Le prime reazioni a E venne il giorno di M. Night Shyamalan sono state decisamente contrastanti, sia tra la critica più autorevole che tra gli spettatori occasionali. Le reazioni sono state molto diverse: c’è chi osanna l’ennesimo capolavoro del regista indiano, chi invece dichiara il totale fallimento dell’opera tacciando il film di banalità nei contenuti e nei pretesti drammaturgici.

E venne il giorno non è sicuramente tra i migliori di Shyamalan. I dialoghi sono abbastanza scontati, per non dire totalmente fuori luogo in più di una occasione, gli attori sono per la maggior parte monolitici. Dopo la splendida interpretazione in The Departed, che gli ha fruttato addirittura una candidatura agli Oscar, Mark Walberg delude (c’è chi dice che sia stato scelto apposta e che il suo personaggio sia volutamente “imbranato”, c’è chi invece sostiene un madornale errore nella scelta del protagonista); la bella Zooey Deschanel non fa altro che abbagliare il pubblico con il suo sguardo ceruleo, merito di madre natura e non certo di una sua particolare capacità recitativa. Spicca tra tutti John Leguizamo, che interpreti un mafioso (Carlito’s way di Brian de Palma), un nano ubriaco (Moulin Rouge! di Baz Luhrmann) o un giovane veronese violento (Romeo+Giulietta ancora di Luhrmann), quest’attore regala sempre performances intense e di alto livello.

E venne il giorno e il talento di Shyamalan

Da un punto di vista tecnico E venne il giorno è comunque perfetto, il regista di Il sesto senso e di Signs ci da ancora una volta prova della sua profondissima conoscenza del mezzo cinematografico. Shyamalan è capace di fare appello alla parte più oscura dell’animo umano risvegliando paure che solo maestri come Hitchcock riescono tutt’oggi a smuovere.

Il vero pregio di questo film è proprio questo: un meccanismo della suspence costruito in maniera magistrale, che incolla lo spettatore alla poltrona fino alla fine e lo lascia senza respiro fino all’uscita dalla sala. Fare paura con niente, questa è stata la grande opera di Shyamalan con E venne il giorno. Non ci sono mostri, non ci sono catastrofi naturali evidenti, solo il vento d’incubo che porta con sè la più spaventosa e la più terribile delle minacce: la perdita dell’istinto di sopravvivenza. Non c’è niente di più soprannaturale, niente che fino oggi sia stato portato al cinema ha minato così nel profondo la sicurezza che si ha guardando su uno schermo una storia che non ci appartiene. Shoccante.

Arriva il 7 dicembre al cinema È solo la fine del mondo, il film che Xavier Dolan ha presentato all’ultimo Festival di Cannes e che ha vinto il Grand Prix Speciale della Giuria.

Nell’immaginario comune, la fine del mondo è quel momento esatto in cui tutto scomparirà. Succederà per lo scoppio del sole, per un nuovo meteorite in caduta libera dal cielo, per l’innalzamento dei mari e degli oceani dovuto al surriscaldamento globale. Tenendo però la fantasia a freno, restando umani con i piedi saldi sul terreno, la fine del mondo è più verosimilmente un dramma personale, una malattia terminale, un’occasione mancata, del tempo perduto, perché ognuno di noi è un mondo a se stante. Anche Louis è un pianeta a se stante, staccatosi dalla sua orbita familiare per scappare lontano da quei volti che non hanno mai compreso il suo essere, che non hanno mai ascoltato ciò che aveva da dire; lontano da quelle voci che non sono mai partite a cercarlo, quei pensieri che non si sono mai chiesti perché ogni cartolina non avesse più di tre, quattro parole scelte quasi a caso dal manuale delle frasi fatte.

Essere figli, come prima essere genitori, fratelli maggiori, è tutt’altro, è più che sedersi a un tavolo la domenica per divorare un piatto nel silenzio più assordante, o ancor peggio fra le urla più laceranti. Urla di chi ha un impellente bisogno di non dire niente e allo stesso tempo non vuole far comunicare neanche gli altri, anche se non ci si vede da dodici infiniti anni. Anni che ci hanno fatto diventare adulti, che ci hanno portato dei figli, dei nipoti, delle rughe profonde, ma che in sostanza hanno lasciato la medesima polvere sui mobili, lo stesso odore di bruciato in cucina, l’identico sguardo chiuso su noi stessi.

Se in Mommy si giocava con il formato dell’immagine, con i protagonisti in cerca di un loro spazio rinchiusi in un piccolo quadrato, in È solo la fine del mondo si incastra ogni viso in una serie infinita di primi piani soffocanti, asfissianti, che non permettono di guardare oltre i lineamenti di ognuno. Perché il contesto è un’isola che non c’è, è un sogno dopo il risveglio, è terra bruciata, e guai a credere al contrario, a pensare a Suzanne, Antoine, Catherine come a personaggi reali in un luogo reale.

È solo la fine del mondo – la recensione

Nonostante i suoi pochi anni, appena 27, Xavier Dolan è già oltre ogni meccanica di cinema, di messa in scena, di recitazione; tutto ciò che tocca e fa è pensiero, astrazione, utopia, eppure è universale. Perché in ogni famiglia infelice esiste una Suzanne, una sorella minore ribelle che ha poco spazio di manovra e può solo combattere ringhiando, una Catherine, una madre amorevole e attenta schiacciata da un matrimonio opprimente, un Antoine, un fratello maggiore egoista che si sente tradito dagli altri perché non ha mai fatto nulla per se stesso.

In ogni famiglia infelice esiste anche un Louis, un’anima perennemente in fuga, perché l’incomunicabilità dei sentimenti è il peggior male del nostro secolo. Un dolore talmente radicato nel nostro essere contemporanei che in fin dei conti qualsiasi altra malattia incurabile può sembrare infinitamente più compassionevole, in grado di farci sorridere un attimo prima della nostra personale fine del mondo, della nostra liberazione, del nostro volo finale, all’interno di una gabbia dai vetri di cemento.

È solo la fine del mondo – il trailer

È solo la fine del mondo si trasforma così in esperienza viscerale e impalpabile, soggettiva e inspiegabile, isterica e sovrumana. Un’opera da vedere con i propri occhi, sentire con la propria pelle, comprendere con il proprio pensiero, andando oltre la barriera del meta-cinema e dubitando di ogni singola parola detta da Marion Cotillard, Vincent Cassel, Gaspard Ulliel, Léa Seydoux e Nathalie Baye: è ai loro occhi, guidati dal loro inarrivabile talento, che dovete credere.

Arriva in sala il 12 settembre E poi c’è Katherine, il film Nisha Ganatra, che vede protagonista e sceneggiatrice Mindy Kaling, al fianco di una brillante Emma Thompson.

Nel 2006 c’era Il Diavolo Veste Prada, il mondo della moda, l’apparenza e le donne tutte intorno a un ideale di bellezza frivolo, nel 2019, dopo il #MeToo, la stessa storia non si può più raccontare con gli stessi termini. E così la protagonista diventa una ragazza indiana, il mondo delle riviste di moda quello dei Late Show e nessuna ragazza ucciderebbe per quel posto, ma almeno una ragazza deve starci, nel team, perché la società e la parità lo impongono. Poco importa se al comando, allora come ora, c’è una donna bianca, nei suoi 50, che ha tagliato numerose teste per stare in vetta.

Molly è una ragazza indiana che viene assunta nello staff di autori di Katherine Newbury, conduttrice del suo Late Show e vera e propria leggenda della tv. La donna, fredda e decisa, ha deciso di assumere una donna, meglio se una minoranza etnica, per cercare di ripulire la sua immagine e Molly, che capisce di essere stata assunta perché donna indiana e non per le sue capacità, deve faticare non poco per farsi considerare degna di quel ruolo. Il cammino delle due donne, che comincerà su binari separati e lontani, arriverà ad un punto d’incontro, conciliante, in un finale scontato.

Ganatra racconta una storia incredibilmente attuale, ma lo fa con grande ironia e qualche volta cinismo. Si avvale di due donne straordinarie, da una parte la magnifica Emma Thompson, brillante donna in carriera che sfiora il cliché della strega cattiva ma che riesce ad addolcirsi a a capire che venirsi incontro è meglio che combattersi, soprattutto tra donne, e dall’altra la Kaling, che porta al film non solo ironia e comicità, ma anche un’esperienza personale autentica, dato il suo ruolo di autrice in The Office.

Quello che E poi c’è Katherine manca di approfondire è il meccanismo che c’è dietro alla costruzione di una battuta, di un programma come quelli che negli Stati Uniti funzionano alla perfezione, grazie alla presenza di talentuosi anchorman quali Jimmy Kimmel o Seth Meyers (che interpreta se stesso nel film). Nel film, tuttavia, la protagonista/sceneggiatrice e la regista riescono ad aprire una porta su quello che potrebbe/dovrebbe essere il rapporto che c’è tra le donne, anche sul posto di lavoro.

Nel post #MeToo, E poi c’è Katherine lancia un messaggio di comunicazione e complicità, di parità in un mondo in cui le donne devono sempre fare un po’ di fatica in più, anche contro loro stesse. Nonostante l’apparente banalità di quanto il film vuole dire, non si tratta di un messaggio scontato, e soprattutto si sceglie di porlo al pubblico tutto in maniera intelligente e leggera.

Guarda il trailer di E poi c’è Katherine