Black Panther: l’anello di T’Challa ha dei poteri?

The Secret Scripture è stato presentato all’undicesima edizione della Festa del Cinema di Roma nella Selezione Ufficiale. Era dal lontano 2011, quando uscì il dimenticabile Dream House, che il regista irlandese Jim Sheridan, famoso per opere più che notevoli come Il Mio Piede Sinistro e Nel Nome del Padre (entrambi con Daniel Day-Lewis), mancava dalla regia di un film.

C’era dunque abbastanza curiosità attorno a questo suo The Secret Scripture, adattamento cinematografico del bestseller omonimo (edito in Italia col titolo Il Segreto) scritto da Sebastian Berry e uscito nel 2008. Il film, esattamente come il libro, racconta la storia di Roseanne McNulty, rinchiusa da oltre 50 anni in un ospedale psichiatrico in Irlanda e seguita quotidianamente dal suo psichiatra, il Dr. Grene. In gran segreto, Roseanne si dedica ogni giorno alla stesura della sua autobiografia in cui ripercorre la sua vita durante gli anni della Seconda Guerra Mondiale (a differenza del romanzo, dove il passato si colloca durante la guerra civile irlandese), dall’amore con il pilota Michael Eneas fino all’accusa di infanticidio che la condusse ad una vita di povertà e solitudine. Parallelamente, anche il Dr. Grene sta scrivendo un diario su Roseanne, ma le sue ricerche non coincidono con i racconti della donna…

The Secret Scripture, il film

Si rimane davvero basiti di fronte alla scarsa qualità di questo nuovo lavoro di Sheridan, un melò enfatizzato e irritante nella messa in scena, dalla regia scialba e anonima alla fotografia accesa e patinata, fino alla tediosa colonna sonora che non fa altro che marcare l’aspetto drammatico dell’intera vicenda, appesantendo la struttura generale del film, invece di alleggerirla.

Il regista, autore anche della sceneggiatura insieme a Johnny Ferguson, estrapola e stravolge i punti salienti dal romanzo originale e li unisce con una superficialità aberrante, realizzando un’opera rancida, dal linguaggio ormai sorpassato, dove una storia interessante sulla carta viene rimpastata e ingiustamente ridicolizzata, e dove risulta impossibile empatizzare con la sua sventura protagonista.

Anche la scelta del cast si rivela fallimentare: se già è difficile immaginare che Rooney Mara (uno delle attrici più brave della sua generazione, qui totalmente vittima degli svarioni di scrittura e regia) possa diventare, in età avanzata, come Vanessa Redgrave (tristemente relegata ormai allo stesso tipo di ruolo da anni), la controparte maschile del film, formata da Theo James (The Divergent Series) e Jack Reynor (Transformers 4 – L’Era dell’Estinzione), risulta assolutamente fuori parte e incapace di reggere il confronto con la maturità che un’interprete come la Mara riesce a far trasparire ad ogni singola inquadratura, (indipendentemente dal risultato finale).

The Secret Scripture è un dramma disorganico che resta indigesto. Un delle peggiori trasposizioni cinematografiche degli ultimi anni, che proprio nell’adattamento della fonte letteraria trova il suo tallone d’Achille, trascinandosi per 108 insostenibili minuti tematiche mai realmente approfondite, auspicando a una tensione che non si concretizza mai e approdando ad un finale imbarazzante per la sua prevedibilità.

La guerra, nelle sue terribili forme, è stata più volte raccontata al cinema, da documentari e film di fiction; nella sua terribile crudeltà e violenza è anche la protagonista di Naples ’44, il documentario che Francesco Patierno ha costruito basandosi sulle memorie di Norman Lewis, soldato dell’esercito britannico di stanza a Napoli durante la fine della seconda guerra mondiale. Le memorie, raccolte in una pubblicazione omonima, sono in forma di diario, in cui Lewis racconta la sua esperienza a Napoli, dopo servì nella “Field Security Service” dell’Intelligence Corps, dal settembre del ’43, subito dopo l’Armistizio, all’ottobre del ’44.

Il documentario Naples ’44 è il racconto illustrato di questo diario, narrato dalla calda voce di Benedict Cumberbatch nella versione internazionale, dallo sbarco di Lewis a Salerno fino alla lettera dei superiori che gli comunicavano il trasferimento a Taranto, per un’altra mansione.

Patierno sceglie stralci di racconto precisi, che si concentrano sulle condizioni della città, sulla mancanza di luce e acqua e sulla fame che soffrivano i cittadini in tempo di guerra, ma anche sull’ingegno della popolazione, sulla collaborazione servile di cui godeva l’esercito degli Alleati da parte degli autoctoni, sulle brutture di una città in rovina e anche sulle sue indiscusse bellezze paesaggistiche e culturali. Passando per l’eruzione del Vesuvio, che infierì su una popolazione già allo stremo, fino alla festa di San Gennaro, con annesso miracolo.

Patierno sceglie di accompagnare il racconto verbale con una composizione variegata di immagini: ci sono i filmati di repertorio, le ricostruzioni, le sequenze di film ambientati in quell’epoca e le scene realizzate ad hoc, che seguono un attore, nei panni dell’anziano Lewis, che torna a camminare per i vicoli e le stradine della Napoli di oggi, ricordando il suo passato.

Il risultato di questa composita mescolanza di formati, immagini, parole e argomenti crea un ritratto oggettivo, che non risparmia gli aspetti più crudi e sporchi di Napoli e dei napoletani, ma che allo stesso tempo resta irrimediabilmente incantato dalla bellezza di un mondo che, seppure in guerra, sembra chiuso in una bolla magica di poesia, che si mostra in ogni sorriso, espediente, gesto di cortesia e di accoglienza che la popolazione partenopea ha riservato ai soldati liberatori. Non si risparmia però anche l’aspetto negativo della presenza delle truppe Alleate come disturbatrici degli equilibri della società.

Naples ’44 è un documentario lucido e poetico, commovente nella parte finale e sapiente nella scelta di parole e immagini che riescono a tratteggiare un periodo storico doloroso in una città splendida e terribile, lodando e condannando, descrivendo e commentando, alla fine eleggendo a patria adottiva un posto contro cui l’uomo e la natura si accanisce ogni giorno, ma in cui l’umanità riesce a sopravvivere.

Una è stato presentato all’undicesima edizione della Festa del Cinema di Roma nella Selezione Ufficiale. Una Spencer è una ragazza tormentata dal passato che conduce una vita sgregolata fatta principalmente di locali notturni e incontri sessuali occasionali. Un giorno Una si presenta senza preavviso sul posto di lavoro di Ray Brooks, un uomo più grande di lei, con il quale la giovane chiede insistentemente di poter parlare. A pochi minuti dal loro incontro verrà a galla una verità inconfessabile che minaccia di mandare in pezzi la vita di Ray.

Adattamento cinematografico dello spettacolo teatrale di David Harrower (autore anche della sceneggiatura del film), Una è un dramma che scuote il senso del pudore dello spettatore, mettendolo a disagio nello scandagliare l’intimità di una storia d’amore inconcepibile per la morale comune.

Il regista australiano Benedict Andrews debutta alla regia di un lungometraggio costruendo un’opera in parte influenzata dal materiale di partenza nella sua impostazione teatrale, dove i luoghi si trasformano in spazi poetici capaci di evocare l’intensità claustrofobica di un incubo dal quale i due protagonisti non riescono a liberarsi.

Una recensione del film con Rooney Mara

Andrews cattura le contraddizioni e le afflizioni in un testa a testa tra vittima e carnefice sottile ed ambiguo, fino a spingere il pubblico a provare un’inquieta e nervosa complicità nei confronti di un amore malato che ha distrutto per sempre – anche se in maniera diversa – la vita di entrambi. Il posto di lavoro di Ray diventa il luogo ideale in cui desiderio, abuso, colpa e necessità si legano indissolubili, un vero e proprio purgatorio in cui gli ambienti freddi e anonimi sono in meraviglioso contrasto con le violente e furiose emozioni provate dai personaggi.

Rooney Mara è assolutamente perfetta (anche fisicamente) nel ruolo di Una, donna instabile, dedita alla ricerca spasmodica di vendetta e redenzione, che si fa portatrice di un dolore interiore (ed esteriore) che le impedisce di voltare pagina. Ben Mendelsohn è torbido e magnetico, ottimo contraltare in una storia dove la fisicità degli attori – inclusi i loro sguardi – gioca un ruolo fondamentale ai fini della reale comprensione di un dramma del dolore che lascia tutti emotivamente indifesi, dentro e fuori lo schermo.

È qui allora che risiede la potenza devastante e inoppugnabile di Una: nella capacità di renderci testimoni instabili e mutevoli di una storia controversa e problematica, di spingerci nella sua contrapposizione tra passato e presente a simpatizzare con il diavolo senza imporci realmente verso chi schierarsi. Il labirinto oscuro e inquietante nel quale si ritrovano Una e Ray è lo stesso che imprigiona lo spettatore messo di fronte all’inconcepibile, prima di uscirne scosso, travolto, eppure inspiegabilmente affascinato.

Che bello quando il cinema racconta storie inconsuete, quando ti imbatti in qualcosa di tanto semplice quanto originale, quando un film ti cattura, ti fa sorridere, ti fa riflettere, ti fa commuovere senza cadere in facili colpi di scena e soprattutto ti fa volere bene a quel manipolo di personaggi squinternati, colorati, forastici, che si muovono sullo schermo. Captain Fantastic di Matt Ross è tutto questo.

In Captain Fantastic Ben Cash (Viggo Mortensen) vive per scelta in totale isolamento nel profondo delle foreste del Nord America. Risiede insieme ai suoi tanti figli, in una sorta di comunità alternativa dove rigore e disciplina sono un valore fondamentale. I figli, dalla più piccola di circa cinque o sei anni, al più grande più che ventenne, studiano, leggono, si allenano nella lotta corpo a corpo, nell’arrampicata su roccia, cacciano e coltivano quello che serve loro come sostentamento.

Festa di Roma 2016: Viggo Mortensen è Captain Fantastic

Captain Fantastic è prima di tutto un film sulla difficoltà dell’essere genitori, del riuscire a crescere i propri figli nel modo corretto, cercando di proteggerli, educarli, ma al tempo stesso preparandoli ad affrontare il mondo. Matt Ross lo racconta in un modo del tutto originale, costruendo una favola moderna credibile, che affascina per sensibilità e schiettezza e colpisce per la sua dirompente originalità, in un panorama ormai asfittico di una penuria di idee che si nutre di remake, sequel e prequel. Ross riesce a spostarsi con naturalezza e vivace disinvoltura dall’ironia al dramma, dalla commozione alla riflessione, senza mai cadere nel banale o in schemi prefissati.

Captain Fantastic si muove leggero, sottolineando temi importanti e toccando le corde di un arcobaleno di sentimenti. Ross ha una regia sapiente, mai sovrastante alla narrazione, funzionale alla storia, ma originale per scelte e ritmi. Le scenografie e le ambientazioni sono mozzafiato, dalle grandi foreste alle pareti rocciose, dalle autostrade agli agglomerati urbani. I costumi poi sono una vera delizia per gli occhi, così colorati, retrò, ricchi di dettagli ed elementi che fanno guizzare l’immaginazione.

Come non sciogliersi in estasi visiva nel vedersi parati in chiesa tutti i componenti della famiglia di Ben vivacemente vestiti a festa, con abiti che rimandano alla moda hippy anno 70’, coroncine di fiori, amuleti dei nativi americani, maglioni e vestiti variopinti lavorati a mano e ciliegina sulla torta: la maschera antigas indossata dalla bimba più piccola.

E poi gli attori. Da un superlativo Viggo Mortensen a un manipolo di bambini di una bravura spropositata, fino al figlio più grande interpretato da un perfetto e dosatamente confuso e spaesato George MacKay. Ogni personaggio è giustamente caratterizzato, anche quelli di contorno, relegati alla temuta e odiata società consumistica, dove il rischio di cadere nella caricatura è sempre presente.

Captain Fantastic è una variopinta favola dei nostri giorni, dove la Coca Cola è acqua avvelenata, Noam Chowsky è il messia, i libri e la cultura sono la salvezza dell’anima e la famiglia il valore più grande, da difendere ad ogni costo, anche riuscendo a mettere da parte i propri ideali per amore.