A soli 21 anni già fa parlare di sé a Hollywood e non ci sono dubbi che il cinema americano punterà su Jennifer Lawrence con sempre maggior convinzione nei prossimi anni. Le pellicole che l’hanno vista finora protagonista o partecipe, infatti, si contano sulle dita di una mano (due, se consideriamo anche i film ancora in lavorazione), ma le sue interpretazioni riscuotono sempre grande successo sia di critica che di pubblico, rivelando un talento non comune, oltre a una tempra forte e decisa, nonostante la giovane età.

Sceglie con cura le sceneggiature, perché, come ha dichiarato in un’intervista in occasione dell’uscita di Un gelido inverno, “molte sono sciocche, specie quelle per giovani ragazze bionde”. La scelta di partecipare al film della Granik si è rivelata infatti oculata e felice. Ammette di essere molto possessiva coi personaggi  che interpreta, perché una volta immedesimatasi, dice, sente di essere la sola a capirli davvero fino in fondo, al punto che “diventano mie anime gemelle”. È consapevole di avere ancora molta strada da fare, anche se già può dire di aver lavorato con uno dei suoi idoli: Jodie Foster, che l’ha anche diretta, in Mr. Beaver. Ama spaziare tra i generi cinematografici e accosta grandi produzioni hollywoodiane a piccoli progetti di cinema indipendente.

Il suo trampolino di lancio sul grande schermo è stato l’esordio alla regia dello sceneggiatore Guillermo Arriaga, The Burning Plane. ll ruolo di Ree Dolly in Un gelido inverno di Debra Granik l’ha resa celebre, portandola a competere per un  Academy Award come miglior attrice protagonista. Sarà nelle sale italiane dal 1 maggio prossimo, protagonista della pellicola drammatica per ragazzi Hunger Games di Gary Ross, che arriverà da noi dopo il grande successo che sta avendo ai botteghini americani (alla domenica di Pasqua il suo incasso negli Usa ammontava già a più di 300.000.000 di $).

Stiamo parlando di Jennifer Lawrence, ventunenne di Louisville nel Kentucky. La sua passione per lo spettacolo le fa compiere le prime prove teatrali nella provincia americana, ma è affascinata anche dal mondo della moda. Per questo a 14 anni arriva a New York con i genitori per tentare qualche audizione come attrice o modella. Le sue doti colpiscono gli agenti della Grande Mela, ma sua madre non è ancora del tutto convinta che la piccola Jen sia un vero talento. Finché dallo scatto casuale  di un fotografo scaturisce una proposta per degli spot pubblicitari. Quindi, la Lawrence approda nel mondo delle serie tv e tra 2006 e 2008 prende parte a Detective Monk, Cold Case e Medium. Nel 2008 arriva per lei l’occasione del passaggio al grande schermo. È scelta infatti da Guillermo Arriaga, già sceneggiatore di Iñárritu, che la vuole in un cast al femminile per la sua prima regia: The Burning Plane – Il confine della solitudine. L’opportunità per questa giovane promessa è davvero ghiotta: condivide il set con due grandi donne del cinema americano: Charlize Theron e Kim Basinger, in uno di quei puzzle di vite incrociate e segnate dalla sofferenza che sono le creazioni cinematografiche di Arriaga. La Mariana interpretata dalla Lawrence è molto intensa e fa breccia in particolare nella giuria del Festival di Venezia, che assegna all’attrice il Premio Marcello Mastroianni.  Continua a frequentare anche il mondo televisivo.

Una nuova, più corposa occasione arriva però dal grande schermo due anni dopo, quando Debra Granik la vuole per un ruolo da protagonista: quello della giovane Ree Dolly in Un gelido inverno. Qui, va alla ricerca disperata del padre, uscito di galera lasciando come cauzione la casa dove  vivono i tre figli e la moglie malata, e ora latitante. La nostra attrice s’immerge con tutta sé stessa in una dura lotta, che garantisca la sopravvivenza a lei e ai due fratellini minori. E s’immerge anche nell’universo oscuro e inquietante di un’America di provincia non certo da cartolina. Sono il suo carattere forte e il volto delicato ma fiero, oltre al talento interpretativo, a far sì che porti a casa brillantemente il risultato. Il film trionfa prima al Sundance Film Festival, dove si aggiudica il Gran Premio della Giuria, poi conquista il nostro paese. Al Torino Film Festival è infatti la Lawrence a sbaragliare la concorrenza, accaparrandosi il Premio come Miglior Attrice e la pellicola quello per il Miglior Film. Infine arriva niente meno che la candidatura agli Oscar 2011, a soli vent’anni.

Lo scorso anno è stato pieno di soddisfazioni per l’attrice di Louisville. Come dicevamo in apertura, ha potuto coronare il sogno di recitare nel film diretto e interpretato dal suo idolo Jodie Foster, accanto a Mel Gibson: il drammatico Mr Beaver, che affronta il difficile tema della depressione, offrendo peraltro a Gibson l’opportunità per un’interpretazione notevole.

Jennifer Lawrence ha dato poi prova di grande eclettismo, divertendosi nel prendere parte alla saga hollywoodiana di X-Men, accanto a James McAvoy e Michael Fassbender. Matthew Vaughn l’ha infatti voluta per il prequel X-Men – L’inizio, affidandole la parte della giovane Mystica. Qui ha anche avuto occasione di giocare  col suo aspetto e la sua bellezza, trasformandosi in un mutante dalla pelle blu. Sarà anche nel prossimo episodio della saga.

Ha dato inoltre prova di non essersi montata la testa dopo aver fatto conoscere il suo nome a Hollywood. È stata infatti felice di prendere parte a un piccolo progetto che ha sancito ancora una volta il suo talento e l’enorme potenziale di cui è dotata. Stiamo parlando di Like Crazy per la regia del giovane Drake Doremus, che nel 2011 ha conquistato il Festival patrocinato da Robert Redford, ottenendo il Premio Speciale della Giuria. Jennifer si è fatta notare anche nel ruolo di Sam, secondario rispetto alla problematica storia d’amore tra i due protagonisti: Anna/Felicity Jones e Jacob/Anton Yelchin.

Ancora molti progetti la attendono, non solo in questo 2012.  Innanzitutto la vedremo in Hunger Games da maggio, ma sarà anche nell’horror di Mark Tonderai House at the end of the street. Nel 2013 sarà impegnata nel sequel di Hunger Games: Catching Fire, e condividerà il set con quell’icona del  cinema americano che è Robert De Niro, dal momento che vestirà i panni della sua vicina di casa in The Silver Linings Playbook di David O. Russel. Insomma, un futuro fitto d’impegni lavorativi e, possiamo starne certi, nei prossimi anni sentiremo parlare ancora molto di questa energica ragazza di Louisville.

Hayao Miyazaki – A ventisei anni dalla sua uscita al cinema in Giappone e ad oltre dieci anni da una timida uscita per l’home video, arriva nelle nostre sale finalmente Il castello del cielo di Hayao Miyazaki, noto ai fan come Laputa, uno dei primi e più amati lungometraggi del maestro dell’animazione giapponese, che l’anno scorso ha festeggiato i settant’anni di una carriera coronata da successi e riconoscimenti non solo a livello giapponese.

Hayao Miyazaki è riuscito a convincere i peggiori detrattori dell’animazione giapponese sulla validità della sua produzione artistica, che va oltre a quelli che sono indubbiamente alcuni dei limiti evidenti degli anime, quali la serializzazione e la sudditanza, spesso, all’industria del marketing per vendere gadget e simili, caratteristica comunque non certo aliena alla produzione animata a stelle e strisce.

Una carriera di oltre quarant’anni, la sua, che ha toccato l’animazione giapponese dagli anni Sessanta ad oggi, creando film e personaggi unici e portando il suo tocco a personaggi e storie di altri. Ma occorre andare per ordine, per ricostruire le tappe di un percorso ancora non certo concluso, anche se negli ultimi anni Hayao Miyazaki sembra più interessato a supervisionare.

Il fabbricatore di sogni dal paese del Sol Levante: Hayao Miyazaki

Nato nel 1941 a Tokyo, pochi mesi prima dell’entrata del Giappone in guerra, che influenzerà lui e altri colleghi suoi coetanei, sia pure in maniera diversa, Hayao Miyazaki cresce in una famiglia dove il padre ha una fabbrica di componenti per aerei, che gli farà nascere una passione poi presente nella maggioranza delle sue opere per il volo, gli aerei, il cielo. Un altro fatto che influenza la sua infanzia è una grave malattia che colpisce la madre, tema che si ritroverà in film come Tonari no totoro e il recente Arietty.

Negli anni Cinquanta, sull’onda dell’opera che sta facendo Osamu Tezuka di creazione di fumetti made in Japan, simili a tratti ma molto diversi dai loro omologhi a stelle e strisce, Hayao Miyazaki, da sempre bravo disegnatore, si appassiona al mondo delle nuvole parlanti, e dopo essersi laureato in Scienze politiche entra a lavorare alla Toei, allora la più importante casa di produzioni animate.

Il suo primo lavoro importante è come animatore chiave e scenografo per Horusu no daiboken, uscito in italiano con i due titoli La grande avventura del piccolo principe Valiant e Il segreto della spada del sole, che segna anche l’inizio del suo sodalizio con il collega e amico Isao Takahata. Nel1971 Hayao Miyazaki collabora alla prima serie di Lupin III, dal manga di Monkey Punch, e dal 1973 con Isao Takahata inizia invece un sodalizio con la Zuiyo Pictures, poi Nippon Animation, adattando in animazione alcuni classici per bambini occidentali, quali Heidi del 1974, Marco da Dagli Appennini alle Ande di De Amicis e Anna dai capelli rossi, che lo faranno conoscere non solo in Giappone.

Nel 1978 decide di adattare il romanzo di fantascienza per ragazzi The incredible tide di Alexander Key, che diventa la serie Conan, il ragazzo del futuro, considerato a tutt’oggi uno dei migliori anime giapponesi seriali di sempre, per il quale Hayao Miyazaki è regista, disegnatore, scenografo e supervisore degli storyboard. Il suo primo lungometraggio come regista è dell’anno successivo ed è Lupin III il castello di Cagliostro, per molti fan il migliore film dedicato al celebre ladro in salsa nipponica, che stravolge le atmosfere del manga in chiave favolistica e steam punk.

Dopo alcuni lavori in serie televisive, come Il fiuto di Sherlock Holmes, coprodotto con la Rai nel 1982, Hayao Miyazaki pubblica sulla rivista Animage il manga fantasy post apocalittico Nausicaa nella valle del vento, che poi decide di trasporre in animazione nel 1984. Il successo di questa storia di un’eroina che, in un mondo medievale post nucleare, dove le scorie hanno creato nuove creature e dove l’avidità di conquista vorrebbe risvegliare le antiche armi, è grandissimo e spinge Miyazaki con Isao Takahata a fondare un loro studio, lo studio Ghibli, che produrrà tutte le loro opere successive.

Il castello del cielo del 1986 è proprio il primo lungometraggio dello studio, e finalmente si potrà vedere anche da noi su grande schermo questa avventura che mescola Jonathan Swift e Jules Verne, tra pirati dell’aria e mondi fluttuanti nel cielo, arcani e con tecnologie incredibili e pericolose.

Nel 1988 Hayao Miyazaki realizza invece il più intimista e fiabesco Il mio vicino Totoro, dove due bimbe in una campagna reale ma incantata incontrano uno spirito misterioso a forma di grosso gatto che le consola dei loro problemi familiari. Totoro diventa il logo dello studio Ghibli, che nel 1989 bissa il successo con la commedia fantastica Kiki’s delivery service, storia di una streghetta che va in una cittadina terrestre a fare il suo apprendistato e che si inventa un’attività grazie alla sua scopa che le farà conoscere nuovi amici.

Nel 1992 è la volta di Porco rosso, film in cui l’autore dà libero sfogo alla sua passione per l’aviazione, leit motiv di tutti i suoi film, storia di un pilota da caccia con il volto di maiale che vive le sue avventure nell’Europa tra Grande guerra e avvento dei totalitarismi.

Negli anni successivi Hayao Miyazaki si occupa di sceneggiare, produrre e supervisionare altre opere dello studio Ghibli, finché nel 1997 non fa uscire Princess Mononoke, che batte ogni record d’incassi in Giappone e lo fa finalmente conoscere ufficialmente al pubblico internazionale, complice anche un doppiaggio statunitense con star del calibro di Claire Danes, Minnie Driver e Gillian Anderson. Princess Mononoke, fiaba ecologica dello scontro tra la foresta magica e impenetrabile e un Giappone medievale ma metafora di quello contemporaneo, con la sua voglia di costruire distruggendo la natura, propone un’eroina selvaggia e guerriera, cresciuta dai lupi e desiderosa di difendere il suo mondo anche se entra in contatto con quello dei suoi simili.

Nel 2001 nuovo successo con La città incantata, fiaba morale contro lo spreco di cibo, tra antiche leggende e il mondo di oggi, che vale al maestro l’Orso d’Oro al Festival di Berlino e l’Oscar 2003 per il migliore lungometraggio animato, che però Hayao Miyazaki non va a ritirare per protesta contro la guerra in Iraq.

Nel 2004 è la volta della trasposizione animata del romanzo fantasy di Diana Wynne Jones, una delle ispiratrici di Jk Rawling per il suo Harry Potter, Il castello errante di Howl, storia di una ragazzina intrappolata nel corpo di una donna anziana che cerca di liberare un giovane mago da una maledizione, un film che viene presentato a Venezia, dove l’anno dopo, nel 2005, Miyazaki viene omaggiato con il Leone d’Oro alla carriera.

Il suo ultimo film come regista è la fiaba del 2008 Ponyo sulla scogliera, rilettura moderna ed ecologista della Sirenetta ma non solo, film che viene realizzato tutto con tecniche di disegno tradizionali a contrastare l’uso della grafica computerizzata, ormai unica tecnica dei cartoni animati della Disney, e largamente usata dagli anime.

Negli ultimi anni lo studio Ghibli supervisiona Terramare, del film di Hayao Miyazaki, Goro, tratto dal ciclo fantasy di Ursula K. Le Guin, mentre Hayao Miyazaki sceneggia Arietty, favola anti spreco dal romanzo di Mary Norton.

Nei suoi film Hayao Miyazaki parla di rapporti tra le generazioni, di amore e rispetto per l’ambiente e tutte le specie animali, di pacifismo e non violenza, di fantasia partendo dalle cose più semplici, di fiaba e fantastico che nascono nella vita di tutti i giorni, di sogni verso l’infinito del cielo e di quotidianità, tra poesia e sogno, tra i colori del verde e dei fiori e i richiami alla tradizione, tra leggende e classici steam punk, con macchine sempre inserite in mezzo alla natura. Uno stile lontano da molta altra animazione giapponese e da un mondo animato occidentale sempre più dominato dall’informatica e da logiche di vendita, che ha reso le opere del maestro amate come capolavori del cinema tout court, oltre che legati all’animazione giapponese.

In attesa di nuove opere o riproposizione di film di Miyazaki comunque è da vedere Il castello nel cielo, tra avventura e sogno, riflessione sui limiti della scienza e anelito verso l’infinito dei cieli e della fantasia.

Martha fugge all’alba dalla casa dove ha vissuto per anni insieme ai membri di una setta religiosa guidata dal carismatico Patrick; la giovane trova ospitalità presso la sorella maggiore Lucy e il cognato Ted, nel Connecticut. Profondamente segnata dall’esperienza nella setta, Martha fatica a tornare alla normalità; è paranoicamente ossessionata dal ricordo di Patrick e degli altri adepti, dall’idea che possano osservarla e mettersi sulle sue tracce.

Questa è la storia de La fuga di Martha (Martha Marcy May Marlene), film scritto e diretto da Sean Durkin che approderà nelle sale italiane il 25 maggio. Si tratta del lungometraggio d’esordio per Durkin, che al primo colpo ha fatto centro; La fuga di Martha , presentato al Sundance 2011, ha infatti fruttato al giovane regista il premio per la miglior regia. Nel maggio dello stesso anno, ha trovato spazio nella sezione Un Certain Regard al Festival di Cannes. Dopo esser stato presentato in diverse altre rassegne, La fuga di Martha ha cominciato timidamente a far ingresso nelle sale, partendo il 21 ottobre 2011 con una distribuzione limitata negli Stati Uniti.

La protagonista è interpretata da Elizabeth Olsen, classe ’89, sorella minore delle note gemelle Mary – Kate e Ashley; La fuga di Martha ne sancisce il debutto sul grande schermo. Nel 2012, la 23enne californiana sarà nelle sale con altri due film: Red Lights di Rodrigo Cortés, al fianco di Robert De Niro, e Liberal Arts di e con Josh Radnor. La giovane attrice è attualmente coinvolta in tre progetti, che dovrebbero uscire nel 2013: Very Good Girls di Naomi Foner, Kill Your Darlings di John Krokidas e Therese Raquin di Charlie Stratton.

Nei panni di Patrick, leader della comunità da cui Martha scappa, c’è il veterano del piccolo e grande schermo John Hawkes; qualche tempo fa è giunta la gustosa notizia del suo coinvolgimento in Switch (regia di Daniel Schechter), prequel del tarantiniano Jackie Brown, dove Hawkes sarà chiamato a interpretare il giovane Luis Gara, che nel film del ’97 aveva l’irresistibile maschera di De Niro.

La parte della sorella di Martha, Lucy, è affidata a Sarah Paulson (Capodanno a New York); quella del marito di lei, Ted, a Hugh Dancy, il fascinoso caporedattore di I Love Shopping. Completano il cast Christopher Abbott, Brady Corbet, Maria Dizzia, Julia Garner, Louisa Krause, Adam Thompson, Allen McCullough, Lauren Molina, Gregg Burton, Diana Masi, Tobias Segal e Michael Chmiel.

La fuga di Martha è stato girato nello stato di New York e nel Wisconsin dal 24 maggio al 3 luglio 2010; prodotto da BorderLine Films e FilmHaven Entertainment, è stato realizzato con un budget inferiore al milione di dollari (!) e ha fin ora incassato circa 3,5 milioni di dollari (quasi 3 milioni negli States). Soltanto in Italia, ultima tappa de La fuga di Martha , il titolo è stato cambiato; dall’originale Martha Marcy May Marlene, indicante i vari nomi della protagonista – Martha è il vero nome, Marcy May e Marlene sono appellativi ai quali risponde nella setta – è stato mutato, appunto, in La fuga di Martha, in linea con il fastidioso costume della distribuzione tricolore, sempre teso a semplificare, sottostimando l’importanza dei titoli e, al contempo, le capacità di lettura dello spettatore.