Precisamente vent’anni fa veniva presentata al Sundance Film Festival la pellicola di un anonimo regista del Tennessee con alle spalle una lunga gavetta come correttore di bozze e sceneggiatore. Dopotutto, non è da sottovalutare un quasi-trentenne che vanta già nel suo curriculum una collaborazione con Tony Scott e un’altra con Oliver Stone, due grandi nomi di Hollywood.

Il film presentato ha un nome particolare: Reservoir Dogs, titolo probabilmente ispirato dalla difficoltà del regista- dovuta a dislessia- nel pronunciare il titolo della pellicola francese Au revoir, les enfants, che aveva ribattezzato The Reservoir film. Dopo una prima visione, il pubblico è sconvolto, spiazzato: c’è chi sghignazza e chi grida allo scandalo, perché il film presenta delle scene di una violenza inaudita. Non è, infatti, un successo al botteghino ma la critica osanna il nuovo genio che è nato, presentando al prestigioso Festival di Cannes non tanto l’opera quanto il regista, che finalmente ha un nome e un cognome e che, a partire da quell’anno, si ritaglia la propria nicchia di lusso nel dorato mondo della celluloide: Quentin Tarantino.

E proprio lui dichiara durante la celebre “Proiezione Faye Dunaway” all’Egyptian theater: “Non so voi, ma io adoro la violenza al cinema. Quello che mi sconvolge è tutta quella merda alla Merchant/Ivory!” dove l’accusa non era rivolta tanto contro i singoli tirati in ballo, bensì contro un certo tipo di cinema dall’impianto stantio e datato.

Il suo background non è quello delle scuole di cinema, ma quello delle videoteche e della cinefilia compulsiva, che lo spinge a “saccheggiare” letteralmente più elementi stilistici e registici che può dalle pellicole più disparate, spaziando dai film d’azione e wuxia di Honh Kong ai film francesi della Nouvelle Vague firmati da Godard o Melville, senza tralasciare i sottogeneri italiani anni ’70-’80 come il poliziottesco, lo spaghetti western e l’horror splatter d’autore. Cita tra i suoi maestri gli italiani Leone, Argento, Fulci, Soavi, Lenzi, Di Leo, Bava, G. Castellari ma non disdegna nemmeno Howard Hawks, figura paterna e nume tutelare per il cineasta. Tarantino arriva comunque in un momento particolare per il cinema e per la cultura in generale. Assistiamo, infatti, alle soglie degli anni ’90 ad una vera e propria “crisi dei valori” e della cultura monolitica: se le pellicole degli anni ’80 vedono protagonisti eroi fissi, senza sfaccettature, e personaggi manichei che si muovono in una dimensione divisa tra bene e male, alle soglie invece dei ’90 si assiste ad un cambiamento; nelle pellicole i ruoli si confondono, si assiste ad un gioco continuo delle parti e si perdono i punti fissi di riferimento: gli eroi non sono poi così buoni e i cattivi non sono esclusivamente perfidi e malvagi fino al midollo. Il cinema comincia a popolarsi di antieroi, personaggi ambigui portatori di valori relativi e di una loro sinistra morale. Ed è proprio in questo solco che si innesta il germe del pulp, iperrealistico e pop, specchio dell’assurda violenza grottesca che popola il quotidiano.

Le uniche scuole di formazione professionale che frequenta il giovane cineasta americano sono quelle di recitazione (dove comincia a farsi conoscere per i suoi fitti dialoghi logorroici, costante dei suoi futuri film) e Il Sundance Institute, tappa fondamentale perché è proprio qui che presenta la sua opera, il suo primo prodotto definitivo: Reservoir Dogs, da noi Le Iene.

La pellicola crea scandalo, divide la critica, scuote gli animi e dà lo slancio alla nascita di un nuovo genere (o forse alla sua rinascita in chiave pop): il Pulp, quel “pasticcio” di cui già aveva parlato Charles Bukowski nel 1995 con il suo romanzo omonimo. Secondo il dizionario, il termine “pulp” può avere un duplice significato: può indicare sia un “pasticcio”, ovvero una massa informe di materia, quanto una serie di riviste di basso costo e scarsa qualità, diffuse prevalentemente nell’America degli anni ’50, costituite da una serie di racconti brevi (spesso scritti da nomi noti della letteratura “di genere” come Cornell Woolrich o Raymond Chandler) a base di sesso, violenza e azione. Le pellicole di Tarantino probabilmente si avvicinano ad entrambe le definizioni e, cavalcando l’onda del successo dei suoi film, si crea così un fenomeno “pulp” globale che riporta in auge anche il già citato capolavoro di Bukowski scritto nel 1964 e dedicato alla “cattiva scrittura” ma edito da Feltrinelli solo nel 1995, ovvero un anno dopo il successo di Pulp Fiction e la morte dello scrittore.

Alcuni Paesi impongono pesanti tagli al film (come gli Stati Uniti, con il discorso sulla censura e il divieto per i minori di 18 anni o l’Italia, dove tutt’ora viene trasmesso dalle tv “epurato” da alcune scene), addirittura la Gran Bretagna arriva a ritirare le copie disponibili in vhs. Ma di lì a breve nascerà un vero e proprio fenomeno mondiale che lancerà il film nell’empireo della cinematografia mondiale facendolo assurge a “cult”.

Tarantino cominciò a girare nel 1990, con a disposizione un budget esiguo di 30.000 dollari, “prestati” dal produttore Lawrence Bender che avrebbe dovuto ricoprire, inizialmente, il ruolo di Eddie il Bello. Ma tutto cambiò quando una copia della sceneggiatura originale venne fornita dalla moglie del suo insegnante di recitazione direttamente al noto attore Harvey Keitel (che proprio nel 1992 fu presente a Cannes con due film: Le Iene e Il cattivo tenente di Abel Ferrara). L’attore non solo rimase colpito dal copione, ma decise addirittura di co-produrlo: così il budget lievitò fino a 1.200.000 dollari, investiti quasi tutti per gli abiti di scena. Tarantino abbandonò definitivamente l’idea di girare il film con pellicola da 16mm, ma decise di mantenere lo stesso alcuni elementi della sceneggiatura originale, come l’integrità spaziale (il film, infatti, è girato principalmente in un garage, in realtà un’impresa di pompe funebri in costruzione) riducendo al minimo perfino le inquadrature elaborate, lasciando libero spazio ai piani sequenza senza apparentemente nessuno stacco (il che ricorda da vicino l’Alfred Hitchcock di Nodo alla Gola) liberamente ispirati al capolavoro di Godard Fino all’ultimo respiro (citato apertamente nella celebre sequenza dove Mr. Orange e Mr. White ripassano i dettagli del colpo in auto).

La storia è semplice e lineare: una banda composta da sei uomini viene formata da Joe Cabot (Lawrence Tierney) per realizzare un colpo in una gioielleria di Los Angeles. Gli uomini, senza nome ma contraddistinti da nomignoli (che richiamano il film Il colpo della metropolitana di Joseph Sargent) sono Mr. Blue (Edward Bunker), Mr. Brown (Quentin Tarantino), Mr. White (Harvey Keitel), Mr. Orange (Tim Roth), Mr. Blonde (Michael Madsen) e Mr. Pink (Steve Buscemi), tutti avanzi di galera e fidati sgherri di Cabot. Ma il giorno del colpo qualcosa va storto: la polizia è già sul posto, Mr. Blonde apre il fuoco e si scatena una carneficina. Brown e Blue muoiono sul colpo, Orange viene ferito durante la fuga e ha i minuti contati. I superstiti si ritrovano in un garage abbandonato, il luogo dove Joe ha detto di aspettare sue indicazioni… Mr. White vorrebbe aiutare Orange, suo pupillo; Mr. Pink è riuscito a scappare con i diamanti e Mr. Blonde (ruolo per il quale, in un primo momento, si era pensato a nomi del calibro di Edward Norton, James Woods e George Clooney) mostra tutto il suo sadismo e la lucida follia nel momento in cui sequestra un poliziotto legandolo nel portabagagli della sua auto. Ma il dubbio si insinua nelle loro menti, un atroce sospetto che li porta a diffidare l’uno dell’altro: c’è una talpa nel gruppo, un infiltrato della polizia, ma chi?

Su questa trama lineare che ricorda da vicino la tradizione del noir-gangsteristico americano della migliore tradizione, Tarantino compone la propria personale sinfonia giocando con la cultura pop, l’American Way, il teatro dell’assurdo pinteriano e addirittura quello shakespeariano. I protagonisti sono  davvero “cani da rapina”, iene, animali sanguinari, sadici e individualisti pronti a sacrificare il loro prossimo pur di salvarsi la pelle. Non è un caso, forse, che l’unico dei sei a salvarsi, alla fine (anche se arrestato dalla polizia) sia proprio Mr. Pink, il più individualista del gruppo, colui che fin dall’inizio dichiara le sue vere intenzioni nel momento in cui rifiuta di dare la mancia alla cameriera.

Il film può essere inteso come una cinica apologia della nostra società contemporanea: siamo animali pronti a sbranare il nostro prossimo pur di preservarci, come recitava il vecchio motto del filosofo Hobbes “Homo Homini Lupus”. I sei uomini sono spietati e pronti a tutto, ma  a loro modo ognuno ha un’etica, una sorta di “codice morale dei ladri” che li porta a seguire un determinato modello di comportamento: Mr. Blonde non tradirebbe mai Joe ed Eddie, è solo un pazzo sadico che vuole divertirsi, un “cane pazzo”; Mr. White si lascia letteralmente “fregare” dal sentimento di amicizia e protezione che lo spinge verso Mr. Orange, tant’è che arriva addirittura a soppiantare la propria etica, anche se nel finale viene punito cinicamente dagli eventi (o dal Destino?) che gli mostrano  inesorabilmente l’errore di valutazione compiuto quando  ormai è troppo tardi.

Da molti critici il film è stato paragonato (o comunque confrontato) con l’opera di Stanley Kubrick Rapina a Mano Armata, ma le diversità tra le due pellicole sono profonde e significative: prima fra tutte, la frammentazione del tempo della storia, di cui Tarantino è un esperto, totalmente assente nel film di Kubrick che invece sceglie di raccontare cronologicamente la preparazione di un colpo in un ippodromo, destinato a finire tragicamente; inoltre, un’altra particolarità che distingue Le Iene è l’assenza della pianificazione, lo spettatore viene coinvolto fin dalle prime inquadrature nella banale quotidianità di un gruppo di uomini rozzi, nevrotici, sboccati che discutono di donne, sesso, canzoni di Madonna, mance e cameriere. Improvvisamente, dopo i titoli di testa (rigorosamente in giallo su fondo nero) ci troviamo a rapina compiuta: non vediamo cosa accade nella gioielleria, il massacro, possiamo solo intuirlo e ricostruirlo dai racconti dei sopravvissuti e dai flashback che ricostruiscono i frenetici eventi e le personalità complesse di questi loschi individui.

Proprio come in un dramma del Bardo, è la parola ad avere la meglio su complesse scenografie e perfino sul potere immaginifico del cinema stesso; la parola, i dialoghi costruiscono la struttura della narrazione proprio dove i personaggi “fanno”, letteralmente, la storia. Fin dalla carrellata iniziale, con il dolly che gira intorno ai personaggi prima prendendone le distanze poi avvicinandosi cautamente, dai loro dialoghi intrisi di cultura popolare e apparentemente senza senso capiamo in realtà la loro psicologia: Mr. Pink è un egoista, individualista che si rifiuta di dare un dollaro di mancia alla cameriera; Mr. Orange è pronto a fare la spia a Joe, svelando subito il suo gioco pericoloso su due fronti; Mr. Blonde è ciecamente fedele al capo Joe, pronto ad ubbidire a qualunque ordine; Mr. White tiene testa al capo, lo conosce bene e ha grinta da vendere, ma il suo lato debole è proprio l’istinto di protezione paterna verso Orange, che siede al suo fianco perfino a tavola;

Mr. Blue è schivo e taciturno; Mr. Brown è assurdo e logorroico come Tarantino stesso, che realizza con questo film il suo sogno di scrivere, dirigere e interpretare una sua opera. Un’ultima attenta analisi riguarda il personaggio di Mr. Orange e il suo aspetto meta- cinematografico: il personaggio interpretato magistralmente da Tim Roth è la quintessenza dell’attore, poiché in realtà il poliziotto Freddy Newandyke è costretto ad interpretare un ruolo, si cala in esso, lo studia attentamente vivisezionandolo al microscopio e finisce non solo per crederci totalmente, per abbandonarsi ad esso, ma per modellarlo su sé stesso e per viverlo fino in fondo, perdendo il labile confine tra finzione e realtà: si sente un gangster, acquisisce il loro linguaggio e il loro modo di pensare; uccide una donna a sangue freddo, e quando l’atto è ormai compiuto lo spettatore non si sente nemmeno più in grado di giudicarlo in alcun modo.

Il gusto di Tarantino per la citazione cinefila si vede già a partire da quest’opera prima: per esempio, l’uso del cosiddetto “Mexican Standoff” nel finale del film, ovvero un “triello” (duello a tre) dove i personaggi di Eddie il bello, suo padre Joe e Mr. White si tengono sotto tiro contemporaneamente; il cineasta usa una tipica inquadratura cara allo spaghetti western italiano e in particolare a Sergio Leone, che ne introduce uno ormai famosissimo nel finale del cult Il buono, il brutto e il cattivo dove i tre protagonisti si affrontano, faccia a faccia, in un cimitero. Allo stesso modo, un’altra scena ad alto tasso di cinefilia può essere considerata la memorabile sequenza della tortura, una delle più censurate della storia del cinema, dove il sadico Mr. Blonde si diverte a torture e tagliuzzare il povero poliziotto sequestrato. La scena ha un gusto fortemente grottesco, e la violenza che la pervade scivola in un’assurda atmosfera ironica ed eccessiva riconfermando quelle tesi che leggono il mondo descritto da Tarantino come chiuso in sé stesso, autistico insomma, fumettistico ed eccessivo quindi per questo totalmente avulso e lontano dalla realtà stessa. L’azione di Mr. Blonde è sottolineata dal sapiente uso di un pezzo rock degli anni ’70, “Stuck In The Middle With You” dei Stealers Wheel, una scelta particolare che ricorda da vicino quella compiuta da Lucio Fulci nel lontano 1972 nel film Non si sevizia un Paperino.

Eppure, nemmeno il genio di Tarantino è riuscito ad evitare le accuse di plagio che sono state rivolte al film, e a nulla è servito il suo intervento con la famosa frase “i grandi artisti non copiano: rubano” a sua volta “rubata” dal compositore Igor’ Stravinskij. Un fan lo accusò di aver copiato in modo imbarazzante un film di Ringo Lam datato 1987 ed intitolato City on Fire. Le analogie più evidenti sono nella sinossi, nella sparatoria finale (il “triello”) e nella scelta stilistica in base alla quale la scuola di Hong Kong mette in scena un mix letale di realismo, pessimismo, crudeltà, durezza nelle immagini e perdita di qualunque distinzione tra buoni e cattivi, ma alla fine anche queste critiche accese decadono, nel momento in cui Tarantino dichiara di essere un fan del regista Lam e di avere un poster del suo film in casa; ma molti altri sono i film che il regista cita e saccheggia, a partire da Il mucchio selvaggio di Sam Peckinpah fino al cultissimo The Blues Brothers di John Landis. Ma forse è proprio questa una delle abilità maggiori del cineasta del Tennessee: saper rielaborare, secondo una sensibilità e un gusto assolutamente personali, elementi disparati tratti dalla cultura e dall’immaginario pop.

Tarantino modella i suoi personaggi giocando sul labile confine del bene e del male; essi non subiscono un giudizio manicheo da parte del loro demiurgo “creatore”, vivono indipendentemente cogliendo tutte le infinite sfumature della realtà. E la loro forza è proprio in questo: nel riuscire ad essere assurdamente normali, pur essendo calati in un contesto di genere che rafforza l’aspetto fittizio della messinscena cinematografica; i dialoghi riproducono fedelmente il linguaggio della quotidianità, come nel teatro di Harold Pinter o nelle sceneggiature di David Mamet: il linguaggio forte, decisamente “politicamente scorretto”, serve per riprodurre l’alienazione umana nella realtà contemporanea, ormai svuotata di significato. Il cinema di Quentin Tarantino è un’overdose cinefila per gli occhi e per i palati degli spettatori più attenti, un tripudio di immagini e citazioni che celano, però, un significato molto più profondo e stratificato di quanto può apparire, semplicemente, in superficie.

La scena post-credits di Avengers Age of Ultron aveva reso la situazione molto chiara. Per prepararsi al meglio alla guerra che ci sarà in Avengers Infinity War, il titano pazzo Thanos ha deciso di fare da solo e di collezionare le Gemme dell’Infinito in autonomia, senza affidarsi a scagnozzi o tirapiedi (vedi Ronan in Guardiani della Galassia).

La scena di cui sopra vedeva il Titano afferrare il Guanto sinistro, privo di Gemme (il destro lo avevamo già intravisto nel 2011, in Thor). Esattamente, quelle Gemme che sono state sapientemente sparpagliate nel MCU e che a breve vedremo tutte riunite, forse su quello stesso Guanto.

Ma andiamo con ordine: nella mitologia del MCU, le Gemme dell’Infinito “sono i resti di sei diverse singolarità che esistevano prima del Big Bang e sono state compresse nelle Gemme dopo la nascita dell’Universo.”

Dove e quando abbiamo visto le Gemme dell’Infinito? E soprattutto quali di esse hanno già esordito al cinema? Fino a questo momento il MCU ci ha raccontato di quattro Gemme su sei.

• Gemma dello Spazio (blu): è contenuta nel Tesseract, appare brevemente nella scena dopo i titoli di coda di Thor, poi in Captain America Il primo Vendicatore (2011), dove viene usata da Teschio Rosso per potenziare le armi dell’HYDRA, e in The Avengers (2012), dove viene usata da Loki per aprire il portale a New York da cui proviene l’esercito dei Chitauri, alla fine viene ricollocata nella stanza dei trofei di Asgard.
• Gemma della Mente (giallo): incastonata nello scettro di Loki, che la utilizza per controllare la mente delle persone in The Avengers (2012), l’arma viene poi presa dal Barone Strucker che, come mostrato nella scena a metà dei titoli di coda di Captain America The Winter Soldier (2014), la utilizza per effettuare degli esperimenti sugli esseri umani, i cui unici due sopravvissuti sono i gemelli Quicksilver e Scarlet Witch, dopodiché viene incorporata da Ultron nella fronte dell’androide Visione.
• Gemma della Realtà (rosso): contenuta nell’arma semi-fluida chiamata Aether, che viene consegnata da Volstagg e Lady Sif al Collezionista nella scena a metà dei titoli di coda di Thor The Dark World (2013), in modo che possa essere tenuta al sicuro e lontana dal Tesseract, poiché, se lasciate vicine, sarebbero un pericolo.
• Gemma del Potere (viola): contenuta nell’Orb, una sfera ricercata da Ronan per conto di Thanos in Guardiani della Galassia (2014). Viene consegnata dai Guardiani della Galassia ai Nova Corps in modo che possa essere tenuta al sicuro.

Fino a questo momento è tutto quello che sappiamo con certezza in merito alle Gemme, che, lo ricordiamo, sono state nominate chiaramente soltanto una volta, dal Collezionista, nel momento in cui Star Lord e compagni, in Guardiani della Galassia, gli consegnano l’Orb per capire cosa contiene.

A novembre arriva al cinema Doctor Strange, il film Marvel Studios numero 14, e sappiamo, dalle dichiarazioni che sono state rilasciate sul set da Barry Gibbs, responsabile del design di oggetti, armi e materiali di scena, che l’Occhio di Agamotto, magico pendaglio indossato dallo Stregone Supremo, contiene in realtà una pietra dai riflessi opalescenti ma tendenti al verde. Kevin Feige ha inoltre dichiarato tempo addietro che l’Occhio di Agamotto consente a Strange di manipolare il tempo. Se ue indizi fanno una prova, la risposta è semplice: l’Occhio di Agamotto contiene un’altra Gemma, probabilmente quella del Tempo.

Non resta ora che trovare quella dell’Anima, che cattura e manipola le anime. La rete, si sa, è piena di curiosità e congetture, e navigando alla ricerca di storie e notizie sulle Gemme dell’Infinito abbiamo trovato questa immagine che ci suggerirebbe la presenza dell’ultima Gemma da qualche parte (forse incastonata nella parte frontale della sua armatura) addosso a Heidmall, il guardiano del Bifrost, che troveremo di nuovo in Thor Ragnarok.

Ora, con tabella di marcia alla mano, sappiamo che la Gemma dell’Anima potrà comparire soltanto in altri quattro film, prima dell’arrivo di Avengers Infinity War: nell’ordine si tratta di Guardiani della Galassia Vol. 2, Spider-Man Homecoming, Thor Ragnaroke Black Panther.

Escludendo gli “esordienti” Spider-Man e Black Panther, e considerando che già una Gemma, l’Orb, ha fatto il suo esordio con i Guardiani, potrebbe essere plausibile che l’ultimo gioiello spaziale si possa rintracciare in qualche modo in Ragnarok.

Questo vuol dire chiaramente che sapremo esattamente dove sono le Gemme e sapremo in quali post Thanos dovrà andare a cercare per completare il suo Guanto dell’Infinito e dare davvero inizio a quella guerra tanto temuta e già annunciata dal titolo del film che chiuderà la Fase 3 della Marvel.

Uscito nel 2000 e diretto da Mark Dindal, Le Follie dell’Imperatore è forse uno dei film Disney più sottovalutati di sempre, nonché uno dei più divertenti, mentre segue le disavventure dell’imperatore/lama Kuzco e del buon Pacha, che lo prende sotto la sua custodia. Irresistibili anche Yzma e Kronk, la villian e il suo tirapiedi, le cui battute diventate iconiche si sprecano, complice anche, per l’Italia, del fantastico doppiaggio di Anna Marchesini. Semplicemente irresistibile.

Ma dopo 25 anni dalla sua uscita, siamo davvero sicuri di sapere tutto quello che c’è da sapere su questa irresistibile commedia on the road? Ecco 10 curiosità su Le Follie dell’Imperatore che forse ancora non conosci!

• Kuzco prende il nome dall’antica capitale degli Inca, Cuzco. La città esiste ancora sulle Ande, nel Perù meridionale, a un’altitudine di 3.200 metri.
• La moglie di Pacha (John Goodman), Chicha (Wendie Malick), è incinta. Secondo il commento dell’edizione in Home Video, questo è il primo film d’animazione Disney a mostrare una donna incinta. E una delle prime madri umane a non essere trasformata nella villain o uccisa.
• Patrick Warburton improvvisò quando Kronk canticchia la sua sigla mentre trasporta Kuzco (David Spade) nella borsa verso la cascata. L’ufficio legale della Disney fece firmare a Warburton tutti i diritti della composizione canticchiata.
• Nella scena in cui Pacha trasporta Kuzco attraverso la giungla, Pacha e Kuzco discutono del fatto che Kuzco ha un basso livello di zucchero nel sangue. Questa è un inside joke sul fatto che David Spade, che interpreta Kuzco, è diabetico nella vita reale.
• Nella scena della cena in cui Kronk accende un paio di candele, il portacandele è una piccola figura. Si trattava di un personaggio delle prime versioni del film. Era un consigliere dell’Imperatore, ruolo poi cancellato.
• A causa dell’allusione nel titolo, il film viene spesso erroneamente descritto come una versione di “I vestiti nuovi dell’imperatore” di Hans Christian Andersen. Sebbene alcuni tratti caratteriali del protagonista siano simili a quelli del protagonista della storia di Andersen, non ci sono ulteriori collegamenti. Piuttosto, la storia presenta molte più somiglianze con la fiaba “Kalif Storch” (Il califfo cicogna) di Wilhelm Hauff.
• Il finale originale vedeva Kuzco costruire la sua enorme casa estiva sulla collina accanto alla casa di Pacha. Sting inviò una nota ai produttori obiettando che Kuzco non era cambiato davvero né aveva imparato nulla dalle sue esperienze se avesse comunque costruito la sua sfarzosa villa. Così, Kuzco costruisce (e si gode) una capanna molto più piccola, più adatta al villaggio e allo stile di vita contadino.
• Quando Kronk e Yzma vanno al loro laboratorio segreto, oltrepassano diversi cancelli a forma di animale. Il primo è un gatto e si sente il suono di un gatto che miagola. Casualmente, Yzma si trasforma in un gatto alla fine di questo film. Questo è un omaggio al famoso ruolo di Eartha Kitt nei panni di Catwoman nella serie Batman (1966).
• Nella sequenza in cui la mosca colpisce la ragnatela e viene mangiata, la mosca urla “Aiuto!”, proprio come nel classico cinematografico La mosca (1958), dove una mosca semiumana viene mangiata da un ragno.
• Quando un gruppo di guardie riceve delle pozioni e si trasforma in vari animali, una di loro chiede: “Sono appena stata trasformata in una mucca, posso tornare a casa?” Si riferisce al detto “Till the cows come home”, che significa “per molto tempo”.