostanze. E’ un film da vedere assolutamente, andando prima però a riscoprire il Burton delle origini e i suoi primi lavori, in particolare il cortometraggio Vincent.

Gabriele Muccino torna al cinema dopo Sette Anime, e lo fa con Quello che so sull’amore: una commedia sui sentimenti, sulla maturità e sulla necessità di crescere. Il regista italiano trapiantato a Hollywood racconta la storia di un ex calciatore professionista che cerca di recuperare il rapporto con il figlio, mentre la sua ex moglie sta per risposarsi. Impantanato in un’esistenza infantile, il protagonista di Quello che so sull’amore si trova una via di salvezza nella relazione con suo figlio, diventando l’allenatore della sua squadra di calcio e suscitando grande scompiglio nelle mamme single dei ragazzini. Alla fine però, il nostro cercherà di emergere dal baratro del fallimento innescando una serie di reazioni impreviste e cominciando, per la prima volta, a prendersi delle responsabilità verso le persone che ama.

Il film di Muccino è una storia semplice e lineare, che dall’inizio annuncia il suo lieto fine, con uno svolgimento un po’ insolito per il regista, che in Italia ci aveva abituato a storie tragiche e donne isteriche. Quello che so sull’amore non racconta nulla di tutto ciò, mostra solamente, in tono purtroppo piatto, una piccola parte della vita di una persona, nel momento in cui decide di diventare un uomo diverso. Ad interpretare il protagonista è Gerard Butler, affiancato da un gruppo di bellissime capeggiato da Jessica Biel, a cui fanno seguito Catherine Zeta-Jones e Uma Thurman.

Piccolo e colorito ruolo anche per Dennis Quaid che sembra calato a pennello nel personaggio del viscido riccone. Il film arriva in Italia dopo un sonoro insuccesso al botteghino in America che ha fatto discutere molto intorno alla validità del film. In realtà, lungi dall’essere un film di Muccino, quello in questione è una classica commedia americana a sfondo romantico, in cui dopo tante scelte sbagliate i protagonisti si ritrovano e si perdonano. Unica nota diversa è che il film manca di brio e di spinta, rivelandosi un ozioso trascinarsi in avanti di scene, legate da una trama, ma senza nessun sobbalzo emozionale. Un po’ in ombra anche la colonna sonora del sempre bravo Andrea Guerra, che continua la fortunata collaborazione con Muccino, ma che qui si distingue un po’ meno rispetto al suo solito.

Sappiamo però bene che Gabriele riesce a realizzare ottimi film, e anche in questo caso, la sua regia accompagna di discrezione gli eventi, riservandosi qualche guizzo estetico, senza però strafare. Quello che so sull’amore è un film godibile, senza pretese, che siamo sicuri possa riscuotere un buon successo qui in Italia, soprattutto considerando il forte seguito che il regista continua ad avere in patria.