Per il suo esordio alla regia, Otto Bell decide di raccontare in un avvincente documentario, The Eagle Huntress, distribuito in Italia da I Wonder Pictures con il titolo La Principessa e l’Aquila, la storia vera di Aisholpan, una tredicenne mongola con un sogno che va contro la tradizione e i costumi della sua tribù.

La ragazza desidera diventare una cacciatrice con l’aquila, una disciplina vera e propria che nei millenni è sempre stata una prerogativa maschile e che ha fatto eccellere la sua famiglia, prima il nonno e poi il padre, nella comunità mongola di appartenenza, con diverse vittorie al Golden Eagle Festival, a cui partecipano tutti i cacciatori delle tribù circostanti. Nonostante la diffidenza e la disapprovazione degli anziani, Aisholpan, sostenuta dal padre, e dopo aver ricevuto la benedizione del nonno, comincia il suo addestramento. La cattura dei cucciolo di aquila, la formazione di un legame con il regale rapace, la tecnica di caccia vera e propria, fino al momento dell’esordio all’importante evento.

La Principessa e l’Aquila arriva alla Festa di Roma con una potenza insospettata

Dopo aver registrato un grande successo al Sundance, al Telluride e a Toronto, La Principessa e l’Aquila arriva alla Festa di Roma con una potenza insospettata. La storia alquanto lineare ma incredibile si avvale di un racconto ricco di momenti di tensione, con note poetiche e tratti in cui il ritmo diventa da film sportivo pur rimanendo fedele alla sua natura di racconto di formazione.

Il paesaggio innevato delle montagne della Mongolia costituisce un paesaggio bello e terribile, uno sfondo possente e crudele, così come lo è la natura in quelle fredde lande, al coraggio di una ragazzina che ha sfidato un pregiudizio. Il film si rivela anche essere una storia di emancipazione femminile in senso più ampio, nel momento in cui fotografa la prima donna che in punta di piedi si fa largo in un mondo che la tradizione ha sempre voluto essere riservato agli uomini.

Ciò che coinvolge però nel film di Bell sono le location e la scelta di riprenderle con tecniche d’avanguardia che si discostano dal classico documentario didascalico, raccontando le vicende con il coinvolgimento in prima persona dei protagonisti ma anche utilizzando espedienti drammaturgici e tecnici (tempi di montaggio e angolazioni di ripresa) da cinema action.

La Principessa e l’Aqulia è un’immersione nella natura, nella tradizione ma anche nel sentimento fervido di rivalsa e affermazione, portato a compimento con modestia e naturalezza e con incredibile determinazione.

Dopo l’esordio nella serie A, al Festival di Cannes 2012 con Gimme the Loot, Adam Leon torna a un festival Intarnazionale, la Festa di Roma 2016, per presentare nella selezione ufficiale della kermesse capitolina il suo secondo lungometraggio da regista, Tramps.

In inglese, ‘tramp’ significa ‘vagabondo’ e i due girovaghi, i Tramps del titolo, sono effettivamente due giovani che per uno sfortunato e illecito caso si trovano a gironzolare per la periferia di Ney York per un giorno e una notte, all’inseguimento di una valigetta che custodisce un contenuto misterioso e prezioso. Ellie e Danny non sono particolarmente onesti né ambiziosi, ma si incontrano nel mezzo della loro giovinezza e le loro strade finiscono per sovrapporsi, raccontandoci una storia romantica originale e inaspettate, che fa sorridere e illumina lo spirito come un’assolata giornata di primavera.

Tramps illumina lo spirito come un’assolata giornata di primavera

Elementare nella struttura e nella vicenda (scambio di “refurtiva” con equivoco), Tramps si fa forte di un’ambientazione newyorkese insolita, in cui la città che non dorme mai viene ripresa evitando la celebre skyline, l’Isola di Manhattan e tutti i luoghi iconici che la raccontano più spesso al cinema. Anime girovaghe in questa inedita New York City sono i giovani eroi, interpretati con brio e leggerezza da Callum Turner e Grace Van Patten. Alto, imbranato e dinoccolato lui, misteriosa e imbronciata lei, i due formano una coppia cinematografica perfetta e non importa che dalle prime inquadrature sappiamo che i due finiranno per innamorarsi, perché il loro percorso è originale e spensierato, divertente e infine imprevedibile. Il mistero iniziale, che si rivela essere il pretesto narrativo superficiale, si dissipa non appena i due protagonisti condividono la prima inquadratura.

Senza scomodare i grandi classici della commedia romantica e regalando quel sorriso disteso e tranquillo che dà una bella giornata di sole, Tramps si rivela a sorpresa una commedia godibile, in cui l’amore arriva, atteso e prevedibile, ma con una ventata fresca di gioia, nella confusione di due vite in via di definizione.

Kicks di Justin Tipping è stato presentato nella sezione Alice nella Città della Festa di Roma 2016 raccogliendo nuovi consensi dopo l’apertura del Tribeca Film Festival. Tipping è giovanissimo ma ha già le idee chiare su quale grammatica audiovisiva utilizzare per raccontare una storia che affonda le sue radici nelle contraddizioni dei nostri tempi, dove il confine tra Bene e Male troppo spesso si perde e non è facile segnare il confine tra i due in modo manicheo.

Il protagonista, Brandon, è un quindicenne dei sobborghi di Los Angeles che vive le contraddizioni quotidiane di ogni adolescente: non è atletico come il suo miglior amico Rico, non è vincente, non ha successo con le ragazze ed è anche povero tanto da non potersi comprare nemmeno un nuovo paio di scarpe da ginnastica, che rappresentano un vero status presso le “gang” urbane. Tutto cambia quando acquista un paio di Air Jordans, talmente belle e vistose da attirare l’attenzione del bullo locale Flaco, innescando così un crescendo di violenza che spingerà Brandon oltre ogni limite, pur di recuperare quelle scarpe.

Kicks rischiava, almeno su carta, di diventare il classico racconto di formazione (o de-formazione?) di un adolescente cresciuto in un contesto socio – culturale difficile; ma l’abilità di Tipping sta proprio nell’utilizzo di un linguaggio onirico, sospeso e rarefatto per raccontare l’Io interiore  del giovane protagonista e le conseguenze fenomenologiche sulla realtà  innescate dalle sue scelte. Rievocando un clima ed un gusto tesi e adrenalinici simili a pietre miliari del cinema come American History X, è affascinante osservare come si può raccontare un’apparente storia di banale violenza attraverso un punto di vista unico, giocando con le inquadrature e sfruttando la metafora – vincente – dell’astronauta, alter ego ideale di Brandon che con i suoi lenti movimenti lunari distorce la lente del reale, sublimando l’immaginario ma soprattutto le complesse sfumature dell’interiorità inquieta di un quindicenne.

Il confine tra Bene e Male, in Kicks, ha contorni indefiniti e confusi: chi è il “buono”? E chi il “cattivo”? Quali sono le ragioni – sempre futili – che spingono a valicare in modo indiscriminato i due lati opposti della barricata?

Invece di fornire risposte certe o lunghe spiegazioni moraleggianti il regista preferisce limitarsi a narrare gli eventi: reali, onirici, crudeli o rarefatti, ma pur sempre eventi che compongono, come frammenti (non a caso il film è diviso in ideali capitoli ispirati a versi e titoli di canzoni hip-hop e rap) il racconto della turbolenta formazione di un giovane uomo in fieri.

Un uomo che sprofonda in un cieco incubo kafkiano a base di burocrazia, realismo socialista, leggi da rispettare, imposizioni da seguire e oppositori. L’ultimo film di Andrzej Wajda, regista polacco che ci ha lasciato a pochi giorni dall’inizio della Festa del Cinema di Roma 2016, è involontariamente una sorta di testamento spirituale; un lascito malinconico di un artista su un artista, mentre entrambi sono colti in un dialogo serrato sull’Arte – sul suo ruolo intrinseco politico e sociale –  e sulla figura dell’Artista stesso, interprete profetico delle forme, precursore dei tempi e negromante delle famose Powidoki – Immagini Residue (Afterimage) che danno il titolo alla versione italiana del film.

Wajda sceglie di raccontare la storia – vera – del pittore polacco Władysław Strzemiński, co – ideatore della teoria dell’Unismo, amico, studente e collaboratore di Malevič, Chagall e KandinskiJ; teorico dell’arte (sua la famosa Teoria della Visione), fondatore del Museo d’Arte Moderna di Łódź, docente di Storia dell’Arte presso l’Accademia di Belle Arti ma soprattutto visionario, talento determinato e inflessibile che decise di non piegarsi ai miseri ricatti e alle intimidazioni messe in atto dal Partito Comunista al potere dal 1948 al 1952. L’arco del film copre appunto questo lasso di tempo nella vita – ormai agli sgoccioli – del pittore, malato di tubercolosi e afflitto da un grave handicap (non aveva un braccio ed una gamba), che non fu però risparmiato dalle persecuzioni messe in atto dal Partito Comunista russo, pronto ad omologare tutti i propri paesi satelliti sotto un’unica bandiera, un unico simbolo, un unico credo, eliminando chiunque rappresentasse un oppositore. La damnatio memoriae applicata su Strzemiński è logorante: prima viene ostracizzato dalla vita pubblica, poi gli viene tolto il lavoro, la possibilità di dipingere, di esprimersi liberamente, di parlare e di comunicare la propria posizione. Con la stessa sublime visione attraverso la quale aveva già raccontato la Polonia post Seconda Guerra Mondiale, anche in Afterimage Wajda sceglie di narrare una vicenda umana che diventa specchio dei mutamenti storici, si interseca con gli eventi, finisce per diventare proprio “La Storia” restituendo una lucida ed implacabile visione dei fatti che si trasformano in un pubblico manifesto alla libertà d’espressione (e non solo artistica).

7.19am è stato presentato all’undicesima edizione della Festa del Cinema di Roma nella Selezione Ufficiale.

Città del Messico, 19 settembre 1985. Primo mattino: in un edificio governativo, tutti i dipendenti vengono convocati per una riunione straordinaria. Mentre prendono posto, improvvisamente un violento terremoto li seppellisce sotto nove strati di cemento e lamiere contorte. Bloccati tra le macerie del palazzo, i pochi sopravvissuti, tra cui Martin, il guardiano notturno, e Fernando, alto funzionario dello stato, sono lasciati soli nell’oscurità, aggrappati alle loro vite e in disperata attesa di aiuto.

Jorge Michel Grau porta sullo schermo non solo una storia vera, ma anche un’enorme tragedia che lo stesso ha vissuto indirettamente. All’epoca del Terremoto del Messico del 1985, Grau aveva appena 12 anni:  il regista messicano si serve quindi dei suoi personalissimi ricordi per ricostruire una drammatica vicenda dal punto di vista dei protagonisti, utilizzando quindi uno sguardo profondamente umano e conducendo lo spettatore all’interno dell’incubo che li vede coinvolti con fare insidioso, proprio lì, fra le centinaia di tonnellate di macerie dov’è sepolta la “voce della sopravvivenza”.

7.19am recensione del film con Demián Bichir

Grau sceglie volutamente di mostrarci fisicamente solo due dei personaggi al centro della vicenda (tra cui un meraviglioso Demián Bichir, “Il Messicano” di The Hateful Eight), e di affidare le restanti interpretazioni alle sole voci dei personaggi, lasciando quindi che siano queste a raccontare la tragedia, attraverso angosce e paure, ma anche pensieri, stati d’animo, ideologie.

L’aspetto tragico della vicenda (perfettamente veicolato dalla scelta di rappresentare i primissimi attimi dopo il terremoto in 1:1, che inevitabilmente diventa il formato più adatto per descrivere claustrofobia e disperazione), lascia quindi spazio all’aspetto umano: il formato ritorna al canonico 16:9, l’inquietudine sembra estendersi, i sopravvissuti si confrontano e discutono, mentre attendono con speranza di conoscere il proprio destino, come in un limbo.

In 96 minuti, Jorge Michel Grau ci trasporta nell’oblio e nell’oscurità, scardinando le regole della messa in scena e mettendo a dura prova la resistenza dello spettatore, per riportare alla memoria la più grande tragedia che ha colpito il Messico, all’epoca un paese – come dimostra anche l’avvilente finale – che non era pronto a fronteggiare calamità di questo genere.

Louise en Hiver è un delicato e poetico film in animazione tradizionale 2D, che racconta con rara sensibilità la storia di Louise, una vecchietta solitaria, dal nasone spropositato e un po’ burbera, che è solita trascorrere i mesi estivi in un paesino sperduto in Normandia, dove era solita villeggiare da bambina e poi adolescente a casa della nonna.

Alla fine dell’ennesima, affollata e chiassosa stagione estiva, Louise si prepara stancamente e quasi con rassegnazione a tornare in città, ma perde per un soffio l’ultimo treno utile, rimanendo bloccata in un paese deserto, minacciato dal tempo inclemente e dalla furia delle maree. Louise non si perde d’animo e accetta con semplicità il suo isolamento forzato, abbandonando la sua casa fredda e umida e costruendosi una baracca sulla spiaggia, dove vivrà come un naufrago o un sopravvissuto a chissà quale catastrofe.

Nessuno verrà a cercare Louise e nessuno si affaccerà per mesi nella cittadina fantasma, nessuno proverà a telefonare. Quello che nella realtà potrebbe sembrare totalmente incredibile nel film assume una riuscitissima dimensione fiabesca e astratta, che permette allo spettatore di accettare la situazione con naturalezza, portando a quella sospensione dell’incredulità spesso tanto difficile da ottenere.

In Louise en Hiver, i riferimenti a Robinson Crusoe sono innumerevoli e continui, ma vengono in mente anche le storie di morti viventi o le apocalissi nucleari. Ma la nostra protagonista non è una giovane aitante, anche se l’intraprendenza non le manca certamente; la sopravvivenza a cui è costretta sarà il naturale spunto per ritrovare se stessa e far riaffiorare nella sua mente ormai stanca ricordi che aveva rimosso da tempo.

I disegni di Louise en Hiver sono semplici, ma allo stesso tempo accurati

Non mancano in questo viaggio i compagni di solitudine, come il tenero cagnone, ormai alla fine dei suoi giorni, che saprà dare all’amica inaspettata tutto quell’amore e quel supporto emotivo che solo gli amici a quattro zampe sanno regalare, o lo scheletro del paracadutista appeso ad un albero dai tempi dello sbarco in Normandia, che con grande pazienza raccoglie confidenze, sogni e timori di Louise da quando era bambina.

I disegni di Louise en Hiver sono semplici, ma allo stesso tempo incredibilmente accurati, riescono a trovare una sintesi grafica felice e di rara efficacia. Con poche pennellate sembra di trovarsi sulla sommità delle scogliere francesi e l’acquarello, sporcato di spuma di pastello, riesce ad evocare magnificamente la furia del mare. Le texture sono funzionali alla narrazione, le trame delle carte martellate affiorano tra le pennellate, offrendo una sensazione di libertà espressiva che fa bene agli occhi e al cuore.

Il cinema di animazione francese, per sua grande fortuna e vanto, non è certo nuovo a film di questo genere, viene in mente Sylvain Chomet su tutti, ma ogni volta ci si sorprende e ci si abbandona volentieri all’affabulazione disegnata che tante volte viene invece snobbata o etichettata come cinema per bambini.