Nicolas Cage resta tra gli attori più amati nel panorama hollywoodiano, ma è innegabile come stia vivendo un periodo di declino. Ora l’ex Golden Globe ritenta in Solo per vendetta, diretto dal danese Roger Donaldson (“La rapina perfetta”, “Thirteen Days”). Protagonista è William Gerard, un professore di lettere che cerca, senza successo, di trasmettere la propria etica attraverso l’insegnamento di Shakepeare e altri famosi poeti. Il nostro però si troverà ben presto a cedere alla violenza per vendicare lo stupro di sua moglie Laura (Jurnary Jones).

L’incipit di Solo per Vendetta è sicuramente molto efficace, sopratutto a livello scenografico: dagli ambienti eleganti e accademici si vira repentinamente ai quartieri malfamati di una New Orleans devastata dall’uragano Katrina. Un plauso va fatto alla gestione della fotografia, che mette in risalto in ogni dettaglio il degrado di una città in fase di ricostruzione. Tale ambiente costituisce uno specchio perfetto per lo stato d’animo di Will, che dopo la violenza subita dalla moglie rivede le sue convinzioni sulla violenza. Nelle prime battute la narrazione incalza, grazie all’ambiguo Simon, interpretato in una buona prova da Guy Pearce.

Sfortunatamente il promettente inizio di Solo per Vendetta si rivela ben presto un fuoco fatuo: lo script si dilata in maniera piatta , senza guizzi né avvenimenti che diano un’energica scossa alla situazione, e le poche scene d’azione non sono sufficienti a sollevare una trama soporifera. Illuso dalle premesse, lo spettatore aspetta il colpo di scena che non arriva mai, e tra le estenuanti indagini di William e gli inutili flashback sul suo passato, i restanti minuti del film rappresentano una vera tortura per chi guarda. Complice di tutto ciò anche una cattiva scrittura del personaggio principale, stereotipato e privo di profondità, ma sopratutto di un cattivo, Simon, inizialmente avvincente ma il cui carattere sfocia in ideologie lapalissiane.

Vedendo Solo per Vendetta si ha la netta sensazione, in questo come negli ultimi casi, di trovarsi di fronte a un lavoro a cui Cage ha preso parte per necessità e non per vocazione. Insomma caro Nicolas, ma quando torni?

Arriva al cinema Fright Night la commedia horror diretta da Craig Gillespie, con protagonisti Anton Yelchin e Colin Farrell e distribuito da Walt Disney Pictures Italia.

In Fright Night Charley Brewster (Anton Yelchin) è riuscito finalmente a diventare popolare dopo anni di anonimato: è ben inserito nella comitiva più in vista del quartiere e frequenta la ragazza più carina del liceo, tralasciando però il suo migliore amico Ed (Christopher Mintz-Plasse). Ma un giorno la sua stabilità viene minacciata dall’arrivo del suo nuovo vicino Jerry (Colin Farrell), all’apparenza un personaggio socievole e simpatico, ma che in realtà nasconde un segreto a cui nessuno è disposto a credere. Dopo aver osservato le sue abitudini Charley non ha dubbi: Jerry è un vampiro e le sue prede sono proprio loro, gli abitanti di quel piccolo quartiere alla periferia di Las Vegas.

Non trovando sostegno nelle persone a lui care decide di recarsi dal popolare illusionista Peter Vincent (David Tennant) che lo aiuterà guidandolo nello scontro con il vicino dai canini acuminati. Questa nuova trasposizione cinematografica della storia di Tom Holland segue sicuramente la scia positiva del film originale del 1985 anche grazie all’intervento di una sceneggiatrice come Marti Noxon, produttore esecutivo di Buffy – L’ammazzavampiri.

Il regista Craig Gillespie (Lars e una ragazza tutta sua) ha ben concepito questo suo nuovo lavoro. Pensato per essere visto in 3D, Gillespie padroneggia con efficacia questa nuova tecnologia donando profondità e definizione agli effetti tridimensionali, ma non rendendo mai tutto questo troppo invasivo per lo spettatore.

La scelta degli attori risulta nel complesso corretta, ma nel caso del vampiro Jerry, interpretato da Colin Farrell, questa appare ancora più convincente: il suo personaggio ben si sposa con quell’alone di mistero che porta con sé la figura dell’attore irlandese, il quale è però alternato con un’ironia pungente che fa del suo carattere un affascinante vicino di cui però non vorresti mai vedere la vera natura. Come nell’originale il ritmo narrativo varia spesso: comicità e paura vengono intrecciati con maestria ed è questo che fa di Fright Night un remake ben riuscito.

In Pink Subaru Elzober è un sushi chef che lavora da 20 anni nel ristorante di un suo amico a Tel Aviv. Il suo sogno è quello di comprarsi una macchina, una Subaru, marca diffusissima in Israele e Palestina per costo e consumi, ma quando finalmente il sogno si realizza, la macchina gli viene rubata la notte stessa. Ovviamente l’uomo è disperato, ma tutto il piccolo villaggio in cui vive, Tayibe, si mette in moto per aiutarlo a ritrovare la macchina prima che finisca oltre i checkpoint della vicina Tulkarem, in Palestina e lì venga smembrata o rivenduta.

Cugini, sorelle, parenti vari e anche un ladro di macchine vengono chiamati all’appello, mentre un giapponese in missione di lavoro a Tulkarem condividerà i momenti più drammatici ma anche felici della vicenda di Elzober. Pink Subaru è innanzitutto un esperimento. Mettere insieme, più di tre etnie, più di tre lingue e tre religioni diverse, in una storia in cui ognuno ha la sua parte.

Senza moralismi, come affermano anche gli sceneggiatori, si vuole mostrare la vita in Israele e in West Bank, senza però far vedere i checkpoint o l’esercito. Quindi si vedono scorci della Tel Aviv dei locali, il Rotschild boulevard dove si trova il ristorante sushi dove lavora Elzober e Jaffa, l’antica Tel Aviv, quella araba. Il confine tra i due paesi, uno dentro l’altro come matrioske, non si vede mai, ma si vedono i continui incroci obbligati che questa situazione genera: israeliani di origini arabe che ritrovano le loro origini marocchine, ladri d’auto in fondo di buon cuore, amici che sono un po’ invidiosi e fanno azioni assurde, personaggi di contorno ben costruiti. Pink Subaru è quindi un vero pentolone che trabocca di storie parallele a quella principale, che è il motore che ci fa conoscere e dipanare le altre, che vengono accennate, nessuna realmente approfondita per questioni di trama e probabilmente di tempo.

La storia su cui ruota Pink Subaru è una leggenda urbana probabilmente vera secondo la quale le Subaru sono le auto più diffuse in Palestina, perché non essendoci concessionarie di auto diffuse nei villaggi, l’unico modo per avere una macchina fosse attraverso il mercato nero dei ladri di vetture che privilegiavano la marca giapponese in quanto apparentemente indistruttibile, e quindi adatta alle strade scoscese dei villaggi più isolati della Palestina. Pink Subaru verrà distribuito in 10 copie in tutta Italia, è stato presentato allo scorso Festival di Torino e ha vinto il premio come miglior opera prima al festival Yubari in Giappone e sarà proprio in questi due paesi che verrà principalmente distribuito.

Pink Subaru è un’opera originale, coraggiosa a suo modo, sia per la modalità di produzione, diverse persone provenienti da paesi e culture diverse che hanno deciso di raccontare la storia delle Subaru rubate di Tel Aviv, sia come storia, che prende un territorio martoriato e stereotipato, ovviamente anche a ragione come sofferente e in guerra perenne, e ne racconta la vita di tutti i giorni, che nonostante tutto, va avanti nel più semplice dei modi.

Marcus Nispel (Non aprite quella porta e Venerdì 13) riporta sullo schermo dopo 29 anni il barbaro più famoso di tutti i tempi. Conan The Barbarian, tratto da i romanzi di Robert E. Howard, Conan ha dato vita ad un vero e proprio genere conosciuto come sword and sorcery (letteralmente spada e stregoneria) diventando una vera e propria icona e che, e a distanza di otto decenni dalla sua ideazione, torna a farci visita nuovamente.

La storia è sempre quella del noto guerriero cimmero che, spinto dalla sete di vendetta, si mette in viaggio alla ricerca degli assassini di suo padre (Ron Perlman), capitanati dal malvagio Khalar Zym (Stephen Lang). Attraversando terre desolate, liberando interi popoli ridotti in schiavitù e con la speranza di sciogliere le grandi nazioni di Hyboria dall’oppressione di Acheron, il nostro eroe giungerà finalmente al tanto atteso faccia a faccia.

Il ruolo che un tempo è stato del celebre Arnold Schwarzenegger oggi viene affidato a Jason Momoa, attore metà hawaiano e metà irlandese, già popolare negli Stati Uniti per numerose fiction quali Baywatch, North Shore e Stargate: Atlantis. La scelta risulta ottima. L’impressionante stazza dell’attore ben concorda con la fisionomia di un guerriero che deve sprigionare aggressività e potenza, in pieno accordo con la descrizione del Conan di Rober E. Howard.

Conan The Barbarian

Stephen Lang, perfettamente a suo agio nel ruolo di cattivo, è ancora una volta dopo Avatar il villain per eccellenza. Il personaggio da lui interpretato è un mix di cattiveria e spietatezza, presentato come il peggior cattivo di tutta Hyboria, terrorizza lo spettatore con la sua crudeltà, valorizzata dall’espressività di un Lang in piena forma. È doveroso sottolineare però come la pellicola nel suo complesso non riservi colpi di scena. Lo spettatore rimane immerso unicamente in un oceano di sangue: teste tagliate, gole sgozzate e atrocità regnano senza limiti per tutta la durata del film, risultando a lungo andare noiosi e ripetitivi.

In Conan The Barbarian la storia d’amore tra Conan e Tamara (Rachel Nichols), l’ultima purosangue, è affrontata in modo molto approssimativo: poteva essere l’unica via di sfogo da un universo invaso dalla violenza. Per gli appassionati del genere non diverrà un cult come il Conan di John Milius, ma siamo sicuri che in molti si recheranno in sala per seguire nuovamente le gesta del fiero guerriero cimmero.