A davvero poca distanza – tre mesi! – dall’arrivo sulla piattaforma di streaming di Amazon Prime Video del suo precedente Io e mio fratello, il milanese Luca Lucini torna a parlare al pubblico con Le mie ragazze di carta. E a presentare al cinema il film già annunciato come il suo più ‘personale’, una storia “cui sono particolarmente legato, – come dice lui stesso, – la prima che sento veramente mia da quando ho iniziato“. Prima ancora dell’esordio di Tre metri sopra il cielo del 2004, quando lavorava soprattutto con i videoclip (da Alexia a Carmen Consoli e Angelo Branduardi).

In sala a partire da giovedì 13 luglio, distribuito da Adler Entertainment, Le mie ragazze di carta è il racconto di una perdita dell’innocenza molto particolare, che si intreccia con l’amore per il cinema nell’Italia cattolica e conformista degli anni ’70, nella quale Maya Sansa, Andrea Pennacchi, Cristiano Caccamo, Giuseppe Zeno e Neri Marcorè hanno tutti dei ruoli fondamentali nella scoperta del mondo del giovane e interessante Alvise Marascalchi (già visto in Mamma o papà di Riccardo Milani).

Le mie ragazze di carta – Benvenuti nell’Italia degli anni ’70

E’ un momento importante nella vita della famiglia Bottacin, decisa a lasciare la campagna dove ancora vivono amici e parenti per trasferirsi in città, a Treviso. Primo (Pennacchi) ha vinto – faticosamente e non senza aiuti – il concorso per entrare alle Poste e un nuovo orizzonte si apre davanti a lui e la moglie Anna (Sansa). Forse meno complicato di quello che attende il giovane Tiberio, il figlio adolescente della coppia, che più di tutti finisce per subire il contraccolpo della nuova realtà.

Una cittadina in rapida espansione, e in trasformazione, sociale ed economica, ma dalle radici contadine e cattoliche molto profonde e radicate, che ancora condizionano il modo di pensare della gente della piccola e laboriosa provincia settentrionale. Le voci sull’esuberante parroco (Marcorè) o l’ipocrisia che circonda la locale sala cinematografica sono solo alcuni degli elementi che caratterizzano il racconto di un periodo storico, ma soprattutto il cambiamento che scopriranno dentro di sé i nostri protagonisti, divisi da sentimenti, riflessioni e pregiudizi che non avevano mai conosciuto prima.

Solita provincia, insoliti protagonisti

Classe 1967, Luca Lucini aveva poco più di 10 anni all’epoca nella quale è ambientata quella che lui stesso definisce la “storia vera del mio passato, la storia di un cinema davanti a casa nel quale ad un tratto non potevo più entrare, senza capire il perché”, che lo scomparso Mauro Spinelli – sceneggiatore al quale Le mie ragazze di carta è dedicato – trasferì da Milano a Treviso aggiungendo la famiglia protagonista e vincendo il premio Solinas nel 2007. Una storia che viene da lontano, produttivamente, e che racconta un tempo ormai lontano, tanto da sembrare fantascienza, o documentario.

Qualcosa che ricorda molto cinema italiano già visto, come l’uso della voce narrante o la costruzione di una provincia conformista e ipocrita nella quale vediamo muoversi dei protagonisti avulsi e diversi. Per una volta, di area democratico-cristiana, nel senso della ‘Balena Bianca’ che la storia patria – anche culturale – sembra paradossalmente aver dimenticato, nonostante i tanti film su Aldo Moro.

Una connotazione esplicitata solo inizialmente, ma implicita nella fotografia di una società italiana marcata da un bigottismo che, per altro, non appartiene all’unico sacerdote che vediamo rappresentato. E ancora confusa sul concetto di modernità, per molti limitata alla tv a 99 canali e i sofficini, ma che i Bottacin hanno il coraggio di realizzare in una emancipazione naturale affrontata con l’ingenuità e il buon senso contadini di quegli anni. Non senza fatica o conflitti, ognuno a modo suo, eppure senza traumi, né per la scoperta della transessualità, né del porno, né di un possibile ruolo diverso della donna.

Proprio il sesso è un elemento che Lucini gestisce con garbo, eppure fondamentale, come innesco per una serie di riflessioni altre dei tre protagonisti. Inizialmente spaesati, nel tentativo di riconoscere una felicità ormai raggiunta al netto della nostalgia per quanto perso e dell’importanza di accettare la separazione come naturale in una vita che amplia i suoi confini.

Temi con i quali molti potranno identificarsi, ma che probabilmente mancano di dare alla vicenda quel quid di unicità, anche stilisticamente, nonostante l’incipit animato. L’intolleranza verso un progresso disumanizzante è ormai comune, come quella per il frustrante confronto con l’immagine che altri scelgono di dare di sé o di pretendere dai propri simili, come anche il finale scelto. Anticipato dalla divertente commistione di sacro e profano del ‘miracolo’ del sexy show e poi dallo scarto definitivo che rende Le mie ragazze di carta un ‘coming of age’ vero e proprio, sebbene con qualche disomogeneità nello sviluppo, e nel quale l’immagine dell’amore reale, puro, che vince su quello dedicato a delle ‘ragazze di carta’ rischia di prestarsi a interpretazioni non volute e diverse da quelle della iconica celebrazione del cinema come luogo del ricordo e delle emozioni.

Le Meraviglie di Alice Rohrwacher è l’unico film italiano in concorso alla 67esima edizione del Festival del Cinema di Cannes. La regista trentenne porta sul grande schermo una storia insolita fatta di atmosfere discontinue e di generi che si mescolano tra il documentario e la fiaba nella quotidianità della piccola Gelsomina. Il punto di vista della bambina prende vita nella rigida struttura imposta da un padre autoritario, con una concezione idealista e anacronista sul mondo dell’agricoltura e che cerca di lasciare un’eredità culturale ad una figlia sfuggente che provata dal lavoro, dalle responsabilità verso la famiglia e dai paragoni con la sua amica, sogna di lasciare tutto ed andare via con l’aiuto di una bizzarra fata madrina-televisiva, incarnata da una “ciociara” Monica Bellucci.

Così vengono intrecciati i toni duri, sul mondo rurale minacciato da norme europee e da iniziative di cooperative, che sottolinea il decadimento di alcuni sistemi piccoli, semplici ma che conservavano in sé meravigliose libertà che l’era moderna ha cancellato. Per poi mostrare il suo rovescio, un duro scontro tra padre e figlia, fatto di desideri e doveri, di timore e di rispetto per degli archetipi ben sceneggiati e che hanno paura di perdersi con il passare del tempo. Il rapporto viene ulteriormente ostacolato con l’arrivo del “figlio maschio mai avuto” che segnerà in maniera irreversibile la vita della famiglia ma senza incidere nel leitmotiv favoloso ma anzi contribuendo alla sua matrice.

Le Meraviglie, il film

In Le Meraviglie l’estate di quattro sorelle capeggiate da Gelsomina, la primogenita, erede del piccolo e strano regno che suo padre ha costruito per proteggere la sua famiglia dal mondo “che sta per finire”. È un’estate straordinaria, in cui le regole che tengono insieme la famiglia si allentano: da una parte l’arrivo nella loro casa di Martin, un ragazzo tedesco in rieducazione, dall’altro l’incursione nel territorio di un concorso televisivo a premi, “il paese delle Meraviglie”, condotto dalla fata bianca Milly Catena.

Nel film cast riesce a bilanciare tutta la storia, in rilievo ci sono le due bambine, la magnetica e taciturna Maria Alexandra Lungu e il suo opposto Agnese Graziani, che conserva ancora i tratti simpatici e irriverenti dell’infanzia. Buona l’interpretazione di Sam Louwyck padre-padrone che riesce ad esprimersi esclusivamente nel suo mondo e l’insofferente Alba Rohwacher che assorbe i silenzi sofferti delle sue figlie.

Le Meraviglie è un film ben strutturato, caratterizzato da mirate allegorie e precisi riferimenti che la Rohwacher dimostra nella padronanza con la macchina da presa, utilizzando perlopiù carrelli laterali che ci trasportano dal mondo del reale a quello delle fiabe, così come le ombre e luci che compongono il piano dell’immaginario evidenti soprattutto nella parte finale del film. Ma seppur ci siano delle belle idee, la regista si confonde in un racconto che è fin troppo personale il cui eco del ricordo è visibile ma non empatico, inciampando così, nelle sfumature delle varie lingue e nei segreti non confessati delle bambine sottolineando più la malinconia di un tempo che la favola di una bambina.

A sentire il titolo del nuovo film di James Mangold, gli appassionati di Formula 1 sanno già di cosa si andrà a parlare, tuttavia, per coloro a cui lo stesso titolo non fa risuonare nulla nella memoria, la recensione di Le Mans ’66 – la grande sfida può dare qualche possibilità di orientarsi meglio in questa pagina di storia sportiva a quattro ruote.

La storia che Mangold racconta è quella della Ford che, negli anni Sessanta, decide di provare a contrastare lo strapotere del cavallino rampante Ferrari nelle corse di Formula 1, affidandosi a Carrol Shelby, ex pilota che si è reinventato designer di auto da corsa, il quale a sua volta dà tutta la sua fiducia a Ken Miles, pilota collaudatore, anarchico impunito che, come da manuale, è l’uomo adatto al lavoro ma il più difficile da controllare secondo i canoni e le necessità dell’azienda.

Non solo. Le Mans ’66 racconta anche, soprattutto, la storia di un’amicizia, quella tra Carrol e Ken, due uomini che sono i migliori in quello che fanno, le cui doti sono complementari e si equilibrano alla perfezione, che insieme sono in grado di fare il lavoro al meglio, riuscendo a tenere testa ai capi dell’industria.

E ancora. Le Mans ’66 è il racconto di un uomo spaccato a metà tra le necessità della sua famiglia, che ama profondamente, e il proprio sogno selvaggio che mette a rischio proprio quella vita che vorrebbe dedicare a moglie e figlio. Ken Miles è il centro emotivo della storia, ma anche cuore rosso e pulsante è inutile senza un cervello affilato. E a questo serve Carrol.

Le Mans ’66 erede di Rush di Ron Howard

Tratto da una storia vera, il nuovo film di James Mangold si confronta con due ostacoli in partenza. Il primo è la difficoltà di ricezione che il pubblico ha verso film ambientati nel mondo delle corse e sulle piste di Formula 1. L’esempio recente migliore, e forse unico, è quel Rush di Ron Howard che poteva essere un ottimo apripista ma che è rimasto un caso isolato, dal 2013 a oggi. Il secondo ostacolo con cui si confronta Le Mans ’66 è il fatto che il suo regista è, per sua stessa ammissione, profondamente annoiato dalle gare automobilistiche. Questo aspetto lo ha spinto ad andare oltre la pista, fin dentro l’abitacolo, per raccontare l’adrenalina, l’emozione e la passione che vibra dentro chi è al volante della macchina, mettendo da parte il torpore, facilmente condivisibile, di chi le corse le guarda soltanto.

Le Mans ’66 – la grande sfida riesce con equilibrio ad evitare la noia e la maniera, rivelandosi prima di tutto una storia di amicizia. Il rapporto tra il ligio e scaltro Carrol e il fumantino e devoto Ken è il cuore del racconto, l’unico appiglio narrativo che davvero interessa al regista, che anzi, allontanandosi sempre più dall’aspetto sportivo, si addentra in quello umano, facendoci entrare nell’intimità di Ken e della sua famiglia.

La storia di una grande amicizia

Il resto del film, che pure serve a completare la struttura narrativa e a dare un contesto plausibile alla storia è tutto messo in secondo piano, dai leader delle due industrie chiamate in causa, Henry Ford II ed Enzo Ferrari, che sono delle figure bidimensionali e inserite esclusivamente perché necessarie alla trama, a tutta la serie di sottoposti e amministratori che da Ford II a Carrol Shelby formano la catena burocratica contro la quale lo stesso Shelby si è dovuto scontrare, per difendere la sua scelta di lavorare con la “scheggia impazzita” Ken Miles.

E se il titolo italiano ci invita a tendere la nostra attenzione alla gara che consacrerà la Ford e il lavoro di Shelby e Miles, quello americano, Ford vs Ferrari, è ancora più “incompleto” perché dà un’idea molto vaga di ciò che in realtà interessa raccontare a Mangold. Il quale non si tira certo indietro quando si tratta di inseguire e precedere bolidi sull’asfalto, ma lascia quasi andare la camera e dà spazio ai suoi attori quando è il momento, affidandosi completamente a Christian Bale e Matt Damon, che regalano una rara alchimia sullo schermo e restituiscono vizi, virtù e stranezze di due uomini tanto singolari quanto geniali.

Le Mans ’66 – la grande sfida è prima di tutto una profonda storia di amicizia, di fratellanza, di due uomini sconfitti che non hanno perso la dedizione e la gioia per ciò che li appassiona, nonostante i giganti contro cui hanno combattuto.

James Mangold presenta Le Mans ’66: “Solo il cinema può fotografare i pensieri”

Torna in concorso al Festival di Cannes 2018 il celebre autore della Nouvelle Vague, Jean-Luc Godard con il suo nuovo film dal titolo Le livre d’image. Dopo aver vinto il Premio della Giuria al medesimo Festival nel 2014 con Adieu au Langage, Godard prosegue con la sua ricerca sul linguaggio cinematografico, cercando come sempre di stupire per i suoi tentativi di innovazione e allo stesso tempo di fornire uno sguardo nuovo sul mondo e sull’umanità.

Difficile ridurre Le livre d’image ad una trama esplicativa dell’idea dell’autore. Il film non è altro che un costante found footage con immagini, spezzoni di video presi dall’internet o di celebri film del passato. Un libro di immagini, appunto, che tenta attraverso un filo logico di evidenziare la morte del linguaggio, come già teorizzato nel precedente film, e la morte di un’umanità che soccombe sempre più alla guerra e al terrorismo.

È un discorso fortemente politico quello che porta avanti Godard, criticando e domandando in forma retorica dove sia finita l’umanità, in tutte le sue forme. Attacca i testi sacri delle principali religioni, attacca la morte del pensiero, attacca tutto ciò che sta portando sempre più ad una spersonalizzazione dell’essere umano dal suo contesto naturale. Attraverso la giustapposizione di numerose immagini, è il montaggio il vero protagonista, che ci conduce attraverso un percorso criptico che tenta di stimolare riflessioni e fornire domande alle quali non sembra avere risposta neanche l’autore stesso.

Le immagini, i suoni, le parole, tutto viene da Godard decontestualizzato per essere riadattato a nuova forma, per ricercare sempre nuovi e infiniti significati al materiale su cui lavora. Egli tenta di dar vita ad una storia globale che possa colpire lo spettatore su più punti facendo risvegliare la sua coscienza.

Nel suo perseguire un linguaggio di questo tipo, così provocatorio così anti narrativo, Godard ottiene però l’effetto di rimaner bloccato nel passato. In un passato in cui il linguaggio da lui inventato poteva essere novità di estrema attrattiva, ma che oggi si rivela essere un modo di comunicare stanco e affatto innovativo. Il messaggio che ne deriva è privato di una reale forza, e sembra in ogni caso aver ben poco da comunicare realmente.

Il risultato finale di questo Le livre d’image è così quello di frastornare lo spettatore, di infastidirlo, con la conseguenza che si arriva a chiedersi quale sia il valore, oggi, di un’opera e di un linguaggio di questo tipo. Il nuovo film di Godard appare così come un’opera dall’indiscussa complessità di ideazione e realizzazione, ma che suscita nello spettatore numerose perplessità.

Laurent Geslin è un fotografo naturalista di fama mondiale che per nove anni ha monitorato immergendosi nella natura, le linci euroasiatiche. La lince, per chi non lo sa, è un predatore fondamentale per l’ecosistema forestale, poiché la sua presenza aiuta a mantenere l’equilibrio naturale, minacciata sempre di più da fattori come i cambiamenti climatici e l’attività umana. Il documentarista alla fine ha realizzato un film intitolato Le linci selvagge che è stato presentato in anteprima durante il Locarno Film Festival 2021.

Cosa racconta Le linci selvagge

Nel corso del 19° secolo, la lince euroasiatica è stata sterminata ed è scomparsa dall’Europa occidentale. Cinquant’anni fa, il predatore però è stato reintrodotto nelle montagne della Svizzera. La lince è un animale fiero, bellissimo, con indole schiva, solitario, ma nonostante la protezione garantita a livello nazionale ed europeo, la specie resta comunque a rischio. Le sue peculiarità fisiche sono i ciuffi di peli sulle punte delle orecchie e il manto che assume varie gradazioni di colore a seconda del territorio di appartenenza. Il pelo delle linci per esempio è più chiaro nei paesi del nord e diventa più scuro man mano che si procede verso sud. Anche se è un felino usa il mimetismo per difendersi dai pericoli dell’ambiente circostante, ma anche per ingannare le sue prede, come caprioli o camosci.

Questo fiero predatore, conosciuto anche con il nome di gattopardo o lupo del Cerviere, ha un comportamento che ricorda un po’ quello di altri animali notturni delle foreste europee, preferendo prevalentemente uscire nelle ore serali e dedicarsi alla vita sociale solo durante il periodo degli accoppiamenti. Il fotografo francese ha seguito, per un lungo periodo, il ciclo della vita di una famiglia di linci euroasiatiche, documentando gli eventi cruciali come la nascita dei cuccioli, l’apprendimento della caccia e la difesa del territorio ma anche quella dagli uomini. Questo documentario, girato tra le montagne della Giura e commentato da Geslin stesso, si apre a fine Inverno dove due linci che si incontrano per riprodursi.

Il film inizia durante la stagione degli amori, quando il maschio della specie “canta” per attirare la femmina, che risponde ad essa. Proseguendo passano alcuni mesi e arriva la Primavera con il risveglio degli animali dal letargo, la rinascita con i suoi primi germogli sulle piante e l’apparizione della lince femmina in dolce attesa alla ricerca di una tana per partorire. Passa un’altra stagione e si rivede la lince madre con ben tre piccoli gattini,  ovviamente questo è un docufilm con animali selvaggi in cui è facile trovare la morte quando sei un cucciolo. Purtroppo durante il racconto due membri della famiglia delle linci vanno incontro a un triste destino. Uno dei tre cuccioli viene ucciso da un bracconiere e l’altro a sette mesi muore investito da una macchina. Il documentario si conclude con la femmina piccola cresciuta, l’unica sopravvissuta, pronta per trovare un compagno e continuare la specie.

Un film che contribuisce alla ricerca

Guardando quest’opera prima di Laurent Geslin si nota fin da subito che chi c’è dietro la telecamera è una persona esperta e appassionata di questo straordinario animale. Uno degli aspetti che meglio lo mostra è quando c’è proprio l’impressione, che la lince stia guardando dritto nell’obiettivo e questo è merito del regista che ormai li conosce bene questi straordinari predatori europei. Il regista comunque non si concentra solo sulla lince ma mostra anche tutti gli altri animali che in qualche modo diventeranno, forse, possibili prede o semplicemente abitano nello stesso habitat naturale.

Le linci selvagge si racchiude benissimo nel genere dei documentari dedicati alla natura incontaminata e alla difficile convivenza tra esseri umani e animali selvaggi. Per concludere questo docufilm è tutt’ora il primo dedicato interamente alle linci, ci sono quelli sui leoni, ghepardi, giaguari e altri grandi felini, ma niente sui gattopardi.

A quattro anni di distanza da Un altro mondo, Silvio Muccino torna dietro la macchina da presa per raccontarci un fenomeno attuale, il life coaching, senza tralasciare quella componente sentimentale così candida e schietta che da sempre caratterizza i suoi lavori da regista. Di cosa parla Le Leggi del Desiderio? Di Giovanni Canton (interpretato dallo stesso Muccino), carismatico trainer motivazionale che decide di dimostrare la veridicità delle sue teorie organizzando un concorso per la selezione di tre fortunate persone che verranno da lui stesso portate, in sei mesi, al raggiungimento dei loro più sfrenati desideri. Ben presto, però, il life coach dovrà fare i conti con gli effetti che l’intenso rapporto con il terzetto prescelto avrà nella vita di tutti, soprattutto nella sua…

La cosa che più colpisce de Le Leggi del Desiderio è una notevole crescita che Muccino regista dimostra nella direzione degli attori. In diversi momenti il suo Canton viene messo da parte, quasi eclissato, per lasciare maggiore spazio alle storie e alle dinamiche che coinvolgono i tre concorrenti, intepretati dai bravissimi Nicole Grimaudo, Maurizio Mattioli e Carla Signoris. Il trio di attori dà vita a dei personaggi ben caratterizzati, che spingono alla riflessione nel loro emergere come esempi lampanti e ben radicati di una società disposta a tutto pur di realizzare i suoi sogni, e che proprio per questo spaventa. Eppure, troppo spesso il Muccino sceneggiatore eccede nello stereotipo e nella prevedibilità, ed è qui che viene fuori il problema più grande della terza esperienza da regista dell’attore romano.

Se Muccino dimostra di aver raggiunto una maggiore consapevolezza dal punto di vista tecnico, impreziosendo il suo lavoro con una regia molta più acuta e scorrevole (aiutato anche dalla fotografia di Federico Schlatter), non si può dire lo stesso in merito alla sue capacità narrative: scritto da Silvio in collaborazione con la storica Carla Vangelista (che aveva già firmato con lui Parlami d’amore e Un altro mondo), Le Leggi del Desiderio, pur affrontando un tema mai esplorato dal cinema italiano, insegue l’innovazione filmica senza mai raggiungerla veramente, restando come intrappolato in se stesso e nella visione sognante del suo regista, incapace di liberarsi dalle catene della retorica che spianano la strada ad un finale smorfioso e romantico che si fa specchio di uno spirito idealista attecchito, ma che, al giorno d’oggi, sempre più fatica a trovare un riscontro nella realtà.

Le Leggi del Desiderio, in uscita il 26 febbraio, non è certamente l’opera della maturità. Nel suo impellente, pressante bisogno di dimostrare che quella strada (la strada dell’amore, in qualunque forma esso si manifesti) è l’unica via percorribile, Silvio Muccino confenziona un prodotto che scivola a poco a poco nella mediocrità e nella prevedibilità di una conclusione stantia, impedendo al film stesso di rimanere anche lontanamente impresso nelle mente o nell’animo dello spettatore.

Arriva finalmente nelle sale Le idi di marzo, ultimo film da regista di George Clooney, dopo essersi già imposto alla scorsa Mostra d’Arte Cinematografico di Venezia.  Il ritorno alla regia dell’attore segna anche il ritorno a temi a lui molto cari come la politica e le istituzioni, dopo la breve parentesi costituita da In amore niente regole, commedia più leggera e sentimentale.

Il film racconta la vicenda di un giovane e idealista addetto stampa (Ryan Gosling) che lavora per un candidato alla Presidenza, il governatore Mike Morris (George Clooney), e che si trova suo malgrado pericolosamente coinvolto negli inganni e nella corruzione che pervadono il mondo della politica. Le idi di marzo si colloca nel filone del thriller politico che fiorisce negli anni 60’-70’ grazie a registi del calibro di Elio Petri, o Sidney Lumet. La splendida sceneggiatura, tratta da Farragut North di Beau Willimon e scritta a quattro mani da Grant Heslov e dallo stesso Clooney, supporta mirabilmente l’opera elevandone la caratura artistica e sociale, impreziosita da un brillante uso di dialoghi, che aiuta la narrazione a non cadere in un immobilismo tipico di una messa in scena teatrale. In questo fa la sua parte Clooney che serve la storia con una regia lucida ed elegante, stilisticamente classica e funzionale al racconto in atto.

Le idi di marzo, il film

Al servizio della storia c’è anche un formidabile cast di confermatissime personalità attoriali, che regalano interpretazioni ad altissimi livello e all’altezza delle aspettative. Su tutti spicca come al solito un Paul Giamatti stratosferico, accompagnato da una sorprendentemente brava Evan Rachel Wood, una certezza come Philip Seymour Hoffman e un prezioso Ryan Gosling, ormai definitivamente lanciato nell’Olimpo dei performer di alto livello. Proprio il suo personaggio è il fulcro centrale della storia: un giovane idealista che crede in qualcosa di giusto ma che non necessariamente rappresenta la soluzione migliore per sopravvivere nel mondo che lo circonda.

L’allegoria del film di Clooney è quella propria di una “iniziazione”: il giovane idealista si addentra nel mondo della politica con il proprio bagaglio di valori, lontanissimo  dalle concrete dinamiche politiche e governative, e suo malgrado dovrà imparare a conviverci, sottostando a compromessi e imparando a scoprire il proprio lato oscuro. Il sistema dipinto dal regista è un malato inguaribile, in un perenne stato di dialisi, e nemmeno il recente cambiamento avvenuto sembra rappresentare quel vento di speranza tanto osannato. All’interno del racconto George Clooney ritrova un equilibrio solido che gli consente di raccontare attraverso una lucida e profonda (auto)critica, un mondo che lo sta tradendo (o forse lo ha già tradito). Alla fine il lato oscuro rappresenta sempre l’unica scelta percorribile e con una sorta di velato pessimismo, ma con netto distacco, il suo sguardo accompagna all’epilogo la storia.