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Festival di Roma 2014: Gli angeli della rivoluzione recensione del film di Aleksej Fedorčenko

Festa del Cinema di Roma
Recensioni

22 Ott 2014

Festival di Roma 2014: Gli angeli della rivoluzione recensione del film di Aleksej Fedorčenko

Gli Angeli della Rivoluzione La sezione Cinema d’Oggi al Festival Internazionale del Film di Roma vede protagonista per la settima giornata l’ultimo film del celebre regista russo Aleksej Fedorčenko, che è arrivato a Roma anche in quanto destinatario del prestigioso riconoscimento Marc’Aurelio del Futuro.

Il regista mette in scena un racconto ambientato negli anni ’30 dello Stalinismo, durante il regime comunista, concentrando il suo racconto sullo sforzo compiuto dal regime allo scopo di unificare la cultura dell’Unione. Il punto di vista adottato dal regista è quello di cinque artisti dell’avanguardia che provano a farsi accettare dalle tribù del nord del Paese, ma le difficoltà di comunicazione e l’impossibilità di comunicare in una stessa lingua impediscono il compimento della missione.

Fedorčenko ci racconta una storia dal fortissimo impianto teatrale, sia come messa in scena che per quanto riguarda la rappresentazione di spettacoli teatrali all’interno del film. Questa rappresentazione diventa man mano più complessa in corrispondenza con l’addentrarsi del gruppo di artisti nell’universo culturale sconosciuto. Il film è un ritratto di un evento storico onesto e scevro di orpelli, nonostante qualche indugio in parentesi surreali.

Gli angeli della rivoluzione sono questi artisti, coloro che dedicano la loro vita a trasformare in effettiva la primordiale idea stalinista di uguaglianza. Fedorčenko si è ispirato, nella messa in scena e nel racconto, alle storie di Denis Osokin, vincitore del prestigioso premio letterario russo per giovani autori “Debut Prize”, scrittore del romanzo che ha ispirato “Ovsjanki” e sceneggiatore di Spose celesti dei Mari della pianura, altro film presentato al Festival di Roma nel 2012.

Trai protagonisti del film ci sono i due attori molto celebri in Russia Darya Ekamasova e Konstantin Balakirev insieme a Pavel Basov e Georgy Iobadze.

Stonehearts Asylum: recensione del film con Kate Beckinsale

Recensioni

Serena Concato

22 Ott 2014

L’insanità mentale arriva al Festival di Roma 2014 con il gotico Stonehearts Asylum, nella sezione Mondo Genere, per la regia di Brad Anderson con Jim Sturgess, Kate Beckinsale, Ben Kinglsey, Michael Caine, Brendan Gleeson e David Thewlis.

In Stonehearts Asylum il giovane apprendista medico Edward Newgate (Jim Sturgess) , giunge in un gelida mattina di fine secolo alle porte dello Stonehearts Asylum, una struttura psichiatrica avvolta nella nebbia della brughiera inglese. Pronto ad apprendere dal Dottor Lamb (Ben Kingsley) , Edward scopre che lo Stonehearts non è un manicomio come gli altri: i pazienti non sono sedati, né rinchiusi, e non vengono praticate le tecniche “medievali” per trattare la loro insanità mentale, cosa che invece faceva il suo predecessore Dottor Salt (Michael Caine). Tra di loro c’è Eliza Graves (Kate Beckinsale) , una giovane bellissima donna affetta da violenta isteria, che da subito attira le attenzioni del giovane medico. Ma quello che sembra un istituto all’avanguardia, dove il paziente non viene “torturato” a scopi medici, presto si rivelerà a gli occhi di Newgate ben altro.

Stonehearts Asylum

Brad Anderson esplora liberamente sul grande schermo un racconto breve di Edgar Allan Poe ( Il Sistema del Dottor Catrame e del Professor Piuma), riuscendo a riunire in un solo film tanti dei temi da lui affrontati in passato. Etichettare Stonehearts Asylum con un solo genere non sarebbe giusto, c’è dell’horror (ma molto soft), è sicuramente un dramma e una storia d’amore gotica, e non mancano gli enigmi avvincenti del thriller. Come è impossibile inquadrare Stoneharts Asylum, è anche impossibile capire tutti i personaggi da subito. Ognuno nasconde qualcosa, una storia, un passato, un identità, la vera natura, diversa da quello che mostra, ed è proprio questo il bello del film, che sorprende con twist inaspettati.

Anderson infine riunisce un cast eccezionale, dai giovani protagonisti, Jim Sturgess e Kate Beckinsale, di cui lei perfetta nei panni ottocenteschi di Eliza e il vero tormento che traspare dai suoi occhi. Fino ai grandissimi, per bravura, Ben Kingsley, Michael Caine e David Thewlis, difficile da vedere nei panni dell’ombroso custode del manicomio. Un film che, malgrado le premesse, lascia quasi il sorriso sulla bocca.

Festival di Roma 2014: Phoenix recensione del film di Christian Petzold

Festa del Cinema di Roma
Recensioni

Stefania Buccinnà

22 Ott 2014

Phoenix-scena

Giugno 1945. Sopravvissuta al campo di sterminio di Auschwitz, Nelly Lenz torna a Berlino, dove è nata, gravemente ferita al volto e sfigurata. Senza neanche aspettare di essersi ripresa dall’intervento di chirurgia plastica al viso, e contro il parere di Lene, Nelly parte alla ricerca di suo marito, Jhonny Lenz.

Phoenix è il nuovo film di Christian Petzold, che dopo il grande successo di La Scelta di Barbara, torna a parlare di sentimenti e di emozioni con un dramma denso e coinvolgente nella Germania del dopoguerra. L’eco del mai dimenticato nazismo e dell’olocausto fanno da sfondo ad una storia di amore e di ricordi, in cui l’autore tedesco riesce a confermare la padronanza e la maestria nel riproporci grandi storie di realismo e di emozioni. La sceneggiatura si ispira chiaramente a Vertigo, con il tema dell’identità e della ricerca, ma la chiave di lettura che gli attribuisce il regista tedesco è interamente incentrata sull’emozione e la tensione. Queste saranno le chiavi di lettura che fanno della storia una complicata rete di emozioni caratterizzati da numerosi tempi dilatanti, pochi estetismi da parte della macchina da presa o stratagemmi di montaggio, riuscendo così a dare un’ampia visione di come viene trattato il tema della riconciliazione con se stessi e con gli altri. Da questo approccio emerge la bravura artistica dei due attori, prima su tutte Nina Hoss, che ha già lavorato con l’autore proprio per La Scelta di Barbara, il suo personaggio è spezzato dai tragici eventi ma si aggrappa alle poche certezze della sua vita, l’amore per suo marito accompagnato al desiderio di rinascita e di normalità. Bravo nel condividere la scena è anche Ronald Zehirfeld un uomo, o meglio un’artista, innamorato della sua vita passata e tormentato dal dubbio e dalla paura, costretto a diventare un uomo di “interessi” e di trucchetti per sopravvivere alla realtà moderna. A mantenere un occhio sulla realtà ci penserà il personaggio di Nina Kunzedorf che con il suo punto di vista “onnisciente” sulla Germania e sui coniugi Lenz riesce ad apportare nuova linfa nella narrazione e nei colpi di scena.
Il film è una grande interrogazione sui personaggi e i sentimenti, la nostalgia può essere un elemento da cui ripartire? o è solo una parte del carattere identitario di una persona? La bellezza dell’opera sta proprio nel non rispondere a queste domande e nel tenere cosciente la mente dello spettatore che inevitabilmente tenterà di dare un giudizio morale sulle persone e le situazioni.

Phoenix rappresenta una conferma per Christian Petzold, l’autore dimostra ampiamente di essere in grado di prendere temi noti e visitati dal cinema tedesco e reinterpretarli. In questo processo emerge la sua bravura nel dirigere gli attori e i sentimenti, portando così il carattere culturale della sua nazione ad una storia universale.

The Judge: recensione del film con Robert Downey Jr.

Recensioni

Chiara Guida

22 Ott 2014

The Judge: recensione del film con Robert Downey Jr.

Messi da parte, per il momento, l’armatura di Tony Stark e la mantellina di Sherlock Holmes, Robert Downey Jr. può tornare a fare quello che sa fare meglio: recitare. L’occasione gliela offre David Dobkin, che lo chiama per The Judge a duettare con un’icona di Hollywood, Robert Duvall.

Il rampante avvocato di città, Hank Palmer, si trova costretto a ritornare a casa, in provincia, nella triste occasione della morte della madre. Arrivato in paese, Hank si trova costretto a fronteggiare gli uomini della sua vita: il fratello minore, affetto da un leggero ritardo mentale e con la mania dei filmini di famiglia; il fratello maggiore, campione di baseball mancato a causa di un incidente da piccolo; e soprattutto il padre, il Giudice della cittadina, con cui ha un rapporto a dir poco difficile. La riunione di famiglia si prolunga inaspettatamente, nel momento in cui il Giudice Palmer viene accusato di omicidio. Hank cercherà di scoprire la verità, e lungo il cammino proverà a ricucire il suo rapporto con il padre e con il suo passato.

David Dobkin ci consegna un film basato principalmente sugli attori, su due performance di grande peso che si rafforzano a vicenda nel confronto diretto in scena. Il dramma procedurale diventa un film di ritorno alle origini e di ricerca di se stessi, un dramma familiare in cui risplendono i due Robert. Duvall porta in scena con sé tutta la sua gravitas, il suo immenso bagaglio di esperienze cinematografiche; Downey Jr. riesce finalmente ad allontanarsi dalle macchiette cinematografiche che ne hanno sancito la fama planetaria e a riconsegnarci un ruolo interessante, di spessore, con il quale torna a recitare davvero e a farlo ad altissimi livelli.

La sceneggiatura, firmata da Nick Schenk e Bill Dubuque, concede ad entrambi gli attori di fare sfoggio delle loro doti in lunghi e articolari monologhi, che trovano la loro forza nel momento in cui la regia passa sul piano d’ascolto dell’altro. Gli spazi, i tempi e le dinamiche tranquille della provincia vengono rispettati da Dobkin che si prende i suoi tempi e confeziona un ottimo prodotto che fa confluire due generi differenti, il procedurale e il dramma familiare, l’uno nell’altro in una climax emotivo che lascerà lo spettatore spiazzato e commosso.

Primo figlio della Team Downey, la casa di produzione che Robert Downey Jr. gestisce con la moglie e con David Gambino, The Judge è un film intenso, coinvolgente, che scorre via con un paesaggio dal finestrino di un’auto in corsa e appassiona come una bellissima storia.

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