Nel ’78 la legge Basaglia impose la chiusura dei manicomi, istituendo servizi di igiene mentale. Con l’umiltà di chi entra in un mondo delicato per la prima volta, Enrico Pitzianti, regista e produttore di Roba da Matti, ci racconta la fragilità e la tenacia, la follia e la disarmante normalità.

In Roba da Matti, Casamatta è una residenza socio assistenziale che si trova a Quartu Sant’elena, in Sardegna , in cui vivono otto persone con disagi mentali. Come si può entrare in una realtà simile? Spesso siamo immersi nel pregiudizio e non lo sappiamo nemmeno. A Casamatta si entra come in una qualsiasi casa di persone che non conosciamo bene: con educazione ed un sorriso. Ci si fa conoscere, si cerca una frequenza comune e la si percorre. E’ così che il Signor Pitzianti, che porta con sè una telecamera, diventa semplicemente Enrico per gli inquilini della casa.

In Roba da matti Enrico è una compagnia tanto silenziosa quanto attenta… uno che ascolta la vita e a cui si riescono ad affidare, ormai, i pensieri più profondi e rivelatori. Enrico è una persona che capita in questo mondo  in un momento molto particolare: dopo 17 anni di attività, Casamatta rischia di chiudere. Un proprietario che non intende rinnovare il contratto ai matti, una denuncia assurda e la stampa mettono a dura prova inquilini, familiari e operatori. Quando si perde un tetto, c’è solo una cosa da fare: rimboccarsi le maniche e cercarsene un altro. Cosa succede quando le difficoltà incontrano sensibilità e forza? Si combatte, ogni ora, ogni giorno. Gisella Trincas, presidente dell’associazione Asarp Casamatta e sorella di una delle inquiline, è una donna tenace, affiancata da donne altrettanto tenaci: l’unione fa la forza, e una forza così è difficile da buttare giù.

A primo impatto lo spettatore, abituato com’è a film di altissimo livello formale, è parecchio infastidito dal taglio così prepotentemente documentaristico: tecnica povera e ‘attori’ che guardano continuamente in macchina da presa, parlando tranquillamente a chi sta dietro la telecamera. Verrebbe quasi da alzarsi e dire: “ma che state facendo? Un secolo di cinema non vi ha insegnato nulla?” … ma, a quel punto, si cadrebbe con estrema facilità nel ridicolo. Dopo pochi minuti, superato lo shock dell’impatto, l’occhio si abitua e l’interesse per l’inedito quanto innocente modo di raccontare prende il sopravvento.

Per una volta, per il tempo di un film, conosciamo persone e non personaggi. Ridiamo, piangiamo e sogniamo con Stefania, Cenza, Maria Antonietta, Patrizia, Sergio, Stefano, Silvana, Lorena e Pinuccio. Immersi nella sala buia, lo schermo ci illumina attraverso la normalità… e una cosa è certa: normalità che non è mai stata così straordinaria. Distribuito da Eia film, Roba da matti, sarà nelle sale a partire dal 20 aprile.

Questo sembra proprio essere, almeno per il cinema italiano, l’anno della riflessione sul ruolo e i metodi delle forze dell’ordine nella gestione dell’ordine pubblico, e più in generale del dissenso, nel nostro paese. Impossibile infatti non vedere un filo che lega questo crudo e intensissimo Diaz di Daniele Vicari ad A.C.A.B. di Stefano Sollima (dove pure c’erano riferimenti espliciti ai fatti della Diaz). Un ruolo, quello delle forze dell’ordine, di prima barriera e in molti casi unica risposta di fronte a contestazioni, dissenso e disagio sociale. E dei metodi non condivisi certo da tutta la categoria, ma che nei loro episodi più brutali e violenti, come quelli della Diaz e di Bolzaneto a Genova nel 2001, hanno dato luogo al peggiore incubo nel quale un cittadino possa incappare e uno stato di diritto impantanarsi.

È a questo incubo che Vicari ha voluto dare corpo e voce, trasponendo in un film ciò che avvenne al G8 di Genova, e in particolare in quelle pagine orribili (le uniche non documentate finora da immagini) che sono state l’assalto alla scuola Diaz e i maltrattamenti all’interno della caserma di Bolzaneto, da cui sono scaturiti due processi, ancora in corso. Nella ricostruzione dei fatti presentata nel film (fatta proprio alla luce degli atti processuali e delle sentenze d’appello dei due procedimenti) Vicari non teme e, assieme a Laura Paolucci con cui ha curato la sceneggiatura, dice tutto ciò che c’è da dire: che dopo la fine dei cortei, dopo la morte di Giuliani, in un clima ormai esasperato, il 21 luglio la polizia si lascia  andare a provocazioni, cui seguono reazioni, seppur lievi, da parte di alcuni esponenti del movimento no global, e poi la pianificazione dell’assalto alla Diaz, la notte del 21 luglio.

Non teme  di mostrarci i terribili pestaggi scatenati contro un centinaio di persone che si preparavano a dormire nella scuola, quella notte. Mostra anche chiaramente come quella furia cieca, senza alcun controllo, la si sia giustificata a posteriori, costruendo prove ad arte a carico delle persone nella scuola (come le due molotov) e infine come l’incubo sia proseguito per gli arrestati nella caserma di Bolzaneto, dove odio e furia da parte di settori delle forze dell’ordine hanno continuato a manifestarsi senza freni, sfociando in qualcosa  che è difficile non chiamare tortura. Dunque non teme di assumersi responsabilità Vicari con questa pellicola, responsabilità che invece per quegli avvenimenti nessuno si è ancora assunto (siamo al secondo grado di giudizio e molti dei reati per cui ci sono state fin qui condanne sono già prescritti).

Nel catapultarci di nuovo in quel mondo, in quei giorni, il registro scelto è crudo ed essenziale, per nulla retorico  (e che necessità ce ne sarebbe stata, d’altronde, vista la forza e l’eloquenza dei meri fatti?). Il film riesce a ricostruire perfettamente la tensione crescente e palpabile e la sensazione, comune alle vittime di quella violenza, di trovarsi in un tunnel senza uscita. Tutto ciò è reso dal regista  con degli efficaci espedienti narrativi: i fatti della Diaz e di Bolzaneto ci vengono proposti più volte, visti e vissuti dai diversi protagonisti, in un continuo andirivieni temporale che va verso il climax di quelle violenze per poi tornare indietro. L’effetto di quegli eventi e la loro portata risulta così amplificata, come anche l’angoscia che si prova nel vederli accadere di nuovo sullo schermo, e come risultarono amplificati e temporalmente dilatati nella memoria di chi li ha vissuti sulla propria pelle.

Le splendide musiche di Teho Teardo (ma anche Massive Attack, Tricky ed altri) scandiscono i tempi del film e danno il loro apporto a questa sensazione di spaesamento e sospensione che permea il lavoro. Poche le immagini di repertorio, di cui colpisce la perfetta integrazione nel tessuto narrativo, al punto che lo spettatore potrà confondere finzione e realtà.

E senza dubbio uno dei temi del film è proprio quanto la realtà in certi casi superi la finzione e quanto quest’ultima possa a sua volta amplificare e far “risuonare” maggiormente la realtà nelle coscienze di chi guarda. Tutto perfettamente in parte il cast, in cui ciascuno, anche con piccoli ruoli, offre interpretazioni intense e sentite: da Claudio Santamaria/Max Flamini, che guidò il blitz alla Diaz, a Jennifer Ulrich, che interpreta una cittadina tedesca percossa alla Diaz e poi portata a Bolzaneto, dove continua il suo calvario; da Elio Germano/Luca, cronista della Gazzetta di Bologna che è a Genova da privato cittadino, al pensionato Anselmo, anche lui vittima del blitz, interpretato da Renato Scarpa, solo per citarne alcuni.

DIAZ appare perciò anche come un atto di giustizia nei confronti delle  vittime di quelle violenze. Inoltre, ci ripropone nella sua limpida efficacia, oggi, interrogativi pesanti sulla natura della democrazia nel nostro paese, su cosa essa sia stata finora e su cosa vogliamo essa sia in futuro; sul ruolo affidato e da affidare in essa alle forze dell’ordine. Pone interrogativi, o li ripropone a chi già undici anni fa se li pose, e non dà risposte, ma fa quello che c’è da fare: guardare in faccia ciò che è stato e chiamare ogni singolo cittadino alle proprie riflessioni e responsabilità.

La domanda che sale alle coscienze dopo la visione del film è senza dubbio se e come sia possibile che i fatti raccontati accadano in un paese democratico, al giorno d’oggi e cosa si può e si deve fare affinché ciò che è successo allora non accada più. Operazione necessaria, dunque, questo lavoro di Vicari, della Fandango di Domenico Procacci che produce la pellicola, in sala dal prossimo 13 aprile, e di quanti hanno condiviso il progetto.

Esordio in grande stile per Declan Donnellan e Nick Ormerod, che insieme firmano la loro prima regia cinematografica con l’attesissimo Bel Ami – storia di un seduttore, nelle sale dal 13 aprile. Una carrellata di grandi star per raccontare l’ascesa dell’affascinante George Duroy (Robert Pattinson), ex soldato dalle umili origini che nella Parigi di fine ‘800 si fa largo nell’alta società francese, ottenendo così quel successo che gli permette di abbandonare la povertà del passato.

Introdotto nel mondo dell’informazione dal facoltoso Charles Forestier (Philip Glenister), George verrà aiutato dalla di lui moglie Madeleine (una straordinaria Uma Thurman), che colmerà le lacune del giovane scrivendo al suo posto gli articoli pubblicati su “La vie francaise”. Avvia un’intensa relazione clandestina con Clotilde de Marelle (Christina Ricci), per poi sposare la signora Forestier dopo la morte del marito. Ma la scalata di Duroy, soprannominato “bel ami” dalla figlia di Clotilde, non si arresta qui: le sue doti seduttive avranno la meglio anche sulla fedele e morigerata Madame Rousset (interpretata magistralmente da Kristin Scott Thomas), ulteriore pedina di un gioco alimentato dall’ambizione e da una disperata voglia di riscatto. Un gioco al quale tutto è sacrificato, anche l’amore per l’intelligente Madeleine, dal canto suo innamorata del vecchio amico di famiglia, nonché amante, Conte Voudrec. Sullo sfondo, il ritratto acuto e mai approssimativo di una società corrotta, in cui i media sono ora complici ora nemici di un governo che detiene la possibilità di invadere illegalmente un Paese arabo per le sue risorse naturali.

Bel Ami tra genio e ironia

Tratto dall’omonimo romanzo di Guy de Maupassant, Bel Ami segue le vicende di George adottando un punto di vista ironico, senza mai scadere in facili giudizi di stampo etico/morale. O perlomeno, la “condanna” del bel giovane porta con sé anche una feroce critica del mondo in cui egli vive, quell’alta borghesia che, in un modo o nell’altro, lo sostiene nella sua arrampicata sociale.

La scena della discussione con Madeleine resta tra le più significative e riuscite dell’intera pellicola: la vacuità e la grettezza del personaggio, che in fondo ha bisogno delle donne sedotte per mantenere lo status raggiunto, vengono qui messe a nudo dalle parole spietate della moglie che gli dice: “I couldn’t perceive till now the depths of your emptiness”(Non ero riuscita a percepire fino ad ora la profondità della tua vuotezza.

Scenografie sontuose, una fotografia impeccabile e le musiche firmate da Rachel Portman completano l’ottima prova di Donnellan e Ormerod che, abilmente sceneggiata da Rachel Bennette, riesce inoltre a far trapelare l’attualità delle tematiche affrontate (dalla manipolazione dei media all’importanza della celebrità).