Uscito il 20 gennaio negli Usa, candidato all’Oscar 2012 come miglior film, programmato qui in Italia per marzo e poi slittato al 23 maggio, finalmente arriva nei nostri cinema Molto forte, incredibilmente vicino, il film drammatico diretto da Stephen Daldry e tratto dal bellissimo e omonimo romanzo di Jonathan Safran Foer.

Molto forte, incredibilmente vicino: la trama

Il piccolo Oskar è un bambino strano, ha paura di ogni cosa, ha difficoltà a parlare con gli estranei, ama il padre sopra ogni cosa e solo con lui ha un rapporto speciale, fatto di indovinelli, ricerche e spedizioni, piccoli sotterfugi che il padre utilizza per spingere il figlio a non aver paura del mondo. La tragedia dell’11 settembre però strapperà alla vita il papà di Oskar, lasciandolo nella disperazione più totale dal momento che il ragazzino non riesce a trovare un senso all’attentato e alla morte del padre. Ad un anno dal “giorno peggiore”, così come Oskar lo ha ribattezzato, lui trova una chiave negli oggetti del padre e decide di andare alla ricerca della serratura che quella chiave apre, convinto che quello sia il senso della morte del padre e l’ultimo messaggio che ha voluto lasciargli.

Avvincente e tragico

Molto forte, incredibilmente vicino si annuncia già vincente, per pochi e semplici elementi che lo caratterizzano: il protagonista bambino, uno straordinario Thomas Horn; una tragedia sconvolgente e coinvolgente sullo sfondo della vicenda; attori del calibro di Tom Hanks, Sandra Bullock e Max Von Sydow a fare da comprimari; un regista che sa il fatto suo. Stephen Daldry, che con Molto Forte Incredibilmente Vicino colleziona la sua quarta nomination agli Oscar su quattro film realizzati, propone un film che non si crogiola nel ricatti emotivo e nella sofferenza gratuita, ma che risulta sinceramente drammatico e coinvolgente, condotto con un’eleganza tale da rendere New York non solo bellissima, ma anche luminosa, opprimente e sconcertante a seconda dello stato d’animo del protagonista.

Un ragazzino, questo Thomas Horn, che promette di avere un bel futuro al cinema, considerati i suoi enormi occhi tristi e la sua impressionante bravura; ma dopotutto Daldry non è nuovo alla collaborazione con giovani attori, dal momento che con Billy Elliot ha fatto di Jamie Bell una rivelazione cinematografica e di se stesso uno dei migliori registi della sua generazione. Ma è la potenza emotiva della storia a realizzare in questo film la vera quadratura del cerchio, la caratterizzazione dei personaggi, la misteriosa presenza del personaggio interpretato da Max Von Sydow e il dolore, la ferita aperta per un evento che ha spaccato il cuore di una Nazione, un dolore ancora fresco nonostante i 10 anni trascorsi dal quel “giorno peggiore”.

Interessante la partitura realizzata da Alexander Desplat, che in questo film sembra aver preso lezioni da Philip Glass, già collaboratore di Daldry in The Hours; il risultato è una colonna sonora coinvolgente e poetica, che accompagna le immagini e i movimenti di macchina, raccontando con una quarta dimensione la ricerca di senso che Oskar vuole portare a termine a tutti i costi. Se proprio il film ha un difetto, questo va cercato nell’estrema lunghezza, nell’indugiare troppe volte su piani e inquadrature che ne dilatano oltre modo la durata, ben 2 ore e 9 minuti. Molto Lungo Incredibilmente Commovente.

La recensione del film d’Animazione Ratatouille della Disney Pixar diretto da Brad Bird e Jan Pinkava. Voci originali di Patton Oswalt (Rémy), Lou Romano (Alfredo Linguini), Janeane Garofalo (Colette Tatou), Peter Sohn (Émile), Brad Garrett (Auguste Gusteau), Ian Holm (Skinner), Brian Dennehy (Django), Peter O’Toole (Anton Ego).

La trama

Il topino Rémy sembra non essere intenzionato ad accettare la propria natura di roditore, magari rovistando per tutta la vita nella spazzatura. Vuole sfruttare il suo straordinario olfatto per creare delle vere e proprie opere d’arte con il cibo, proprio come il suo idolo umano, lo chef Auguste Gusteau. Sullo sfondo di un’affascinate Parigi, Rèmy giungerà al ristorante appartenuto a Gusteau e verrà coinvolto nelle vicende di un goffo sguattero: Alfredo Linguini. Tra i due nascerà un’amicizia che affonderà le sue radici nell’arte della cucina e nella volontà di far rinascere il ristorante di Gesteau, contrastando il malizioso chef Skinner e conquistando le papille gustative del critico Anton Ego.

L’analisi del film

Dopo l’Oscar al miglior film d’animazione con Gli Incredibili, Brad Bird replica questo successo con Ratatouille. Solo dopo averlo visto abbiamo la certezza che Ratatouille riprende la definizione di film d’animazione per eccellenza, non solo per l’accuratezza degli effetti digitali, ma anche per un’avventura che si adatta alla visione degli adulti, oltre che dei bambini.

Ratatouille è il film d’animazione per eccellenza 

Il soggetto della storia era stato sviluppato da Jan Pinkava, successivamente sostituito da Bird che vi apportò modifiche insieme a Jim Capobianco (noto per Il gobbo di Notre Dame, Il re leone, Mosters & Co e Alla ricerca di Nemo), Emily Cook e Kathy Greenberg. Il risultato è una storia avvincente che non stanca mai lo spettatore, grazie ad una sceneggiatura che, oltre alla sua innocenza e semplicità, lascia spazio a interessanti tematiche: il difficile ingresso delle donne nel mondo dell’alta cucina, come lamenta il personaggio di Tony Colette; la separazione e l’emancipazione dalla famiglia; la fiducia nelle proprie capacità per realizzare un sogno.

A completare il quadro ci sono le particolarità dell’animazione. I personaggi umani, seppur lontani dal reale aspetto antropico, sono resi alla perfezione grazie a complesse espressioni facciali; i topi vengono realizzati nei dettagli più minuziosi pur mantenendo la caratterizzazione animata. Inoltre gli sviluppatori, primo fra tutti Brad Bird, hanno frequentato corsi di cucina (tra cui il ristorante di Thomas Keller, l’inventore della ratatouille), per riuscire a riprodurre una grande varietà di piatti. Il loro duro lavoro non si è fermato qui, basti pensare alla complessa scenografia che ha come soggetto Parigi: per realizzarla c’è stato bisogno di foto e riproduzioni di strade ed edifici riprese dalla città e rese all’altezza del protagonista Rémy.

Queste non sono altro che peculiarità aggiunte alla meraviglia che ci coglie con la visione di Ratatouille. La vicenda non è mai statica, ci lascia incollati alla poltrona per circa un’ora e un quarto, senza mai stancarci. Le peripezie del topolino e dello sbadato Linguini nascondono dietro la loro comicità una morale che dimentichiamo spesso durante la nostra vita: così come il mondo della cucina può risultare totalmente estraneo a chi in realtà è in grado di riuscire nel campo, così qualsiasi altro sogno può divenire raggiungibile grazie alla determinazione. È proprio con questa lezione che il finale del film ci lascia, mentre pensiamo di correre a casa per sperimentare ricette su ricette.

X-men – conflitto finale è il terzo capitolo della saga sui mutanti al cinema ed è diretto da Brett Ratner. Nel cast ritornano i protagonisti Hugh Jackman, Patrick Stewart, Ian McKellen, Halle Berry, James Marsden, Famke Janssen, Anna Paquin, Kelsey Grammer, Rebecca Romijn, Shawn Ashmore, Ellen Page, Ben Foster, Aaron Stanford, Daniel Cudmore, Vinnie Jones

X-men – conflitto finale, la trama: Il mondo dei mutanti è destinato a dividersi di nuovo, questa volta per l’avvento di una cura, portata da un bambino speciale che ha il dono di annullare il gene mutante. Per alcuni costituirà la possibilità di integrarsi e non essere più perseguitati; per altri questa non è altro che un’ennesima minaccia alla razza mutante. Così la pensa Magneto che deciderà di organizzarsi con un esercito. Intanto nella scuola di Xavier le lezioni continuano, ma Wolverine si ritrova a fare il supplente di Ciclope, ancora sconvolto dalla morte di Jean. Non si darà pace e intraprenderà un viaggio ad Alkali Lake per vegliare sulla tomba dell’amata. Inaspettatamente Jean Grey, ora Fenice, risorgerà dalle acque per ritrovarsi con Ciclope.

Qualcosa va storto e Wolverine e Tempesta accorrono trovando Jean svenuta. Si scoprirà che sono stati proprio i suoi poteri a salvarla, ma saranno troppo potenti per essere controllati di nuovo dal professor Xavier. Magneto non si farà sfuggire l’occasione di arruolare la Fenice nella sua guerra contro gli umani e la loro cura.

X-men – conflitto finale, l’analisi

X-men – conflitto finale doveva essere ispirato alla Saga di Fenice Nera di John Byrne e Chris Claremont e alla saga Talenti di Joss Whedon e John Cassady. A quanto pare Bryan Singer, che aveva ormai preso il ritmo nei film degli X-men, ha abbandonato la produzione per un altro supereroe: Superman della DC Comics. Viene chiamato Brett Ratner (conosciuto per Rush Hour e Red Dragon) che, insieme a Zac Penn e Simon Kinberg, riscrive la sceneggiatura stravolgendola non poco. Il risultato non può essere che disastroso per l’accozzaglia di personaggi e di storie che si intrecciano in modo mediocre.

Degne di nota sono le scene d’azione che contribuirebbero a considerare la produzione come un film dell’omonimo genere, ben lontano e distinto dal fumetto. Ratner non si attiene alla storia e, oltre alla storia della Fenice, vi aggiunge la trama della cura che più avanti prevarrà in X-men – conflitto finale. Non possiamo far altro che rimpiangere le scelte che Singer ha confessato di aver pensato per questo terzo capitolo: il personaggio di Ciclope prevedeva una più consistente partecipazione, come non è avvenuto nei precedenti film; il ruolo della Fenice era centrale e prevedeva una sua totale indifferenza alla guerra in atto tra mutanti e umani, per poi arrivare al finale del film in cui Jean Grey avrebbe scelto di andarsene, diventando un’entità superiore. Elementi che forse avrebbero migliorato la qualità della produzione.

Neanche il dilemma morale e la tematica sociale del problema mutanti, su cui si erano basate le precedenti pellicole, riesce a emergere il questo terzo capitolo. Tra i difetti che riscontriamo vi sono i ruoli di Hugh Jackman (Wolverine) e Halle Berry (Tempesta) che, pur riportando una più che adeguata interpretazione, divengono protagonisti insensati della vicenda. Persino Patrick Stewart (Xavier) e Ian McKellen (Magneto), ormai a loro agio nei panni dei personaggi interpretati, risentono di un totale accantonamento della loro caratterizzazione. Famke Janssen (Jean Grey/ Fenice) si muove bene nella sua interpretazione, ma ancora una volta paga la superficialità con cui vengono trattati i personaggi. Gli altri mutanti come Rogue (Anna Paquin), L’uomo Ghiaccio (Shawn Ashmore), Colosso (Daniel Cudmore), la Bestia, Kitty Pride (Ellen Page), Mystica (Rebecca Romijn), Fenomeno (Vinnie Jones) sono solo ombre con cui il pubblico non riesce a familiarizzare.

Forse il pubblico che non ha particolari aspettative potrà giudicarlo un buon film d’azione, mentre i fan del fumetto non saranno soddisfatti di come si è conclusa la saga X-men, dato che ha rischiato di essere inghiottito dal baratro che aveva già coinvolto il franchise di un altro personaggio dei fumetti: Batman.

Mike Cahill, documentarista, fa il suo esordio alla regia con Another Earth, portandosi dietro l’essenzialità del suo retaggio e un tocco delicato e attento, raccontando un dramma sci-fi dai toni delicati ed essenziali.

In Another Earth Rhoda Williams (Brit Marling) è una studentessa brillante che di ritorno da una festa con amici, sta guidando e vede in cielo un pianeta molto vicino alla Terra.  Mentre è distratta, si scontra con un’altra macchina e uccide due membri della famiglia al suo interno. A seguito dell’incidente la giovane donna viene condannata a quattro anni di carcere, ma quando esce il senso di colpa la porta a voler incontrare l’unico superstite di quella disgraziata famiglia, il compositore John Burroughs (William Mapother). Ma il pianeta misterioso che ha attirato l’attenzione di Rhoda è ancora visibile e anzi, si sta avvicinando alla Terra. Si tratta di un pianeta “specchio” , su cui ognuno degli abitanti della Terra ha un corrispettivo, un gemello che conduce una vita parallela alla nostra. La cosa non sfugge ai media, e presto il “caso” genera anche un concorso in cui il vincitore potrà visitare lo strano pianeta, Terra 2. Rhoda considera la possibilità di visitarlo per scoprire che tipo di vita sta vivendo il suo “specchio” nella Terra “alternativa”. Intanto, il suo avvicinarsi a John crea una relazione sempre più intima tra la ragazza e il compositore, che ne ignora la vera identità.

Another Earth, il film

Another Earth si rivela essere estremamente delicato, essenziale e sospeso in un’atmosfera impalpabile. La bella protagonista, anche co-sceneggiatrice insieme al regista, cammina in questa desolata cittadina, cercando di controllare e far zittire il suo senso di colpa che non le da tregua. Ci prova con il confronto con la sua vittima, ma anche lui appare inconsolabile. La colpa e la redenzione dunque, un argomento che non smette mai di risultare affascinante, specie se trattato con la delicatezza che ha dimostrato di avere Cahill. Straordinaria l’interpretazione del caratterista William Mapother nel dolente ruolo di un uomo distrutto dalla tragicità della sua vita, e proprio lui, insieme alla Marling, sono i principali fautori della buona riuscita del film.

Anche la colonna sonora, del gruppo newyorkese Fall On Your Sword, aiutano a costruire l’atmosfera tesa di un’anima sempre in attesa di qualcosa o qualcuno che riesca a sollevarla dalla tremenda morsa della colpa. La scenografia è scarna, la fotografia sgranata, tutto intorno ai protagonisti appare rarefatto come per convogliare l’attenzione solo su di loro e sulla loro vicenda, e in secondo piano su questo pianeta che condiziona gli animi e che si rivelerà la soluzione alla sofferenza, alla solitudine e all’alienazione a cui condanna un mondo ingiusto.