Con La scoperta dell’alba la regista Susanna Nicchiarelli è al suo secondo lungometraggio, tratto dall’omonimo romanzo con cui Walter Veltroni ha fatto il suo esordio nel mondo della narrativa.

In La scoperta dell’alba il Professor Mario Tessandori viene ucciso con sette colpi di rivoltella da due brigatisti, nel cortile dell’università e sotto gli occhi di tutti. Muore tra le braccia di Lucio Astengo, suo amico e collega. Poche settimane dopo, Lucio Astengo scompare nel nulla. Siamo nel 2011. Caterina e Barbara Astengo, che avevano sei e dodici anni quando è scomparso il padre, mettono in vendita la casetta al mare della famiglia, oramai abbandonata da tempo. La casa è piena di ricordi di un’infanzia interrotta dalla sparizione del papà, di una famiglia spezzata e mai più ricomposta. In un angolo, c’è un vecchio telefono ancora attaccato alla presa. È uno di quei telefoni con la rotella, che fa nostalgia solo a guardarlo: Caterina solleva la cornetta e scopre che dà segnale di libero. Il fenomeno è inspiegabile, la linea è staccata, prova a fare dei numeri ma il telefono rimane muto… poi, quasi per gioco, le viene in mente di provare a fare il numero della loro casa di città di trent’anni prima. Questa volta, dall’altra parte sente squillare: le risponde una voce di bambina…

La scoperta dell’alba, il film

Dopo Cosmonauta, la Nicchiarelli adatta e riscrive il romanzo di Veltroni, trasformando il protagonista maschile in una donna priva dei cliché di cui soffriva il personaggio del libro che però trova un grande sbarramento nell’assenza di ritmo e nella capacità di rapire l’attenzione dello spettatore, inversamente proporzionale all’infittirsi del mistero. Sebbene la Nicchiarelli metta insieme un cast di attori che non hanno bisogno di mettersi alla prova, come la sempre ottima Margherita Buy o Sergio Rubini, che riesce a dare quel tono di leggerezza anche nei momenti più drammatici, poco felice risulta la scelta di cambiare la prospettiva della Buy, tendenzialmente ingabbiata nel ruolo della moglie depressa e tradita ribaltando l’asse e trasformandola di fatto in compagna traditrice e depressa. Così come poco vincente risulta l’inserimento di svariate storyline oltre a quello principale di dubbio interesse per il pubblico e per lo svolgimento stesso della narrazione.

Nota di merito va comunque alla regista che si riserva anche la parte di attrice, nel tentativo di portare una serie di elementi atipici per il cinema italiano in una pellicola dal soggetto interessante che purtroppo si scontra con il solito già visto di certo non aiutato da una sceneggiatura a volte banale o implausibile. Un esperimento riuscito a metà che non riesce a far empatizzare il pubblico con i personaggi ma che va comunque lodato per la prova a cui la regista sottopone il genere, nel tentativo maldestro di portare una ventata di novità.

Ognuno di noi ha un lato oscuro. Siamo fatti di luci e ombre, di pregi e difetti. Tuttavia, un individuo dovrebbe sempre agire per il bene proprio e altrui, evitando che la propria parte oscura prenda il sopravvento. È esattamente il contrario di quanto accade ai protagonisti de La scommessa – Una notte in corsia, la nuova black comedy firmata da Giovanni Dota. Presentato in anteprima alle Notti Veneziane, sezione delle Giornate degli Autori nell’ambito dell’81esima edizione Mostra del Cinema di Venezia, il film vede protagonisti Lino Musella e Carlo Buccirosso, pronti a strappare risate amare e profonde riflessioni. Distribuito da I Wonder Pictures, La scommessa – Una notte in corsia arriverà nelle sale dal 12 settembre.

La trama de La scommessa – Una notte in corsia

Angelo e Salvatore sono due infermieri che lavorano svogliatamente in un ospedale di Napoli. In una calda sera di Ferragosto, particolarmente irritati dal fatto che tutti siano in vacanza tranne loro, i due sono ossessionati dall’idea di ottenere le ferie tanto desiderate per Natale e Capodanno. Ma solo uno di loro potrà averle. L’opportunità si presenta quando, durante il turno di notte, arriva in corsia il signor Caputo, un paziente in condizioni critiche. Angelo è convinto che l’uomo non sopravviverà fino all’alba, mentre Salvatore crede che resisterà. Spinti dal desiderio di garantirsi i giorni di ferie, i due lanciano una scommessa: se il signor Caputo muore, Angelo otterrà le ferie, altrimenti toccherà a Salvatore. Da quel momento, una serie di eventi rocamboleschi si susseguono, innescando una spirale di caos che renderà impossibile tornare indietro.

Restiamo umani

La scommessa – Una notte in corsia solleva dei precisi interrogativi: siamo davvero diventati una società eccessivamente opportunista ed egoista? Cosa ci rende così irrispettosi della vita altrui? La scommessa – Una notte in corsia esplora queste domande attraverso la storia di due uomini, stanchi e insofferenti, che si ritrovano a giocare sulla vita di un paziente senza alcuno scrupolo. Scommettere sulla vita e sulla morte di qualcuno è deplorevole, ma lo è ancora di più quando il proprio interesse personale ne dipende. Eppure, nel mondo di oggi, sembra che nessuno si ponga più il problema. In una notte calda e soffocante, in un ospedale deserto, questi due infermieri lasciano che il loro lato oscuro prenda il controllo, trascinandoli in un vortice da cui non riescono più a emergere.

La messa in scena della pellicola è essenziale: poche location, dialoghi diretti e taglienti, un ritmo incalzante, e personaggi ben caratterizzati. Dota costruisce una narrazione potente, inserendo nelle maglie della storia diversi spunti di riflessione, che invitano il pubblico a considerare quanto sia pericoloso cedere alle tentazioni e perdere se stessi. “Vi prego, restiamo umani”, implora Angelo in un momento di caos, offrendo un momento di lucidità e un monito importante: non permettiamo al nostro lato oscuro di sopraffarci. Per quanto faccia parte di noi, mantenere l’equilibrio è fondamentale per convivere con se stessi e con gli altri. Perdersi è questione di un attimo; ritrovarsi può richiedere tempo. E non è detto che ci si riesca.

In La Scelta Laura e Giorgio si amano intensamente e sono desiderosi di un figlio che non arriva. Ma solo un grande amore può superare la dolorosa prova che devono affrontare. Una prova che impone una scelta. Da una parte, un uomo offeso nella sua morale; dall’altra, una donna che sente la necessità di diventare madre. Quale scelta fare per essere ancora felici?

Ispirato al testo teatrale L’innesto di Luigi Pirandello, La Scelta di Michele Placido è un’opera intimamente drammatica che veicola il suo messaggio attraverso l’espressività degli interpreti, facendo leva più sulle emozioni generate da un gesto o da uno sguardo che dalle parole; quelle parole che Laura e Giorgio vorrebbero dirsi ma che restano lì, imprigionate dentro di loro dalla paura di quello che è stato e di quello che potrebbe essere. Il tormentato percorso sentimentale messo in scena da Placido vede i due protagonisti trasformarsi a poco a poco da certezza in qualcosa di meno limpido e più complicato, cambiare in seguito agli eventi che li travolgono e che li porteranno a camminare su due binari diversi.

La Scelta, il film

Ambra Angiolini, nei panni di Laura, accetta la sfida che Placido le lancia e regala la sua migliore interpretazione ad oggi, rivestendo il ruolo complesso e maturo di una donna che sceglie volontariamente di non essere più identificata come vittima. Una donna spaventosamente coraggiosa che, scontrandosi con il comune perbenisimo, vede nella tragedia un’occasione per ricominciare a sperare, facendo appello a tutta la sua forza (e anche a tutta la sua femminilità) per ricostruire il legame che la tiene unita al marito, per riuscire a mantenere ancora vivo il loro amore.

Ed è proprio sulle dinamiche di questa coppia che si conosce e si ama da dieci anni, ma che muta a causa di un evento tragico, che Placido e Giulia Calenda (co-autrice della sceneggiatura) fanno il lavoro migliore. Perché ne La Scelta non viene presentato solo il punto di vista di una vittima dal comportamento inusuale che sceglie di reagire di fronte alla violazione e all’umiliazione, ma anche quello dell’uomo costretto a doversi confrontare con il più grande dei castighi che possa essere inflitto a una donna. È un piacere (e quasi un sollievo) vedere Raoul Bova calarsi nei panni di un personaggio che, seppur schiacciato dalla controparte femminile, cresce e si evolve incredibilmente, riuscendo, al di là dell’egoismo e dell’orgoglio, a superare certi limiti intrinseci della figura maschile.

Pur lasciando nell’ombra i personaggi secondari e servendosi talvolta di soluzioni registiche piuttosto discutibili, La Scelta rimane un film potente con tutti i suoi pregi e i suoi difetti, che nello spingere il pubblico alla riflessione inevitabilmente lo dividerà. Un film in cui anche l’elemento musicale assume un valore specifico, contribuendo a rendere ancora più importante una storia già di per sè significativa.

Discostandosi totalmente dal documentario poetico di Werner Herzog e dalla visionarietà di Wim Wenders, il regista Christian Petzold, uno degli autori più influenti del nuovo cinema tedesco contemporaneo, in La scelta di Barbara tesse una storia intensa ed introspettiva, dove il realismo e le emozioni divengono i punti focali di una vicenda in cui gli eventi storici vengono sapientemente e volutamente tenuti sullo sfondo, permettendo alla psicologia e ai rapporti dei personaggi di emergere e di svilupparsi.

In La scelta di Barbara nella Germania Est del 1980 Barbara è un medico pediatra che, a causa di una richiesta di espatrio, viene mandata per punizione in un piccolo ospedale di campagna, sotto controllo della Stasi, la polizia segreta. Mentre il fidanzato Jörg organizza la sua fuga verso l’Ovest, Barbara intraprende rapporti freddi e distaccati con i colleghi dell’ospedale, fino a quando l’incontro con André, giovane medico collaborazionista delle forze segrete, metterà in crisi le sue certezze e la sua vita. Mentre il giorno della fuga si avvicina, Barbara è divisa tra i sentimenti per André e le cure per una giovane ragazza incinta, fuggita da un campo di rieducazione.

La scelta di Barbara, il film

Praticamente sconosciuto al grande pubblico, ma molto apprezzato in patria e nei festival maggiori, Petzold, supportato dalla sceneggiatura di  Harun Farocki, dirige con garbo una storia in cui la lentezza e la dilatazione temporale degli eventi inducono a riflettere e ad interrogarsi su tematiche molto complesse che vanno dalla persecuzione politica fino ai rapporti interpersonali e alle conseguenze delle proprie scelte. Ed è proprio questa tecnica narrativa estremamente  diluita e pacata che purtroppo a volte può risultare difficile da assimilare per un pubblico abituato ai frenetici ritmi del cinema americano. Pesantemente influenzato da Acque del sud di Howard Hawsk e dal ciclo di Germania in autunno, La scelta di Barbara è un quadro reale e fedele di una Germania spaccata in due, sia topograficamente che socialmente, dove sono proprio i singoli personaggi a diventare archetipi di un intero popolo.

Straordinaria performance di Nina Hoss che riesce a rendere mirabilmente il carattere freddo e controllato di Barbara, per poi lasciar scoprire il suo lato umano celato. Oltremodo superbo è Ronald Zehfeld, che nei panni di André si torva a dover impersonare un ruolo di voltafaccia mosso in realtà da profondi sentimenti d’amore. La fotografia di Hans Fromm, estremamente vivida e luminosa, si discosta totalmente dalla fredda estetica anni ’80 del cinema politico di Klüge, Von Trotta e Fassbinder, concedendo all’opera il tono di una fiaba per adulti. Il commento musicale di Stefan Will è minimale, lasciando spazio ai lunghi silenzi eloquenti e alle sonorità poetiche dell’ambiente. Le scenografie estremamente realistiche ed essenziali di Kade Gruber e i costumi di Anette Guther testimoniano un massiccio e maniacale lavoro di ricostruzione storica, che non fa altro che aggiungere lode ad un film intelligente e riflessivo, dove appunto è la scelta di Barbara l’unica a poter cambiare veramente le cose.

La santa piccola è Annaluce, la giovanissima Sofia Guastaferro che sin dalla prima sequenza si prende di forza la scena, dopo il titolo e fino alla conclusione del film di Silvia Brunelli. Una storia minima, esemplare senza avere la pretesa di esserlo, ma insieme piuttosto diretta e smaccata nei temi scelti da non poter passare agli annali come originale o unica. Che questa sia stata o meno una preoccupazione della esordiente regista, sicuramente poco importa che prima di lei siano arrivati Matteo Garrone e Alice Rohrwacher a raccontare la realtà periferica e quotidiana della Napoli di oggi.

Dove e con chi vive la Santa piccola

Tutto si svolte in – e intorno a – un rione del capoluogo campano, dove tutti si conoscono. E dove ogni giorno è uguale, per tutti. Anche per gli inseparabili Mario e Lino, fratello di Annaluce, costretto a respingere le incursioni del violento padrone di casa e occuparsi della sorellina e della madre, affetta da depressione e poco presente a sé stessa. A ogni costo. Anche approfittando delle serate di svago con l’amico per raggranellare qualche euro concedendo le sue grazie a questo o quella vizioso pagante in un crescendo di incontri sempre più espliciti (e sempre più spogli e freddi, anche quando la passione si fa narrativa).

Tutto cambia quando Annaluce rianima una colomba data per morta, facendo gridare al miracolo. Ma è solo la prima delle prove che la ragazzina dà di una supposta santità. Cambiando completamente l’atteggiamento del rione nei confronti della sua famiglia. Una soluzione, una via di fuga o nulla di tutto ciò?

Dalla Mostra di Venezia al Roma International Film Festival

Lo scorso giovedì 18 novembre, La santa piccola ha aperto la XX edizione del RIFF – Rome Independent Film Festival diretto da Fabrizio Ferrari, ma il suo viaggio inizia nel 2019. Quando, come recita la biografia della stessa regista, la sceneggiatura del film ha partecipato alla Biennale College Cinema, vincendo come unico titolo italiano. E venendo segnalato per il fondo Eurimages, dalla stessa Biennale, al Consiglio Europeo, che ha individuato nella Brunelli la regista europea esordiente del 2020.

Ancora prima, la storia nasce sulla carta. Quella del romanzo omonimo di Vincenzo Restivo del 2017 però è leggermente diversa. Forse più onesta, più realistica, di quella che Silvia Brunelli e Francesca Scanu hanno riadattato nel soggetto e nella sceneggiatura della produzione Rain Dogs, in collaborazione con Mosaicon Film, TVCO, Minerva Pictures e Antracine. Eppure…

La Santa piccola, tra miracoli e delusioni

Probabilmente proprio in questo tradimento sta molto del fascino del film. Ingenuo e sregolato, i cui personaggi continuano a confrontarsi immutabili e a offrirsi al pubblico in maniera molto diretta. Nel loro sogno di andare via dal rione, nell’illusione che i soldi portino la felicità, nell’idealizzazione di un amore che è molto più terreno e senza speranza di quello che ci piacerebbe sperare e in definitiva nel sottolineare l’assurdità che sia ancora la superstizione a unire e muovere folle di disperati.

Oppio dei popoli, diceva uno, tanto tempo fa, e l’effetto sembra essere ancora quello, in molti casi. Quello che ci raccontiamo è che credere che la bontà esista, che ci sia un futuro migliore, ci avvicina a quel traguardo, o ci fa essere migliori in vista di esso, ma il risultato è solo quello di prendere per buona ogni panzana o di assecondare i propri bisogni, che siano di evasione, di guadagno o di risposte che abbiamo paura di ricavare da quello che ci circonda.

Folklore, dramma e favola sono in ogni momento. Contrappuntati da una musica dura e rock che fortunatamente contiene il rischio di confusioni liriche. Come regia e riprese, a tratti scomposte o fin troppo semplici, sicuramente per scelta, ma forse non solo. Conferma ne siano certe monotone linee di dialogo, alternate a scambi tanto distanti dai soggetti coinvolti da stridere. Più che rappresentare come sia la vita stessa, con i suoi “schiaffi”, a spingerci verso la nostra via o ad aprircene di nuove, a emergere da questo scontro di generazioni e interpretazioni sono i personaggi. Non gli adulti, vittime dell’ignoranza, non i giovanissimi, ancora troppo piccoli per sapere quando smettere di ‘giocare’, quanto semmai Lino, l’unico a vedere la realtà, volente o nolente, e Mario, l’unico a ‘sentire’ davvero, abbandonandosi alle fantasie senza cedere alle illusioni. 

Una congrega di ansia e odio che aumenta di intensità con il passare del tempo e disattiva gradualmente il pensiero razionale delle persone coinvolte, trasformandosi in una guerra aperta in cui le strategie più sporche e ingannevoli sono all’ordine del giorno. È così che si potrebbe riassumere The Teacher’s Lounge (La sala Professori), film diretto da Ilker Catak, presentato al Festival del Cinema di Berlino 2023 e candidato all’Oscar nella categoria del miglior film internazionale.

Al centro della trama di La sala Professori vi è un incidente scolastico particolare, che mette in scena una complessa e terrificante radiografia sociale, in cui il diritto alla privacy, la responsabilità accademica e la stigmatizzazione sociale vengono passati al microscopio, con una sapiente critica all’idiosincrasia e alle politiche di tolleranza zero prevalenti in Germania.

La sala Professori, la trama: caccia al colpevole

Nella scuola dove Carla insegna matematica ed educazione fisica, gli insegnanti e il personale sono preoccupati. Da qualche tempo si verificano una serie di furti di denaro che non riescono a risolvere e cominciano a diventare paranoici. A modo loro, cercano di convincere gli studenti a collaborare, ma questa richiesta li trasforma in qualche modo in potenziali informatori, cosa che Carla trova eticamente problematica. Ma come risolvere il problema?

Le autorità scolastiche e l’insegnante hanno opinioni diverse sulla situazione. Non esitano a entrare in classe e a chiedere agli studenti di mostrare il contenuto dei loro portafogli, cosa di cui Carla è inorridita. Allo stesso tempo, la scuola deve mantenere un fronte unito e non mostrare alcuna esitazione di fronte a potenziali “ladri”. Come affronteranno la situazione? Ben presto la stessa insegnante inizia a dubitare di tutti, ma se a rubare fossero gli insegnanti o il personale anziché i ragazzi?

Per verificare se ha ragione, Carla (Leonie Benesch) prenderà una decisione difficile. Dopo averlo messo in bella vista nella sala del personale, lascerà il portafoglio con i soldi nella tasca del cappotto e se ne andrà in classe. Farà un’altra cosa, altrettanto o più complicata: lascerà il computer aperto, affinchè la webcam possa riprendere tutto ciò che accade. Quando torna dalla lezione, come sospettava, è stata derubata. Gli indizi a cui risale dalla registrazione della webcam – un braccio, una felpa dal design preciso – le bastano per arrivare a una presunta soluzione e, senza troppi problemi, va ad accusare quella che ritiene essere la diretta interessata: è qui che iniziano i veri problemi.

Un’indagine sul sistema scolastico con ribaltamento di ruoli

La sala Professori immagina una situazione complessa in cui non esistono soluzioni o vie d’uscita facili. Dalla denuncia in poi, le cose si complicheranno ulteriormente in tutta la scuola: è etico riprendere il personale con una webcam all’insaputa di tutti? È possibile accusare qualcuno con avendo un indumento come unica prova? Quali sono le principali conseguenze di questo modo di lavorare con gli studenti e di educarli a un sistema di denuncia?

Ben presto, tutto diventa una sorta di guerra. Da un lato, tra studenti e insegnanti, soprattutto con Carla. Per quanto si sforzi di essere “comprensiva”, peggio la situazione diventa per lei. Dall’altro, tra insegnanti e autorità, che non riescono a trovare un accordo sull’atteggiamento da tenere nei confronti della situazione. Non compaiono né i soldi né i colpevoli e l’accusata non solo assicura che non si tratta di lei, ma si rivolge aggressivamente contro i suoi accusatori, coinvolgendo altre persone. Persone che forse non hanno tanti elementi per gestire la situazione.

Çatak riesce a dare al film un’interessante ambiguità. Non ci sono eroi o cattivi, almeno non in termini assoluti. Ci sono diversi gruppi di persone che adottano atteggiamenti discutibili ma, allo stesso tempo, comprensibili per la loro specifica situazione nell’ecosistema scolastico. I bambini iniziano a ribellarsi all’autorità, gli insegnanti non hanno le idee chiare su cosa fare (e non riescono a mettersi d’accordo tra loro) e quella bella scuoletta che abbiamo visto all’inizio in cui si canta una canzone del “buongiorno” si trasforma in un luogo dove dove botte, spintoni, urla, vetri rotti e minacce aggressive sono all’ordine del giorno.

L’immagine in tensione di La sala Professori

Con echi di altri film a sfondo scolastico come Essere e avere, L’onda e La classe – Entre les murs, il racconto di The Teacher’s Lounge, che si svolge interamente all’interno dell’edificio scolastico, presenta un’escalation di controversie la cui vittima principale non è tanto l’insegnante accusata o Carla – affiancata contemporaneamente dalla pressione irriverente dei ragazzi e dall’intransigenza dogmatica dei colleghi – ma la verità.

Ilker Catak ambienta il suo nuovo film in una scuola per analizzare nel dettaglio non solo il comportamento dei bambini, ma anche quello degli adulti che li educano. Piano piano, La sala Professori rivela la sua natura di thriller con uno spirito da mitragliatrice, che spara continui dilemmi morali allo spettatore senza dargli il tempo di digerirli. Gli insegnanti si tolgono presto le maschere di cordialità con cui nascondono il loro turpiloquio, la loro profonda mancanza di umanità, il loro egoismo e la loro scarsa capacità di educare gli alunni; i genitori fanno di tutto per ripulire la buona immagine dei figli, anche a costo di negare le loro colpe; i più giovani replicano il comportamento dei più anziani con inquietante cattiveria.

Per questo motivo, Catak opta per una messa in scena di tipo documentaristico che utilizza la camera a mano, i movimenti veloci e i primi piani soffocanti come strumenti per mettere in tensione l’immagine, fino ai titoli di coda, fino a trasformare lo schermo nel più spaventoso degli incubi; fino a trasformare, insomma, la sala cinematografica in una cantina di tortura.