Ogni documentario di Werner Herzog è prima di tutto un viaggio dentro la sua voce. Quel timbro inconfondibile, basso e graffiato, con il suo accento tedesco mai stemperato, non è un semplice accompagnamento narrativo: è una lente che modella le immagini, una presenza che piega la realtà alla sua continua ricerca di meraviglia e spaesamento. In Ghost Elephants, presentato Fuori Concorso a Venezia 82, questa voce si posa su un’Africa al tempo stesso concreta e mitica, trasformando la spedizione di un naturalista sudafricano in un racconto sospeso tra scienza, leggenda e sogno. Herzog non si limita a mostrare: incanta, solleva dubbi, trasforma ogni dettaglio in un segno del destino.

Ghost Elephants: tra mito e scienza

Il cuore del film è l’ossessione del Dr. Steve Boyes, naturalista che da dieci anni insegue la possibilità dell’esistenza di un branco misterioso di “elefanti fantasma” sull’altopiano angolano di Bié, vasto quanto l’Inghilterra e quasi privo di insediamenti umani. Boyes vuole verificare se questi giganti, mai documentati ufficialmente, possano essere parenti del più grande elefante mai registrato, il celebre esemplare conservato allo Smithsonian di Washington, chiamato Henry. La sua è una missione che oscilla fra rigore scientifico e tensione visionaria, con tanto di campioni di DNA da raccogliere come in un romanzo d’avventura. Herzog, fedele al suo metodo, non giudica: osserva la passione e la trasfigura, facendo del desiderio stesso di cercare la traccia un tema narrativo centrale.

Una delle intuizioni più potenti del film è che la spedizione non inizia nel momento in cui i protagonisti mettono piede in Angola, ma molto prima. Herzog dedica ampio spazio alla fase preparatoria, trascorsa in Namibia accanto ai leggendari tracker San, capaci di leggere il terreno come un libro aperto e di imitare con il corpo gli animali che seguono. Qui il film si allontana dalla pura ricerca zoologica e diventa un ritratto dell’intelligenza ancestrale di uomini che incarnano la continuità con la natura. È in queste scene che la voce del regista raggiunge vertici di ironia e lirismo, quando ammette con disarmante sincerità: «So di non dover romanticizzare, ma un uomo circondato da polli… non può esserci nulla di meglio». È in questa tensione tra romanticismo e autocritica che emerge il vero Herzog.

Lo sguardo sull’ignoto

Nella seconda parte, quando la spedizione si addentra tra le nebbie dell’altopiano angolano, Ghost Elephants assume i toni di una favola realista. Herzog lascia che la lentezza, i momenti sospesi e persino le distrazioni — come l’arrivo di un ragno velenoso, subito trasfigurato dalla sua voce in presagio apocalittico — diventino parte del racconto. Ciò che interessa al regista non è solo la possibilità di filmare un animale leggendario, ma la potenza del desiderio che spinge a cercarlo, la dimensione interiore che il mito dell’elefante fantasma rivela in chi si mette sulle sue tracce.

Ad amplificare questa atmosfera sospesa contribuisce la colonna sonora firmata da Ernst Reijseger, che intreccia arrangiamenti di canti tradizionali sardi con le immagini africane. Un accostamento che potrebbe sembrare arbitrario, ma che nelle mani di Herzog diventa naturale: il dialogo fra due mondi distanti restituisce l’idea di una ricerca che non appartiene a un solo luogo, ma che parla dell’umanità intera. La musica agisce come eco del racconto, rinforzando la percezione che i “fantasmi” non siano solo elefanti invisibili, ma figure del nostro immaginario collettivo.

Un racconto puramente herzoghiano

Come in Grizzly Man o in Encounters at the End of the World, anche qui Herzog ci ricorda che i suoi documentari sono sempre “tanto su di lui quanto sull’oggetto filmato”. Ghost Elephants è un film sul senso stesso della ricerca, sul confine fra realtà e leggenda, sul bisogno umano di inseguire qualcosa che potrebbe non esistere. Il regista non si sofferma esplicitamente sulle ombre del colonialismo, sul ruolo dell’“esploratore bianco” o sul retaggio della caccia: lascia che queste domande restino in sospeso, dando al film una dimensione aperta e ambivalente.

Ghost Elephants è, in definitiva, un documentario che non offre un “colpo di scena” finale, ma che non ne ha bisogno. La sua forza sta nel modo in cui Herzog trasforma una spedizione scientifica in un viaggio esistenziale, in cui l’oggetto della ricerca conta meno del desiderio stesso di cercare. E soprattutto sta nella sua voce: quel tedesco gutturale, carico di ironia e malinconia, che ci fa credere che ogni dettaglio — un villaggio sperduto, un animale invisibile, un uomo che vive fra polli — contenga un frammento di meraviglia. È questa voce, più ancora delle immagini, a ricordarci che l’essenza del cinema herzoghiano non è catturare la realtà, ma renderla degna di essere sognata.

Se c’è una cosa che il cinema sa fare da sempre è essere uno specchio in cui riflettersi per poterne trarre giovamento. Che si tratti di un film con attori in carne e ossa o di un’opera d’animazione, affrontare temi delicati è sempre stato un modo per aiutare chi guarda a sentirsi meno solo, o semplicemente a comprendere qualcosa di più di sé. È esattamente ciò che hanno cercato di fare Yôko Kuno e Nobuhiro Yamashita alla regia, insieme allo sceneggiatore Shinji Imaoka, con Ghost Cat Anzu, nuovo anime prodotto dallo studio giapponese Shin-Ei Animation.

Il tema centrale è l’elaborazione del lutto, che qui diventa una riflessione più ampia su come gestire l’assenza di chi amiamo: un’assenza che può farci perdere la strada se ci impantaniamo nel suo ricordo, oppure restituirci una forma di pace se impariamo a conviverci senza tradirne la memoria. Dopo aver avuto una buona accoglienza e aver attraversato il Festival di Cannes e Annecy, Ghost Cat Anzu arriva nelle sale come evento il 9, 10 e 11 marzo.

Ghost Cat Anzu, la trama

La piccola Karin ha un grande dolore che le pesa sul cuore: la perdita della madre. A darle conforto dovrebbe esserci il padre, che però decide di lasciarla per un periodo dal nonno, monaco di un tempio buddhista in una cittadina di campagna vicino a Tokyo, per tentare di rimettere in ordine alcune questioni lasciate in sospeso con i suoi creditori. Karin lo lascia andare con una promessa: che torni per l’anniversario della morte della madre. Promessa che il padre infrange, lasciando la ragazzina sola nella sua sofferenza. A doversi prendere cura di lei è Anzu, un gatto fuori dal comune che vive proprio con suo nonno: si regge su due zampe come un umano, è irriverente e ama i piccoli vizi quotidiani, come il gioco d’azzardo. Ma Anzu non è un gatto qualsiasi: è un bakeneko, una creatura del folklore giapponese che nasce quando un felino vive abbastanza a lungo da trasformarsi in uno spirito dotato di poteri soprannaturali. Anzu si trova così a fare i conti con Karin, con lui inizialmente scontrosa, che ha come unico obiettivo quello di tornare a Tokyo per visitare la tomba della madre. Quando decide di accompagnarla, però, il viaggio prende una piega inaspettata: i due finiscono nell’oltretomba, dando inizio a un’avventura destinata a cambiare la vita di entrambi.

Dal lutto alla consapevolezza: un viaggio verso la vita

Costruire un racconto — soprattutto d’animazione — che cerchi di comprendere cosa accade nella nostra mente quando perdiamo qualcuno non è affatto semplice. Ancora di più se, a un tema così delicato, si affianca come contrappunto un personaggio scanzonato, leggero e irriverente come Anzu. Dinanzi a Karin, malinconica, spesso triste e disincantata, il gatto fantasma sembrerebbe quasi stridere, perché in apparenza poco contribuisce alla crescita della ragazzina. Ma è proprio in quella faglia che si crea tra loro — destinata inizialmente allo scontro — che prende forma il senso più profondo del film. Se in un primo momento Anzu sembra non comprendere Karin e il suo ostinato desiderio di tornare a Tokyo, capiamo solo alla fine, dopo la sua discesa nel mondo dei morti, quanto lui rappresenti ciò che lei stessa deve imparare a fare: vivere per sé e non restare prigioniera del passato, di quando la madre era ancora in vita.

Anzu diventa così una sorta di Virgilio burlone che la accompagna nel suo coming of age, diventando guida imprevedibile ma necessaria. È lui la chiave per aprire quella porta che Karin ancora teme di varcare: vivere la propria età, la spensieratezza e il bello della vita, celebrando la madre senza spegnersi insieme al suo ricordo. L’ironia di Anzu accarezza la fragilità di Karin, ferita da un lutto insopportabile, e diventa il baricentro emotivo da cui ripartire per poter finalmente pronunciare quell’addio tanto temuto, che in fondo suona più come un arrivederci.

Un film in dialogo con tutti

Tra realtà e fantasia, Ghost Cat Anzu permette allo spettatore di imbarcarsi in un viaggio quasi catartico, al pari dei protagonisti che lo stanno affrontando. Merito soprattutto di una resa visiva particolarmente ficcante, capace di restituire paesaggi e atmosfere morbide, quasi carezzevoli, che accompagnano con delicatezza la storia e il percorso interiore della sua protagonista. I fondali pittorici, tipici degli anime, sono ben caratterizzati: i colori, che sembrano stesi come acquerelli, riflettono sin da subito lo stato d’animo che Karin raggiungerà solo alla fine, ossia quello di una serenità riconquistata.

Anche il character design, costruito attorno alla tecnica del rotoscopio — in cui le scene vengono prima girate in live action e successivamente rielaborate in animazione — risulta ben definito e piacevole da osservare nei suoi tratti essenziali. Nella sua complessità, dunque, Ghost Cat Anzu si configura come un film di buona fattura che, nella sua apparente semplicità — mai però superficiale — riesce a parlare a pubblici diversi. Bambini e adulti possono attraversarlo seguendo livelli di lettura differenti: un racconto che si apre a più interpretazioni e che, a seconda dell’età e dell’esperienza di chi guarda, permette di cogliere sfumature diverse.

Ghost – Fantasma è il film cult del 1990 di Jerry Zucker con protagonisti nel cast Demi Moore, Patrick Swayze, Whoopi Goldberg, Tony Goldwyn, Rick Aviles, Vincent Schiavelli.

• Anno: 1990
• Regia: Jerry Zucker
• Cast: Demi Moore, Patrick Swayze, Whoopi Goldberg, Tony Goldwyn, Rick Aviles, Vincent Schiavelli

 Ghost, la trama

Ambientato a  New York, il film racconta di Sam Wheat, giovane bancario, e Molly Jensen, sono una coppia innamorata e felice. Ma una notte Sam viene ucciso da un rapinatore che in realtà è al soldo del suo migliore amico Carl, coinvolto in una truffa finanziaria. Poiché morto in circostanze violente e lasciando le cose in sospeso, al fantasma di Sam è concesso di rimanere ancora nel mondo dei vivi, usando come tramite la medium Oda Mae per saldare i conti con Carl e proteggere l’amata Molly.

L’analisi

Fra i classici del filone sentimentale, Ghost è indiscutibilmente tra i film di culto degli anni novanta, che ha riscosso un enorme successo di pubblico. A più di vent’anni dalla sua uscita, resta immortale nell’immaginario collettivo grazie soprattutto alla sua travolgente potenza emotiva.

Diretto da Jerry Zucker che, insieme al fratello David, aveva realizzato fino al 1990 soltanto film demenziali, Ghost è una pellicola che rivela una commistione di generi, fra melodramma e thriller a sfondo paranormale (dagli effetti sonori efficaci ed evocativi), con una vena comica che si deve soprattutto al personaggio della sensitiva interpretata da Whoopi Goldberg. La sua strepitosa performance, tra le più apprezzate della sua carriera, è stata infatti coronata da una pioggia di premi, tra cui l’Oscar, il Golden Globe e il Bafta come Migliore attrice non protagonista.

I due memorabili protagonisti sono una straziante Demi Moore e un Patrick Swayze già sex symbol agli occhi delle platee femminili per il suo ruolo in Dirty Dancing (1987), e che in Ghost ci offre un’interpretazione romantica e dolente. La sua alchimia con la collega raggiunge l’apice in una delle sequenze cult del film dalla forte carica erotica, citata e parodiata negli anni, ovvero la scena dei due innamorati che modellano un vaso di terracotta sulle note di Unchained Melody.

La sceneggiatura originale di Bruce Joel Rubin (anch’essa premiata con l’Oscar) ci concede inoltre momenti esilaranti e di grande complicità tra Sam e Oda Mae, intenti a proteggere Molly, la cui incolumità è minacciata dall’infido Carl (un nevrotico e valido Tony Goldwyn).

Realizzato con effetti speciali adeguati per rappresentare il fantasma di Sam e le vicende paranormali, tra cui gli inquietanti spiriti maligni, Ghost – Fantasma è soprattutto un film che ad alcuni può apparire stucchevole nel suo intenso sentimentalismo e che non esita a elargire sequenze struggenti semplicemente strappalacrime, in particolare nel finale. Ma indubbiamente emoziona, tocca le corde dell’anima inducendoci a versare lacrime sincere.

Oggi, più che vent’anni fa, la visione del film può rivelarsi ben più straziante alla luce della prematura scomparsa di Patrick Swayze nel 2009: vedere il suo luminoso “spirito” in Ghost – Fantasma aggiunge un dispiacere e una triste amarezza che, lungi dal manifestarsi per la pura finzione filmica, sconfinano nell’infelice realtà.

Ghost – Fantasma è dunque un classico dell’ultimo ventennio cinematografico, capace al tempo di sbancare inaspettatamente al botteghino internazionale, che ha commosso e continua a commuovere diverse generazioni.

Si parla di boxe, ma non solo, nel film d’esordio che affianca Alessio De Leonardis a Fabrizio Moro, noto cantante appena visto sul palcoscenico dell’Ariston alla 72esima edizione del Festival di Sanremo. Con la canzone che ha vinto il premio “Sergio Bardotti per il miglior testo”, “Sei tu”, per altro, composta per la colonna sonora di Ghiaccio, distribuito in sala da Vision Distribution per l’uscita evento del 7, 8 e 9 febbraio.

Ghiaccio, la trama e il messaggio del film

Un film interpretato da Giacomo Ferrara e Vinicio Marchioni, che idealmente lo dedica “ai più giovani, dimenticati dalla scuola in questi anni di pandemia”, ai quali spera che la storia del protagonista possa idealmente “indicare una strada”, suggerire la “possibilità di condividere qualsiasi cosa, comprese perdite e mancanze”. E in effetti, colpisce come un film scritto due anni fa sappia intercettare il problema di empatia che la nostra società sembra patire dopo le quarantene subite e le tante varianti circolate.

Tutto si svolge a Roma, nel 1999, nella zona periferica del Quarticciolo. Dove Giorgio (Giacomo Ferrara), giovane promessa della boxe, vive con la madre dopo che l’assassinio del padre li ha lasciati indebitati e in quasi povertà. Con l’aiuto dell’ex pugile Massimo (Vinicio Marchioni), Giorgio ha finalmente la possibilità di riscattarsi diventando professionista. Ammesso che i boss di zona glielo consentano.

Un esordio alla regia umano e personale

Che Moro e De Leonardis siano stati facili profeti è possibile, molto della storia e delle interazioni tra i personaggi, oltre ai dialoghi proposti, restano nell’alveo del prevedibile e dello stereotipato. D’altronde, non è la prima volta che un esordio alla regia punta sul racconto di una storia popolare, ambientata nelle periferie della grande città, in ambienti disagiati e ai margini del mondo che spesso vediamo in tutt’altri film e serie tv italiane.

Per quanto si voglia insistentemente sottolineare, didascalicamente, quanto sottile sia il confine tra Bene e Male in molti di noi, in certe situazioni, non si ha quasi mai la sensazione che questo conflitto possa avere un esito diverso da quello che ci viene mostrato. Non c’è un problema di onestà, ché quella si percepisce senza fatica nell’impegno dei registi e dei protagonisti, quanto piuttosto di rappresentazione.

Debolezze e prospettive

La retorica del sacrificio, il valore della paura, l’importanza dei limiti e la forza di superarli, di autodeterminarsi e seguire i propri sogni, come anche la capacità della vita di sorprenderci e di mostrarci i nostri errori… c’è tutto quello che ci si potrebbe aspettare e nel modo più ‘chiaro’. Coatti dal cuore buono, criminali in grado di comprendere solo concetti basici come onore e controllo, donne “curiose” e un senso di comunità alla “uno per tutti” piuttosto che “tutti per uno” al quale manca la verità – o veracità – degli irraggiungibili Non essere cattivo o La terra dell’abbastanza.

Le musiche, sulle quali i registi sembrano aver puntato, son forse un’ulteriore occasione persa, quasi volutamente, per il timore che con un cantautore come Fabrizio Moro a occuparsene potessero prendere il sopravvento. A certe riprese aeree interessanti, anche della splendida location dello Stadio Olimpico, fanno inoltre da contraltare – purtroppo – leggerezze di montaggio e di costruzione che denotano delle distrazioni non gravi, ma evidenti. E che rischiano di indebolire ancor più la credibilità del racconto messo in scena. Che avrebbe potuto essere meno confuso. “Nella vita ci sta sempre qualcosa per cui vale la pena combattere” ci ricorda il film, e sbagliare, potremmo aggiungere. Basando su questa massima e sulle note positive sparse qui e lì un generico ottimismo sulle prospettive dei due giovani registi. Sperando che traggano la giusta lezione dal loro primo sforzo.