Gianluca Maria Tavarelli torna alla regia dopo l’ultimo film, Non Prendere Impegni Stasera, con una nuova storia di sentimenti e passioni ancestrali: Una Storia Sbagliata, presentato allo scorso Festival des Films du Monde de Montréal, vede come protagonisti Isabella Ragonese, Francesco Scianna e la – almeno per noi – rivelazione belga Medhi Dehbi.

Apparentemente Una storia sbagliata racconta una storia d’amore, quella tra Roberto e Stefania: sono diversi tra loro, forse distanti e distinti come tipi umani, ma legati da una passione ancestrale e da un affetto profondo che li spinge in breve tempo a sposarsi e ad andare a vivere insieme, col desiderio di costruirsi presto una famiglia. Roberto è un militare, Stefania un’attivista nelle cause umanitarie che si batte per risolvere i problemi e le contraddizioni della sua terra, la Sicilia, e della sua città, Gela.

Ma all’improvviso questa storia sembra incrinarsi, e cominciano le incomprensioni. Questo, almeno finché non ritroviamo Stefania in un campo iracheno, con una Onlus che si occupa di bambini affetti da malformazioni, alla disperata ricerca di una verità che potrebbe, finalmente, restituirle una pace ormai lontana.

Una storia sbagliata, il film

Tavarelli prova a mescolare insieme diversi codici, partendo dal nucleo narrativo principale che ruota intorno alla storia d’amore tra i due protagonisti; procede poi in un’altra direzione, inoltrandosi nel territorio del film politico di denuncia, interessato a mostrare il lato nascosto – ed oscuro – della guerra, con tutte le sue brutali ignominie e i suoi massacri nascosti, sia quelli reali (gli attentati terroristici) ma anche quelli che avvengono all’interno dell’anima di tutti coloro che ne rimangono coinvolti.

È come se il presupposto – interessante, complesso e sperimentale – sprofondasse tra le spire di una drammaturgia labirintica, dove la narrazione attraverso i flashback appesantisce il normale iter logico del racconto disorientando lo spettatore, che non può far altro che assistere impotente alla ricerca forsennata di Stefania che non trova una valida ragione fino ad una seconda metà abbondante del film; l’istinto che spinge la donna a ricercare quelle cause fino alla matrice primaria, fino a compiere un viaggio lontanissimo in una terra devastata dalla guerra e dagli orrori, è legato a doppio filo con la rabbia e il dolore di chi ha perso qualcosa e non riesce a farsene una ragione: ma Tavarelli, sovvertendo la legge fondamentale del “teorema della bomba” hitchcockiano e di qualunque scrittura della suspense, ritarda troppo questa scoperta, conferendo al racconto filmico un tono altalenante che difficilmente riesce a tenere alta l’attenzione dello spettatore medio.

Potrebbe ricordare Anatomia di una caduta, Una Storia Nera, l’opera seconda di Leonado D’Agostini che arriva in sala con 01 Distribuito a partire dal 16 maggio. I punti di contatto con la storia pluripremiata di Justine Triet sono innumerevoli: un marito (ex in questo caso) morto in circostanze misteriose, una donna poliglotta accusata e processata per l’omicidio, un tribunale ansioso di giudicare.

Tuttavia se la cineasta francese fonda il suo racconto sulla semina del dubbio e sulla ricerca di un punto di vista che non corrisponde per forza alla verità, D’Agostini racconta di violenza domestica in una forma più articolata e complessa di quello che lascia intuire sia la trama breve del film che il materiale promozionale.

Una storia nera, la trama

L’affascinante Carla, madre di tre figli due dei quali giovani adulti, viene accusata dell’omicidio dell’ex marito, che lei aveva lasciato dopo anni di violenze e maltrattamenti. La donna affronta con dignità il suo processo sostenendo che per lei si è trattato di legittima difesa. Nella vicenda vengono coinvolti non solo i figli della sfortunata coppia, ma anche la famiglia di lui, che vuole a tutti i costi prendersi cura di Mara, la più piccola dei tre, separandola dal fratello Nicola e dalla sorella Rosa, la quale in cuor suo pensa che sia una buona soluzione affidarsi alla cura della zia. La prospettiva di vedere la famiglia separata non piace però al maggiore dei figli di Carla, che cercherà di mantenere unita la famiglia.

Dopo Il Campione, D’Agostini si approccia a una storia che mette sotto i riflettori un fenomeno difficilissimo da sradicare e che non sarà mai denunciato abbastanza, eppure riesce a raccontarlo sotto una luce ancora diversa. Non è “solo” la violenza che Una storia nera racconta (e condanna), non solo il processo per le conseguenze di quella violenza, ma anche come quel comportamento sistematico e tossico viene assorbito negli anni da chi lo subisce indirettamente.

Laetitia Casta e Andrea Carpenzano: le conseguenze della violenza

Se la prima parte del film è dominata dalla presenza di Laetitia Casta, splendida nei panni di Carla, capacissima a destreggiarsi con un personaggio così ferito eppure fiero, nella seconda parte avanza in maniera inequivocabile quello che è il vero protagonista del film: Andrea Carpenzano. A lui è affidato il ruolo di Nicola, il primogenito, il figlio che molto più degli altri ha assistito alla violenza, che più degli altri ha assunto su di sé il compito di protezione nei confronti della madre e delle sorelle, colui che vedendo il dolore causato dal comportamento del padre si è caricato intrinsecamente del peso di schermare i deboli da quella violenza.

Eppure è proprio Nicola che, nei momenti più tesi, alza la voce, alza anche le mani, dimostrando che il suo essere cresciuto in un contesto violento gli è entrato nel DNA, lo ha pervaso e ha reso quell’atteggiamento un vero e proprio automatismo. Nicola è vittima due volte, perché oltre a farsi carico della cura e della protezione, è anche involontariamente colui che viene maggiormente segnato, nel modo di essere, dalla violenza che il padre ha perpetrato per tanti anni sulla madre sotto ai suoi occhi.

In questo, Leonado D’Agostini si affida completamente a Carpenzano, che già aveva diretto ne Il Campione e che si conferma un interprete solido e intenso, soprattutto per ruoli che richiedono una recitazione contenuta. Nel film il suo carisma è un accentratore inevitabile di attenzione.

Con uno stile elegante e diretto, con Una Storia Nera, D’Agostini propone una riflessione sul patriarcato, inquadrato da un punto di vista di chi lo subisce e lo introietta, che lascia spazio a una conversazione che è necessario fare, quando si denuncia la violenza domestica.

Il regista e produttore Ty Roberts dirige e scrive Una squadra di 12 orfani, il film tratto da una storia vera e a partire dalla quale lo scrittore Jim Dent, nel 2007, ha pubblicato un libro che ne racconta gli accadimenti in maniera dettagliata. Con un cast sia artistico che tecnico interamente texano, il film racconta un’importante fetta della storia della patria dei cowboy che ha lasciato un’impronta indelebile nella memoria sportiva ed emotiva dello Stato. Ambientato durante la Grande Depressione che colpì l’America a partire dagli anni ’20 e oltre i ’30 del secolo scorso, la storia dei dodici orfani diede una sferzata di speranza anche e soprattutto per le premesse dalle quali era partita.

Una squadra di 12 orfani, la trama del film

Ty Roberts aveva già diretto un film patriottico, La terra dell’oro nero, del 2018, che si svolge sempre in quello stesso periodo storico in Texas con protagonista Lane Garrison (che per Una squadra dei 12 orfani ha collaborato sia alla sceneggiatura che alla produzione, oltre ad essere parte del cast). Gli orfani di questo suo nuovo lungometraggio sono gli ospiti di un istituto aperto alla fine dell’Ottocento, così come ce ne furono tanti altri inaugurati all’epoca, proprio per far fronte ad una situazione demografica che rasentava la disperazione.

I ragazzi vengono però raggiunti dal coach Rusty Russell che si stabilisce nella Casa Massonica – questo è il nome dell’orfanotrofio – insieme alla sua famiglia per insegnar loro il football, dargli un’istruzione e regalargli una vita normale, cosa che era completamente preclusa a chi i genitori non li aveva. Ad interpretare il coach Russell vi è Luke Wilson, che dona al personaggio una fermezza paterna unita ad una tenerezza determinata con la quale affronta le prove derivanti dalle difficoltà dell’educazione e dall’ottusità utilitaristica delle autorità statunitensi.

Rusty Russell organizza la squadra dei Mighty Mites, li allena, inventa per loro – che erano esili e sgangherati – un nuovo metodo d’attacco che verrà integrato tra gli schemi di gioco del football: la “spread offence”, che trae la sua efficacia proprio dai punti deboli della squadra, e li sfrutta cogliendone i vantaggi. Nel cast ci sono anche Martin Sheen, la splendida figura del dottore della Casa Massonica, Wayne Knight, che dà laido corpo alla spregevole figura del direttore, Vinessa Shaw nei panni della moglie di Russell, e Robert Duvall che copre poche ma affascinanti battute dagli spalti di uno stadio.

Un film di cuore, dove i vincitori sono gli ultimi

Ty Roberts riesce a raccontare la dolcezza inerme di questi ragazzi che non avevano nessuno dalla loro parte e che venivano trattati come delinquenti, senza scadere nel patetico, ma focalizzandosi sulla combattività della figura di Russell e di come riesca a infondere coraggio prima ai suoi e poi al resto della nazione, non comportandosi mai da leader. Il mondo del football americano, così come dello sport in assoluto nella cultura USA, è notoriamente diventato sempre più metafora dell’uomo vincente, che va dritto al massimo risultato e a cui non sono concessi cedimenti o debolezze.

Un modello assai noto e che già da decenni ha iniziato inesorabilmente (e fortunatamente) a scricchiolare, smascherando l“american dream” come qualcosa di irreale e, anzi, altamente tossico. Certamente in quegli anni si sono lentamente create le basi perché tali idee cominciassero ad attecchire. E sicuramente, per certi aspetti, contare sulle proprie forze era stato indispensabile per cavarsela in situazioni come quelle narrate in Una squadra di 12 orfani. Quello che di bello fa il regista, con una scrittura semplice, emotiva ma non melensa, è spostare la luce sulla vera e propria bellezza di una vita alla quale si ridà valore e quanto ciò sia contagioso e necessario.

Tanta della cinematografia americana intorno allo sport cerca di spiegare come sia liberante e benefico ascoltare storie di gente non perfetta ma, al contrario, dei loser. Ty Roberts fa dunque compiere al suo film i giusti passi, il che gli permette di annoverarsi tra quelle opere di formazione che arrivano dritte al punto. E anche al cuore.

Una spia non basta è il film del 2012 diretto da McG e con protagonisti Tom Hardy, Chris Pine e Reese Witherspoon.

In Una spia non basta FDR e Tuck sono super spie, lavorano per la CIA e sono i migliori, anche se ogni tanto perdono il senso della misura. Ma FDR e Tuck sono anche amici, e questo, quando si fa un lavoro rischioso, facilita le cose. I problemi possono arrivare però nella vita quotidiana, ad esempio se entrambi volessero sedurre la stessa donna. E sarà infatti proprio una donna a mettersi in mezzo, minando la grande amicizia tra i due e mettendo alla prova i loro nervi.

Una Spia non Basta, titolo italiano di This Means War decisamente più efficace, è l’ultima commedia ottimamente diretta da McG (Terminator Salvation) che ha probabilmente accettato il progetto perché tra una romanticheria e l’altra i due protagonisti, Chris Pine e Tom Hardy, fanno a botte sul serio.

Tra di loro nei panni di Lauren c’è la minuscola Reese Witherspoon, attrice portata per questo tipo di ruoli leggeri e sicuramente molto sopravvalutata nell’ambiente cinematografico hollywoodiano. Chris Pine (FDR) sembra decisamente nel suo ambiente naturale, il ruolo dello sbruffone sicuro di sé gli riesce abbastanza facile e si trova a suo agio nel suoi eleganti completi. Altro discorso invece per Tom Hardy (Tuck), che abbiamo imparato a vedere in vesti molto più serie (vedi Inception, La Talpa, Warrior e il prossimo Il Cavaliere Oscuro – Il Ritorno). L’attore inglese in un primo momento sembra fuori posto, ingabbiato come si ritrova in un corpo molto muscoloso e un’espressione tutto sommato molto dolce; il suo ruolo di perfetto agente segreto ma perfetto imbranato con le donne lo rende teneramente comico e forse la parte migliore del film che per il resto risulta abbastanza scontato.

Punto forte della sceneggiatura sono i dialoghi che scritti bene e recitati ancora meglio dai due protagonisti danno il giusto brio ad un film che per trama e colpi di scena non è certo un campione di originalità.

Una spia non basta in realtà si basa completamente sul triangolo amoroso che si viene a creare nel corso della storia, relegando il sub-plot spionistico ad un mero espediente per regalare azione e un po’ di scazzottate ad una commedia che si salva grazie ai due baldi giovani Pine e Hardy, soprattutto il secondo.

Ben miscelata la colonna sonora, opera di un maestro della musica da commedia moderna: si tratta di Christophe Beck che ha in attivo le soundtrack dei due Una Notte da Leoni e di Crazy Stupid Love tra gli altri.

Il film si rivela in fin dei conti una commedia piacevole, non pretenziosa e ideale per intrattenersi.

Una spia e mezzo, action movie di Rawson Marshall Thurber – già regista di Palle al balzo – Dodgeball e Come ti spaccio la famiglia – in uscita il 14 luglio, mescola al film d’azione la commedia americana e il teen movie di ambientazione scolastica d’ispirazione anni Ottanta, aggiungendo al tutto il messaggio etico contro il bullismo. Per tenere insieme questo ardito mix, gioca sull’opposizione tra le figure dei protagonisti, sia a livello fisico (la montagna umana e il mingherlino e le inevitabili gag che ne scaturiscono) sia per l’inversione dei ruoli: Johnson interpreta colui la cui vita ha spiccato il volo, ex nerd vittima di bullismo, ora irriconoscibile, che protegge il mondo dai cattivi e piace alle ragazze, ma ha conservato il suo animo buono e gentile, in contrasto col suo nuovo temibile aspetto.

Mentre Hart veste i panni di chi non è mai decollato: l’ex allievo più promettente del liceo, ben voluto da tutti, soprannominato “La freccia d’oro”, cui però la vita non ha riservato gli onori che si aspettava e che si ritrova a fare il contabile in un’azienda qualsiasi, sposato con la sua fidanzata del liceo, Maggie (Danielle Nicolet), un uomo senza più stimoli ed entusiasmo.

In Una spia e mezzo Bob Stone (Dwayne Johnson) è un ex liceale sovrappeso, ora temibilissimo agente della C.I.A., nonché una montagna di muscoli. A vent’anni dalla maturità, ha bisogno di un suo ex compagno di scuola, Calvin Joyner (Kevin Hart), che ora fa il contabile, per risolvere una questione di spionaggio internazionale. I due saranno protagonisti di una rocambolesca e pericolosa avventura.

Una spia e mezzo, il film

I protagonisti sono catapultati in una trama spionistica che non si prende sul serio ma è la cornice adatta per collocare scene d’azione al servizio di Dwayne Johnson e dell’idea migliore del film: fargli interpretare la riscossa del ragazzino bullizzato che ancora fa i conti col suo traumatico passato. Emergono così, non senza retorica, anche i valori dell’amicizia e del rispetto, su cui il film si fonda. Il tutto è poi contenuto in una seconda cornice: quella della rimpatriata scolastica a vent’anni dal diploma, con mega festa annessa.

Tuttavia, nonostante la buona interazione della coppia comica Johnson-Hart, è la banalità delle gag a lasciare spesso più che perplessi e a penalizzare il risultato finale.

Poteva essere una buona occasione per riflettere ridendo. Peccato che il film susciti solo qualche sparuto sorriso e rincorra l’attualità con fiacche battute sui social network, mentre guarda al passato tra una citazione e l’altra (Sixteen candles – un compleanno da ricordare, Quei bravi ragazzi), senza riuscire a catturare davvero il pubblico.

Trai titoli ospitati nelle sale in questi primi giorni di effettiva riapertura dopo circa sei mesi dalla chiusura generale a causa dell’emergenza sanitaria mondiale, c’è Una Sirena a Parigi, il nuovo film di Mathias Malzieu che, dopo La meccanica del cuore, torna a portare sul grande schermo un suo romanzo, scegliendo questa volta il live action e cedendo all’animazione soltanto nel prologo e nell’epilogo.

Una Sirena a Parigi, la trama

Tutto accadde nell’estate del 2016; una pioggia torrenziale inonda le strade di Parigi, la Senna esonda e la città è immersa in un’atmosfera apocalittica. I dispersi aumentano di ora in ora mentre il fiume trascina con se detriti e oggetti di ogni tipo. Gaspard Snow viene attratto da un canto melodioso e seguendone il suono, scopre il corpo ferito di una sirena adagiata sotto un ponte.

Decide di condurla a casa sua per curarla ma nel frattempo lei svela a Gaspard il suo potere misterioso; chiunque ascolti il suo canto cade vittima del suo fascino e si innamora perdutamente di lei. É un incantesimo al quale non può sottrarsi neanche Gaspard, così convinto di essere immune all’amore.

Insieme troveranno il modo di superare ogni oggettiva avversità dovuta alle loro diverse “nature” e non ultimo, riusciranno a mettere in salvo il Floweberger, il locale di arte e musica creato da Gaspard e situato a bordo di un’imbarcazione ancorata lungo la Senna.

Una fiaba fuori dal tempo

Questa recensione di Una sirena a Parigi mette in evidenza in particolar modo la bellezza della messa in scena che disorienta lo spettatore e lo porta a spasso nel tempo. Mathias Malzieu adotta scenografia, colori e costumi che ricordano gli anni ’50 e un cinema sognante, che strizza l’occhio al musicarello e che sembra per questo sospeso nel tempo. Sono molto poche le scene in cui abbiamo la percezione di trovarsi ai nostri giorni, mentre tutte le scene ambientate in casa di Gaspard, per le strade di Parigi e nel Flowerburger sembrano venire da un passato incantato in cui una sirena ferita sembra essere il più normale dei fenomeni e il fatto che si innamori di un pescatore di sogni la più plausibile delle rivelazioni.

Il film presenta delle debolezze nello sviluppo dei personaggi che non hanno un vero e proprio arco narrativo ma che si trovano più o meno nella stessa posizione di partenza, a fine film, pur vivendo un cambiamento di dinamiche e situazioni. L’alchimia tra Nicolas Duvauchelle e Marilyn Lima, interpreti di Gaspard e della sirena Lula, è evidente, ma menzione d’onore spetta a Rossy De Palma che con la sua incredibile presenza scenica regala al film i suoi momenti eccentrici meglio realizzati.

Un film tenero e sognante

Debole anche lo sviluppo della storia relativa all’antagonista, la povera Milena (Romane Bohringer) che, rimasta vedova del suo amato marito, ucciso dal canto della sirena, dedica le sue energie alla vendetta. Nonostante queste debolezze e qualche incertezza tecnica soprattutto in fase di montaggio, Una Sirena a Parigi gode di un’atmosfera sognante e di una tenerezza che è propria di ogni storia dell’autore/regista e ne conferma la poetica ingenua e genuina che ne ha caratterizzato il successo.

Una Sirena a Parigi è una romantica storia d’amore interrazziale che si avvale di una scenografia magica e di una location, la città delle luci, che si conferma ancora uno dei posti più romantici del mondo (terraferma e oceani compresi).