Robert Pattinson nasce a Londra il 13 maggio del 1986. Vista la sua passione per la recitazione decide di entrare nella Barnes Theatre Company, una compagnia teatrale amatoriale situata nei sobborghi londinesi. Dopo aver fatto la cosiddetta gavetta nel backstage del teatro, finalmente gli viene affidato un ruolo principale nella produzione di Tess of the D’Ubervilles.

Qui viene notato da un agente che gli propone un contratto per ruoli più professionali. Partecipa nel 2004 come ruolo secondario nel film tv L’anello dei Nibelunghi ed è inserito nel cast di Vanity Fair – La fiera della vanità diretto da Mira Nair, ma le sue scene vengono tagliate nella versione finale.

Nel 2005 il grande salto con il film Harry Potter e il Calice di Fuoco dove interpreta Cedric Diggory; grazie a questa interpretazione Robert viene inserito nella lista del Times Online come una delle stelle del futuro e viene definito addirittura il prossimo Jude Law.

Alla carriera di attore accosta quella di modello, posando per diverse riviste in collezioni di alta moda. Nel 2008 interpreta il ruolo del vampiro Edward Cullen in Twilight diretto da Catherine Hardwicke, basato sul fortunato romanzo di Stephenie Meyer. Da questa prima collaborazione con il franchise nato dalla penna della Meyer, arriva un periodo fortunatissimo per il giovane Robert, che interpreterà il vampiro Edward per tutta la saga, fino alla conclusione, prevista per il prossimo novembre. Sul set conosce la sua co-protagonista Kristen Stewart, e questo incontro farà gran parte del suo attuale successo dal momento che il gossip si scatenerà continuamente sul genere di relazione che intercorre trai due anche fuori dal set.

Tra una puntata e l’altra della saga di Twilight, Robert  Pattinson cerca di dedicarsi ad altro, con scarso successo di critica purtroppo: nel 2010 è in Remember Me e nel 2011 è in Come l’acqua per gli elefanti. Entrambi i film si considerano sconfitti da critiche negative, ma agli occhi delle sue fan, Robert  Pattinson vince sempre. Il 2012 è l’anno di Bel Ami, probabilmente la peggiore performance della sua carriera, anche se realizzata accanto ad attrici di prim’ordine, come Kristin Scott Thomas e Uma Thurman.

Ma a quanto pare la fortuna gli arride, e ora, finalmente, Robert ha la possibilità di far vedere quanto vale: sarà il protagonista di Cosmopolis, di David Cronemberg, forse come successe a Di Caprio nel dopo-Titanic, qualcosa in lui cambierà.

Occhi da adulta in un volto da bambina Kirsten Dunst, prigioniera nel corpo immortale in cui due vampiri, in preda ad istinti paterni non meglio identificati, l’hanno costretta: Claudia, la piccola vampira insinuante, bellissima e tragica, ruba la scena a Tom Cruise e Brad Pitt nel film gotico Intervista col vampiro, diretto da Neil Jordan, dal romanzo omonimo di Anne Rice, prima saga vampirica dell’era contemporanea.

L’anno era il 1993, Kirsten Dunst, la bambina che dava volto ed anima a Claudia aveva appena dieci anni, e poteva diventare forse una delle tante meteore ragazzine: ma non era questo il suo destino, e del resto lo si poteva presagire vedendo la sua Claudia, un personaggio che non si dimentica.

Nei suoi anni da bambina Kirsten, che ha debuttato comunque nel 1989 come figlia di Tom Hanks ne Il falò delle vanità, è anche Amy March, la più pestifera delle quattro sorelle, nel Piccole donne del 1994, appare in serie televisive come Star Trek the next generation e soprattutto Er, dove intepreta la prostituta bambina Charlie, e in Jumaji al fianco di Robin Williams.

Nel 1999 rifiuta il ruolo di Angela in American Beauty ritenendolo troppo scabroso, e preferisce lavorare con l’amica Sofia Coppola ne Il giardino delle vergini suicide, storia comunque non facile e rassicurante di morte e amore, sogni e incubi. Negli anni successivi, però, Kirsten sembra preferire un cinema più leggero: oltre che la fidanzata di Spiderman Tobey Maguire nei film della trilogia, appare in uno dei tanti sequel de Il corvo, nelle commedie Bella da morire e Ragazze nel pallone, ma riesce anche ad essere Betty, la conservatrice ma pronta a ricredersi grazie ad un’insegnante illuminata e ad un paio di batoste in Mona Lisa smile, e a doppiare la streghetta Kiki in Kiki’s delivery service di Hayao Miyazaki.

Alcuni problemi personali di depressione e qualche vicissitudine sentimentale le fanno allentare il ritmo dei film, ma poi appare in un ruolo secondario in Se mi lasci ti cancello, accanto a Jim Carrey e Kate Winslet, è la fidanzata di Orlando Bloom in Elizabethtown e soprattutto ritrova l’amica Sofia Coppola per Marie Antoinette, ritratto in chiave rock dell’ultima regina di Francia.

Da vampira a sposa: il cinema per Kirsten Dunst

Negli ultimi anni è la timida ma grintosa giornalista Alison in Star System, accanto a Simon Pegg e Gillian Anderson e una giovane moglie dei primi anni Ottanta che scompare misteriosamente in Love & Secrets, che uscirà in Italia solo a giugno, due anni dopo l’uscita statunitense.

Ma è Melancholia di Lars von Trier che permette a Kirsten di fare il salto definitivo: nel 2011, per il ruolo di Justine, giovane donna che avrebbe tutto, si ammala di depressione salvo poi diventare il punto ferma per la sua famiglia mentre il mondo sta finendo per l’impatto con il pianeta Melancholia, Kirsten Dunst vince l’ambito premio per la migliore interpretazione femminile al festival di Cannes.

Prossimamente, oltre che finalmente in Love & Secrets, la vedremo nel fantascientifico Upside down, ma soprattutto nell’attesissimo On the road, dal romanzo di Jack Kerouac, accanto a Sam Riley, Garret Hedlund e Kristen Stewart, uno dei film più atteso del festival di Cannes, che l’anno scorso l’ha incoronata.

Ma Kirsten Dunst non ha intenzione di restare con le mani in mano e adagiarsi sugli allori, e nei prossimi due anni ha in progetto ed è coinvolta in vari film che non lasceranno a bocca asciutta i suoi fan, molti e molte cresciuti con lei.

Topolino, Bugs Bunny, Picchiarello e Spongebob hanno tutti qualcosa in comune: sono “funny animals”. Con questo termine nel mondo dell’animazione e dei comics si indicano gli animali antropomorfi, ovvero personaggi che, pur mantenendo indubbiamente caratteristiche animali evidenti e riconoscibili (la coda, le orecchie, il becco) sono allo stesso tempo un “doppio” dell’essere umano. I funny animals camminano su due zampe, parlano, spesso vivono in città e case in tutto e per tutto simili alle nostre, indossano vestiti, guidano l’automobile e utilizzano il cellulare.

Non è difficile capire come mai questa tipologia di cartoon abbia avuto così tanta fortuna. Innanzitutto, i funny animals sono, molto banalmente, più semplici da disegnare e da animare rispetto a una figura umana realistica. Non a caso, infatti, per la sua prima serie di cortometraggi, le Alice Comedies, la Disney si trovò costretta a utilizzare un’attrice in carne e ossa per la parte della bambina protagonista, Alice, mentre i suoi amici animali potevano essere tranquillamente disegnati e animati con foglio e matita. Questo tipo di personaggi si prestava inoltre moltissimo alla comicità fisica, basata sulle leggi della slapstick. In un’epoca in cui non esisteva ancora il sonoro sincronizzato era impossibile far ridere gli spettatori attraverso le battute, e dunque era particolarmente importante lavorare con forme semplici che potessero deformarsi, schiacciarsi e allungarsi all’occorrenza per creare ilarità nel pubblico. E ancora, non bisogna dimenticare che il mondo animale è protagonista di favole e leggende fin dall’antichità. Lo spettatore tende ad associare ogni animale ad alcune particolari caratteristiche, che in animazione possono essere esagerate per ottenere effetti comici oppure per evidenziare alcuni tratti della personalità. L’animazione è spesso una questione di silhouette, ovvero di “forma”: a colpo d’occhio lo spettatore deve essere in grado di decifrare il ruolo del personaggio che si trova sullo schermo. È un eroe? Un cattivo? Una spalla comica? Una principessa? È chiaro che un rinoceronte antropomorfo grande e grosso sarà probabilmente un personaggio tosto, forse un bullo, mentre non diremmo mai lo stesso guardando il canarino Titti.

GUARDA – Disney: i protagonisti animali reinventati come essere umani [fan-art]

Ma i funny animals hanno anche un altro grande punto di forza: la loro doppia natura che li rende allo stesso tempo animali e umani, e tuttavia mai completamente l’uno o l’altro. Questa loro natura di “ibridi” permette molta libertà e li rende perfetti per la satira o, talvolta, per trasmettere messaggi politici che sarebbero troppo pericolosi se venissero dalla bocca di un essere umano. Negli stessi anni in cui George Orwell pubblicava il capolavoro La fattoria degli animali, anche i personaggi Disney provavano a combattere le dittature con la satira. Paperino si rivelò l’attore ideale: lo ricordiamo specialmente nel geniale cortometraggio Premio Oscar Der Fuehrer’s Face, in cui il povero papero sogna di essere un operaio in una fabbrica nella Germania nazista (chiamata Nutziland). Che effetto avrebbe fatto il corto, se al posto di Paperino ci fosse stato un personaggio umano?

Col tempo i funny animals si sono molto distaccati dai loro scopi primari: superati tutti i problemi legati alla realizzazione materiale dell’animazione, la Disney ha potuto fare della categoria una vera e propria tradizione parallela a quella delle grandi fiabe (i cosiddetti princess movies che sono forse il filone con cui il grande pubblico tende a identificare maggiormente la Casa di Topolino). Ovviamente è nei cortometraggi che si hanno i primi gioiellini con protagonisti degli animali: il più noto è probabilmente I Tre Porcellini, che all’epoca divenne un vero e proprio fenomeno grazie al brano “Who’s afraid of the big bad wolf?”. Uno dei miei preferiti in assoluto è però Woodland Cafè, una geniale parodia dell’America degli anni ’30 e del mondo dei cafè e dei pub, con le loro danze sfrenate a ritmo della musica jazz.

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Il capolavoro Disney con un cast completamente composto da animali antropomorfi è sicuramente Robin Hood. L’intuizione di portare sul grande schermo la leggenda del ladro che rubava ai ricchi per donare ai poveri utilizzando solo un cast animale fu a dir poco brillante: oggi Robin, Little John, il Principe Giovanni e tutti gli altri sono entrati nell’immaginario collettivo, grazie alla loro straordinaria caratterizzazione. Anche qui, le caratteristiche ma soprattutto gli stereotipi associati agli animali si sono rivelati indispensabili per far breccia nei cuori degli spettatori. E così, l’astuto Robin Hood non poteva che essere una volpe, il suo compare Little John è un orso amichevole e bonaccione, mentre Re Riccardo è ovviamente un maestoso leone.

Di prossima uscita, anche il nuovo Classico Disney Zootropolis riprende questa grande tradizione del mondo dei funny animals e si diverte a giocare con gli stereotipi e i pregiudizi. Ormai l’abbiamo capito: non è solo un tema sociale e culturale importante da trattare, non è solo una morale, ma è anche in qualche modo la decostruzione di un intero genere dell’animazione che si basa sul presupposto che lo spettatore sappia già con sicurezza cosa aspettarsi da un determinato tipo di personaggio. Zootropolis prende questo principio e lo rovescia grazie al personaggio di Judy Hopps, “tenera” coniglietta che in realtà vuole essere una poliziotta ed è convinta che tutti possano diventare ciò che vogliono. Il film, insomma, promette di reinventare il genere “animalesco” esattamente come ha fatto Frozen per il princess movie. Per scoprire se l’obiettivo è stato raggiunto o no non ci resta che aspettare il 18 febbraio.

Esattamente 54 anni fa, il personaggio dell’Uomo Ragno appariva per la prima volta nelle tavole del fumetto Amazing Fantasy, battezzato dalla penna Stan Lee e dai disegni di Steve Ditko. Fu chiaro fin da subito che le azioni di Peter Parker avrebbero incontrato per lo più il favore e la curiosità di un pubblico giovane, pre-adolescente o in piena fase di crescita, rappresentando una vera e propria “rivoluzione” nell’universo cartaceo della Marvel. Ubriachi di super uomini dotati di super poteri (e di una sconsiderata sicurezza di sé), i ragazzi avevano finalmente trovato il loro punto di riferimento fumettistico, in fuga dalle regole di infallibilità e vicino in un modo inedito ai bisogni e ai desideri generazionali: come tutti i teenagers, Peter interpreta la matrice di una fase particolare della vita, ovvero l’inadeguatezza di stare al mondo e la ricerca di un’identità, tema che nei fumetti ha subito un’evoluzione temporale dalla classica serie di Spider-Man alla moderna Ultimate.

Il cinema è ancora un potente mezzo di comunicazione di massa che cambia nel tempo e insieme agli spettatori, e a fronte di questi cambiamenti, ha saputo offrire storie e personaggi aderenti alla società corrente. Ora, prendiamo in esame uno dei fenomeni più significativi dell’ultimo decennio (e oltre): l’avvento dei cinecomic nell’intrattenimento cinematografico. La violenta irruzione di questi prodotti nel mercato è riuscita a proporci ben tre versioni di Spider-Man spalmate dal 2002 ad oggi, una manovra che viene denominata “reboot”, “riavvio”; iniziata con la trilogia di Sam Raimi, la fortuna di Peter Parker nelle sale passa dallo sviluppo di un personaggio arrivando alla sua completa affermazione, in un percorso dai volti diversissimi che, in un modo o nell’altro, dicono molto della nostra storia e del nostro gusto.

È il 1999. Intenzionata a realizzare il primo lungometraggio dedicato all’Uomo Ragno, la Sony assume Raimi alla regia dopo che James Cameron e David Fincher avevano presentato alla casa di produzione dei possibili script, giudicati poi infattibili. Nello sguardo stralunato di Tobey Maguire c’è l’imbarazzo dell’esordiente che debutta in un’arena rumorosa; timido, discreto ed eccessivamente sfortunato, il Peter del film sembra perfettamente inserito nel periodo storico in cui fa la sua comparsa, una fase che segnerà l’anima del popolo americano. New York, ancora traumatizzata dagli attentati dell’11 settembre, fa da sfondo a svariate pellicole che escono in sala nel 2002 (La 25° ora, Gangs of New York), tra cui anche Spider-Man. Potrebbe apparire un dettaglio insignificante, eppure quell’evento risvegliò una coscienza che chiamava a gran voce dei salvatori, supereroi dei quali adesso abbiamo un’indigestione legata all’eccessiva quantità ma che allora, nel pieno dello sconforto, rappresentavano l’unica via di svago. Raimi non solo ebbe la grazie e l’intelligenza di presentare il personaggio, addirittura lo permeò di una profonda umanità che spesso ricerchiamo nei film più intimi e che il regista ha distillato nel primo e nei successivi due titoli da lui diretti.

Peter Parker cambia identità nel 2010, quando la Columbia Pictures ordina una nuova versione nel reboot che Marc Webb avrebbe diretto in seguito; all’epoca il regista era conosciuto dal pubblico per la commedia romantica indipendente 500 Giorni Insieme, un genere che difficilmente si adattava, almeno sulla carta, agli scopi del blockbuster ma che, col senno di poi, è diventato il tratto distintivo di The Amazing Spider-Man e The Amazing Spider-Man 2. Ancora una volta, il senso del realismo imprime una forza notevole sul profilo del personaggio: appariva piuttosto verosimile che nel 2012 Peter, a cui dava forma e cuore Andrew Garfield, fosse un ragazzino molto più consapevole di se stesso. Nerd, non sfigato, studioso, non secchione, tratteggia benissimo il carattere della generazione a cui si riferisce, quella che oggi non ha timore di mostrare al mondo le proprie stranezze ricavandone si insuccessi ma anche piccole vittorie personali (come per Peter Parker la conquista del suo grande amore Gwen Stacy). In un periodo storico di stallo politico e culturale, l’idea di Webb di trasferire l’universo Marvel sul pianeta del cinema indie è stata quanto mai significativa, per molti vincente, per gli incassi meno; rimane la certezza che questo Spider-Man abbia costruito le basi per il futuro e sia servito da trampolino di lancio per il nuovo “bimbo ragno” di Tom Holland che conoscerete in Captain America: Civil War.

Sono lontani i tempi della chiamata alle armi, del senso “politico” e delle ragioni che spingono il cinema di intrattenimento ad affidarsi agli uomini con i superpoteri. Ormai la sequenza ininterrotta che produce cinecomics ha un po’ messo in disparte la bellezza e la nobiltà della fonte (il fumetto) creando una serie di cloni senz’anima indistinguibili se non grazie a dettagli che sfumano nel marasma del botteghino. Le regole del mercato hanno stabilito quindi che dovesse comparire sullo schermo un terzo Spider-Man nel domani imprenditoriale dei Marvel Studios (visto che il precedente aveva fallito le sue occasioni), invertendo quella rotta verso nuovi lidi condivisa da Raimi e Webb. Atteso nel 2017, Homecoming palesa fin dal titolo il ritorno del personaggio a una dimensione infantile, ovvero il nido che protegge i cuccioli prima del loro avvento nel mondo; per questo la scelta di Tom Holland (classe 1996, il più giovane dei tre attori che hanno vestito il costume) è così appropriata e calzante da scacciare ogni dubbio circa le possibilità di successo. In Civil War, Peter Parker è la quintessenza del nerd contemporaneo, logorroico, fastidiosamente comico. La funzione di “giullare” condensa i caratteri di una generazione teen agli antipodi di quella inquadrata dal film del 2002, marchiata da una forte self-confidence e pronta a condividere la scena degli adulti da protagonista, sulla pista da ballo e non incollato a una parete. La cultura americana è cambiata, la società con essa, e di pari passo, anche un ragazzo in calzamaglia rossa e blu.

Final Girl, letteralmente “L’ultima ragazza”. Questo termine, coniato da Carol J. Glover nel suo libro del 1992 Men, Women, and Chainsaws: Gender in the Modern Horror Film, si riferisce al tropo, visto prevalentemente nei film slasher, che vede l’eroe e colei che sconfigge il cattivo come una ragazza timida, intelligente e buona a cui viene risparmiata la vita perché non fa sesso e non si droga come i suoi amici. La ragazza finale è stata vista ovunque alla fine degli anni ’70 e per tutti gli anni ’80, prima di essere risuscitata nella seconda metà degli anni ’90. Le tre più popolari sono probabilmente Jamie Lee Curtis nel ruolo di Laurie Strode in Halloween del 1978, Heather Langenkamp nel ruolo di Nancy Thompson in A Nightmare on Elm Street del 1984 e Neve Campbell nel ruolo di Sidney Prescott in Scream del 1996. Il tropo dell’ultima ragazza ha dominato talmente tanto i film horror degli anni ’80 che alla fine del decennio il pubblico si era stufato di questa formula banale. Scream è riuscito a riportarlo in auge solo grazie al suo approccio metaforico che cercava di esaminare i tropi di questo tipo di film.

Dopo Scream c’è stata una seconda vita per i film slasher con film come So cosa hai fatto l’estate scorsa e Urban Legend, ma si è rapidamente esaurita. Per un po’ di tempo, l’horror è diventato di nuovo stantio e, quando è tornato, è stato per film pieni di sangue come Saw o film di possessione e case infestate come Insidious o The Conjuring. Poi, nel 2014, è arrivata Maika Monroe e l’attrice è diventata una ragazza definitiva per le generazioni Millennial e Gen Z, con una grande differenza rispetto alla maggior parte dei film precedenti. 10 anni dopo, la Monroe è ancora una delle migliori final girl di Hollywood. Se volete una prova di ciò, non guardate oltre il successo horror di quest’estate, Longlegs.

The Guest ha mostrato per la prima volta come potrebbe essere una nuova final girl

Prima è arrivato The Guest. Si tratta di un thriller, ma con molti elementi horror, diretto da Adam Wingard, reduce dal successo a sorpresa di You’re Next nel 2011. Il film, interpretato da Dan Stevens, che stava vivendo un momento di gloria grazie al suo ruolo da star in Downton Abbey, racconta la storia di un veterano dell’esercito della guerra in Afghanistan, David Collins, che si presenta a casa della famiglia di un soldato ucciso, sostenendo di essere suo amico. La madre e il padre del soldato caduto accolgono David, ma quando le persone iniziano a morire, la figlia Anna (Monroe) crede che David sia il responsabile.

Si capisce, attraverso le battute familiari, che Anna è destinata a diventare una final girl, ma non è una ragazza tradizionale. Ha un fidanzato che nasconde ai genitori, va alle feste e si droga. È un personaggio basato su come sono molti adolescenti reali, non solo attualmente, ma anche decenni fa. L’unica differenza è che decenni fa Hollywood pensava che i suoi eroi, soprattutto quelli femminili, dovessero essere innocenti. Il pubblico di oggi desidera vere ragazze definitive, con tutti i loro difetti.

Ciò che rende The Guest particolarmente inquietante è che, mentre nel momento culminante i genitori di Anna sono morti e lei sta lottando per la sua vita, David è tranquillo e fa battute. Anna spara a David, ma in pura tradizione slasher, lui scappa e lo si vede allontanarsi nell’ultima inquadratura. Se da un lato è la comicità eccentrica che ha aiutato The Guest a distinguersi da film simili, dall’altro ha fatto sì che la Monroe venisse vista come una potenziale nuova scream queen.

It Follows ha cambiato il modo in cui guardiamo i personaggi femminili nei film horror

Più tardi, nel 2014, la Monroe è stata la protagonista dell‘innovativo It Follows, scritto e diretto da David Robert Mitchell. Come The Guest, It Follows è in parte uno slasher simile a Halloween, ma con una dose di qualcosa di più simile a A Nightmare on Elm Street, pur essendo completamente originale. La trama segue un gruppo di amici adolescenti sulle tracce di una forza invisibile che si trasmette attraverso il sesso. C’è un punto di vista intelligente sul fatto che il sesso può uccidere. Nei film slasher tradizionali, era un tropo che portava all’uccisione, ma qui sarà letteralmente la ragione della vostra morte.

Monroe interpreta Jay, che non è il tipico stereotipo di ragazza del college. Vive a Detroit, suo padre è morto, sua madre è un’alcolizzata (questo aspetto è accennato piuttosto che giocato in modo melodrammatico) e Jay frequenta un community college. Anche se si può vedere che lei lotta tranquillamente, questa lotta non rappresenta il suo personaggio. È ancora una persona, a cui piacciono i ragazzi, si eccita agli appuntamenti e fa persino sesso sul sedile posteriore di un’auto al primo appuntamento. Non vedreste mai Laurie Strode fare una cosa del genere. Questo è ciò che rende Jay così reale e relazionabile, perché non è un personaggio stereotipato. È una giovane donna che non rientra in nessun archetipo idealizzato di ciò che una giovane donna dovrebbe essere.

Dopo aver fatto sesso con il suo nuovo ragazzo, Hugh (Jake Weary), lui le rivela di averle trasmesso un’entità sessualmente trasmissibile che la ucciderà se non la trasmetterà a qualcun altro attraverso il sesso. Si tratta di un caso estremamente raro di un film horror che ci dice che il sesso può salvarci – ma si richiama comunque a vecchie storie dell’orrore, poiché il sesso è il modo in cui Jay si mette in pericolo in primo luogo.

It Follows ritrae la complessità del sesso in tutte le sue forme, presentandolo come una sorta di punizione e come una grazia salvifica. Anche Jay, o una qualsiasi delle donne della storia, non sono soggetti esclusivamente a questo: ogni personaggio rischia di essere preso di mira dall’entità, basta che faccia sesso. Jay fa sesso con più personaggi nel film (anche se alcuni sono suggeriti fuori dallo schermo) e questo non definisce la sua persona. It Follows, e Maika Monroe sovvertono le aspettative della brava ragazza finale, che di solito veniva definita in base alla sua verginità o meno.

Sono le sottigliezze che rendono Maika Monroe la perfetta final girl Gen Z

Mentre il film è stato lodato per la sua premessa intelligente, per l’emozionante colonna sonora di sintetizzatori e per le domande che crea nel corso del film, la Monroe ha ricevuto alcune critiche da parte di coloro che ritenevano che non fosse abbastanza emotiva. Per essere una final girl, non ha urlato abbastanza, non si è fatta prendere dal panico. Non ha sorriso e riso costantemente nelle scene iniziali come avrebbe fatto qualche scrittore maschio degli anni Ottanta.

Al contrario, nel primo atto c’è una tranquillità in lei che possiamo percepire senza che ci venga spiegata o esagerata. Borbotta. Sembra stanca. È una ragazzina che cerca di sopravvivere alla vita. Questo non significa che quando accadono momenti terribili, il suo personaggio non reagisca. Lo fa di sicuro. Non avremmo paura del mostro invisibile se lei non lo fosse. Piange, urla, si fa prendere dal panico e corre per salvarsi, ma senza esagerare e quando lo fa, lo fa con una certa stanchezza, come se avesse già abbastanza da fare nella sua vita, e ora deve anche affrontare un demone sessuale che la perseguita.

La stanchezza e la sensazione di essere sopraffatti che vivono le generazioni di oggi sono avvertite anche da Jay e dai suoi amici. Non c’è una grande ed eroica ultima battaglia in cui una forte Jay distrugge il cattivo. Al contrario, non sanno cosa fare. Sono solo adolescenti. Il piano migliore che riescono a escogitare è quello di attirare l’entità in una piscina, farle seguire una Jay spaventata nell’acqua, poi lanciarle addosso tostapane e asciugacapelli collegati, sperando che rimanga fulminata. È un piano sciocco, ma realistico, perché cosa fareste voi se foste al loro posto?

Villains ha preso il tropo della final girl e l’ha stravolto

Cinque anni dopo, Monroe sarebbe diventata un’altra final girl atipica in Villains, iniziando proprio come tale, il cattivo. Insieme a Bill Skarsgård, i due attori interpretano una giovane coppia di nome Mickey e Jules che ha appena rapinato una stazione di servizio. Fuggono in quella che pensano essere una casa abbandonata, ma nel seminterrato trovano una bambina legata. Vogliono salvarla, ma poi arrivano i proprietari della casa (Jeffrey Donovan e Kyra Sedgwick) e Mickey e Jules devono lottare non solo per la vita della bambina, ma anche per la loro.

È un’impresa rara trasformare un cattivo in un eroe nel corso dello stesso film, ma qui funziona, grazie alla presenza e all’abilità recitativa della Monroe. C’è una fragilità nei suoi lineamenti che ci fa fare il tifo per lei, a prescindere dal personaggio iniziale. Se il tropo della final girl deve essere portato avanti con successo nell’era della Gen Z, la strada da percorrere è quella di un’eroina stratificata e realistica, che rifiuta gli ideali della “brava ragazza”; e Maika Monroe ha già dimostrato come farlo.

Longlegs dimostra che Maika Monroe è qui per restare

Nel 2022, Maika Monroe ha recitato in Watcher della scrittrice e regista Chloe Okuno. Sebbene si tratti di un film minore che ha fatto il giro del mondo in streaming piuttosto che al cinema, è un film che richiede di essere visto. In Watcher la Monroe interpreta Julia, un’americana che vive a Bucarest, dove il marito Francis (Karl Glusman) si è trasferito per lavoro.

Julia non conosce nessuno e non parla la stessa lingua di tutti gli altri, e non possiamo fare a meno di provare pena per lei. Non è solo la trama a suscitare questa emozione, ma anche lo sguardo di Julia. Maika Monroe sembra sempre avere questa capacità naturale di trasmettere una profonda tristezza sul suo volto. Sarà anche una giovane donna bellissima, ma c’è anche qualcosa di imbarazzante in lei, come se non si sentisse a proprio agio nella sua pelle.

Questo la rende un’attrice ideale per interpretare un personaggio vulnerabile, come Julia è sicuramente in Watcher, dove è perseguitata da un uomo inquietante dall’altra parte della strada di nome Daniel (Burn Gorman), che potrebbe essere un serial killer. Watcher è volutamente frustrante, perché nessuno crede a Julia che qualcuno le stia dando la caccia. Viene costantemente trattata come una donna stressata e paranoica da tutti i suoi conoscenti, compreso il suo stesso coniuge.

Questo la rende un bersaglio debole per Daniel, che può gettare benzina sulle sue accuse e allo stesso tempo pedinarla all’aperto. In una scena, arriva persino a portare con sé una borsa con dentro una testa umana decapitata, perché chi crederà a questa giovane donna americana isterica? Julia combatte per la sua vita da sola, ma non importa se vince o perde la battaglia contro il suo aggressore maschio, una parte di lei è già stata sconfitta per sempre dal fatto di non essere veramente vista. Julia è davvero la ragazza finale, tutta sola.

Watcher è un film più tranquillo, fino al suo finale strampalato, ma non si può dire lo stesso di Longlegs. L’incubo creato da Osgood Perkins è diventato un fenomeno già prima della sua uscita, grazie alla brillante campagna di marketing che ha coinvolto Nicolas Cage nei panni del protagonista, un serial killer selvaggio e scatenato. Queste aspettative mettono sotto pressione la Monroe, che è la vera star di Longlegs perché Cage è presente solo in una manciata di scene. A lei spetta il compito di portare avanti la narrazione, che sarebbe potuta crollare con un’attrice meno brava.

La Monroe interpreta Lee Harker, un’agente dell’FBI a caccia dello squilibrato serial killer “Longlegs”, ma questo non è un clone de Il silenzio degli innocenti e la Monroe non cerca di replicare la Clarice Starling di Jodie Foster. Entrambe possono essere donne forti e indipendenti con un trauma passato, ma la Monroe lo interpreta in modo diverso. In quasi tutte le scene, Harker si mostra sicura di sé e coraggiosa, ma allo stesso tempo sembra distrutta e spaventata.

Non parla molto, e quando lo fa la sua voce è spenta dal dolore che porta con sé, e l’espressione del suo viso cambia raramente. Dietro i suoi occhi si cela un mistero, intrigante quanto chi sia Longlegs e come uccida. Questo la rende la migliore controparte possibile: un assassino che esteriorizza la sua follia in modo spaventoso, che si scontra con una donna che interiorizza le sue forze e debolezze, portando a uno scontro terrificante nella loro unica scena insieme.

Per decenni, il tropo della final girl ha avuto le sue regole su come l’eroina avrebbe dovuto comportarsi. Maika Monroe, con la sua giovinezza, il suo bell’aspetto e i suoi capelli spesso biondi, potrebbe sembrare una final girl stereotipata, ma non lo è mai stata. I suoi personaggi hanno molto di più che essere delle semplici vergini intelligenti, santarelline e timide che non sono capaci di nulla finché non vengono spinte al limite. La Monroe interpreta ragazze finali che sono state spinte al limite molto prima di conoscerle. C’è una tristezza in loro, e un potere che aspetta di essere scatenato sulla povera entità o sul selvaggio serial killer che commette l’errore di inseguirla.