Ogni secondo di ogni giornata, la nostra mente è affollata di pensieri. Cerchiamo di dar ascolto a tutti, rischiando di generare un caos incontrollato. Ecco perché a volte, quello che serve fare, è spegnere l’interruttore e lasciarsi andare. Sono queste le fondamenta su cui si costruisce FolleMente, il nuovo film di Paolo Genovese, che torna al cinema schierando un parterre di star di tutto rispetto del nostro panorama cinematografico per raccontare, da un lato, la bellezza della semplicità nei rapporti umani e, dall’altro, la complessità della personalità maschile e femminile.

Pilar Fogliati ed Edoardo Leo sono la coppia perfetta scelta per rappresentare le due facce della stessa medaglia, supportati da Claudio Santamaria, Marco Giallini, Rocco Papaleo, Maurizio Lastrico, Vittoria Puccini, Claudia Pandolfi, Emanuela Fanelli e Mariachiara Giannetta, che danno voce e corpo ai loro incasinati pensieri.

FolleMente, la trama

Lara e Piero sono due sconosciuti al loro primo appuntamento, ma anziché seguire la comune prassi di incontrarsi in un ristorante, si vedono a casa di lei. Una scelta inusuale per Piero, che arriva sotto casa della ragazza con mille dubbi e ipotesi sul perché abbia optato per questa soluzione. Si chiede se sarà all’altezza, se riuscirà a rompere il ghiaccio dopo sei mesi di astinenza. Lara, nel frattempo, si preoccupa invece di quale atmosfera creare e se il suo look sia adeguato. Quando finalmente si incontrano sulla soglia della porta, i loro pensieri iniziano ad accavallarsi. Nella testa di Piero si scambiano battute Il Professore, Eros, Valium e Romeo, in quella di Lara a confrontarsi sono invece Giulietta, Trilli, Scheggia e Alfa. Cosa è meglio dire? Cosa fare? Ogni loro riflessione prende forma, svelandoci gli ingranaggi nascosti dietro le parole che scegliamo e le azioni che compiamo.

Mente caotica, pensieri veloci a cui mettere il freno

Guardando FolleMente, è facile pensare al libro di successo di John Gray, Gli uomini vengono da Marte, le donne vengono da Venere. L’autore, con attenta analisi, raccontava le differenze nel modo di pensare, agire e amare tra uomini e donne. Due mondi distinti, ma in qualche modo complementari. Nel primo incontro tra Lara e Piero ci troviamo di fronte proprio a questo: le loro riflessioni e la percezione dell’altro vengono esplicitate da figure in carne e ossa che incarnano le varie sfumature della loro personalità e mentalità. Entrambi hanno un assetto consolidato di pensieri e attitudini: c’è la parte romantica, quella folle, quella razionale e quella erotica. Lara e Piero hanno quindi più in comune di quanto credano, incluso il non riuscire a mettere a tacere le voci nella loro testa, che impediscono loro di essere completamente spontanei. Ciò che cambia è il loro modo di relazionarsi, elemento che diventa la forza della pellicola.

Nella loro “control room” (per citare Inside Out), nessuno ha però il pieno controllo: ogni lato del loro carattere e ogni pensiero si fanno spazio e prendono il sopravvento. Questo permette alle dinamiche che si creano nei tre spazi – quello fisico dei protagonisti e quelli mentali, teatro di tutte le vicende – di rendere la narrazione più ritmata e coinvolgente, sostenuta da una regia solida e incalzante e da un cast affiatato con la giusta alchimia.

Un cast da applausi

Ed è proprio il cast la punta di diamante di FolleMente. Pilar Fogliati ed Edoardo Leo sono attori noti per la loro vena comica – pur essendo eccellenti anche in ruoli drammatici – e questo contribuisce a creare un’atmosfera divertente e frizzante, capace di suscitare nel pubblico continue risate. Inoltre, avendo un’ottima padronanza dei tempi comici e della cadenza delle battute, hanno la capacità di rendere il racconto ancora più credibile e autentico. E lo stesso vale per i loro comprimari, Claudio Santamaria, Marco Giallini, Rocco Papaleo, Maurizio Lastrico, Vittoria Puccini, Claudia Pandolfi, Emanuela Fanelli e Mariachiara Giannetta, in perfetta sintonia.

Grazie alle loro brillanti interpretazioni, ci si lascia trasportare in quelli che sono – letteralmente – gli scontri e il caos che ognuno di noi ha nella propria testa. Rendendoci conto, di conseguenza, di quanto spesso ci lasciamo travolgere da un’infinità di pensieri inutili, che ci impediscono di goderci il momento, facendoci rischiare di perdere occasioni che potrebbero cambiarci la vita.

Lasciarsi andare al fluire incontrollato delle cose

Ecco, dunque, cosa ci ricorda FolleMente: per quanto uomini e donne abbiano impostazioni mentali diverse, questo non basta a renderli davvero distanti. Perché, in fondo, a prescindere dal genere, abbiamo tutti bisogno di spegnere il cervello e abbandonarci a ciò che accade senza pensare troppo. Per quanto sia bello dare libero sfogo ai nostri pensieri.

Nel corposo ventaglio delle offerte Rai, le fiction in costume – che posano lo sguardo su alcune delle figure più importanti e influenti che hanno edificato la Storia italiana e la sua cultura – hanno da sempre un ruolo di rilievo nel palinsesto. Lo dimostra il programma stilato dall’emittente per la nuova stagione 2024, nel quale spiccano produzioni in cui figurano identità del calibro di Mameli e Margherita Hack, a cui ora si va aggiungendo un’altra rappresentate essenziale: Alda Merini.

La poetessa più amata sul suolo italico, che ha fatto appassionare intere generazioni a quell’arte fatta di parole intrise di scalpitanti emozioni, diventa epicentro del film di Roberto Faenza, Folle d’amore – Alda Merini, il cui titolo rimanda all’istante a uno specifico libro dell’autrice, Folle, folle, folle di amore per te, seppur sia liberamente ispirato a un altro, Perché ti ho perduto, di Vincenza Alfano. Scritto a quattro mani dallo stesso regista, insieme a Lea Tafuri, e con la consulenza di Arnoldo Mosca Mondadori, Ambrogio Borsani e Paolo Miloni, il film si fissa saldamente sul volto e lo sguardo di tre attrici, Sofia D’Elia, Rosa Diletta Rossi e Laura Morante, ognuna delle quali con l’arduo compito di interpretare (senza cadere nella mera imitazione) una gigante quanto complessa Merini nelle diverse fasi della sua vita.

Folle d’amore – Alda Merini, la trama

Sigaretta tenuta sempre fra delle labbra, ricordando un po’ Oriana Fallaci, capelli bianchi, sorriso accennato. Un manto di fumo ne avvolge il viso oramai rugoso, testimonianza di un tempo passato forse un po’ troppo duramente. Alda Merini si presenta al pubblico già anziana, che legge le sue poesie davanti ad alcuni interessati spettatori, ma solo uno è davvero rapito dal flusso dei suoi versi: Aldo Mosca Mondadori. La osserva, incantato, poi compra al prezzo di 3.500 lire tre dei libri. Inizia così un’amicizia che rimarrà storica, essenziale per gli ultimi anni di vita della poetessa: Mondadori, molto giovane, diventa il suo più stretto confidente. Lo porta a casa, gli offre il caffè, comincia a raccontare la sua storia, riavvolgendo come un nastro che un po’ stride e s’inceppa una vita oramai andata, della quale porterà i segni per sempre. Diverse immagini compongono la sua adolescenza, con l’iniziazione alle poesie, poi passano all’età adulta, arrivando al matrimonio con Ettore Carniti e il successivo internamento, grazie al quale i suoi scritti diventeranno sublimi. Per poi tornare di nuovo al suo presente, dove è oramai una penna consolidata e apprezzata. Tuffi indietro e salti nel presente sono la composizione di Folle d’amore – Alda Merini, il dipinto, ma anche la cronaca, di una donna che è riuscita a fare del suo dolore una potente arte.

Un biopic che non osa

Portare sullo schermo Alda Merini non doveva essere un’impresa semplice. Era una donna ingombrante, che riempiva tutti gli spazi in cui andava, anche solo tramite il potere delle sue opere, e far conoscere la sua storia – di un’artista, in fondo, dannata – richiedeva tempi maggiori e un’attenzione in più alle sue sfaccettature, sia umane che artistiche. Ma per essere decodificabile per il vasto pubblico Rai di riferimento, la scelta ricade sempre sulla commemorazione della persona, in un’operazione puramente celebrativa, per non rischiare, in un certo senso, di mancarle di rispetto. E allora il risultato è quello di esporre, in modo didascalico e compatto, le parentesi più salienti della sua esistenza, rimanendone però distanti.

L’approccio del regista è amorevole ma al tempo stesso timido, non incisivo e coinvolgente, eppure più sezioni della sceneggiatura avevano il potenziale per trasformare Folle d’amore – Alda Merini in un affresco della poetessa ribelle intimo e accurato, che avrebbe potuto scavare nella profondità del suo animo tormentato e della sua arte per darne una rappresentazione inedita e intrigante. Con un montaggio discontinuo, su cui primeggiano flashback che si focalizzano su tre specifici periodi, Faenza mostra solo la superficie di una donna stratificata, che farà dell’amore la sua ragione per vivere e comporre, e invece di osare e sviscerare meglio gli anni dolorosi ma fondamentali del manicomio – luogo che le si rivelò fertile per la sua creatività tanto da essere determinante per la stesura di La Terra Santa, definito poi uno dei suoi capolavori – sceglie di virare verso un resoconto stretto della sua vita, offrendone un compendio sbrigativo.

Un peccato, poiché da quando viene internata la storia è piena di spunti su cui sarebbe stato bello riflettere e indagare. E che avrebbero fatto comprendere meglio il suo innato dono, andando alla radice del suo talento, a quegli impulsi provenienti dalla sua folle e vitale mente che lei usò per lenire le ferite e non sprofondare nell’oscurità. Nonostante una struttura narrativa poco incalzante, la bravura e la generosità di Laura Morante e Rosa Diletta Rossi nel darsi totalmente per il ruolo sollevano quanto basta le sorti di Folle d’amore – Alda Merini, del quale quantomeno se ne ricorderanno le affettuose e impegnate performance. Per di più Morante sembra voler omaggiare Alda Merini, e come dice lei stessa, evocare, attraverso piccoli gesti che siano continui sospiri, il modo di tenere la sigaretta e nascondersi dietro la nuvola di fumo, o piegare le labbra.

Una delle componenti necessarie perché la fantascienza distopica funzioni è l’attenzione ai dettagli che la rendano credibile, ovvero dettagli magari anche non percepiti che, se mancanti, possano distrarre l’attenzione dello spettatore costretto a quel punto alla ricerca di verosimiglianza. Foe, il nuovo film Garth Davis – il suo precedente Lion con Nicole Kidman e Dev Patel ha addirittura ottenuto la nomination all’Oscar come miglior film dell’anno – dimostra immediatamente di non possedere questo requisito importante, se non addirittura fondamentale.

Foe si apre infatti con la didascalia che setta la storia nel Midwest americano, mentre in nemmeno cinque minuti di film ci si rende perfettamente conto che il film è stato girato nelle immense pianure dell’Australia. Trattandosi principalmente di raccontare una storia d’amore e della sua complessità, qualsiasi ambientazione che desse il senso di desolazione che i due protagonisti stanno vivendo sarebbe andata bene. Perché dunque sceglie di dare un setting preciso per poi smentirsi spudoratamente con le immagini stesse? Il Midwest americano è ben sedimentato nell’immaginario cinematografico mondiale, no?

Un melodramma “arricchito” dal genere

Questo chiaro errore di sottovalutazione è purtroppo soltanto il primo di una serie di difetti che il film targato Amazon evidenzia nel corso del proprio sviluppo. Adattamento del romanzo omonimo scritto da Ian Reid, Foe possiede il fardello che tanto cinema cosiddetto “alto” oggi possiede. Ovvero l’utilizzo di un genere per “arricchire” teoricamente quello che è in tutto e per tutto un melodramma amoroso, con il risultato di rendere l’intera operazione macchinosa, spesso confusa e peggio di tutto grondante retorica.

In un momento in cui il cinema a stelle e strisce e non soltanto si sta impegnando nella ricerca di una narrazione maggiormente veritiera del rapporto uomo-donna nel mondo contemporaneo – riguardo questo argomento vi rimandiamo alla recensione del notevole Fair Play in uscita su Netflix il 6 ottobre – il film di Davis al contrario cade dentro paludose schematicità nel mettere in scena l’insoddisfazione della protagonista, proponendo al pubblico un discorso che, senza voler fare spoiler, a nostro avviso alla fine diventa forse anche fuorviante.

Foe, una fantascienza gratuita

La sceneggiatura di Foe avrebbe funzionato molto meglio se si fosse allora concentrata sul lato sci-fi della storia e sulle sue implicazioni etiche, questione che se anche tentata viene soffocata dalla messa in scena di Davis che invece punta esplicitamente a farne un melodramma d’autore. A questo punto la componente di fantascienza si fa realmente inutile, anzi appesantisce l’operazione con una serie di spunti narrativi che non migliorano la trama né rendono i personaggi maggiormente profondi o interessanti.

In questa confusione totale di intenti e idee su come realizzarli i due attori principali Saoirse Ronan e Paul Mescal possono fare davvero poco per salvare la situazione. Se però l’attore molto apprezzato in All of Us Strangers, anch’esso presentato a questa edizione del New York Film Festival, riesce a tratti a rendere denso il ruolo di Junior, la sorpresa negativa di Foe arriva purtroppo dall’attrice già candidata per ben quattro volte all’Oscar prima di raggiungere i trent’anni.

Ronan si “rifugia” dentro un repertorio di istrionismo minimalista per cercare di interpretare una Hen che risulta fin dal principio una figura femminile schematica, sia nella sua insoddisfazione esistenziale che nel modo in cui cerca di combatterla. Una figura sviluppata senza spessore, che speriamo davvero rappresenti per la Ronan una scelta sbagliata, un incidente di percorso in una carriera che vorremmo sempre all’altezza delle sue grandi doti di attrice, dimostrate fin dai tempi di Espiazione.

Questo nuovo lungometraggio di Garth Davis si presenta come un prodotto confuso nella progettazione e approssimativo nella realizzazione. Un film di fantascienza distopica che invece fantascienza proprio non è. Perché allora non scegliere la via della semplicità e raccontare una storia d’amore e di incomprensione, di passione e frustrazione? Un interrogativo a cui Foe e i suoi realizzatori proprio non hanno saputo rispondere.

Una bellissima donna chiede ad un affascinante uomo di liberarla da un corteggiatore troppo insistente. Lui accetta e dopo qualche ora finisce nella camera della ragazza… dove succede esattamente quello che lui aveva immaginato appena aveva posato gli occhi su quella creatura dai viso angelico e dal corpo diabolico.

Comincia così Focus – niente è come sembra, commedia dallo spirito heist ma dal tono romantico e scanzonato che vede protagonista una coppia dal feeling incredibile e dai colori ottimamente assortiti. Da una parte abbiamo Will Smith, ebano e muscoli, con il suo celebre sorriso e i modi disinvolti, dall’altra tale Margot Robbie, bionda, con grandi occhi azzurri, labbra carnose e rosse e pelle chiara e levigata. Due bellissimi che riescono a fondare sulla grande alchimia una storia per certi versi banale, ma che senza mai scadere nel patetico mette in scena diversi elementi vincenti, tra cui risate di gusto e qualche colpo di scena che, anche se non proprio furbissimo, riesce a mantenere lo spettatore connesso con la storia e i personaggi.

Se da una parte conosciamo già il talento di Smith per la commedia, si veda Hitch, dall’altra scopriamo una Robbie che, dopo la sua performance sopra le righe in The Wolf of Wall Street, si rivela una vera scoperta. La sua risata aperta e luminosa e la sua bellezza così versatile potrebbero trasformarla nel nuovo genio della commedia intelligente, una risorsa per un cinema che, in questo genere, tende a ripetersi ormai da troppi anni.

Al timone di Focus – niente è come sembra ci sono Glenn Ficarra e John Requa, che dopo Crazy Stupid Love, parentesi romantica dove hanno gesito un manipolo di grandissimi attori, tornano a mescolare truffa, inganni e affari di cuore, come hanno fatto in Colpo di fulmine – il mago della truffa.

In alcuni casi prevedibile, in altri irriverente, il film è una godibilissima commedia che lascia gli occhi dello spettatore pieni della bellezza dei protagonisti e il viso teso in una risata che accompagna fino all’ultima inquadratura.