La Festa di Roma non è un evento dedicato soltanto al cinema ma anche alla musica degna compagna e complice della settima arte. Ad allietare il pubblico romano e non quest’anno, oltre all’iconico Jovanotti che ha fatto ballare tutto l’auditorium con alcune della sue hit più famose, abbiamo goduto di un’ospite d’eccezione, una grande personalità della musica internazionale, Michael Bublè, che ha presentato il documentario Michael Bublè Tour Stop 148 diretto da Brett Sullivan. Ma se state pensando ad una semplice registrazione di un concerto live portato poi sul grande schermo, l’opera di Sullivan vi sorprenderà. Conosciamo tutti l’indiscusso talento di Michael Bublè, unico ormai a portare avanti lo stile intimo e sussurrato dei crooner dei primi del novecento, ma questo documentario ci fornisce qualche informazione in più non sull’artista ma sull’uomo Bublè e sul suo incredibile e numeroso staff.

Gestire tour mondiali, che possono durare anche anni, è un processo molto complesso e stressante che ha bisogno, per funzionare alla perfezione, di persone competenti e di una buona dose di umanità. Grazie a Tour Stop 148, possiamo infatti conoscere i volti delle persone che lavorano in silenzio dietro le quinte e che rendono possibili gli spettacolari concerti di Bublè; tecnici audio e video, attrezzisti, costumisti, musicisti, coriste, lavorano in sincrono fianco a fianco, a volte per più di ventiquattro ore di fila, affinché tutto sia perfetto. Il documentario di Brett Sullivan, pur puntando molto sull’aspetto tecnico e logistico del tour, ci mostra anche stralci di alcuni dei concerti più belli di Michael che riesce sempre e comunque a coinvolgere il suo pubblico. La location che più di frequente appare in video è quella della famosa O2 Arena di Londra che ha ospitato Bublé innumerevoli volte; tra giochi di fuoco, maxi schermi, fuochi d’artificio, porzioni se-movibili di palcoscenico che, come i tasti di un pianoforte, sembrano muoversi a ritmo di musica, divertenti coreografie con l’orchestra stile anni cinquanta, un semplice concerto si trasforma in un evento indimenticabile.

Esteticamente forse più vicino al contenuto speciale dell’home video di un concerto che ad un vero e proprio documentario, Tour Stop 148 riesce comunque nel suo intento ovvero quello di mostrare un lato del tutto inedito del cantante ed intrattenere tutti gli appassionati della musica del cantante italo canadese. Disponibile nelle sale solo il 25 e 26 ottobre, Michael Bublè Tour Stop 148 è un appuntamento da non perdere!

La Fille de Brest è stato presentato all’undicesima edizione della Festa del Cinema di Roma nella Selezione Ufficiale.

A esattamente un anno di distanza da La Tête Haute (film d’apertura dell’edizione 2015 del Festival di Cannes), Emmanuelle Bercot torna dietro la macchina da presa per raccontare una storia di grande risonanza sociale e mediatica: la storia del Mediator (Mediaxal in Italia), il “farmaco killer” dai gravissimi effetti collaterali, usato da circa 3 milioni di francesi, che venne ufficialmente ritirato dal mercato nel 2009.

Il merito del ritiro è da attribuire a Irène Frachon, pneumologa a Brest (piccola cittadina del nord-ovest della Francia), sulla cui battaglia per difendere i propri pazienti (messi in pericolo dal farmaco) è basata la nuova opera dell’attrice e regista francese.

La Fille de Brest recensione del film di Emmanuelle Bercot

Ancora una volta la Bercot resta fedele alla sua personale e purtroppo didascalica visione di cinema, costruendo un racconto dal taglio profondamente realistico che non si risparmia mai, fatto di momenti estremamente emotivi (in alcuni si passa troppo facilmente dal riso al pianto), e di altri che sconfinano nei più scontati e triti cliché.

A vestire i panni della Frachon troviamo una Sidse Babett Knudsen (già balzata all’attenzione della critica e degli affezionati festivalieri per il suo ruolo in La Corte al fianco di Fabrice Luchini) in splendida forma, capace di far trasparire al meglio non solo la caparbietà che ha contraddistinto la lotta di Irène, ma anche tutta l’incredibile energia di un personaggio dalla voglia di vivere contagiosa, libero da qualsiasi tipo di impostazione, e proprio per questo autentico.

A tenerle testa un sempre composito Benoît Magimel (che torna a lavorare con la Bercot dopo il sopracitato La Tête Haute), nei panni di Antoine Le Bihan, il medico a capo dell’equipe che supportò la Frachon nella sua ricerca per cercare di impedire la vendita del Mediator e nella sua estenuante battaglia contro l’ottusità della multinazionale produttrice del farmaco.

La Fille de Brest è un film di denuncia assai convenzionale nella forma e nel contenuto, che percorre la sua strada senza incappare mai, aiutato – laddove regia e  scrittura palesano limiti invalicabili – da una protagonista che in più di un’occasione risolleva le sorti di un’opera che non riesce mai a trovare nei suoi stessi risvolti narrativi il modo di rendersi realmente interessante.

Dopo tanti anni, quasi a voler aggiornare un discorso intrapreso da una vita, Werner Herzog torna a mettere i vulcani al centro della sua narrazione con Into the Inferno. Lo fa con la sua vena e la sua potenza, con la sua modestia e sfrontatezza, regalandoci immagini che tolgono il fiato e offrendo spunti a volti impensabili. Non solo richiama alcuni dei suoi lavori precedenti, ma ne utilizza alcune sequenze come materiale di repertorio. Riaffiorano così, tra nuove inquadrature di rara potenza, quelle di La Soufrière del 1977, e lui stesso si rende parte protagonista del gioco cinematografico, entrando e uscendo da immagini e narrazioni, come fosse una sorta di David Attenborough (La vita sulla terra serie TV BBC)  anarchico, che prende gli spunti che gli vengono offerti dalla linea narrativa di base per spostarsi disinvoltamente in altri territori.

Ecco quindi il rapporto tra vulcano e uomo, tra uomo e divinità, tra divinità e potere, tra bene e male. Herzog parte da uno dei tre vulcani nei quali è possibile vedere direttamente il magma in ebollizione fino ad arrivare ad un vulcano inattivo da mille anni in Corea del Nord e a raccontare come il un dittatore si sia potuto servire di tale elemento naturale per legittimare e rafforzare il potere.

Il viaggio di Herzog è vastissimo, dall’Islanda alle Filippine, dall’Etiopia all’Arcipelago di Vanuatu, alla ricerca di vulcani e di uomini che hanno costruito miti, divinità, religioni, per giustificare, spiegare e legittimare la forza incontrollabile della natura. Ma come afferma lo stesso regista  “I vulcani se ne fregano di quello che stiamo facendo qui”.  E a sottolineare proprio questo concetto inserisce nel film le riprese del flusso piroclastico che uccise due vulcanologi francesi in Giappone. Lo fa dopo averli mostrati a lungo fare gli spavaldi con fiumi di lava e piogge di lapilli, in una sorta di delirio di onnipotenza che di lì a poco li avrebbe portati incoscientemente alla morte.

Ma Into the Inferno non è un film solo sui vulcani, ma sui vulcanologi e in particolare uno di loro: Clive Oppenheimer. Un personaggio intrigante e assai affascinante, bello e maledetto, di indole romantica e con una folle affinità elettiva con Werner Herzog. I due sono amici dai tempi di  una vecchia collaborazione e si respira in ogni dialogo, in ogni immagine, un intesa rara e un piglio che solo i sognatori come loro sanno far brillare. Insieme partono alla ricerca di altri loro simili, sparsi ai quattro angoli del pianeta, impegnati in ricerche che sembrerebbero veramente essere state inventate per un film di fantasia. Su tutti merita di essere citato l’antropologo cacciatore di fossili in Africa, somigliante in maniera inquietante all’attore Ron Perlman e commediante nato, tanto da riuscire a passare con ironia e disinvoltura dalle origini dell’uomo ai casinò di Las vegas.

Inutile dire che la regia di Werner Herzog è come sempre egregia, solenne, rispettosa. La costruzione della narrazione scorre come un orologio di precisione, senza mai cadere nel manierismo e donando momenti di grande cinema.

Continua il giro dei festival cinematografici approdando in concorso nella Selezione Ufficiale alla Festa del Cinema di Roma 2016, il film Land of the Little People del regista israeliano Yaniv Berman. Il film drammatico, prodotto grazie ad un azione di crowd-funding, è il giusto ritratto della generazione che è nata e cresciuta tra guerre e violenza e che con distacco da brivido si ritrova a giocare con armi e ad avere a che fare con la morte con estrema, anche troppa, naturalezza.

Berman racconta una realtà ai bordi di una nuova guerra che si sta consumando in Israele, con mariti che vanno in missione, mogli incinte che aspettano a casa preoccupate guardando il notiziario e bambini lasciati a crescere da soli in questi quartieri residenziali fatti di case tutte uguali e storie familiari tutte simili, a meno che non ci sia qualche padre e marito “martire”. Qui vivono quattro bambini, tre maschi e una femmina, che passano il loro tempo libero entrando di nascosto nella base militare abbandonata vicino casa per andare a caccia di animali con armi improvvisate. Il tono del film si stabilisce dalla prima scena quando Tali (Michel Pruzansky),  bella bambina dai capelli chiari e gli occhi verdi, uccide con un masso un animale agonizzante con una freddezza che fa quasi paura, per poi portarlo in offerta ad un “mostro” che loro credono viva in fondo ad un pozzo e che può dare protezione in cambio di nuove prede sanguinanti. Insieme a lei c’è Chemi (Ben Sela), il capetto del gruppo, orgoglioso del padre in guerra, Yonathan (Amit Hechter), faccia d’angelo che si diverte a costruire armi e Louie (Ido Kestler), piccolino ma spietato, che continua a provocare il fratello bullo da cui cerca di nascondersi.

La loro quotidianità cambia quando si trovano il loro territorio invaso da due militari disertori (Ofer Hayun e Maor Schwitzer) che cercano di nascondersi in attesa di tornare dalle loro famiglie. Da quel momento i bambini iniziano a “giocare alla guerra” con loro per riprendersi il territorio, in un escalation forte e cruda di violenza che si conclude nel più inaspettato dei modi.

In modo diretto il regista ci pone davanti a dei bambini quasi anestetizzati per cui la guerra è la normalità e la violenza è un gioco. Poche battute sono affidate ai quattro protagonisti ma il loro sguardo vuoto e senza umanità parla per loro, raccontando di come la guerra ti può entrare in testa e farti male anche se non sei sul campo di battaglia. Distacco, crudeltà, nessuna umanità, Land of the Little People è questo e tanto altro: non è un film facile, va digerito con calma e gli spettatori rimarranno schockati dal diverse scene quasi disturbanti, ma è pur sempre una realtà odierna esistente che andava raccontata e Berman ci è riuscito bene.

Per il suo esordio alla regia, Otto Bell decide di raccontare in un avvincente documentario, The Eagle Huntress, distribuito in Italia da I Wonder Pictures con il titolo La Principessa e l’Aquila, la storia vera di Aisholpan, una tredicenne mongola con un sogno che va contro la tradizione e i costumi della sua tribù.

La ragazza desidera diventare una cacciatrice con l’aquila, una disciplina vera e propria che nei millenni è sempre stata una prerogativa maschile e che ha fatto eccellere la sua famiglia, prima il nonno e poi il padre, nella comunità mongola di appartenenza, con diverse vittorie al Golden Eagle Festival, a cui partecipano tutti i cacciatori delle tribù circostanti. Nonostante la diffidenza e la disapprovazione degli anziani, Aisholpan, sostenuta dal padre, e dopo aver ricevuto la benedizione del nonno, comincia il suo addestramento. La cattura dei cucciolo di aquila, la formazione di un legame con il regale rapace, la tecnica di caccia vera e propria, fino al momento dell’esordio all’importante evento.

La Principessa e l’Aquila arriva alla Festa di Roma con una potenza insospettata

Dopo aver registrato un grande successo al Sundance, al Telluride e a Toronto, La Principessa e l’Aquila arriva alla Festa di Roma con una potenza insospettata. La storia alquanto lineare ma incredibile si avvale di un racconto ricco di momenti di tensione, con note poetiche e tratti in cui il ritmo diventa da film sportivo pur rimanendo fedele alla sua natura di racconto di formazione.

Il paesaggio innevato delle montagne della Mongolia costituisce un paesaggio bello e terribile, uno sfondo possente e crudele, così come lo è la natura in quelle fredde lande, al coraggio di una ragazzina che ha sfidato un pregiudizio. Il film si rivela anche essere una storia di emancipazione femminile in senso più ampio, nel momento in cui fotografa la prima donna che in punta di piedi si fa largo in un mondo che la tradizione ha sempre voluto essere riservato agli uomini.

Ciò che coinvolge però nel film di Bell sono le location e la scelta di riprenderle con tecniche d’avanguardia che si discostano dal classico documentario didascalico, raccontando le vicende con il coinvolgimento in prima persona dei protagonisti ma anche utilizzando espedienti drammaturgici e tecnici (tempi di montaggio e angolazioni di ripresa) da cinema action.

La Principessa e l’Aqulia è un’immersione nella natura, nella tradizione ma anche nel sentimento fervido di rivalsa e affermazione, portato a compimento con modestia e naturalezza e con incredibile determinazione.

Dopo l’esordio nella serie A, al Festival di Cannes 2012 con Gimme the Loot, Adam Leon torna a un festival Intarnazionale, la Festa di Roma 2016, per presentare nella selezione ufficiale della kermesse capitolina il suo secondo lungometraggio da regista, Tramps.

In inglese, ‘tramp’ significa ‘vagabondo’ e i due girovaghi, i Tramps del titolo, sono effettivamente due giovani che per uno sfortunato e illecito caso si trovano a gironzolare per la periferia di Ney York per un giorno e una notte, all’inseguimento di una valigetta che custodisce un contenuto misterioso e prezioso. Ellie e Danny non sono particolarmente onesti né ambiziosi, ma si incontrano nel mezzo della loro giovinezza e le loro strade finiscono per sovrapporsi, raccontandoci una storia romantica originale e inaspettate, che fa sorridere e illumina lo spirito come un’assolata giornata di primavera.

Tramps illumina lo spirito come un’assolata giornata di primavera

Elementare nella struttura e nella vicenda (scambio di “refurtiva” con equivoco), Tramps si fa forte di un’ambientazione newyorkese insolita, in cui la città che non dorme mai viene ripresa evitando la celebre skyline, l’Isola di Manhattan e tutti i luoghi iconici che la raccontano più spesso al cinema. Anime girovaghe in questa inedita New York City sono i giovani eroi, interpretati con brio e leggerezza da Callum Turner e Grace Van Patten. Alto, imbranato e dinoccolato lui, misteriosa e imbronciata lei, i due formano una coppia cinematografica perfetta e non importa che dalle prime inquadrature sappiamo che i due finiranno per innamorarsi, perché il loro percorso è originale e spensierato, divertente e infine imprevedibile. Il mistero iniziale, che si rivela essere il pretesto narrativo superficiale, si dissipa non appena i due protagonisti condividono la prima inquadratura.

Senza scomodare i grandi classici della commedia romantica e regalando quel sorriso disteso e tranquillo che dà una bella giornata di sole, Tramps si rivela a sorpresa una commedia godibile, in cui l’amore arriva, atteso e prevedibile, ma con una ventata fresca di gioia, nella confusione di due vite in via di definizione.

Kicks di Justin Tipping è stato presentato nella sezione Alice nella Città della Festa di Roma 2016 raccogliendo nuovi consensi dopo l’apertura del Tribeca Film Festival. Tipping è giovanissimo ma ha già le idee chiare su quale grammatica audiovisiva utilizzare per raccontare una storia che affonda le sue radici nelle contraddizioni dei nostri tempi, dove il confine tra Bene e Male troppo spesso si perde e non è facile segnare il confine tra i due in modo manicheo.

Il protagonista, Brandon, è un quindicenne dei sobborghi di Los Angeles che vive le contraddizioni quotidiane di ogni adolescente: non è atletico come il suo miglior amico Rico, non è vincente, non ha successo con le ragazze ed è anche povero tanto da non potersi comprare nemmeno un nuovo paio di scarpe da ginnastica, che rappresentano un vero status presso le “gang” urbane. Tutto cambia quando acquista un paio di Air Jordans, talmente belle e vistose da attirare l’attenzione del bullo locale Flaco, innescando così un crescendo di violenza che spingerà Brandon oltre ogni limite, pur di recuperare quelle scarpe.

Kicks rischiava, almeno su carta, di diventare il classico racconto di formazione (o de-formazione?) di un adolescente cresciuto in un contesto socio – culturale difficile; ma l’abilità di Tipping sta proprio nell’utilizzo di un linguaggio onirico, sospeso e rarefatto per raccontare l’Io interiore  del giovane protagonista e le conseguenze fenomenologiche sulla realtà  innescate dalle sue scelte. Rievocando un clima ed un gusto tesi e adrenalinici simili a pietre miliari del cinema come American History X, è affascinante osservare come si può raccontare un’apparente storia di banale violenza attraverso un punto di vista unico, giocando con le inquadrature e sfruttando la metafora – vincente – dell’astronauta, alter ego ideale di Brandon che con i suoi lenti movimenti lunari distorce la lente del reale, sublimando l’immaginario ma soprattutto le complesse sfumature dell’interiorità inquieta di un quindicenne.

Il confine tra Bene e Male, in Kicks, ha contorni indefiniti e confusi: chi è il “buono”? E chi il “cattivo”? Quali sono le ragioni – sempre futili – che spingono a valicare in modo indiscriminato i due lati opposti della barricata?

Invece di fornire risposte certe o lunghe spiegazioni moraleggianti il regista preferisce limitarsi a narrare gli eventi: reali, onirici, crudeli o rarefatti, ma pur sempre eventi che compongono, come frammenti (non a caso il film è diviso in ideali capitoli ispirati a versi e titoli di canzoni hip-hop e rap) il racconto della turbolenta formazione di un giovane uomo in fieri.