Presentato in Concorso a Cannes 2019, Frankie è il nuovo film di Ira Sachs, che si avvale di Isabelle Huppert nei panni di splendida protagonista. È la storia di una diva del cinema, un’attrice altera e schietta, sembra in effetti proprio la Huppert stessa. La donna è malata di tumore all’ultimo stadio e indice una riunione di famiglia a Sintra, in Portogallo, un luogo bellissimo e silenzioso.

La donna sembra volere tutta la sua famiglia allargata accanto a sé, non è chiaro però il motivo: vuole lasciare una grande eredità ai figli, vuole fare un qualche annuncio misterioso, vuole commettere suicidio davanti a tutti, o forse semplicemente ha bisogno di avere accanto i suoi affetti ora che la fine si avvicina. Il racconto è rarefatto e gira intorno ai personaggi, tutti alle prese con delle vite un po’ sbilenche che ne catalizzano l’attenzione, c’è chi pensa alla separazione, chi flirta con i ragazzi del luogo, che cerca l’amore e chi la propria identità, e tutti gravitano intorno a Frankie, sfacciata ed elegante, superiore agli affanni del mondo, apparentemente.

Frankie, il film

Meno brillante degli altri lavori che ci ha proposto negli anni, Ira Sachs si concentra principalmente sui personaggi e sul paesaggio, immergendo i primi nel senso e raccontandoli con grande affetto e leggerezza. Sembra voler fotografare la fugacità dell’esistenza in punta di piedi, l’amore e la morte che accomunano tutti gli esseri viventi, senza però prendere posizioni o offrire conclusioni, semplicemente accertandone l’esistenza. Forse troppo esile per un concorso a Cannes, Frankie rivendica la sua dignità di storia leggera e scorrevole, di quelle che si lasciano raccontare e ascoltare senza fatica, mettendo a proprio agio gli interlocutori. Si rivolge all’uomo e alla vita, all’amore, alla morte.

Il regista di fama Tim Burton torna al cinema con un film in animazione stop-motion (passo a uno) Frankenweenie, adattamento in stop motion di un cortometraggio omonimo realizzato dallo stesso Burton nel 1984, chiaramente ispirato al romanzo Frankenstein di Mary Shelley.

In Frankenweenie il piccolo Victor Frankenstein assiste alla tragica morte del suo amato cagnolino Sparky, investito da un automobile per recuperare una palla finita in strada. Dopo momenti di tristezza profonda, Victor ha un idea folgorante, scaturita durante le lezioni di scienze di un arcigno professore dai metodi strampalati. Emulando gli esperimenti di Galvani sulle rane, Victor appronta un laboratorio in soffitta e restituisce la vita a Sparky sfruttando l’elettricità dei fulmini. Ma qualcuno lo spia, è invidioso, e darà il via ad un gioco strambo e molto pericoloso per la tranquilla cittadina di New Holland.

Frankenweenie riporta Tim Burton nell’animazione stop-motion

Terza incursione di Tim Burton nell’universo dell’animazione stop-motion dopo Nightmare before Christmas e La Sposa Cadavere, bisogna dire che quando questo avviene ci troviamo veramente di fronte all’anima più profonda e spontanea dell’autore. A differenza degli ultimi suoi film con attori, qui tutto funziona alla perfezione, il racconto cattura e avvince, si provano sentimenti sinceri per i vari personaggi, anche per quelli meno importanti, e soprattutto si sogna. Frankenweenie è il rifacimento ampliato di uno dei suoi primi lavori. Si trattava di un mediometraggio in bianco e nero prodotto dalla Disney, con Shelly Duvall come protagonista e già pregno di tutta la poetica e lo stile di Tim Burton. Nella nuova versione la storia rimane la medesima, ma viene arricchita e popolata di un riuscito microcosmo di personaggi, ognuno perfettamente caratterizzato.

Oltre a Victor, Sparky e ai genitori, c’è un odioso vicino con la nipote Elsa e la sua cagnolina Persefone (con la stessa acconciatura di Elsa Lancaster in La moglie di Frankenstein), Edgar, un ragazzino disadattato, maligno e pasticcione, il signor Rzykruski, l’insegnate di scienze, dalle fattezze incredibilmente simili a quelle di Vincent Price, il Signor Baffino, il gatto di Stranella. E poi ci sono una serie di mostri che omaggiano tutto il cinema di fantascienza degli anni 50-60, ma anche quello più recente di Joe Dante; come non riconoscere nelle scimmiette d’acqua un affettuoso omaggio ai Gremlins?

L’animazione, ad opera di Trey Thomas, è strepitosa, anche se non perfetta come nel precedente film La Sposa Cadavere. Alcuni materiali, come lana, pelo, erba, non obbediscono agli animatori e si ribellano. Ma sono proprio queste piccole imperfezioni, sottolineate da uno splendido bianco e nero, a conferire all’opera il pregio dell’artigianalità, elevandola così a qualcosa di unico e personale, dando scacco matto all’animazione di sintesi 3D, ormai, in una fase di stallo. I disegni semplici ed elementari di Tim Burton acquistano tridimensionalità, e si arricchiscono di delicate texture che caratterizzano la loro pelle, piccoli graffi o segni di spatola che ricordano il tratteggio delle opere di Edward Gorey. I materiali dei costumi sono strepitosi e sembra di poter toccare i maglioni di lana grossa fatti a mano e i cenci da laboratorio intrisi di ripugnanti sostanze. E’ un film da vedere assolutamente, andando prima però a riscoprire il Burton delle origini e i suoi primi lavori, in particolare il cortometraggio Vincent.

Frankenstein è il film horror del 1931 di James Whale con protagonisti Boris Karloff (la creatura), Colin Clive (Henry Frankenstein), Mae Clarke (Elizabeth), Dwight Frye (Fritz), John Boles (Victor Moritz)

Frankenstein, la trama: Lo scienziato Henry Frankenstein, con l’aiuto del gobbo Fritz, assembla parte di cadaveri e, rubato un cervello da un laboratorio, riesce a dar vita a un’orrenda creatura. Orrenda e pericolosa: il cervello è infatti di un criminale, e le cose per il folle professore e chi gli sta intorno si fanno complicate…

Frankenstein, il film

“Buonasera. Il signor Carl Laemmle (produttore) ritiene che non sia opportuno presentare questo film senza due parole di avvertimento: stiamo per raccontarvi la storia di Frankenstein, un eminente scienziato che cercò di creare un uomo a sua immagine e somiglianza, senza temere il giudizio divino…”. Così l’attore Edward Van Sloan in apertura di film, rivolto inequivocabilmente allo spettatore – alla maniera di Woody Allen quando comincia Io e Annie – e con un occhio di riguardo per chi distribuisce divieti e condanne, presenta il Frankenstein di James Whale, datato 1931. E così prosegue, prima di lasciar definitivamente spazio allo scienziato e alla sua creatura: “È una delle storie più strane che siano mai state narrate, tratta dei due grandi misteri della creazione: la vita e la morte. Penso che vi emozionerà, forse vi colpirà, potrebbe anche inorridirvi! Se pensate che non sia il caso di sottoporre a una simile tensione i vostri nervi, allora sarà meglio che voi… beh, vi abbiamo avvertito!”.

A quasi un secolo dall’uscita del film, sono parole che fanno un po’ sorridere. Almeno in parte: l’inesorabile scorrere dei decenni ci consegna un Frankenstein che non può proprio più spaventarci, né inorridirci, né sottoporci a particolari tensioni. Magari poter fare i conti con innocenze ancora turbabili dall’enorme Boris Karloff.

Ma Frankenstein del regista inglese James Whale, uno dei migliori della fruttuosa stagione dei mostri Universal (Vendicatori d’un tempo, con meno curve e scintille, ma con qualche marcia in più), ha ancora tanto da dare. Il tema è sempre buono e attuale: guai a giocare a fare Dio, ci si fa male, e soprattutto si fa male agli altri, soprattutto ai propri cari. Più in profondo di così, certo, non si intende legittimamente andare.

Lo dimostra la semplificazione del fascicolo “crudeltà del mostro” rispetto all’arcinoto romanzo di Mary Shelley da cui il film è liberamente tratto: nell’opera di Whale, più che la mostruosità dei non mostri, è decisiva la qualità criminale del cervello sgraffignato dal gobbo Fritz, che proprio non fa caso all’eloquente etichetta “abnormal brain”, esca succulenta per lo spettatore che già pregusta mattanze e delitti grazie alla citata ouverture di Von Sloan. Bella, anche nel suo essere datata, la veste del film, influenzata dalla formidabile stagione estetica dell’espressionismo tedesco, che si fa sentire e grida nel dinamismo interno del quadro, ottenuto grazie a particolari scelte scenografiche e inquadrature che vanno al di là della semplice ricerca della rappresentazione lineare delle cose e delle azioni.

“It’s alive!”, grida il dottor Frankenstein notato che il suo collage di cadaveri vive. “It’s alive”, sussurriamo noi, guardando il film di James Whale. Il buon cinema, tutto sommato, non muore mai. E riuscite parodie (in questo caso Frankenstein Junior di Mel Brooks, che frulla anche i sequel La moglie di Frankenstein e Il figlio di Frankenstein) allunga di certo l’esistenza.

Solo i mostri giocano a fare Dio. I mostri tracotanti, che pensano di poter espandere gli stretti limiti della scienza accademica per rispondere con la maestosità della creazione al dolore inesauribile di una perdita. Guillermo Del Toro arriva in concorso a Venezia 82 con la sua personale rilettura di Frankenstein, il film che – citando le parole dell’interprete Mia Goth – “avremmo sempre voluto vederlo dirigere“.

Dai primi anni 2000 ad oggi, il regista messicano ha infatti instaurato un prolungato dialogato d’amore con le creature che la società tenderebbe a trattenere ai margini, reinventate tramite il filtro del fantastico, e che hanno sempre raccontato con innegabile intensità l’essere umano. Con uno di questi, a metà tra il marittimo e l’umano, si è anche aggiudicato il Leone d’Oro alla mostra del cinema nel 2017 (La forma dell’acqua). Partendo da queste premesse, il cineasta doveva per forza approdare al capolavoro di Mary Shelley, che ha ridefinito il concetto stesso di vita e morte.

Il moderno Prometeo

Oscar Isaac interpreta qui Victor Frankenstein, scienziato geniale ma tormentato, che spinto dal proprio ego intraprende l’impresa di dare vita a una nuovo essere. Il risultato è la Creatura, interpretata da Jacob Elordi, la cui sola esistenza mette in discussione il confine tra umanità e mostruosità.

Il film attraversa scenari che vanno dalle gelide distese dell’Artico ai sanguinosi campi di battaglia dell’Europa ottocentesca, seguendo il viaggio parallelo di Frankenstein e della sua Creatura, entrambi alla ricerca di un significato in un mondo dominato dalla follia. Nel cast anche Mia Goth, nel ruolo della luminosa Elizabeth, e Christoph Waltz, due volte premio Oscar.

La cura del benessere

Nella migliore tradizione artigianale di Del Toro – che anche in questo caso ci delizia con scenografie e character design mozzafiato – Victor Frankenstein viene qui rappresentato più come un artista che come uno scienziato, che sembra lavorare direttamente in un atelier bohémien. Grottesco conquistatore, prometeo incandescente, nel prologo ambientato nel gelido polo ci viene però introdotto come un uomo bestiale, che si scontra con una creatura dalla forza bruta. Così, con progenitore e progenie riuniti, parte un viaggio a ritroso alla scoperta di due esperienze complementari, dall’ideazione alla creazione fino all’autodeterminazione. Due uomini cuciti assieme, che si vedono per la prima volta al risveglio, quasi come se avessero passato la notte insieme, e che non potranno mai più dirsi addio.

Figlio di un padre chirurgo, fin da piccolo Victor conosce l’abbandono e il disprezzo da parte di chi gli ha dato la vita, segnato dalla perdita di una madre che vede come luminosa stella polare. Nel momento in cui questa figura che era la vita è diventata la morte, Victor decide che, proprio come recita il significato intrinseco del suo cognome, conquisterà la morte.

Come si fa a vivere con un cuore infranto? Come si può esistere senza avere la possibilità di morire? Angeli e demoni, è tutta un’illusione: siamo entrambi, allo stesso tempo. Quello imbastito da Del Toro è un racconto di punti di vista, Victor Frankenstein ha concesso alla creatura lo spazio di esistere ma il regista messicano gli dà quello di parlare. C’è un lavoro di delicata eleganza sui dialoghi, che intesse l’universo fantasy-gotico ben caro ai conoscitori del suo cinema, impreziosito ulteriormente dal romanticismo struggente che suggellava il rapporto tra Elisa (Sally Hawkins) e la creatura in La forma dell’acqua.

Non posso dimenticare ciò che non riesco a ricordare

Il film di Del Toro ci racconta la creatura principalmente fuori dal laboratorio di Frankenstein, dal momento in cui chiama a gran voce il nome del suo creatore e capisce di essere solo. Si veste, mangia, si accompagna segretamente alla quotidianità di una famiglia, diventa uno spirito della foresta che fa del bene. Due ricerche di un senso che procedono in parallelo, che sembrano scontrarsi ma in fondo sono imprescindibili, si inseguono finchè non resta più nulla se non loro stessi.

Curioso come, solo due anni fa, alla Mostra del Cinema di Venezia abbia trionfato Povere Creature! di Yorgos Lanthimos, che pure rileggeva il mito di Frankenstein da una chiave però femminile e femminista. Laddove Bella Baxter, figlia di Godwin Baxter, salpava all’avventura “abbandonando” il padre-dio-creatore per scoprire nei modi più disparati e viscerali cosa significa scegliere, la creatura di Victor Frankenstein è obbligata a sopravvivere senza possibilità. Può solo assumere la consapevolezza che è nato dalla morte e muore per vivere. Solo così si diventa umani, quando un cuore smette di battere e l’altro forse inizia per la prima volta: nella riappacificazione oltre ogni forma, nella capacità di ricordare e perdonare.

Il cinema di Bernard Rose spazia dall’horror (Candyman – Terrore dietro lo specchio) al biopic (Amata immortale, con Gary Oldman nei panni di Beethoven, Il violinista del diavolo, su Paganini), agli adattamenti da romanzi (Anna Karenina, da Tolstoj).

Con Frankenstein Rose fonde film di genere e letteratura, partendo dal romanzo gotico di Mary Shelley, uno dei primi esempi di fantascienza. L’operazione non è certo nuova, numerosi gli adattamenti cinematografici del romanzo, con la figura del mostro divenuta celebre grazie all’interpretazione di Boris Karloff nella saga degli anni Trenta voluta dalla Universal Pictures. Tuttavia, Rose si lancia in un esperimento di attualizzazione che sulla carta avrebbe potuto essere interessante.

Frankenstein, il film

Il film è ambientato nella Los Angeles di oggi e la creazione del mostro ad opera di due coniugi scienziati, Victor (Danny Huston) ed Elizabeth Frankenstein (Carrie-Anne Moss), avviene grazie a una stampante 3D. La creatura (Xavier Samuel), poi, non nasce mostruosa, anzi, sembra un ragazzo perfetto, ma con una forza sovrumana e la mente di un neonato. La sua pelle comincia però a mutare a causa di un sarcoma e presto il suo corpo si trasforma in quello di un mostro. Abbandonato dai due scienziati, che considera suoi genitori, inconsapevole del mondo che lo circonda, è vittima di abusi e violenze a cui reagisce con violenza altrettanto inaudita. L’unico suo scopo è ritrovare sua “madre” e suo “padre”, per capire chi è e perché l’hanno abbandonato.

Frankenstein dà una nuova veste a un soggetto ancora attuale, oggi le questioni etiche poste dal romanzo restano centrali: il potere della scienza e i suoi limiti, la volontà dell’uomo di oltrepassare i propri, le conseguenze di ciò, l’emarginazione del diverso; il materialismo e l’allontanamento dai valori. Tuttavia, Rose – qui regista, sceneggiatore, direttore della fotografia e montatore – semplifica troppo la trama e le psicologie dei personaggi, dando al film l’incedere di una favola. La creatura, dal cui punto di vista è narrata la storia, si riduce così a un bambinone innocente in cerca della sua mamma e si limita a reagire con violenza alla violenza. Elizabeth è, ai suoi occhi, una sorta di mamma/principessa di bianco vestita, per ricongiungersi alla quale egli affronta un tortuoso percorso; i suoi “amici” sono un cane, una bambina e un mendicante. Sembrerebbe un film per bambini.

Lo spettatore adulto, infatti, cerca un’altra profondità nei personaggi e nell’affrontare i temi posti, maggiore suspense, invece assente. Peccato che la pellicola sia del tutto inadatta anche ai più piccoli, a causa del suo lato orrorifico. Favola e horror si fondono in un mix dissonante, in cui la prima è scontata e retorica e il secondo è ridotto a sangue stillante, vermi e carni putrefatte. Il lavoro non avvince, risulta prevedibile e fa quasi sorridere per la sua ingenuità, pari a quella del protagonista. In sala dal 17 marzo.