L’abbiamo vista in decine di film, europei e statunitensi, action e drammatici, ma per molti di noi Franka Potente sarà sempre – e per sempre – Lola corre. Dal fortunato film di Tom Tykwer, allora suo compagno di vita, in realtà sono cambiate molte cose. Negli ultimi ventidue anni, tra alti e bassi, abbiamo imparato a conoscerli in vesti anche molto diverse da quelle di allora, eppure non può essere un caso che la prima scena di Home, il suo tanto atteso esordio alla regia, ci mostri un ragazzone tatuato, dai capelli colorati di rosso, sfrecciare su uno skate sulle strade deserte della California meno celebrata.

Home: accoglienza, rifiuto e inserimento

Una citazione? Un’esca per vecchi fan? Una casualità? Un’omaggio alla cultura Underground alla quale si è sempre mostrata molto legata? Tutto è possibile, ma sono domande che si dimenticano rapidamente quando si inizia a prestare attenzione alla storia che si va sviluppando. Quella di Marvin Hacks, tornato a casa per accudire la madre, gravemente malata, dopo aver scontato 17 anni di carcere per l’omicidio di una signora del paese. Ma oggi, a 40 anni, non riconosce quello che era il suo mondo. A malapena conosce il mondo esterno che lo circonda, dove non ci sono più CD e chiunque ha uno smartphone. L’unica costante sembra essere l’odio dei Flintow, nipoti della vittima, ma è l’intera comunità a rifiutarlo, a non accettare il suo ritorno.

Un tema che vanta mille e più declinazioni nella storia del cinema e della letteratura, uno dei topoi più sfruttati e universali che si possa scegliere, ma per la sua Opera Prima l’attrice e cantante tedesca dai bisnonni siciliani non poteva non avere qualcosa di più da raccontare. Soprattutto dopo l’esperienza precedente della regia del cortometraggio Digging for Belladonna, presentato al Festival di Berlino del 2006, dai toni decisamente più sentimental-surreal-fantasy.

Grandi interpreti, emozioni forti

Autrice di una sceneggiatura asciutta, quasi povera a tratti, la Potente si rivela molto abile nel gestire le incredibili interpretazioni dei suoi protagonisti principali, Jake McLaughlin (Marvin) e Kathy Bates (sua madre). Due figure che emergono gradualmente, senza bisogno di parole o grandi dialoghi, grazie all’intensità delle espressioni e a una fisicità che pur massiccia riesce a trasmettere tenerezza e resilienza, forza e dignità allo stesso tempo.

Nel loro silenzio, nel loro continuare a vivere il quotidiano con la normalità che gli è consentita, resistendo al peso delle colpe del passato e dei facili giudizi altrui, germogliano i semi di una umanità che appariva impossibile. Nella scoperta reciproca dei due, nella loro sorpresa, c’è anche quella degli spettatori, che inevitabilmente rischieranno di ritrovarsi ad asciugarsi gli occhi davanti a un amore tanto puro e semplice.

Più che espiazione e giustizia a muovere questi personaggi sono la disperazione, l’isolamento, l’incapacità di far spaziare lo sguardo e i sentimenti. Di riconoscere la pietà dentro di sé e la diversità nell’altro, da quel che ci si aspetta che sia e da quel che era. Il ritorno a casa del nostro antieroe, in questo dramma esplicitamente e insistentemente non violento, sembra suggerire altro. Altri viaggi, esodi, incontri, più comuni e – di nuovo – universali, che siamo abituati a giudicare come i cittadini di Clovis, nella contea di Fresno. Per i quali il perdono è solo una conseguenza, lo sforzo maggiore quello di scoprire di esser in grado di cambiare se stessi e la vittoria più grande quella di saper vincere la paura di farlo e delle sue conseguenze.

Home Team, produzione originale Netflix, è in tutto e per tutto un feel-good movie: leggero, ironico e adatto a tutta la famiglia. Kevin James (Hitch, Un weekend da bamboccioni) e Taylor Lautner (The Twilight Saga) sono gli allenatori di football di un simpatico team di dodicenni, alle prese con i primi problemi adolescenziali. Con un film quasi interamente girato sul campo da football, si parla di sport a tutto tondo: dal punto di vista degli sportivi, degli allenatori e dei genitori.

La trama di Home Team

Sean Payton (Kevin James) è l’allenatore dei New Orleans Saints, squadra di football americano che, anche grazie a lui, riesce a vincere il Super Bowl. Sfortunatamente, in seguito ad uno scandalo, Sean viene sospeso dalla National Football League per un anno intero. Senza lavoro, l’allenatore decide di riavvicinarsi al figlio Connor: il ragazzino vive con la madre in Texas e gioca a football nel team locale. La sua squadra, i Warriors, è pessima, perde tutte le partite e non ha mai fatto un touchdown.

Vedendo il figlio giocare, Sean non riesce a trattenersi: prima dà solo qualche consiglio al coach Troy Lambert (Taylor Lautner), poi diventa ”il responsabile dell’attacco” dei Warriors, tentando, nell’arco di un solo campionato, di portare la squadra in cima alla classifica e di restaurare il rapporto con il figlio.

Sean Payton esiste davvero

Home Team è tratto dalla storia vera dell’allenatore di football americano Sean Payton. Ex-quarterback, dal 2006 guida i New Orleans Saints in NFL. All’apice del successo, dopo la vittoria del Super Bowl da parte dei Saints nel 2009, Payton viene coinvolto nello scandalo detto Bountygate: si scopre che i New Orleans pagano delle taglie per far compiere delle prestazioni vietate ai giocatori. Accusato di aver insabbiato il fatto, l’allenatore viene sospeso dalla NFL per un’intera stagione. Sean prova a fare ricorso e, nell’attesa, torna a Dallas per trascorrere un po’ di tempo con i suoi due figli, Meghan e Connor.

Home Team è quindi un mix di realtà e fantasia: alcune scene sono inventate, ma la storia alla base è quella: Payton ha davvero allenato i Warriors per una stagione, anche se, diversamente da quanto visto nel film, il team non era inizialmente così male.

Simpatia e genuinità

Home Team non è il primo film americano che ruota attorno al football, e probabilmente nemmeno l’ultimo. Nonostante ciò, il modo in cui il film affronta il tema dello sport è interessante, anche per chi non conosce la storia di Payton. Il team dei Warriors è genuino, fatto di ragazzini più o meno bravi, ma tutti simpaticissimi. Il ritratto che i registi hanno deciso di fare a questi pre-adolescenti non è affatto banale: non sono antipatici e scontrosi, si supportano a vicenda, gioiscono anche per i più piccoli successi e, soprattutto, giocano per il gusto di fare sport. Per Sean entrare in contatto con loro è catartico, lo riporta all’essenza vera del football, fatta di gioco e divertimento.

I Warriors sono un team variegato, a livello di caratteri, conformazione fisica, etnie. Nessuno viene escluso, tutti sono sullo stesso piano. L’allenatore Kevin James fa di tutto per insegnare ai ragazzi il gioco di squadra e, nonostante il ruolo di Taylor Lautner rimanga nell’ombra per la maggior parte del film, è un’ottima figura.

Ogni personaggio a modo suo contribuisce all’ironia del film. Tra gli altri, l’aiuto-allenatore Mitch Bizone (Gary Valentine) è un ubriacone panzuto che riempie le borracce di birra e whiskey, mentre il nuovo compagno dell’ex-moglie di Sean (Rob Schneider) è un fricchettone appassionato di cucina vegana e yoga.

Un film tutto giocato sul campo

Home Team mette lo sport  al centro. La maggior parte del film si svolge nel campo e negli stadi, con i ragazzi che si allenano o che competono. L’azione è ben costruita e coinvolgente anche per chi non è un appassionato del football americano. La storia cresce e si sviluppa come la squadra, partita dopo partita.

Questa scelta mette sullo stesso piano tutti i punti di vista: quello degli allenatori, più o meno esperti, quello dei giocatori, in campo o in panchina, e quello dei genitori sugli spalti. Con la scusa del football, Home Team affronta tanti aspetti della vita, la competizione, l’adolescenza, la separazione, l’amicizia, e riesce a farlo con leggerezza.

In conclusione, Home Team è un film godibile, da vedere in famiglia e perfetto per farsi due risate anche con i più piccoli. L’ironia scelta dai registi Charles e Daniel Kinnane è rara di questi tempi. Piacevole, non volgare o esagerata: per molti aspetti – e alcune particolari scene e personaggi – il film ricorda il bellissimo Stand by me (1986) di Rob Reiner.

Preparatevi ad innamorarvi di Oh, un tondeggiante alieno lilla dagli occhioni curiosi e il sorriso contagioso! Arriva al cinema dal 26 Marzo, Home – a casa, l’ultimo lungometraggio della DreamWorks Animation per la regia di Tim Johnson.

La storia di Oh (Jim Parsons) inizia quando la sua razza aliena, i Boov, decide di nascondersi sul pianeta Terra per scappare dai cattivissimi Gorg, che continuano ad inseguirli nell’Universo. Nell’invasione pacifica, i Boov hanno trasferito tutti gli umani in una terra felice e si sono impossessati delle loro vite. Guidati dal Capitano Smek (Steve Martin), i Boov hanno sei zampe tentacolari,cambiano colore in base all’umore e hanno la fobia dei rapporti interpersonali: ma Oh no. Lui è diverso,è positivo e ottimista, vuole fare amicizia, e la prima cosa che fa è organizzare una festa per inaugurare la sua nuova casa sulla Terra.

Peccato che per sbaglio invia l’invito a tutta la galassia, rischiando di rivelare il loro nascondiglio! Mentre Oh fugge dai suoi compagni arrabbiati, si imbatte in Tip Tucci (Rihanna) e il suo gatto Pig, un’umana che è riuscita a rimanere nella sua casa, perdendo però così la mamma (Jennifer Lopez). Oh e Tip si ritrovano così costretti ad affrontare insieme un’avventura in giro per il mondo che gli farà scoprire i veri valori della vita e il vero significato della parola casa.

Home – a casa: il film

Tratto dal romanzo per bambini di Adam Rex, The True Meaning of Smekday, HOME porta in scena una classica storia d’amicizia tra un umana e un alieno. Ma i personaggi e le loro personalità sono così ben concepite e delineate, che i Boov strapperanno una risata anche a gli adulti, grazie anche al loro particolare linguaggio comico fatto di parole frammentate e spesso inventate.

Non solo momenti comici ben scanditi, anche tantissime emozioni: Tip e Oh sono infatti entrambi due emarginati nei loro mondi. Sono diversi, non capiti e non accettati, temi ben noti nel mondo di oggi.

La Dreamworks Animation per Home – a casa ha utilizzato per la seconda volta la nuova piattaforma Apollo, creando animazioni brillanti e un mondo a misura di Boov, meraviglioso e pieno di elementi familiari rivisitati.

Mentre il prodotto originale vanta l’aiuto di voci famose, bisogna ammettere che non se ne sente la mancanza nella versione italiana, tanto si è immersi nel racconto.

E con Rihanna e Jennifer Lopez nel team, la musica doveva per forza avere un ruolo centrale nella storia, usata perfettamente per accompagnare le scene più importanti del film (Towards The Sun di Rihanna usata in un momento essenziale del finale vi farà emozionare, garantito!). Ma oltre a loro anche Kiesza, Charli XCX e Stargate a dare ritmo all’avventura intergalattica di Oh e Tip!

Metti quattro amici annoiati dalla routine alle prese con una partita di viagra da occultare, e ottieni un pugno nello stomaco, o se si preferisce, un dito nell’occhio, alla cattolicissima Irlanda. Ovvero, ottieni Holy Water.

Holy Water (Acqua santa) è un film diretto da Tom Reeve, prodotto nel 2009 dalla Feature Productions e distribuito in Italia da Mediterranea a partire dal prossimo weekend. Veniamo alla trama. Quattro amici di un tranquillo paesino sulla costa Irlandese, Killcoulin’s Leap, sono profondamente annoiati dalla monotonia del loro quotidiano. C’è chi fa il postino che butta le lettere che non gli interessano; un ragazzone meccanico con poco lavoro; l’albergatore che insieme alla sorella gestisce un alberghetto perennemente semivuoto, e un giovane ragazzo che vive con i suoi e con tanta voglia di evadere da quella monotona realtà. Tutti e quattro suonano in un localino, in cui vanno a ballare vecchietti che nemmeno badano alla loro musica.

Holy Water, il film

Quando i loro problemi raggiungono l’apice, al postino viene un’idea per arricchirsi: dirottare un furgoncino che trasporta Viagra diretto all’aeroporto, direzione Stati Uniti. Dopodiché rubare le casse contenenti la magica pillola blu, per poi rivenderla ad Amsterdam. Ma i quattro sono alquanto impacciati e imbranati e il piano si complica; inoltre sulle loro tracce ci si mette pure una squadra SWAT americana dalle tecnologie avanzate e l’aspetto tipicamente severo. Decidono così di buttare i fusti in un pozzo, contenente le falde acquifere che dissetano l’intero paese. Ed ecco che il tranquillo e sonnacchioso paesino irlandese si trasforma in un’inaspettata Sodoma e Gomorra…

Terzo film per Tom Reeve, essendosi occupato, nella sua trentennale carriera, come vedremo dopo,  soprattutto di produzione. In Holy water sfrutta tutte le caratteristiche tipiche irlandesi: paesaggi mozzafiato, ironia verso gli inglesi e gli americani, bigottismo cattolico, té, Guinness, paesini tranquilli immersi nel verde; contrapponendo il tutto con un inaspettato evento esterno che travolge siffatti equilibri e stereotipi. Ci aggiunge anche un classico stereotipo americano, quello degli attrezzatissimi e severissimi SWAT che si mettono sulle tracce dei ladruncoli improvvisati. Il risultato finale è un film piacevole, divertente, ma che non fa scompisciare dalle risate come forse ci si aspetta conosciuta la trama.

Tornando al regista, che dicevamo essere Tom Reeve, ha diretto solo tre film (compreso questo). I precedenti sono una commedia “Diggity – A Home at Last” (2001) e un fantasy “George and the Dragon” (2004). La sua carriera è per ora caratterizzata soprattutto per altri ruoli, principalmente come aiuto regista, ma anche come produttore di diversi film tra la fine degli anni ’80 ed inizio 2000, nonché di film per la tv e telefilm. Holy water potrebbe essere l’inizio di una brillante carriera da regista.

Presentato in concorso al Festival di Cannes 2022, dove Zar Amir Ebrahimi si è aggiudicata il Prix d’interprétation féminine alla miglior attrice, Holy Spider è il terzo film di Ali Abbasi, regista e sceneggiatore iraniano naturalizzato danese. Girato in Giordania per ovvi motivi di censura, il film tratta argomenti tabù in Iran come la prostituzione e la tossicodipendenza, rendendo rischiosa ma allo stesso tempo necessaria la loro visione sullo schermo come rappresentazione fedele della realtà della vita nella nazione mediorientale. Senza mai perdere l’essenza dell’incertezza e del terrore, Abbasi costruisce il thriller più intelligente dell’anno, che usa il genere per parlare dell’oggi, raffinatissimo nel suo destrutturare le dinamiche tipiche dell’indagine per mettere in primo piano l’azione politica, ciò che avviene dopo che un killer è stato catturato.

Le notti di Mashhad

Iran, 2001. Un giornalista di Teheran si immerge nei quartieri malfamati della città santa di Mashhad per indagare su una serie di femminicidi. Ben presto si rende conto che le autorità locali non hanno fretta di risolvere la questione. I crimini sono opera di un uomo che pretende di purificare la città dai suoi peccati e che di notte attacca le prostitute. Sullo spider-killer – ovvvero Saed Hanaei – così ribattezzato per il suo modo di agire, setacciando minuziosamente il reticolato della città di Mashhad – sono stati prodotti un documentario, Along came the Spider (2002) e il film drammatico Killer Spider (2020), testi audiovisivi che Abbasi ha praticamente distrutto e riscritto.

Tra il 2000 e il 2001, l’iraniano Saeed Hanaei (nel film interpretato da Mehdi Bajestani) ha ucciso 16 donne nella città santa di Mashhad, la seconda città più grande e importante del Paese e luogo di pellegrinaggio per gli sciiti di tutto il mondo. Hanaei era un veterano di guerra, sposato e con figli, in una città, dichiarata capitale spirituale, dove circola anche la droga proveniente dall’Afghanistan. Fanatico religioso, seguace dei discorsi di odio degli ayatollah, sosteneva di essere in missione per “ripulire” le strade della città dalla corruzione.

Il vizio sotto il tappeto

Holy Spider mette in scena l’incoerenza di un regime teocratico, che reprime la figura femminile ma in qualche modo tollera la prostituzione. Un regime che convive con un enorme problema di tossicodipendenza, anche in una città apparentemente santa, in cui i garanti della legge minimizzano certi crimini perché non interessano nemmeno alle famiglie delle vittime e dove il fanatismo religioso giustifica e sostiene il machismo istituzionalizzato nella società iraniana.

Il nuovo film di Ali Abbasi gioca bene con i confini di genere, allargandoli – dal noir hitchcockiano al thriller fincheriano che connotano l’indagine – e restringendoli se necessario. Dal secondo atto in poi, per arrivare alla chiusa finale forse più emblematica del 2022, Holy Spider racconta l’orrore dell’oggi. Non siamo nel territorio dell’horror di creature, che Abbasi ha esplorato con Border – Creature di confine, ma nel terrore dell’Iran della religione, dove il vizio è nascosto sotto il tappeto. Dove una moglie può arrivare a giustificare un marito che uccide prostitute e la città può addirittura manifestare in suo favore. Ma, soprattutto, dove è proprio un ragazzo a spiegare che, se il governo non farà nulla per ripulire le strade, qualcun altro assumerà il ruolo di assassino.

L’indagine è donna

Film di denuncia necessario, ancora e soprattutto oggi dopo i fatti del 13 settembre 2022 di Mahsa Amin, picchiata a morte dalla polizia morale iraniana per non aver rispettato l’obbligo di indossare il velo, Holy Spider stesso gioca con la simbologia dell’hijab tramite la sua protagonista. Rahimi è una reporter incrollabile, che arriva dalla capitale e non vuole mettersi il velo e che, comunque, lo indosserà a suo modo (una ciocca di capelli tenterà sempre di sfuggirgli). È una giornalista che si porta dietro uno scandalo simile a quello per cui la stessa Zar Amir Ebrahimi è stata esiliata dall’Iran. Proprio l’hijab, permette a Rahimi di investigare, di condurre un’indagine autonoma, lontana dall’inadempienza dei poliziotti. L’hijab le permette di abitare le strade di Mashhad, di scrutare con lo sguardo i tanti uomini che circolano in moto la notte, alla ricerca del giustiziere impavido, un Ayatollah autoproclamatosi tale e che trova nell’inamissibile consenso di una giuria di fedeli il motivo per continuare ad attaccare. Abbasi cura anche la fisionomia di Ebrahimi, rendendola parte fondamentale del suo essere detective in una città che non è la sua: paradossalmente, quando indossa il velo, Rahimi sembra più giovane, prende tutta la frescrezza della sua posizione, vive dell’indagine. In poche parole, è una donna di Mashhad. Nella sua stanza, mentre telefona alla madre, che le chiede se prima o poi avrà intenzione di tornare a casa, Rahimi dimostra effettivamente la sua età: è una donna che ha vissuto, con un passato difficile alle spalle, annichilita dall’Iran e che vuole sventrarlo con l’arma della denuncia.

L’attrice protagonista Zar Amir-Ebrahimi offre una performance formidabile, catturando in modo convincente il coraggio e la determinazione del suo personaggio. Mehdi Bajestani, invece, assume un ruolo difficile e complesso, permettendoci di vedere i diversi lati di un uomo tormentato e di un mostro impenitente. Il duello attoriale tra i due è sublime e ricorda a tratti gli incontri tra Clarice e il dottor Lecter ne Il silenzio degli innocenti.

L’azione politica, dopo la cattura

Cosa succede una volta che il killer è preso? Quando il film di Abbasi diventa politico, ci rendiamo ancora più conto di quanto il regista di origini iraniane sia abile a giocare coi generi. Il processo mediatico in cui l’assassino viene trattato come un eroe e le vittime vengono incolpate diventa sguardo cupo su una società che non vede nulla di male nella morte delle prostitute, che riporta la narrazione – e ci riporta come pubblico – al presente, chiarendo che il machismo è perpetuato da generazioni di uomini. Holy Spider è un film su una società di serial killer, oltre l’indagine, che analizza la figura di Saed Hanaei come segno, come prodotto di una morale che ti vuole uomo e martire, che ti obbliga a ordinare una crociata personale se non sei andato in guerra.

Se nei due film precedenti, Shelley (2016) e Border (2018), Abbasi si era avvicinato al terrore tentando di catturarlo visivamente, in Holy Spider questo è latente, in ogni inquadratura. Il terrore è essere una donna in Iran. Il terrore è l’idiosincrasia persiana, è l’abitare una città sacra profanata dal colore verde. Il terrore è una progenie che vuole mettersi sugli stessi palsi falsi dei genitori, che non ha paura a nascondere una donna sotto al tappeto, renderla cavia, muoverla e rigirarla – anche se si tratta della propria sorella – per istruire l’altro. Qualcuno che verrà e accetterà: un nuovo ragno.

Quante volte ci è capitato di desiderare l’ultimo prodotto di tendenza lanciato sul mercato? Per esempio, il nuovo e costoso modello di iPhone con le stesse funzionalità di quello precedente, la nuova utilissima cover porta lipgloss di Hailey Bieber, la minuscola borsa di Miu Miu tanto celebrata dalla canzone di Tony Effe, o… un nuovo esclusivo e costosissimo paio di scarpe. Ed è proprio un paio di sneakers bianche dal design futuristico, chiamate Typo 3, a essere al centro del dramma italiano Holy Shoes. Il film, che segna il debutto alla regia di Luigi Di Capua (noto componente del collettivo The Pills e già sceneggiatore per due Smetto quando voglio), sarà nelle sale italiane dal 4 luglio 2024 con Academy Two.

Di cosa parla Holy Shoes?

Presentato Fuori Concorso nella sezione La prima volta al 41° Torino Film Festival, Holy Shoes è una fiaba dark che intreccia quattro drammatiche storie ambientate nella periferia romana. I racconti sono accomunati dall’ossessionante desiderio di essere ciò che non siamo e possedere ciò che non abbiamo per sentirci parte del mondo attuale. Un mondo fatto di etichette e listini prezzi, dove c’è sempre meno spazio per l’autenticità e la diversità. Pur con vite, attitudini e modalità differenti, Filippetto, Bibbolino (Simone Liberati), Mei (Tiffany Zhou) e Luciana (Carla Signoris) vivono lo stesso dramma contemporaneo di una società che inghiotte e aliena tutto ciò che incontra, senza alcuna pietà.

I quattro protagonisti di Holy Shoes sperimentano dunque quella dolorosa solitudine e forte bisogno di accettazione che tutti hanno provato nella propria vita: mentre l’adolescente Filippetto fa di tutto per accaparrarsi un paio di Typo 3 da regalare alla sua fidanzatina benestante, sperando così di sentirsi meritevole del suo amore; l’insicuro rampollo Bibbolino, nel tentativo di dissociarsi dalla famiglia altoborghese, smercia costose sneakers tra i trapper e utilizza le Typo 3 per dimostrare a sé stesso di essere un bravo padre. Infine, Mei, una giovane donna cinese, inizia un commercio clandestino di Typo 3 contraffatte per riscattarsi socialmente e garantirsi un futuro migliore a Boston.

A queste tre storie si aggiunge una quarta, più adulta e commovente, in cui le protagoniste non sono le tanto ambite Typo 3, ma un paio di eleganti e sensualissime Marmont nere con suole rosse indossate da Luciana. Il personaggio di Carla Signoris è una donna di mezz’età, insoddisfatta della propria vita e del proprio matrimonio, che riscopre un giorno la propria femminilità grazie a dei tacchi gettati via dalla finestra dalla sua tanto affascinante quanto sfortunata vicina di casa. Nonostante tutte le storie siano accomunate dal fatto che le scarpe rappresentano il potere disfunzionale che oggi gli oggetti esercitano su di noi, la storia di Luciana si distingue nettamente dalle altre: Luciana non desidera delle scarpe per elevarsi socialmente o per essere amata e stimata dagli altri. Il suo desiderio è più profondo, intimo e sincero: Luciana è alla ricerca di sé stessa, della donna che era, e quelle scarpe diventano lo strumento per poter amarsi nuovamente e riscoprire la propria femminilità.

Dimmi che scarpe indossi e ti dirò chi sei: la critica sociale di Di Capua

Tra scene oniriche (per esempio, quella iniziale che mostra le Typo 3 come reliquia, o la scena in cui decine di scarpe colorate piovono per strada) e dura realtà, Holy Shoes analizza profondamente gli effetti collaterali della nostra società contemporanea. Una società che ha fatto del consumismo e della globalizzazione un virus omicida.  Si riflette così la realtà raccontata dal filosofo Zygmunt Bauman, quella di una “società liquida”, dove l’apparente e perenne connessione tra individui (più online che “onlife”) nasconde in realtà un crescente e preoccupante individualismo che isola le anime, elevando l’apparire a un valore supremo. Con una palette di colori freddi e pessimisti, Di Capua porta quindi questa critica sociale e universale sul grande schermo e lo fa servendosi di una Roma anonima, insolita e accelerata come sfondo principale, e che potrebbe rappresentare qualsiasi altra grande metropoli del mondo.

Nonostante una narrazione corale a tratti complessa, che potrebbe risultare confusa e faticosa per lo spettatore, Holy Shoes si distingue per essere una profonda critica sociale, arricchita dal talentuoso cast e da una rappresentazione accurata e cruda di un presente deprimente. Il film esplora come la società contemporanea abbia paradossalmente permesso agli oggetti di assumere un potere determinante nella definizione e nell’influenza della nostra identità. Con il suo debutto alla regia, Di Capua incita quindi a una riflessione sulla nostra relazione con il consumo e sull’importanza di un’autenticità personale che vada oltre le convenzioni superficiali della modernità.

Holy Motors racconta la giornata di Oscar, un uomo che per lavoro cambia continuamente identità. Trasportato nei vari angoli di Parigi a bordo di una limousine-camerino dell’autista e segretaria Celine, il protagonista è ora un imprenditore e padre di famiglia, ora un modello per la motion capture, un killer, un vorace barbone guercio, un anziano morente, un suonatore.

Holy Motors è un lavoro enigmatico e sperimentale, orgogliosamente lontano al cinema tradizionale ma non per questo noioso o fastidiosamente aristocratico. Una performance di quasi due ore in cui il protagonista Oscar (interpretato da Dennis Lavant, attore feticcio di Leos Carax), per lavoro, cambia di continuo identità. Teatro della martellante metamorfosi è Parigi, attraversata a bordo di una limousine-camerino guidata Celine, fedele segretaria e autista di Oscar.

Holy Motors è un piacevole delirio che parla come un sogno, o come un incubo. Lo spettatore ha tutto il diritto di aspettarsi una rivelazione “razionale” che spieghi  l’enigma, ricomponga, motivi la processione parigina di Oscar. Attesa vana, perché una risposta in tal senso, dal film, non arriva. Inutile indagare sul piano della “storia”, perché la partita del significato si gioca a un diverso livello. Holy Motors è un trattatello sul cinema – come arte, come industria – sulla finzione, sulla fruizione, sul guardare. Così raffinato e puro dal mandare in tilt i tanti e troppi fan del metacinema a ogni costo, che si emozionano al primo monitor inquadrato.

L’esibizione della macchina cinema è chiara sin dall’incipit, un meta-monolite (e sequenza meno riuscita, perché banale, anche se affascinante): il regista Carax si risveglia in una squallida stanza d’albergo; trova in una parete una magica porta che lo conduce in una grande sala cinematografica. La luce del proiettore è abbagliante, colta in tutto il suo potere generatore. La sala è gremita, rischiarata dai lampi dello schermo, solcata da un molosso ciondolante e posticcio.

Ma Oscar, per chi lavora? Come detto, non arriva un biondo angelo della razionalità a spiegarci per quale criminosa e perversa società il protagonista agisca. Il committente è lo spettatore, la sua voglia di vedere. Di vedere morte, sesso, videogiochi, musical, addii, follie cannibali e florofaghe. Chi guarda subisce un’escursione tra generi, immagini e suoni articolata con una visionarietà tale che è davvero difficile credere che quanto scorre sullo schermo sia cosa e cinema – anche di quello che dice di sé – di questo mondo.

Obbligatorio lasciarsi trasportare da Holy Motors, grande e indomabile film.