Dopo il successo del suo esordio La mafia uccide solo d’estate, Pierfrancesco Diliberto “Pif”, presenta il suo secondo lungometraggio, In guerra per amore, in anteprima nazionale mercoledì 12 ottobre, come preapertura della Festa del Cinema di Roma 2016, e in sala dal 27 ottobre.

In In guerra per amore Arturo (Pif) è un giovane siciliano nella New York del ‘43. Lui e Flora (Miriam Leone) si amano, ma quando lo zio di lei la promette in sposa al figlio di un boss locale, la ragazza non può opporsi. L’unica speranza per i due innamorati è che Arturo vada in Sicilia a chiedere al padre dell’amata il consenso al suo matrimonio con la figlia. Senza un soldo, Arturo decide di arruolarsi nell’esercito americano, che prepara in quei giorni lo sbarco sull’isola, per poter raggiungere il  paesino siciliano dove vive il padre di Flora.

Il regista palermitano sceglie un sentiero consolidato, deludendo forse chi si aspettava una maggiore originalità o un più deciso passo in avanti: l’impianto dell’opera, i due personaggi  principali e l’idea di fondo restano gli stessi, ma non è detto che sia un male. Si coniugano storia personale e Storia nazionale, intrecciate a quella della mafia, colta in un’altra fase cruciale.

In guerra per amore è infatti una sorta di prequel dell’esordio: dopo gli omicidi e le stragi mafiose degli anni ’80 e ’90, qui ritroviamo Arturo e Flora durante la Seconda Guerra Mondiale, quando Cosa Nostra fornì un aiuto fondamentale agli Usa nel controllo di un territorio a loro sconosciuto, in occasione dello sbarco alleato sulle coste siciliane. Aiuto in cambio del quale ottenne mano libera e possibilità d’espansione uniche. Aiuto testimoniato da alcuni documenti, base storica del film, tra cui il rapporto del capitano Scotten (nel film Philip Catelli, Andrea Di Stefano) che evidenziava i rischi e le possibili gravi conseguenze per la Sicilia e l’Italia di un patto tra Usa e mafia.

Il sogno d’amore di Arturo, antieroe timido e impacciato, s’intreccia con la Storia. Coinvolgono l’incedere leggero e a tratti surreale del lavoro, un protagonista stralunato e quasi inconsapevole di quanto accade attorno – Forrest Gump è un chiaro riferimento – ma che nel corso del film acquisirà consapevolezza, soprattutto grazie alla sincera amicizia con Catelli. Efficace però anche il racconto della guerra nei suoi aspetti più drammatici – la fame, i bombardamenti, la morte, le speranze frustrate. Con leggerezza, ma non senza far riflettere, si racconta la mafia, la tracotanza dei boss, la spregiudicatezza alleata che se ne servì. Ad animare il film sono anche le caratterizzazioni, specie quelle, spesso tragicomiche, degli isolani – Teresa (Stella Egitto), Saro e Mimmo (Sergio Vespertino e Maurizio Bologna), Don Calò (Maurizio Marchetti), Annina (Aurora Quattrocchi). Assieme alla suggestiva ambientazione ad Erice – nel film un paesino di fantasia – completano un lavoro godibile, che rende plausibile e non fa pensare troppo anche un’operazione scivolosa come cercare di bissare il successo dell’esordio sfruttando la stessa formula.

Per un lavoro più impegnativo del precedente, il regista – sceneggiatore con Michele Astori e Marco Martani – sceglie soluzioni semplici e alla propria portata, come una New York ricostruita nel parco di divertimenti Cinecittà World. Ci si poteva aspettare di più, ma Diliberto conferma lo stile personale e il buon talento visivo per un risultato comunque apprezzabile.

Continua la storia d’amore del regista irlandese John Carney con la musica, protagonista assoluta del suo ultimo piccolo capolavoro Sing Street, qui fuori concorso all’undicesima Festa del Cinema di Roma nella sezione collaterale di Alice nella Città.

Ambientato nei gloriosi anni ottanta, Sing Street racconta la storia di Conor (Ferdia Walsh-Peelo), un ragazzino di appena quattordici anni che, per sfuggire dai problemi della sua famiglia si rifugia nella musica. Preso di mira dai bulli della sua nuova scuola, decide di metter su una band insieme ad alcuni suoi compagni per fare colpo su una ragazza di qualche anno più grande di lui.

Dopo l’acclamato Once del 2006 – film indipendente che vinse anche un Oscar per la migliore canzone originale con Falling Slowly – e il meraviglioso ma più recente Begin Again, John Carney torna a farci assaporare il suo talento proponendoci ancora una volta un film in cui la musica la fa da padrona.  Il regista torna per l’occasione della sua terra natia, raccontandoci di una Dublino, quella degli anni ottanta, come di una città ancora troppo arretrata dove i ragazzi sognano quella che sembra una lontanissima Londra, la terra delle mille possibilità.

Ma quello che in assoluto incanta del film è la bravura di questi ragazzi che, nonostante la loro giovane età,  sembrano già delle piccole star e che, sotto l’abile direzione di Carney, ci accompagnano per mano in una sorta di bizzarro viaggio musicale; la band dei Sing Street, in attesa di trovare un proprio stile originale, trae infatti ispirazione da alcuni dei gruppi più famosi di quegli anni come i The Cure, i Duran Duran, senza dimenticare ovviamente il mitico David Bowie pioniere dello stile futuristico che è poi diventato un suo tratto distintivo.

Il film, perfetto in ogni suo elemento a cominciare dalla sceneggiatura che non consente alcun calo di ritmo, è in sintonia con il resto della cinematografia del regista che, grazie al suo stile pulito, semplice e diretto, non ha bisogno di inutili sovrastrutture estetiche per far breccia nel cuore del suo pubblico. Se tutto questo ancora non vi ha convinti a recuperare questo piccolo gioiellino da festival, vi consigliamo di dare un’occhiata alla colonna sonora originale e non di Sing Street: sarà amore alla prima nota!

Daniele Vicari sostiene di aver voluto realizzare “un film semplice, come il verso della canzone da cui è tratto il titolo, come semplici sono le esistenze di cui racconta la storia. La vita quotidiana di milioni di persone che non hanno una vita assicurata dall’appartenenza sociale è invece molto difficile.”

Sole cuore amore: prime foto dal film

Lo fa con un bel piglio registico, soprattutto con un sapiente uso della camera a mano, e riesce a seguire bene le vite delle due protagoniste, aiutato sicuramente dalla loro buona interpretazione. Isabella Ragonese ed Eva Grieco si muovono bene con i caratteri dei loro personaggi, apparendo naturali e spigliate e quindi credibili. Anche Francesco montanari, nel ruolo del marito di Eli, offre una buona prova. Cosa che purtroppo non sempre avviene per i tanti personaggi di contorno, spesso ridotti a meri caratteri di servizio, quando non cadono inesorabilmente nel solito macchiettismo tipico di tanto cinema italiano. Forse è proprio la troppa “semplicità” a portare il film in quel limbo del già visto, o peggio, del televisivo.

In Sole Cuore Amore Eli e Vale sono amiche da tanto tempo, vivono nello stesso palazzo sul desolato litorale romano. Hanno fatto scelte di vita completamente diverse. Eli è trentenne, ha un marito disoccupato e quattro figli. Ogni giorno impiega due ore per andare a lavorare in un bar, dove è sfruttata ed è costretta a tollerare condizioni inumane. Non ha comunque scelta, è l’unico modo per riuscire a sostenere la sua famiglia. Lei però ha un carattere solare, il contatto con gli altri le piace ed è sempre carica di un ottimismo inaspettato. Vale invece, sua coetanea, è una danzatrice, vorrebbe fare danza come espressione, ma è costretta ad esibirsi in discoteche e night club.  A volte Vale aiuta Eli durante il giorno, accudendo i bambini e aiutandoli a studiare. Ma l’ottimismo e il buonumore non bastano da soli a far  fronte all’immane fatica e ai tanti problemi che ogni giorni si presentano, cominciando oltretutto a minare la salute di Eli.

Sono storie e difficoltà di gente comune e quindi proprio per questo Sole Cuore Amore potrebbe attecchire su quel pubblico perennemente in cerca di vicende difficili, dolorose, lacrimevoli, che nel buio di una sala gli facciano pensare “Beh, meno male, c’è chi sta peggio di me”.

È strano pensare che Sole Cuore Amore sia di quella stessa mano ispirata e coraggiosa che ha diretto Diaz, soprattutto quando il folgorante testo della canzone di Valeria Rossi arriva ( ce lo aspettavamo con timore fin dal titolo)e viene canticchiato biecamente da due ragazzini nel bar in cui la protagonista è strizzata come un limone.

Uno sguardo più personale, scelte più coraggiose e una rottura di schemi ormai imposti e obsoleti avrebbero certamente reso il film assai più interessante e avrebbe spronato lo spettatore a riflettere sulle problematiche importanti che sono alla base della storia e nelle intenzioni del regista.

Manca palesemente un’esigenza espressiva e narrativa che avrebbe fatto la differenza, e tale mancanza relega il film nel mero mestiere.

Nel 1915 The Birth of a Nation di David Wark Griffith celebrava l’origine degli Stati Uniti. Dopo 101 anni, Nate Parker realizza un film con lo stesso titolo, che questa volta non inneggia ma colpevolizza, che guarda in macchina e racconta una pagina sanguinosa ed eroica della storia americana. Con il suo The Birth of a Nation, Parker, attore alla sua opera prima dietro la macchina da presa che scrive, dirige, recita e celebra un eroe rivoluzionario, lo schiavo Nathaniel Turner, che nel 1931, nella Contea di Southampton in Virginia, guidò una rivolta di schiavi che durò 48 ore e venne affogata nel sangue. Uno Spartaco del XX secolo che in pochi ricordano ma che la pellicola, presentata già in trionfo al Sundance 2016, racconta nei suoi antefatti e nel suo breve e furente svolgimento.

Nate Parker comincia il suo racconto come una fiaba oscura e onirica, in cui uno sciamano profetizza al piccolo Nat un futuro di saggezza e grandezza per il suo popolo. Nat è un bambino intelligente e sensibile, da sempre amico (nei limiti del possibile in un contesto del genere) del padroncino Sam e benvoluto da sua madre, la Signora Turner, grazie alla quale impara le sacre scritture e la parola di quel Dio che tanto ama. La sua fede, la sua intelligenza, lo portano a essere uno schiavo in qualche modo privilegiato, che gode del favore del padrone pur rimanendo sempre un oggetto di suo proprietà. Ma il senso di appartenenza e l’innegabile brutalità e ingiustizia a cui sono sottoposti i neri svegliano in lui il furore biblico di vendetta e giustizia. Nat diventa il leader, il braccio armato di una folle rivolta di appena due giorni. Giorni di sangue e di polvere, ma anche di libertà e di vita.

Guarda il trailer di The Birth of a Nation

Alla sua prima regia, Parker dimostra un occhio allenato alla composizione del quadro, spesso invaso dalla luce del sole che filtra attraverso alberi o assi di legno, una luce che tenta di raggiungere l’oscurità degli animi narrati e che si diffonde attraverso la nebbia delle albe di lavoro, i campi di cotone, i cortili delle case padronali, quasi a rappresentare una divina presenza sempre invocata e ricercata ma apparentemente inesistente o almeno indifferente alle vicende umane. Grazie alla preziosa e invadente colonna sonora di Henry Jackman, The Birth of a Nation si lascia andare a sequenze liriche e potenti, momenti di grande impatto emotivo che ricordano i grandi classici del cinema hollywoodiano, come Braveheart o Il Gladiatore, con in più del peso della Storia che non fa sconti a nessuno.

E lo stesso sguardo del narratore è anche quello iniettato di sangue, che dice addio all’ultimo alito di vita e che si rivolge alla macchina, è uno sguardo d’accusa all’umanità, allo spettatore che guarda nella sicurezza della sua poltrona, al senso di appartenenza alla razza umana che dovrebbe spingerci alla compassione. Per non ripere la Storia.