Il Gattopardo è il film capolavoro di Luchino Visconti del 1963 con protagonisti Burt Lancaster, Claudia Cardinale, Alain Delon, Paolo Stoppa, Rina Morelli, Romolo Valli, Mario Girotti, Pierre Clémence, Lucilla Morlacchi, Giuliano Gemma, Ida Gallo, Ottavia Piccolo.

• Anno: 1963
• Regia: Luchino Visconti
• Cast: Burt Lancaster, Claudia Cardinale, Alain Delon, Paolo Stoppa, Rina Morelli, Romolo Valli, Mario Girotti, Pierre Clémence, Lucilla Morlacchi, Giuliano Gemma, Ida Gallo, Ottavia Piccolo.

Il Gattopardo, trama

Palermo, 1860. La preghiera del pomeriggio che insinua nelle calde e silenziose stanze del palazzo un leggero e sommesso brusio, è bruscamente interrotta dalle grida della servitù.

Il corpo esanime di un giovane soldato borbonico è stato rinvenuto nel giardino, tra i roseti. Sono i giorni dello sbarco a Marsala dei mille prodi agli ordini del gen. Garibaldi e per un distaccato ma fedele suddito di re Franceschiello come il principe Fabrizio Salina (Burt Lancaster) la situazione non è facile da comprendere.

Per evitare che la famiglia venga coinvolta nei tumulti di Palermo, il principe Fabrizio decide di trasferirsi anzitempo e con tutto il parentado nella dimora estiva di Donnafugata, nell’agrigentino. Da lì osserverà impassibile e disilluso il passaggio da un regno ad un altro e da uomo saggio e sagace comprenderà prima degli altri l’inizio di un lento quanto inevitabile tramonto di quel mondo aristocratico di cui si ritiene uno degli ultimi leoni, uno degli ultimi “gattopardi”.

L’analisi del film Il Gattopardo

Luchino Visconti dirige questo film che esce nelle sale cinematografiche italiane nel 1963 conquistando critica e consensi ma sopratutto la palma d’oro al Festival di Cannes oltre ad una nomination per l’Oscar ai costumi l’anno successivo.

Il Gattopardo è un maestoso ed elegantissimo affresco storico di un mondo che con l’Unità d’Italia inizia il suo lento declino: il mondo dell’antica nobiltà terriera. Il protagonista del film, il principe Fabrizio Salina, interpretato magistralmente da un grande Burt Lancaster, è il simbolo di questo passaggio tra due mondi e due generazioni che si passano il testimone della storia.

Egli è un disilluso esponente di una nobiltà destinata a lasciare campo ad una borghesia cinica e avida di danaro e potere. Nel film essa prende il volto di uno straordinario Paolo Stoppa che, nei panni di don Calogero Sedara, raffigura egregiamente lo stereotipo del borghese in ascesa politica e sociale, capace di sfruttare a suo vantaggio la confusa contigenza storica. Il principe di Salina lo disprezza ma capisce che è su uomini come lui che si dovrà contare per rimanere attaccati al denaro e al potere. Sarà così che spingerà il nipote prediletto Tancredi (Alain Delon) tra le braccia della bella Angelica (Claudia Cardinale) figlia di Sedara, e il tutto a scapito della timida Concetta (Lucilla Morlacchi) perdutamente innamorata del cugino.

Il Gattopardo è tratto dall’omonimo e celeberrimo romanzo del 1956 di Giuseppe Tomasi di Lampedusa il quale, come il regista, proviene da una famiglia nobile. Questa estrazione aristocratica che accomuna scrittore e regista si somma nella versione cinematografica in quanto assume una certa evidenza lo sforzo immane di Visconti nel riprodurre fedelmente ed in ogni più minuzioso dettaglio le atmosfere e le ambientazioni descritte nel romanzo. Il film è estremamente didascalico e descrittivo, una sorta di galleria d’arte che giustappone quadri meravigliosi per stile ed eleganza.

Un omaggio ad un mondo, quello nobiliare, per il quale il regista così come l’autore del romanzo, prova un’evidente nostalgia. E’ ovvio che questa ostinata ricerca estetica voluta e cercata da Visconti, vada a scapito del ritmo narrativo rendendo il film, in alcuni tratti, eccessivamente lento.

Una delle poche scene di battaglia e di azione, la presa di Porta Termini a Palermo, non appare riuscitissima e sicuramente non raggiunge la perfezione registica delle sequenze dialogiche o descrittive. I dialoghi, sopratutto i vari monologhi del principe Fabrizio, sono probabilmente il fiore all’occhiello del film in quanto si stagliano nella sceneggiatura come vere e proprie pietre miliari del cinema italiano.

Oltre ad un cast di attori di prim’ordine, di cui abbiamo detto, è doveroso segnalare le importanti collaborazioni tecniche che hanno contribuito alla stesura del film: per la sceneggiatura Visconti si è avvalso del talento e della bravura di Suso Cecchi d’Amico e Pasquale Festa Campanile, due colonne portanti del cinema di quegli anni, autori delle sceneggiature più significative del neorealismo e della commedia italiana. Splendida la fotografia diretta da Giuseppe Rotunno.

Il produttore Goffredo Lombardo insieme alla Titanus hanno reso possibile un film costato, per quei tempi, una cifra spropositata mettendo in piedi un set mastodontico affollato da un esercito di comparse. Uno sforzo da cui la Titanus non saprà risollevarsi.

Il Gattopardo è un film a tratti troppo barocco forse ed eccessivamente autocelebrativo anche ma che ci ha regalato un’inarrivabile quadro della Sicilia e dell’Italia di quegli anni oltre a sequenze incredibili e dialoghi indimenticabili che si stagliano alte nel firmamento del cinema mondiale.

”Hanno voluto cambiare tutto perché tutto rimanesse uguale…” dice il Gattopardo in una delle sue frasi più celebri; di immutato, di sicuro, è rimasto il mito di questo film.

Era il 2004 quando al cinema arrivò Shrek 2 e con lui fece la sua comparsa anche Gatto con gli Stivali, una simpatica rivisitazione del famoso gatto magico delle fiabe, qui armato di fioretto, munito di cappelli con tanto di piuma e ovviamente dei fantastici stivali.

Dopo sette anni arriva al cinema lo spin-off dedicato al misterioso personaggio, con tanto di tuffo nel suo passato burrascoso e nella sua triste storia di orfano. Il Gatto con gli Stivali è un bel film d’animazione: colorato, umoristico con battute e situazioni dedicate al pubblico adulto, ben confezionato, con un buon 3D abbastanza luminoso e con un divertentissimo doppiaggio di Antonio Banderas, che come già in Shrek 2, 3 e 4 presto la voce (anche quella italiana) al rosso felino, passionale amatore.

La storia di Gatto è quella di un’amicizia infranta e tradita a causa della quale il povero micio è ricercato dalle guardie della sua città d’adozione. Gatto incontra di nuovo il suo losco amico, l’uovo Humpty Dumpty, dopo sette anni (che per gli umani sono quasi 35), che in compagnia della misteriosa Kitty cerca di realizzare il sogno di una vita rubando i fagioli magici a Jack e Jill, due terribili figuri che si aggirano nel deserto alla ricerca del luogo giusto per piantare i legumi miracolosi e raggiungere l’Oca d’Oro. Riusciranno le abilità e il buon cuore di Gatto a salvarlo dall’inganno che gli è stato teso?

Chris Miller ci racconta questa rocambolesca storia in perfetto stile DreamWorks in cui ad una fiaba se ne accavalla un’altra e si sprecano le citazioni cinematografiche (su tutte quella di Fight Club!). L’aspetto davvero interessante di questo strano felino protagonista è che riesce a prendersi sul serio soprattutto quando fa le ‘cose da gatto’, come inseguire le lucine o bere il latte, apparendo tenero e divertente ma senza mai scomporre il suo atteggiamento di Gatto coraggioso, furbo e soprattutto gran seduttore. I punti in comune con il suo doppiatore Banderas vanno molto oltre la voce!

Con lui in questa avventura troviamo Kitty, doppiata da Salma Hayek, prorompente gattina dalla mano di velluto che creerà diversi problemi al nostro, proprio a causa dell’inguaribile amore che Gatto ha per le donne, hops  … per le gatte!

I bambini ridono, e i grandi pure, in un film del quale forse non si sentiva la necessità, ma che senza dubbio regala 90 minuti di buon intrattenimento con il solo inconveniente degli occhialini 3D sul naso.

Anno: 1969

Regia: Kimio Yabuki

Con le voci di: Carlo Romano e Fabrizio Vidale (il gatto Pero nel 1968 e nel 2004), Paolo Torrisi e Alessio Puccio (Pierre nel 1968 e nel 2004), Francesca Fossi e Veronica Puccio (la principessa Rosa nel 1968 e nel 2004), Riccardo Garrone e Roberto Pedicini (Lucifero nel 1968 e nel 2004), Roberto Bertea e Sergio Tedesco (il Re nel 1968 e nel 2004).

Il Gabinetto del dottor Caligari di Robert Wiene, Germania 1920 – Il racconto di un’agghiacciante storia che vede come protagonista il dottor Caligari, oscuro signore dall’aspetto sinistro, e Cesare, sonnambulo in grado di predire il futuro che viene presentato come una vera e propria attrazione dal dottore. Arrivati in un piccolo paese tedesco, simultaneamente al loro arrivo iniziano a verificarsi una serie di morti sospette.

“Film precursore” di diverse situazioni, correnti, generi e modi di dirigere, è targato Robert Wiene, cineasta tedesco che deve a questa pellicola la sua fama e che ha diretto qualche altro titolo nel periodo d’oro dell’espressionismo tedesco che trova n questo film il suo più grande punto di riferimento.

Interpretato magistralmente da Conrad Veidt, attore tedesco con alle spalle decine di film e che reciterà in  altrettanti numerosi film negli anni a seguire concludendo la sua carriera in un altro film storico quale Casablanca (sua penultima apparizione cinematografica). Veidt porta sul grande schermo un personaggio, quello del sonnambulo Cesare, caratterizzato e atipico per l’epoca (e anche per il nostro presente). Insieme a lui Werner Krauss, nei panni del personaggio che da il titolo al film, un ambiguo quanto inquietante dottore “proprietario” del sonnambulo. Attore che diventerà uno degli artisti di maggior rilievo della cultura nazista ai tempi di Adolf Hitler.

L’atmosfera che si sente durante la visione de Il gabinetto del dottor Caligari unica nel suo genere, è in grado di catturare lo spettatore e avvolgerlo completamente calandolo all’interno del film stesso e soffocandolo lentamente anche grazie alle tenebrosa colonna sonora che fa dimenticare che in realtà si tratta di un film muto.

Il Gabinetto del dottor Caligari

Le scenografie poi rendono questa pellicola inimitabile, la geometria distorta degli edifici, delle strade e di tutto ciò che troviamo al suo interno non fa che aumentare il senso di soffocamento, gli stessi visi dei personaggi mostrano una realtà troppo distante per essere considerata tale e il montaggio di Wiene riesce nell’ardua impresa di amplificare il tutto.

Accostabile a livello di “anomale scenografie” solamente a film come Thaïs di Bragaglia e Dogville di Lars von Trier, nel complesso ci si trova di fronte ad uno dei primi horror importanti della storia del cinema e come già detto ad un punto di riferimento per l’espressionismo tedesco, oltre ad essere un capolavoro che ancora resiste e insegna a distanza di quasi un secolo.

In un intreccio di romanticismo e comicità, Il futuro in un bacio (titolo originale Eres tu) è una nuova pellicola diretta dalla regista spagnola Alauda Ruiz de Azúa e scritta da Cristóbal Garrido e Adolfo Valor. Il cast è formato principalmente da attori ed attrici meglio noti nel panorama cinematografico nazionale spagnolo. Ritroviamo Alvaro Cervantes nel ruolo del protagonista, Javier, mentre l’attrice Silvia Alonso interpreta Lucia, fidanzata del migliore amico di Javier. Altre figure importanti sono l’attore Gorka Otxoa e Pilar Castro nei panni della scrittrice Sonsoles.

Il futuro in un bacio: l’amore già scritto

Se fosse possibile sapere da subito se una relazione fosse destinata a fallire, vorreste saperlo? Conoscendo il futuro di una storia d’amore la rende meno vera o meno romantica? Quello che per tutti è praticamente pura riflessione e filosofia, per Javier è la realtà. Fin dal suo primo bacio a sedici anni, il giovane spagnolo riesce a vedere negli istanti di un bacio tutto il futuro con quella persona. Quello che all’inizio sembrava essere pura coincidenza, finisce per ripetersi ogni volta: tutto ciò che Javier prevede del rapporto con l’altra persona finisce in un modo o nell’altro per avverarsi.

Visto dall’esterno, Javier risulta essere un cinico che finisce per spezzare il cuore a tutte le ragazze con cui ha brevi relazioni: nel momento in cui il giovane sa che l’amore sta per sgretolarsi, rompe il rapporto. Ritornato Javier nuovamente single, il suo migliore amico organizza un uscita a quattro, con la propria fidanzata, Lucia, ed una collega di quest’ultima. Nel clamore della discoteca, inebriati dall’alcol, però, sono Javier e Lucia che finiscono per baciarsi: tra i due scatta subito una scintilla. La ragazza, da tempo in crisi con il fidanzato, finisce per lasciarlo definitivamente per vivere l’amore con Javier. Quest’ultimo vede dal loro primo bacio un futuro roseo e felice, ed è convinto che Lucia sia la ragazza giusta. Ma può veramente una relazione già vista, già vissuta, essere la storia perfetta?

La classica commedia romantica

Il futuro in un bacio è una commedia romantica, molto semplice e leggera da seguire; basa tutta la sua trama sul particolare “dono” di Javier di poter prevedere le proprie storie d’amore. Tralasciando questo singolo, peculiare elemento, la pellicola risulta essere abbastanza banale. Le tematiche e le vicende risultano essere le stesse di molte altre commedie romantiche: un po’  come La ragazza del mio migliore amico.

Sembra essere rilevante l’attenzione data ne Il futuro in un bacio a tutti i personaggi secondari che ruotano attorno a Javier, facendo sembrare a tratti il film corale. Lo stesso migliore amico del giovane, all’inizio una figura sedentaria e propensa ad una vita familiare tranquilla, finisce per avere una grande evoluzione con lo scorrere delle vicende. Lo stesso vale anche per la scrittrice Sonsoles: la donna risulta essere all’inizio un’autrice fannullona, senza nulla di nuovo da dire e trasmettere al mondo. Abbandonando l’immagine di sé che il mondo si era fatto, di una sorta di “romanziera maledetta”, riesce a riscoprire sé stessa nelle piccole cose, dando luce ad una nuova opera di successo. Personaggio focale nella riscoperta di Sonsoles è la giovane barista amica di Javier, la quale, con le storie delle sue avventure, cercherà di aiutare la scrittrice nella stesura del suo nuovo romanzo.

La noia nella prevedibilità

Spesso si finisce per darlo per scontato, ma è presente una particolare bellezza nella infinita possibilità di scelta che la vita presenta ad ogni essere umano: riprendendo una citazione da  Mr nobody, film di Jaco Van Dormael con Jared Leto, “Fin quando non si sceglie nulla… Tutto è possibile”. Il futuro in un bacio ci insegna come questa stessa massima debba necessariamente valere anche per le grandi storie d’amore. Per quanto possa risultare molto pratico poter sapere prima se un rapporto con una persona è destinato a fallire o a concludersi con una delusione dolorosa, resta un certo fascino nell’imprevedibilità. Lo stesso Javier attende tutta la vita per trovare la ragazza in cui vedrà il futuro che vuole, per poi scoprire che non era ciò che voleva. Fin quando il domani resta ignoto, si potrà vivere nella speranza e nell’eccitazione che la storia avrà un lieto fine: ed è qui che lo stesso Javier troverà veramente l’amore, nell’oscurità dell’ignoto.