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Benedict Cumberbatch alla premiere de I Pinguini di Madagascar

2014

17 Nov 2014

Si è tenuta domenica 16 novembre al Winter Village al Bryant Park Ice Rink, New York City, la premiere de I Pinguini di Madagascar. A presenziare all’evento tutto il cast vocale del film e ovviamente anche Benedict Cumberbatch, che ha attirato l’occhio di fan e fotografi.

Ecco gli scatti alla premiere:

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Benedict Cumberbatch 06 Con Benedict Cumberbach erano presenti anche John Malkovich, Ken Jeong, Mariska Hargitay, Brooke Sheilds, Debra Messing e Pitbull.

Dopo la serie televisiva, i Pinguini tornano sul grande schermo, con le voci di Benedict Cumberbatch, Peter Stormare, Annet Mahendru, John Malkovich, Ken Jeong, Andy Richter, Tom McGrath, Chris Miller, Christopher Knights.

A dirigere il film ci sono Simon J. Smith e Eric Darnell. L’uscita del film è prevista in UK per il 5 dicembre.

Charlot: i primi 100 anni della maschera di Charlie Chaplin

Approfondimenti

Matteo Vergani

17 Nov 2014

Migliaia di attori ed attrici si sono avvicendati sui pallidi schermi da proiezione fin dalla nascita del cinema, alcuni brillando per pochi attimi per poi scomparire miseramente nel grande baratro dei ricordi dimenticati, altri invece imprimendosi in modo indelebile nella memoria collettiva, diventando delle vere e proprie icone. Ognuno di questi personaggi, dal più insignificante al più celebre, ha avuto una propria storia, proprie radici che lo hanno fatto crescere, germogliare e fiorire (o sfiorire), ed ognuno ha lasciato una traccia nel suo passaggio dinnanzi ai nostri occhi. Ma è proprio per una di queste stelle del luminoso firmamento delle immagini in movimento che oggi scomodiamo i nostri ricordi, facendo un breve tuffo in un passato ormai nebuloso ma che ci riserva in realtà numerose sorprese.

Era infatti il lontano 1914 quando negli Stati Uniti venne proiettato per la prima volta Kid Auto Races at Venice, cortometraggio di soli 7 minuti prodotto da Marck Sennett per la Keystone, storica casa di produzione specializzata in slapstick comedy (una forma di umorismo estremamente esagitata caratterizzata da inseguimenti, acrobazie e comicità fisica, molto in voga alle origini del cinema).

Charlot

La pellicola, scritta, diretta e interpretata dal regista Henry Lehrman mostrava per la prima volta sullo schermo, nei sui tratti caratteristici, un personaggio destinato a diventare a breve una vera e propria icona della comicità mondiale, una pietra miliare della storia del cinema; un piccolo vagabondo abbigliato con un frac troppo piccolo, con ai piedi enormi scarpe, un bastoncino di bambù in mano, una piccola bombetta e un paio di piccoli baffi neri. Un giovanissimo attore di nome Charles Spencer Chaplin (in seguito conosciuto meglio come “Charlie”), apparso per la prima volta sullo schermo appena alcuni mesi prima in un altro cortometraggio di Lehrman dal titolo Making a Living (in Italia Charlot giornalista), partecipa come spettatore ad una corsa d’aiuto per bambini, continuando ad importunare un piccola troupe cinematografica, formata dallo stesso Lehrman e dall’operatore Franck D.Williams, mentre è intenta a riprendere l’evento, cercando in tutti i modi di intromettersi nell’inquadratura. Ricorrendo ad una continua alternanza fra riprese oggettive dall’esterno in cui viene mostrata l’azione degli operatori e del neonato Charlot e alcune immagini della soggettiva di camera (tanto cara e abusata dai moderni mokumentary), Lehrman da prova di una grande sperimentazione stilistica per l’epoca, ma il vero gioiello di ogni scena rimane sempre e comunque il nuovo irriverente personaggio del vagabondo Charlot, che diverrà in futuro protagonista di celebri pellicole come Il monello (1921), il Circo (1928) e Tempi moderni (1936).

Charlot 4 Seppur nel film precedente Chaplin aveva già iniziato ad impostare le sue future caratteristiche recitative (l’uso creativo degli oggetti, i movimenti-danza, la pantomima espressiva) assumendo anche alcuni elementi fisici in sintonia col futuro ruolo (il cappello a cilindro, il frac e il bastone), è solo qui che finalmente tutti i tratti caratteristici del suo personaggio appaiono definitivamente codificati, seppur ancora acerbi e grezzi. Le capacità atletiche e mimiche di Chaplin emergono chiaramente nelle poche inquadrature che compongono il film, anche grazie ad una storia semplice ma ben strutturata dal sapore pseudo-documentaristico, che per giunta tratta chiaramente un discorso metacinematografico (un film sulla realizzazione delle riprese di un film).

Lehrman, ancor prima di Sennett, passerà alla storia come il primo regista ad aver diretto Chaplin, e il loro sodalizio durerà ancora molto all’interno della Keystone, prima che il giovane e promettente attore passi ad altre case di produzione, tra cui la Mutual, per poi fondare nel 1919 la famosa United Artist assieme al regista D.W Griffith e gli attori Mary Pickford e Duglas Fairbanks. Proiettata in Italia con il titolo di Cahrlot si distingue, la pellicola segna la consacrazione filmica di uno dei personaggi più iconici della comicità a 24 fotogrammi al secondo, mostrandosi come il seme ancestrale da cui sarebbe presto germogliato un fiore dai mille petali di bravura, capostipite e ispiratore di una comicità sana, genuina e sincera, baluardo di epoca in cui per far ridere bastavano due panini e una scarpa fatta di liquirizia (vedere per credere La febbre dell’oro). Un’epoca in cui volgare non era ancora sinonimo di divertente.

Charlot 2

My old lady: recensione del film con Maggie Smith

Recensioni

Scilla Santoro

17 Nov 2014

My old lady: recensione del film con Maggie Smith

My old lady è l’adattamento di una fortunata pièce, già diretta dal regista e sceneggiatore Israel Horovitz – alle spalle una lunga e brillante carriera di drammaturgo – che ha voluto farne anche la sua prima regia cinematografica.

In My old lady Mathias Gold (Kevin Kline) è un newyorkese spiantato che eredita dal padre un lussuoso appartamento a Parigi. Parte così per la capitale francese con gli ultimi soldi, determinato a venderlo e ricavarne quanto basta per rifarsi una vita chissà dove. Al suo arrivo, scopre però che si tratta di una nuda proprietà: di aver “ereditato” cioè assieme all’appartamento, anche l’anziana signora che lo abita, Mathilde Girard (Maggie Smith). Mathias potrà vendere la casa solo alla morte della donna, che intanto vive lì assieme alla figlia Chloé (Kristin Scott Thomas) e ha diritto a un cospicuo assegno mensile. Mentre cerca, nonostante tutto, di organizzarne la vendita, Mathias conosce le due donne e scopre con sorpresa di avere in comune con loro ben più di quell’appartamento.

In una sempre affascinante Parigi, ecco un godibile lavoro che parla d’amore, tradimento, responsabilità familiari, vecchiaia. Ma soprattutto, del rapporto genitori-figli, delle conseguenze subite da questi ultimi a causa delle scelte dei primi, di come il sacrificio, il prevalere del senso di responsabilità di padri e madri, che li allontana da ciò che realmente desiderano e li rende infelici, non possa non ripercuotersi sui figli, causando difficoltà nel rapporto con loro. Si cercano le radici di queste difficoltà e mancanze, che hanno minato alle fondamenta le esistenze di Chloé e Mathias, ormai sessantenni, e dell’insicurezza che ne consegue. Ma Horovitz insiste sulla capacità di ciascuno di emanciparsi e sulla necessità di non usare i vuoti affettivi come alibi per la propria rassegnazione.

My old lady: dal teatro al cinema

Si tratta però, al tempo stesso, di una commedia brillante, ben costruita, caratterizzata da un raffinato senso dello humour, con echi di Wilde e Beckett, da dialoghi acuti, e sorretta da tre interpreti di prima grandezza: i premi Oscar Maggie Smith (perfetta nel ruolo della scrupolosa e previdente vecchina inglese) e Kevin Kline (nei panni di chi non riesce a liberarsi di un doloroso passato, newyorkese sconfitto, cui si offre una seconda possibilità), e la candidata all’Oscar Kristin Scott Thomas (figlia premurosa, ma donna infelice e frustrata). Il dolce, l’amaro e il comico si fondono abilmente. Una certa prevedibilità sconta però l’intreccio sentimentale che coinvolge Mathias e Chloé.

L’ambientazione parigina è curata e suggestiva, senza essere patinata. La presenza di Dominique Pinon, attore legato ai lavori di Jean-Pierre Jeunet, riporta poi lo spettatore al più estroso Il favoloso mondo di Amélie, complice anche un breve tema musicale vicino alle sonorità di Yann Tiersen.

Ghostbusters – Acchiappafantasmi: il 18 novembre di nuovo al cinema!

2014

Chiara Guida

17 Nov 2014

Tornano al cinema Egon, Peter, Ray e Winstone, meglio noti come i Ghostbusters, gli Acchiappafantasmi. Il film culto diretto da Ivan Reitman torna al cinema rimasterizzato in occasione del 30esimo anniversario dell’uscita in sala.

Non mancate all’appuntamento con il divertimento e la paura nella New York degli anni ’80!

Bill Murray è Peter Venkman, Dan Aykroyd è Raymond “Ray” Stantz, Harold Ramis è Dott. Egon Spengler, Ernie Hudson è Winston Zeddemore, Sigourney Weaver è Dana Barrett, Rick Moranis è Louis Tully e Annie Potts è Janine Melnitz.

Ghostbusters – Acchiappafantasmi (Ghostbusters) è un film del 1984 diretto da Ivan Reitman e interpretato da un gruppo di attori provenienti dalla popolare trasmissione televisiva Saturday Night Live. Nel 2000 la pellicola è arrivata alla posizione numero ventotto nella lista delle migliori cento commedie americane di sempre (AFI’s 100 Years… 100 Laughs), secondo un sondaggio effettuato dall’American Film Institute.

Nel 1989 ha avuto un sequel, Ghostbusters II.

Addio al linguaggio: recensione del film di Jean-Luc Godard

Recensioni

Matteo Vergani

17 Nov 2014

Addio al linguaggio: recensione del film di Jean-Luc Godard

Un uomo e una donna alle prese con una controversa vita di coppia e la figura incombente del loro cane. Un ragazzo ed una ragazza affascinati che vivono il loro idillio sulle rive della Senna, mentre un bateau trasporta frotte di turisti. Si parla di politica, filosofia, letteratura e di cinema, un cinema che viene mostrato glorificando sé stesso. Con questa matassa aggrovigliata di schegge narrative Jean-Luc Godard, il grande terrorista del racconto filmico, crea un oggetto talmente particolare che definirlo cinematografico è a dir poco un eufemismo. Adieu au langage (Addio al linguaggio), titolo dichiaratamente programmatico fino al midollo, non può essere definito un film per nessuna ragione.

Assomiglia più che altro ad una bomba sonoro-visiva che implode e deflagra innumerevoli volte su sé stessa, eclissando educatamente la linearità logico-narrativa (consuetudine per il vecchio ed unico reduce della Nouvelle Vague), frammentandosi in una moltitudine di accadimenti che hanno come unico collante il piacere di mostrare come si possano buttare a mare ben 120 anni di linguaggio cinematografico, creando un qualcosa che non assomiglia più al normale concetto di audiovisivo. Idealmente organizzato su due capitoli tematici, la Natura e la Metamorfosi, l’ordigno filmico di Godard, contestato premio della giuria a Cannes 2014, ricorre ad uno sperimentalismo estremo nell’uso di differenti qualità di ripresa, dalla classica patina cinematografica (contaminata di digitale) alle visioni pixelate e super-sature delle videocamere compatte e dei cellulari, creando un puzzle estetico impressionante nel suo insieme.

Ricorrendo a modalità narrative ormai canoniche (il non-racconto, il conflitto di coppia, la diatriba filosofico-politica) e soluzioni visive che riecheggiando i lavori più nobili dei tempi della sacra contestazione (da La donna è donna a La Cinese), il grande provocatore arriva persino a utilizzare la terza dimensione in un modo talmente originale da far quasi gridare al miracolo. È una stereoscopia narrativa quella che Godard ci mostra, lontana dal sollazzo spettacolare contemporaneo, dove altezza, larghezza e profondità finiscono per diventare parti integranti del racconto, vere forme estetiche.

Lo stesso regista non rinuncia nemmeno a rendere spesso esplicito lo stesso meccanismo di ripresa, mostrandoci innocentemente l’ombra della macchina da presa. Vecchio e nuovo, innovazione e progresso convivono tra loro, come mostra l’esemplare sequenza in cui uno smartphone e un libro vengono sfogliati all’unisono nell’inquadratura, dimostrando l’intento di adattare uno stile leggendario ad una nuova epoca (forse una predica agli addetti ai lavori?). Per alcuni l’ultimo delirio di un ostinato pazzo del cinema che vuole imporre ancora la sua ingombrante presenza, per altri un Fino all’ultimo respiro 2.0, dove ciò che fù la rivoluzione linguistica dell’epoca si ripresenta oggi più potente che mai. Ci si chiede come potrà mai essere fruito un oggetto del genere, un qualcosa che è ormai oltre il cinema stesso.

Quadrophenia: nuovo trailer del film da dicembre al cinema

2014

Chiara Guida

17 Nov 2014

Quadrophenia: nuovo trailer del film da dicembre al cinema

Ecco il nuovo trailer di Quadrophenia, il film ispirato all’omonimo album degli Who e che ritornerà il 10 dicembre al cinema in versione restaurata e digitalizzata.

Londra, anni ’60. Lambrette, anfetamine, parka, scontri sulle spiagge tra mods e rockers. La Gran Bretagna post bellica e la musica soul. L’esplosione di rabbia adolescenziale di una generazione che vuole provare a vivere scrivendo da sola il proprio futuro e cede infine alla disillusione. Tutto racchiuso in un film straordinario, diretto da Franc Roddam, che attinge linfa vitale e canzoni dall’omonimo album capolavoro degli Who, uno dei 10 dischi più importanti della storia del rock. Con un giovane Sting nel ruolo di Ace, uno dei protagonisti del film.

A distanza di 35 anni da quel 1979 che lo vide uscire nelle sale di tutto il mondo, Quadrophenia, il film capolavoro diretto ispirato all’omonimo album degli Who del 1973, torna al cinema in versione restaurata e digitalizzata solo mercoledì 10 dicembre (elenco delle sale a breve disponibile su www.nexodigital.it). Un’uscita attesissima perché cade nell’anno del cinquantesimo anniversario della band. Il film, ripercorrendo le musiche dell’album, racconta attraverso il protagonista Jimmy, i contrasti della generazione inglese degli anni ’60 che si divideva fra i Mods (giovani ben vestiti che guidavano scooter italiani) e i Rockers (seguaci del rock and roll americano anni ’50, vestiti con giubbotti di pelle e sempre in sella a grosse motociclette). Così Quadrophenia resta probabilmente a tutt’oggi il film capace di mostrare come nessun altro il connubio tra rock e ribellione giovanile.

Mentre il film cult ispirato all’album degli Who torna in sala restaurato e digitalizzato, Universal Music propone da oggi in radio THE WHO “BE LUCKY”, il brano inedito che anticipa l’uscita della nuova raccolta THE WHO “HITS 50!” prevista il 4 novembre in occasione del 50° anniversario della band di Roger Daltrey e Pete Townshend.

Con oltre 100 milioni di dischi venduti nel mondo e la reputazione di “migliore gruppo dal vivo di sempre”, per dirla con Eddie Vedder dei Pearl Jam, gli Who (Pete Townshend – chitarra, Roger Daltrey – voce, John Entwistle – basso e Keith Moon – batteria) hanno rappresentato per molti versi l’emblema del gruppo rock per eccellenza, in grado di influenzare svariate generazioni future. Furia iconoclasta, senso di appartenenza generazionale, una sconfinata ambizione musicale e un talento fuori da ogni schema si uniscono sul palco e in canzoni diventate pietre miliari della storia del rock, come “My generation”, “I can’t explain” e album come “Who’s next”, “Tommy” e “Quadrophenia”, per la cui definizione venne coniato il temine “rock opera”. Dopo gli esordi come gruppo portabandiera del movimento mod inglese, a partire dalla seconda metà degli anni ’70 gli Who si ergono a rockband a tutto tondo, costituendo un punto di riferimento e di influenza per band loro coetanee come Beatles e Rolling Stones, e finendo per influenzare, con la loro attitudine diretta e nervosa, anche i musicisti che daranno vita alla scena punk, nella seconda metà degli anni ’70, i Clash in primis. Nonostante la morte di Keith Moon, avvenuta nel 1978, e quella del bassista John Entwistle, nel 2002, gli Who hanno proseguito a suonare e a fare dischi, l’ultimo dei quali, datato 2006, si intitola “Endless wire”. Una delle loro ultime pubblicazioni è stata proprio l’album dal vivo intitolato “Quadrophenia live”, celebrazione di uno dei loro album più belli di sempre.

Quadrophenia è distribuito in Italia da Nexo Digital in collaborazione con Universal Music, Radio DEEJAY e MYmovies.it.

Park Chan-Wook a lavoro sullo sci-fi Second Born

2014

Chiara Guida

17 Nov 2014

Dopo il suo debutto dall’altra parte dell’Oceano con il disturbante Stoker, Park Chan-Wook si mette di nuovo alla prova e si cimenta nello sci-fi. Trai suoi prossimi progetti ci sarà infatti Second Born, storia futuristica prodotta dalla Rumble Films.

Scritto da David Jagernauth, Second Born è ambientato in un mondo futuristico in cui degli impianti di microcip nel corpo possono conservare la memoria e la coscienza dei portatori di questi aggeggi elettronici. L’idea, anche se già sentita e affrontata dal cinema, si arricchisce di un dettaglio interessante: questi cip, e l’idea che scambiandoli da persona a persona si possa fingere di essere qualcun altro, alimenta un mercato nero di scambio di corpi. E proprio questo tocco macabro sembra trovare riscontro nei toni oscuri che di solito caratterizzano il cinema di Park Chan-Wook.

Prima di dedicarsi a Second Born, Park Chan-Wook si occuperà della trasposizione cinematografica di Fingersmith, il romanzo best seller del 2002 di Sarah Waters, che per l’occasione sarà ambientato in Corea, invece che nella Londra Vittoriana, come nel romanzo.

Sempre nel suo prossimo futuro ci sono altri due progetti: The Brigands Of Rattleborge e The Ax.

Fonte: EMPIRE

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