Luc Besson porta al cinema The Lady, la storia di Aung San Suu Kyi, attivista birmana che per circa 15 anni ha scontato un isolamento forzato nella sua casa a Rangoon con l’unica colpa di aver sostenuto il suo popolo e la battaglia per la libertà ed i diritti civili.

The Lady racconta la vita di questa donna straordinaria, divisa tra dovere politico e sociale, ereditato dal padre generale martire del golpe, e amore di moglie e madre, che con contegno ma con grande passione continua a coltivare nei lunghi anni di prigionia. Besson ci mostra così un altro ritratto di donna, dopo le eroine storiche e fantastiche che negli anni ci ha proposto, ma questa volta sceglie di narrare l’amore unitamente ad un obbiettivo: quello di dare voce ad una situazione politica e sociale unitamente ad una personalità rara e preziosa.

The Lady, il film

Ad interpretare l’orchidea d’acciaio c’è Michelle Yeoh, che per questo ruolo ha dovuto imparare il birmano, oltre che un inglese ‘così come lo parlerebbe lei’. Elegante e pacata, interpreta con grande efficacia la donna che ha fatto della lucida razionalità e della non violenza un suo marchio distintivo. Al suo fianco, nel ruolo del marito, il Professor Micheal Aris, c’è lo splendido David Thewlis, già interprete di importanti film, come L’Assedio di Bertolucci e The New World di Malick, oltre che della saga di Harry Potter. L’attore inglese da ulteriore prova di straordinaria bravura, interpretando un uomo innamorato e fedele, oltre che fermamente convinto nel suo percorso e in quello della moglie, ma anche un uomo che fa i conti con la mancanza, la sofferenza e la malattia.

The Lady si dipana per 127 minuti, forse un po’ troppi, ripercorrendo gran parte del cammino che ha portato Suu ad intraprendere la sua carriera di attivista fino alla scarcerazione e alla morte per cancro del marito. Una delle maggiori difficoltà interpretative per gli attori, è stata quella di indossare i panni di persone che esistono e sono esistite, senza però avere la possibilità di confrontarsi con loro, né avere un riscontro diretto del proprio lavoro.

La potenza della storia, unitamente all’uso ricattatorio della musica, ne fanno un prodotto molto commovente, ma che nelle intenzioni del regista deve probabilmente gettare luce sulle atrocità che ancora vengono perpetrate in Birmania contro i cittadini.

Si sa, oggi le commedie made in Italy tendono a fossilizzarsi su battute spicciole, rivolgendosi ad un pubblico senza troppe pretese che, anzi, si riconosce e si sente quasi tranquillizzato davanti a quest’umorismo di stampo “casereccio”. Non stupisce dunque che anche l’ultimo prodotto del settore, nelle sale venerdì, s’inserisca nel sopracitato filone: Non me lo dire.

Mia Benedetta, il film

Diretto da Vito Cea, Non me lo dire racconta una storia semplice: Lello (Uccio de Santis), popolare comico pugliese, viene lasciato da un giorno all’altro dalla moglie Silvia (Mia Benedetta), reo di averla trascurata per il lavoro. Disperato, Lello abbandona la sua compagnia teatrale e si rivolge ad uno psicanalista. Questo gli consiglia di intraprendere un lungo viaggio per la Puglia alla ricerca dei suoi fans, di cui l’attore conserva svariate lettere. Dopo alcuni incontri finiti male, conoscerà la sensuale e disinibita Rossella (una Alyn Prandi sempre sopra le righe), che tenterà di conquistare il proprio idolo.

Nel ruolo del fonico sordo soprannominato “Volume” c’è Nando Paone, caratterista napoletano amato da Salemme e di recente visto in Benvenuti al Nord, che  insieme a “Salvavita” (Umberto Sardella) accompagna Lello nella sua avventura. Gli attori, che – fatte le dovute eccezioni – non sarebbero di per sé malaccio, sono penalizzati da un copione in fondo banale, prevedibile, in cui il luogo comune è di casa. Vedi, tra le altre, la scena in cui due cabarettisti della compagnia ci provano a turno con la bellona un po’ passatella del gruppo (Antonella Genga), proponendo “due spaghetti saltati” nelle proprie case: invito al quale la bionda riccioluta risponde con un “Sì, saltati nel senso che prima butti la pasta, e poi mi salti addosso”. Mah. Certo, qualche gag azzeccata si trova quà e là – irresistibile la sequenza in cui Lello si reca da un’ammiratrice bambina e, dietro la porta di casa, fa parlare un peluche di coniglietto di fronte al padre attonito. E una risata ci scappa nel vedere Volume e Salvavita alle prese con i pantaloni troppo corti del primo durante un banchetto nuziale, colti in una posizione fraintendibile da una signora benpensante che, passando, esclama inorridita “Che schifo!”.

Detto ciò, il risultato di Non me lo dire prodotta dalla IDEA (società fondata nel 2005 dallo stesso protagonista) è una commediola di fatto priva di sostanza. Spassosa certo, decisamente spensierata, quasi ingenua nel messaggio proposto (gli affetti sono più importanti della carriera). Sorprende però che abbia ricevuto i finanziamenti dal Ministero per i Beni Culturali – soprattutto quando lo stesso trattamento non è stato riservato a pellicole meritevoli e di recente uscita come Sulla strada di casa, opera prima di Emiliano Corapi. Ma rincuoriamoci: scorrendo l’indice sull’elenco dei film in programmazione nelle sale italiane, ci si rende conto che, in effetti, c’è di (molto) peggio.

Incontri ravvicinati del terzo tipo è il film del 1977 diretto da Steven Spielberg e con protagonisti nel cast Richard Dreyfuss, Francois Truffaut, Teri Garr, Melinda Dillon e Bob Balaban.

• Anno: 1977
• Regia: Steven Spielberg
• Cast: Richard Dreyfuss, Francois Truffaut, Teri Garr, Melinda Dillon, Bob Balaban.

Nel deserto di Sonora lo scienziato Lacombe (Francois Truffaut) scopre col suo gruppo di ricerca alcuni aerei dispersi durante la seconda guerra mondiale, intatti: al loro interno, nessuna traccia dei piloti. Con il suo interprete americano Laughlin (Balaban), dà il via ad una lunga indagine per trovare una spiegazione. Parallelamente nell’Indiana un bambino di 3 anni, Barry, si sveglia durante la notte per vedere i propri giocattoli muoversi da soli, l’elettricista Roy Neary (magistralmente interpretato da Richard Dreyfuss) assiste all’inseguimento di 4 dischi volanti da parte della polizia.

Roy inizia ad essere ossessionato da un’immagine mentale a forma di montagna, che cerca di riprodurre in tutti i modi. La stessa ossessione che ha Jillian (Melinda Dillon), protagonista di un incontro ravvicinato nella propria casa, al termine del quale il figlio Barry verrà risucchiato da un’intensa luce emanata dal cielo.

Incontri ravvicinati del terzo tipo

Nel frattempo, Lacombe localizza il luogo in cui avverrà il contatto con gli extra-terrrestri: la Torre del Diavolo, nel Wyoming. Per non avere testimoni, le autorità governative provvedono alla totale evacuazione della zona. Ma Roy, Jillian e altre persone toccate dagli straordinari incontri vedono in tv la Torre  e riconoscono in essa l’immagine da cui sono ossessionati. Fuggendo al controllo delle autorità, i due arriveranno al luogo dell’incontro. Memorabile la sequenza finale, in cui umani ed alieni comunicano attraverso musica e colori: un grandioso dialogo tra specie che si conclude con la liberazione delle persone rapite negli anni (mai invecchiate), e con Roy unico scelto dagli extra-terrestri per andare con loro.

Spielberg ribalta un tema caro all’immaginario cinematografico, ipotizzando la possibilità di un rapporto pacifico tra mondi diversi. L’alieno non è più, dunque, un’entità maligna venuta per distruggere, bensì un essere aperto al dialogo, portatore di un messaggio di pace e collaborazione. Sublime prova di maestria tecnico-registica accompagnata dal genio musicale di John Williams, il film racchiude in sé motivi classici del cinema spielberghiano – come l’esaltazione dei bambini, gli unici realmente capaci di relazionarsi con cio che è diverso. È inoltre evidente un elogio dell’istintività, del gioco come dimensione primaria dell’esistenza (non è un caso che Roy voglia a tutti i costi portare i figli a vedere Pinocchio).

Gli alieni, con cui ci troviamo faccia a faccia solo nel finale, sono tuttavia una presenza incombente per tutto il film. C’è però da dire che qui Spielberg resta concentrato sugli esseri umani, sui loro sogni, senza arrivare all’analisi del rapporto uomo/extra-terrestre (per questo bisognerà aspettare E.T.).

Candidato a 8 nomination, Incontri ravvicinati del terzo tipo vinse solo 2 Oscar – per la fotografia e gli effetti speciali di Douglas Trumbull. Di certo meritava qualcosa in più.

Come reagireste se scopriste che il vostro timido e sbadato figliolo è un attore di film porno? È questa la notizia che sconvolge le esistenze di Lucia e Fausto, alias Luciana Littizzetto e Rocco Papaleo, nel film È nata una star?, diretto da Lucio Pellegrini e dal 23 Marzo nei cinema. Ad affiancare i due protagonisti nel ruolo di Marco, ventenne superdotato e pasticcione, il giovane figlio d’arte Pietro Castellitto. La scoperta improvvisa della doppia vita del ragazzo, se all’inizio sarà traumatica per i genitori, diventerà uno spunto per farli riflettere sull’incomunicabilità che si crea all’interno del nucleo familiare ed una miccia che riaccenderà la loro sopita passione.

E’ nata una star?, il film

È nata una star? è tratto dall’omonimo romanzo di Nick Hornby e nelle intensioni della regia c’è di tenersi fedele alle atmosfere e alle tinte leggere ed ironiche tipiche della penna dello scrittore, con l’unica eccezione, oltre all’ambientazione tutta italiana, il personaggio interpretato da Papaleo, più istintivo e fumantino dell’alter ego inglese.

Nonostante la scelta azzeccata di girare È nata una star? nella borgata Leumann di Collegno, ed il sostegno di ottimi sceneggiatori – fra i quali spicca Massimo Gaudioso, braccio destro di Matteo Garrone per Gomorra, Primo Amore e L’imbalsamatore – il ritmo della commedia procede spesso a rilento soprattutto nelle sequenze centrali. Anche i dialoghi sono ben distanti dall’irresistibile umorismo al vetriolo dello scrittore inglese.

Le musiche realizzate da Brunori Sas sono suggestive ma forse, per non contraddire una brutta abitudine della commedia italiana degli ultimi anni, troppo presenti. Rocco Papaleo e più di lui Luciana Littizzetto, appaiono a tratti un po’ sottotono anche se la scelta di rendere più realistici e quotidiani i personaggi non è casuale. Malgrado le tematiche affrontate, facili alla battuta sagace, non si scade mai nella volgarità e forse è proprio questo un altro punto a favore del film.

Mary Reilly è un film del 1995 diretto da Stephen Frears e con protagonisti Julia Roberts, John Malkovich e Glenn Close.

Mary Reilly è un film tratto dal romanzo scritto da Valerie Martin dal titolo La governante del dottor Jekyll che a sua volta riprende la storia fantastica di radice “noir” ideata da Robert Louis Stevenson nel 1886 per il suo libro Lo strano caso del dott. Jekill e del signor Hide considerato il più importante testo scritto da Stevenson, perché appartiene alla storia dei classici della letteratura fantastica mondiale che condensa più generi (giallo, noir, thriller d’azione) rafforzati dall’atmosfera che suscita terrore e mistero.  Mary Reilly racconta invece la storia attraverso gli occhi della domestica interpretata da Julia Roberts che lavora a casa del medico Jekill, e che finisce per innamorarsi, ricambiata, del misterioso dottore.

Il regista Stephen Frears ricostruisce questa reciproca attrazione sottolineando i caratteri del desiderio misto al soddisfacimento del piacere che cerca insistentemente Hide mentre Jekill nutre un sentimento sincero verso la giovane illibata e innocente che si lascerà sedurre dalle fantasie del medico. Per la prima volta Hide non è completamente orribile e il suo forte è nel feeling erotico che sprigiona muovendosi. La Londra del film, perfettamente ricostruita nelle scenografie, ha il sapore tipicamente malinconico e decadente di fine Ottocento.

Mary Reilly: recensione del film con Julia Roberts

Il doppio personaggio Jekill/Hide è interpretato dal bravissimo John Malkovich che mostra l’attrazione verso la ragazza e contemporaneamente è killer spietato dopo la trasformazione causata dalla pozione che studia chiudendosi sempre nel suo laboratorio.

In città si diffonde il panico per i delitti del misterioso uomo (citazione reale degli omicidi compiuti a Londra a fine ‘800 da Jack Lo Squartatore) e Mary diventa corriere per conto del medico per consegnare assegni di risarcimento presso il locale bordello gestito dalla bellissima e vitale Mrs. Farraday (Glenn Close), maîtresse che verrà orrendamente uccisa e decapitata insieme ad un politico. La polizia attraverso le indagini arriverà al Dr. Jekyll che verrà scoperto anche da Mary, quando troverà nel letto il disgustoso e spietato Hyde.

Mary Reilly è stato accolto con freddezza ma apprezzato per l’elegante sceneggiatura di Christopher Hampton, la fotografia noir e triste di Philippe Rousselot e per le geniali scenografie di Stuart Craig, che ha trasformato il laboratorio del dottor Jekyll in un astratto teatro anatomico che ricorda le autopsie di Leonardo.

Arriva al cinema Quijote, il Don Chisciotte di Mimmo Paladino con Peppe Servillo, Lucio Dalla, Ginestra Palladino, Enzo Moscato, Alessandro Bergonzoni.

Nello spazio del pensiero l’uomo è solo e da solo si parla, si guarda. I suoi pensieri costruiscono la coscienza, divengono forti, più forti di tutto il resto… più forti di lui. Così, nei suoi pensieri, l’uomo non si trova più. Cos’è dentro di me e cos’è fuori? Chi può dirlo? Nessuno.

Il Don Chisciotte di Paladino mette in scena i luoghi e le perdizioni della mente in un’opera visiva di estrema grandezza ed originalità. Ormai radicato nell’immaginario occidentale, il capolavoro di Cervantes non necessita più di un racconto, ma di una rappresentazione: questa la tacita intenzione a cui sembra obbedire l’opera prima di Paladino, artista tra i più ammirati della transavanguardia.

Come in un teatro, gli interpreti creano spazio e tempo, incastrati in installazioni artistiche di altissimo livello evocativo. Lo spettatore assiste inerme allo spettacolo dell’uomo e si smarrisce a sua volta in esso: è sogno, è allucinazione o è realtà? Ogni fotogramma è un affresco perfettamente concluso, eppure sempre aperto e costellato di citazioni, da Kounellis a Borges a Bergman. In un periodo in cui i mondi espressivi sembrano essersi chiusi in circuiti perfettamente autosufficienti e conclusi, Paladino amalgama sapientemente tutte le arti per far sì che ritrovino il loro centro: l’emozione.

Un cast ricchissimo, a partire da Peppe Servillo a Ginestra Paladino, Angelo Curti, Remo Girone e Lucio Dalla, nel ruolo di Sancho. Nelle parole del cast lavorare con due artisti e maestri dell’ “intuizione all’improvviso”, come Paladino e Dalla è stata un’esperienza tanto strana quanto illuminante.

Presentato a Venezia nel 2006, Quijote  ha avuto uno straordinario successo di premi a livello internazionale… ora non resta che apprezzarlo in Italia a partire da Venerdì 23 Marzo nelle sale del circuito di Distribuzione indipendente.