“Dreamland, la terra dei sogni è una storia (romantica e di formazione) a cavallo del tempo, per raccontare un classico viaggio di emigranti dal sud Italia nel primo dopoguerra verso la ‘mmerica”. Inizia così la sinossi della pellicola di Sandro Ravagnani, famoso per aver ideato, scritto, realizzato e condotto molti programmi radiotelevisivi come, tra gli altri, “Domenica In” con Corrado, “Tutti insieme alla radio” [Radio 2] e una miriade di trasmissioni sul circo.

In occasione dell’uscita in DVD di Yves Saint Laurent: L’amour fou, è stata organizzata una proiezione speciale del film presso la Sala Cinema del Palazzo delle Esposizioni a Roma. Con questa pellicola, presentata al Festival Internazionale del film di Roma nel 2010, il regista Pierre Thoretton non vuole semplicemente rendere omaggio ad uno dei più famosi stilisti degli ultimi decenni, ma desidera regalarci un affresco dei cinquant’anni di attività di un genio, attraverso gli occhi innamorati di Pierre Bergé, suo compagno nella vita e nel lavoro, che non lo ha mai abbandonato, neanche dopo la sua morte nel 2008. Pierre Bergé racconta appunto le varie fasi della carriera dello stilista, divenuto celebre e conosciuto in tutto il mondo della moda già a 20 anni, per essere stato collaboratore di Dior e averne preso il posto dopo la sua scomparsa nel 1957. Lasciata la maison Dior negli anni Sessanta, crea con Bergé l’omonima etichetta Yves Saint Laurent.

Raggiunge subito il massimo prestigio grazie al suo enorme talento e alla sua passione per l’arte che trasferisce direttamente nelle sue collezioni. Ma questo lato della sua vita è ben noto. Quello invece che Thoretton racconta attraverso Bergé è la storia di un uomo, genio si, ma pur sempre uomo, con le sue passioni, la sua timidezza, le sue paure, la sua solitudine, la sua sofferenza e i suoi eccessi nell’abuso di alcool e droghe. Yves Saint Laurent: L’amour fou si apre con il comunicato che lo stilista fa in occasione del suo ritiro dal mondo della moda. Traspare tutta la sua passione e amore per un mestiere che per lui non era semplicemente un lavoro, ma la vita stessa. Il tono è decisamente sommesso, ma allo stesso tempo è consapevole di aver preso la giusta. Nel film vengono alternate le immagini in bianco e nero con quelle a colori, utilizzando la bicromia per rappresentare la vita passata dello stilista. Bergé descrive l’immagine di un uomo con un grande dono, ma carico di responsabilità fin dalla giovinezza e attraversato da una profonda solitudine da sempre. Le note del pianoforte che accompagnano l’intervista a Bergé sono malinconiche, quasi a volerci far provare gli stessi sentimenti di Yves nei momenti di infelicità che col tempo lo hanno reso schiavo delle droghe e dell’alcool.

In ogni momento Yves Saint Laurent: L’amour fou risulta emozionante rendendo lo spettatore partecipe e sempre attento all’evoluzione della narrazione. Dopo la disintossicazione Yves si ritira lentamente nel suo guscio, allontanandosi dalla mondanità e gettandosi a capofitto nel lavoro. Bergé non nasconde la sua difficoltà nello stare accanto ad una personalità così grande ma allo stesso tempo piena di fragilità ed insicurezze, eppure mai abbandonato, sia nel lavoro che nella vita privata, anche dopo aver lasciato la casa che avevano condiviso a lungo, trasferendosi nell’hotel in fondo alla strada, incapace di spezzare il legame che da sempre li ha uniti. Il carisma di un uomo divenuto una leggenda nel mondo della moda, trasuda nelle parole dell’amante che non vuole ricordare con nostalgia i momenti vissuti col suo grande amore, ma con felicità.

Il regista al contrario sottolinea l’immortalità del mito con le immagini delle sue creazioni, ma allo stesso tempo la morte di un uomo, con scelte cromatiche ben precise e una musica che a dispetto delle parole di Bergé, lascia nello spettatore un sentimento di malinconia. Le opere d’arte che i due hanno collezionato nel corso della loro vita insieme vengono battute all’asta dopo la morte dello stilista. Gli oggetti che, dopo la scomparsa del suo amante, per Bergé non hanno più lo stesso significato meritano di avere una nuova vita. Nel corso di Yves Saint Laurent: L’amour fou la casa si svuota lentamente di tutti i quadri e le sculture, un po’ come metafora della vita e non della morte, infatti gli oggetti racchiudono dei significati che i possessori hanno loro attribuito e che non moriranno mai. Non è morte, ma  altra vita, non è perdita ma acquisizione ed evoluzione di significato.

Dopo film di discreta fattura e di buon successo come Fuori in 60 secondi e Codice: Swordfish, Dominic Sena torna sul grande schermo con L’ultimo dei Templari. Behmen (Nicolas Cage) e Felson (Ron Perlman), cavalieri crociati, disertori a causa della disillusione che il massacro in nome di Dio ha portato su terre lontane, si recano in un tetro villaggio assediato dalla peste , con l’intento di ritrovare le forze per proseguire il cammino.

Qui però vengono riconosciuti come disertori e come unica alternativa alla morte viene proposto loto di accompagnare una ragazza (Claire Foy), accusata di stregoneria e causa principale della pestilenza, in un remoto monastero dove verrà processata. Costretti ad accettare, i due intraprendono il loro viaggio accompagnati da un giovane prete (Stephen Campbell), un nobile cavaliere (Ulrich Thomsen), una guida (Stephen Graham) e un giovane aspirante cavaliere (Robert Sheehan).   Ma i sei giorni che li separano dal monastero saranno molto più complicati di quello che si aspettavano. La ragazza si rivelerà presto essere qualcosa di veramente oscuro e i protagonisti della pellicola verranno messi di fronte al re degli inferi: Lucifero.

Il prestigio di Dominic Sena non verrà certo accresciuto dalla sua ultima fatica. Nonostante le tematiche trattate siano interessanti e sempre attuali, questo lavoro non entusiasma rimanendo uno sterile contenitore di effetti visivi che oscurano la trama, in verità abbastanza esile. L’aspettativa creata nella prima parte del film, peraltro ben costruita, non lascerà alcuna traccia nello svolgimento della vicenda, facendo perdere peso all’intreccio e disegnando i due protagonisti come fantasmi senza meta che non lasciano alcun segno rilevante.

Un Nicholas Cage, impegnato a dare sfogo alle sue manie di protagonismo, lascia la scena ad un enigmatico Ron Perlman (Hellboy e Hellboy 2 – The Golden Army), il quale riesce a dare maggior credibilità al suo personaggio. E pensare che invece, tutta la campagna pubblicitaria del film ha posto l’accento sulla presenza nel cast dell’attore de Il Ladro di Orchidee. Inoltre, l’aspetto fondamentale del film, ovvero l’eterna lotta tra il Diavolo e l’Acqua Santa, viene confusa con uno banale scontro tra supereroi, e ne viene annacquato il profondo significato che avrebbe potuto dare alla pellicola uno spessore diverso.

Alla sua seconda fatica il giovane regista Gabriele Albanesi presenta al suo pubblico un’opera mediocre. Ubaldo Terzani Horror Show è un thriller/horror connotato da forti componenti oniriche e visionarie. La storia è quella di un giovane aspirante regista, Alessio Rinaldi (Giuseppe Soleri), che deve scrivere il suo nuovo film con uno scrittore horror affermato, Ubaldo Terzani, che si rivelerà, ma non è una grossa sorpresa, un serial killer.

Emerge prepotentemente una sceneggiatura un po’ troppo banale e semplicistica, nonché prevedibile anche per i non amanti del genere. I dialoghi non coinvolgono lo spettatore e tendono a vertere, purtroppo, verso lo stereotipo, di italico costume, della necessaria raccomandazione nel mondo dello spettacolo e di giovani donne pronte a tutto pur di “sfondare” in questo mondo. La fotografia, amatoriale, non risalta i volti degli attori e le lugubri ambientazioni torinesi e la regia è quasi tutta giocata, veramente troppo, sulla macchina da presa fissa. La recitazione è approssimativa e poco spontanea, fatta eccezione per Paolo Sassanelli (Ubaldo Terzani), che contribuisce ad alzare il livello interpretativo.

Rispetto alla sua prima opera, “Il bosco fuori” (2006) in cui lo splatter non era relegato alla parte finale del film e molto apprezzato all’estero, Albanesi cerca di soffermarsi sulla  psicologia dei suoi personaggi giocando molto sull’aspetto onirico senza però trovare la giusta chiave per catturare il pubblico. Da apprezzare lo sforzo di riportare l’horror in Italia, ma siamo davvero lontani da un Lucio Fulci sempre pronto a scioccare lo spettatore inserendo temi e stili personali all’interno del film di genere o da un Mario Bava autore di cult movie come “La maschera del demonio” primo horror gotico italiano.

L’immagine, da sola, rivela a volte molte più sfumature nella natura umana di qualsiasi attenta analisi psicologica. Venere Nera di Abdellatif Kechiche si apre con il calco del corpo di Saartjie Baartman. Osservandolo attentamente percepiamo la sofferenza, l’umiliazione e il mistero che hanno marchiato la vita di questo essere umano.

Ci troviamo nella Parigi del 1817, accolto da un parterre di distinti colleghi, l’anatomista Georges Cuvier è categorico di fronte alla figura di Saartjie: “ Non ho mai visto testa umana più simile a quella delle scimmie”. Sette anni prima la giovane donna lasciava l’Africa del Sud con il suo padrone, Caezar, per andare a offrire il suo corpo in pasto al pubblico londinese delle fiere, diventando un’icona dei bassifondi.

Venere Nera, il film

Un seducente mistero avvolge la vita di Saartjie, un personaggio che lo spettatore non riesce a indagare fino infondo, non gli viene permesso. Del suo passato, di ciò che realmente pensa, la sua comprensione verso gli uomini non è mai esplicitata verbalmente. Sono i gesti, gli sguardi persi nella vastità del vuoto a parlarci dell’angoscia di un essere umano.

Kechiche, con l’utilizzo della macchina a mano e giocando con primi e primissimi piani, riproduce l’oppressione dello sguardo degli altri. Marchiata dal pregiudizio di questi occhi, Saartjie, il cui sogno era quello di poter esprimere la sua arte e i suoi molteplici talenti, si ritrova a illustrare ciò che la gente vede in lei: una caricatura. Non le viene mai chiesto di esprimersi, ma solo di dare ragione alla mentalità di quell’epoca.

Venere Nera è un film che va oltre la penosa storia di un individuo, presto ciò che emerge è una riflessione sulla complessità dei rapporti di dominazione, sul senso della dignità umana. Saartjie è al tempo stesso schiava e libera, conserva una lucida coscienza di sé e degli altri, continuamente pronti a sfruttarla, anche quando smette di lottare per vivere. Ma soprattutto ciò che colpisce di più è la spasmodica ricerca, in particolare da parte degli scienziati, di una giustificazione dello sfruttamento, la necessità di togliere ogni forma di umanità per potersi arrogare il diritto di opprimere. Kechiche tenta una narrazione in assenza di giudizio, ma non è facile.

Alla fine rimaniamo con un’unica domanda: come si può percepire, accorgersi della realtà dell’altro e passare oltre restando fermi sui propri pregiudizi?

Che fine ha fatto Baby Jane? è il film del 1962 diretto da Robert Aldrich e con protagonisti ette Davis, Joan Crawford, Victor Buono.

Jane è una bambina prodigio, che come la famosa Shirley Temple, incanta migliaia di spettatori con i suoi boccoli biondi e la sua vocina. La sorella quasi coetanea Blanche, al suo opposto bruna e introversa, vive nell’ombra del suo successo, subendo il carattere vivace e viziato della famosa sorella.

Crescendo però le cose si invertono. Jane diventa un’attrice mediocre che nessun regista vuole ingaggiare, mentre Blanche è diventata un’autentica star di Hollywood. Anzi, è quest’ultima che cerca di convincere i registi a far lavorare la viziata sorella. Un misterioso incidente d’auto, proprio davanti al cancello della loro casa, rende paralitica Blanche, che è quindi costretta a dipendere da Jane. Le loro sorti si invertono di nuovo. Un thriller drammatico che tiene lo spettatore col fiato sospeso fino alla fine, tanto da farlo soffrire insieme a Blanche. La pellicola in bianco e nero (stupenda fotografia di Ernest Haller) e le inquadrature (molto vicine alla tecnica televisiva, come i diversi zoom su oggetti chiave delle scene) rendono la storia ancora più emotivamente coinvolgente.

Che fine ha fatto Baby Jane?

Non manca qualche intermezzo divertente – legato alla buffo aspetto del maestro di piano (classico mammone alto e grasso) e della sua mamma – che interrompe brevemente il pathos generato dal film. Le attrici scelte per questo film non potevano che essere Joan Crawford e Bette Davis, realmente in competizione. Ma oltre a questo fattore legato più al gossip, la scelta è ottimale soprattutto per la bravura delle due interpreti, tra le migliori attrici di Hollywood degli anni ’30-’40.

Che fine ha fatto Baby Jane? è un capolavoro che da il là al genere del melodramma horror, più specificamente di un sotto genere cinematografico impietosamente chiamato “horror geriatrico”, per l’uso che fa di vecchie dive mattatrici che trovano pane per i loro denti in ritratti over the top di anziane psicolabili e/o psicopatiche. Eccezionale anche la fotografia di Ernest Haller che, in un suggestivo bianco e nero, riesce a dare al film il fascino visivo necessario e conferire stile ed eleganza a una vicenda dalle tinte molto forti. Oltre alle due dive protagoniste, nel cast brilla un eccezionale Victor Buono, indimenticabile nel ruolo di un viscido impiccione.

Che fine ha fatto Baby Jane? è lungometraggio alquanto insolito per il regista Robert Aldrich (che ha lavorato come aiuto regista con autori come Chaplin, Renoir, Losey), il quale si è fatto notare per una serie di film polemici nei confronti del cinema hollywoodiano. Iniziò con una feroce requisitoria contro Hollywood in Il grande coltello (1954).

La sua visione critica della storia americana e dei suoi valori si espresse inoltre in alcuni film duri e sferzanti come L’ultimo apache (1954), Vera Cruz (1954), Un bacio e una pistola (1955), Prima linea (1956). Il suo cinema di denuncia continuò con in film sulla violenza collettiva con Quella sporca dozzina (1967), proseguì abbracciando l’universo carcerario con Quella sporca ultima meta (1974) per culminare con un pamphlet sui metodi brutali della polizia con I ragazzi del coro (1977), un film questo che gli attirò gli strali dei moderati del suo Paese. Nel 1981 girò l’ultimo film, California Dolls, sul mondo spietato e primitivo del catch.

In fondo, anche Che fine ha fatto Baby Jane?, seppur in una prospettiva thriller, costituisce una critica al Mondo spietato di Hollywood. Che crea miti con la stessa facilità con cui li distrugge, rovinando intere vite.

Per la canzone I’m written a letter to daddy cantata da Baby Jane all’inizio del film si prese spunto da una canzone cantata Marilyn Monroe (che recitò insieme a Bette Davis in Eva contro Eva (1950)) in Facciamo l’amore (1960). Bette Davis recitò nuovamente insieme a Victor Buono e a Wesley Addy due anni dopo in Piano… piano, dolce Carlotta (1964) diretto sempre da Robert Aldrich. La curiosa teenager che abita nella casa accanto alle sorelle Hudson, era in realtà la vera figlia di Bette Davis, Barbara Davis Hyman. Aldrich ha inserito nel film spezzoni di altre pellicole che le due attrici hanno interpretato veramente negli anni trenta: Tormento (1934) con la Crawford; Uomini nello spazio (1933) con la Davis.

Nel 1991 le due sorelle Lynn e Vanessa Redgrave ne hanno interpretato il remake per una produzione televisiva dall’identico titolo: What Ever Happened to Baby Jane?. Nel 2007 la rockband Demonilla ha inciso nel Cd “Evoluzione” un brano ispirato al film, dal titolo “Baby Jane (che fine hai fatto?)”. Esiste una parodia di Totò di questo film intitolata Che fine ha fatto Totò Baby? diretta da Ottavio Alessi e uscita nel 1964.