È un esordio delicato, dolente ma ricco di speranza quello di Luca Zingaretti con La casa degli sguardi. Presentato nella sezione Grand Public della Festa del Cinema di Roma, il film – liberamente ispirato all’omonimo romanzo di Daniele Mencarelli – è infatti un’esplorazione delle varie sfumature possibili del dolore, compresa quella di luogo dell’anima da cui ripartire per ritrovare una dimensione di felicità. Ed è proprio questo il fulcro dell’opera, che – come afferma lo stesso Zingaretti – “parla del dolore, ma non in termini negativi, ma come ingrediente necessario per la felicità, perché dolore e gioia sono fatti della stessa materia“.

Scritto insieme a Gloria Malatesta e Stefano Rulli, il neo regista (che in realtà ha già compiuto il passaggio dietro la macchina da presa per alcuni episodi di Il commissario Montalbano, ma che si cimenta ora per la prima volta con un lungometraggio) sceglie dunque un racconto molto intimo, sussurrato, dove – come il titolo suggerisce – contano di più gli sguardi che non le parole. Sono questi, quelli sostenuti, evitati, temuti e sperati, a portare avanti il racconto, a raccontarci i personaggi e i loro complesso e agitato mondo interiore.

È il 1981 quando Sam Raimi (recentemente tornato alla regia con Doctor Strange nel Multiverso della Follia) porta cinque ragazzi in uno chalet di montagna per farli scontrare con uno spietato demone maligno. Nasce così La casa, uno dei più celebri cult del cinema horror, capace di prendere le regole del genere e farne qualcosa di nuovo. 42 anni, due sequel, un remake e una serie televisiva dopo, ci spostiamo ora dal bosco alla città con La casa – Il risveglio del male, diretto da Lee Cronin e prodotto dallo stesso Raimi. Un cambio di location che aggiorna dunque la saga, in quello che è a tutti gli effetti un quinto capitolo reboot.

Nuova location, sì, ma anche ulteriori altri elementi che, in linea con la politica dei reboot, hanno l’obiettivo di far sintonizzare questo nuovo film con le attuali tendenze e sensibilità, del cinema ma non solo. Inutile girarci però intorno, La casa – Il risveglio del male è concepito per spaventare e di paura riesce a suscitarne, tanta. Lo fa già a partire dal nuovo contesto: un lugubre condominio di Los Angeles. Qui, tra corridoi caratterizzati dalla semi oscurità e da ampi spazi aperti e abbandonati, vive Ellie (Alyssa Sutherland), tatuatrice e madre di tre figli, che riceve la visita di sua sorella Beth (Lily Sullivan), tecnica del suono per una rock band e da poco scopertasi incinta.

Una famiglia senza padri, dunque, che può contare solo sulla forza della propria unione. Il ricongiungimento delle due sorelle è però compromesso dal ritrovamento di un antico libro, ricco di inquietanti illustrazioni realizzate col sangue. Un ritrovamento che, di suo, aggiunge ulteriore tensione al racconto. Basta poi l’ascolto di alcune registrazioni di quanto in esso scritto per scatenare un demone in carne e ossa sulla famiglia. Ed è qui che subentra l’orrore definitivo: impossessatosi di Ellie, il demone costringerà i restanti protagonisti ad una crudele, violenta e primordiale battaglia per la sopravvivenza.

La casa – Il risveglio del male è pura follia orrorifica

Se il remake del 2013 ha sconvolto gli spettatori per l’elevato livello di atrocità e sangue, La casa – Il risveglio del male è pronto a scioccare ancor di più quanti avranno il coraggio di affrontare la sua visione. Nel corso dei suoi 97 minuti di durata, il film offre infatti un continuo alternarsi tra semplice stato di allerta a momenti di puro orrore. Non ci sono pause, non c’è possibilità di tirare sospiri di sollievo. Proprio come quando si va sulle montagne russe, che finché non se ne scende si vive un continuo senso di terrore (ma anche eccitazione, per i più coraggiosi), così La casa – Il risveglio del male da quando inizia e fino ai suoi titoli di coda costringe a confrontarsi con scioccanti mutilazioni, elementi splatter, jumpscare, sangue a non finire e molto altro ancora.

Quanto visto nel trailer, già di suo particolarmente impressionante, è solo parte di ciò che il film ha da offrire. Il che farà certamente piacere agli appassionati del genere dallo stomaco forte, che davanti a sequenze come quella in cui viene adoperata una grattugia o ancora quelle che prevedono lo smembramento dei corpi, ritroveranno soluzioni visive e idee di messa in scena realizzate con un certo gusto. Senza dimenticare la mamma demoniaca interpretata dalla Sutherland: una presenza memorabile, spaventosa già solo per il trucco che la caratterizza. Elementi, questi, che fanno di La casa – Il risveglio del male un horror decisamente convincente che, anche riprendendo inquadrature tipiche dell’estetica di Raimi o fornendo omaggi ai classici horror, centra in pieno l’obiettivo di fare paura. Forse facendone anche troppa.

Quella certa paura di una scrittura più ambiziosa

Tanto orrore, dunque, che è indubbiamente ciò che un film come La casa – Il risveglio del male deve offrire ai propri spettatori, ma carente è stata l’attenzione riposta nella sua scrittura. Certo, abbiamo un cambio di location che “svecchia” la saga (in modo molto simile a quanto avvenuto con Scream VI), due madri emancipate e attuali riflessioni legate al tema della maternità e della famiglia non tradizionale. Eppure, Cronin (anche sceneggiatore del film oltre che suo regista) sembra non aver avuto il coraggio di usare tali elementi in modo più ambizioso. La paura generata ad esempio dagli spazi in cui si muovono i protagonisti è merito più di una regia attenta a valorizzare tali ambienti, che non di una scrittura che invece si limita ad utilizzarli nel modo più canonico.

Naturalmente l’aspetto visivo in un horror ha la precedenza e come già riportato La casa – Il risveglio del male in questo eccelle. Ma il mancato sostegno di una sceneggiatura meno prevedibile, meno canonica, si fa sentire in più momenti. Viene così a mancare, ad esempio, un maggior approfondimento dei personaggi protagonisti, che avrebbe invece potuto conferire ulteriore valore tanto alla loro presenza nel film quanto al film stesso. Conseguenza più evidente di questa carenza è però la mancanza di un senso di imprevedibilità, attraverso il quale si sarebbe potuto iniettare nello spettatore un terrore capace di continuare anche oltre l’uscita dalla sala. La casa – Il risveglio del male regala invece un shock temporaneo, ma considerando il livello di questo shock probabilmente va bene anche così.

C’è qualcosa di profondamente necessario in La camera di consiglio, il nuovo film di Fiorella Infascelli, presentato nella sezione Freestyle della Festa del Cinema di Roma e in uscita il 20 novembre con Notorious Pictures. Dopo anni di cinema che ha guardato alla mafia come a un tema di superficie, Infascelli sceglie di tornare al cuore della questione: la responsabilità. Non quella del criminale, ma quella di chi deve giudicarlo. Il film racconta la camera di consiglio più lunga della storia giudiziaria: trentasei giorni di isolamento in cui otto giurati, chiusi in un appartamento-bunker all’interno del carcere dell’Ucciardone di Palermo, dovettero decidere condanne e assoluzioni per 470 imputati del Maxiprocesso.

Ambientato alla fine degli anni Ottanta, La camera di consiglio si muove dentro una dimensione sospesa, dove la tensione storica del Maxiprocesso si intreccia con la dimensione privata, umana e morale dei protagonisti. È un film che lavora sul tempo e sull’immobilità, sull’eco delle decisioni e sul peso della parola “giustizia”.

La sceneggiatura, firmata dalla stessa Infascelli insieme a Mimmo Rafele e con la collaborazione di Francesco La Licata, si avvale della consulenza di Pietro Grasso, che di quella camera di consiglio fu testimone diretto come giudice a latere del Maxiprocesso. Il risultato è un racconto che possiede il rigore della ricostruzione storica e la tensione del dramma morale. Non un film “di mafia”, ma un film sulla democrazia, sull’atto più difficile del vivere civile: giudicare.

La camera di consiglio, un teatro chiuso dove si decide il destino

Girato interamente in interni, La camera di consiglio adotta un’impostazione scenica quasi teatrale, nella quale i confini dello spazio coincidono con i confini della coscienza. La macchina da presa esplora ogni angolo dell’appartamento-bunker, restituendone la pesantezza e l’aria satura, mentre la luce filtra come un respiro difficile, mai completamente libero. In questa cornice, gli attori si muovono come figure costrette a confrontarsi non solo con la legge, ma con sé stesse. Ed è in questo secondo faccia a faccia che la regista riesce a trovare anche della leggerezza.

Sergio Rubini, nei panni del Presidente della giuria, è il fulcro del racconto: il suo personaggio incarna la lucidità, il rispetto per il principio di legalità, la resistenza alla tentazione emotiva. Il suo sguardo è quello di chi cerca di rimanere fedele alla ragione in un contesto dove la pancia, l’istinto e la rabbia potrebbero sembrare vie più facili e in qualche modo giustificate. È inevitabile il rimando a La parola ai giurati: come Henry Fonda, anche Rubini porta sullo schermo un’idea di giustizia che non è vendetta, ma responsabilità. Accanto a lui, Massimo Popolizio nel ruolo del Giudice a latere rappresenta il contraltare, la voce della legge che deve restare ferma anche quando la pressione morale diventa insostenibile.

Il film si nutre della forza del suo cast corale: Betti Pedrazzi, Roberta Rigano, Anna Della Rosa, Stefania Blandeburgo, Rosario Lisma e Claudio Bigagli danno vita a un gruppo eterogeneo di giurati, ciascuno portatore di una propria storia, di un proprio conflitto interiore. L’opera di Infascelli non li usa come funzioni narrative, ma come coscienze in movimento, che si osservano e si scontrano in un continuo processo di ridefinizione.

Ciò che colpisce è la precisione della regia: la macchina da presa non invade mai, osserva, ascolta, accompagna accentuando l’impianto teatrale del film. L’isolamento è palpabile e il tempo si dilata, diventando quasi un personaggio. Infascelli costruisce un ritmo ipnotico, dove la tensione non esplode, ma cresce per stratificazione. Le pareti dell’Ucciardone diventano una prigione fisica e mentale, e il fuori mondo, con le sue urla e i suoi fantasmi, resta solo evocato. Tuttavia, in questo spazio chiuso, la regista riesce a inserire momenti di respiro poetico: la ricerca del cielo da una finestra che non si apre mai, o la comparsa di un gatto sulle alte mura del carcere, presenze simboliche che aprono brecce nel realismo e suggeriscono la speranza di un altrove. In questi momenti, i giurati respirano, si aprono al futuro, fanno entrare l’ironia e la leggerezza che vanno di pari passo con il senso di responsabilità.

Infascelli scava con delicatezza dentro le paure dei suoi personaggi. Ogni dialogo pesa come una testimonianza, ogni silenzio contiene la fatica del giudizio. La scelta di alternare toni realistici a momenti sospesi, quasi metafisici, arricchisce il film di una dimensione ulteriore, dove la storia collettiva si intreccia con la ricerca di senso individuale.

Giustizia, memoria e umanità

Ciò che rende La camera di consiglio interessante è la sua capacità di unire il rigore civile all’intimità del dubbio umano. In quei trentasei giorni di isolamento, Infascelli trova il laboratorio perfetto per interrogare il rapporto tra individuo e istituzione, tra emozione e legge, tra giustizia e verità. Ogni personaggio porta con sé la propria misura di paura e di fede, e la regia sa restituirla con pudore, senza proclami.

Il film parla di una democrazia sotto pressione, di uno Stato che deve riconoscere la propria forza senza perdere la propria umanità. La condanna collettiva di Cosa Nostra, che nel Maxiprocesso segnò una svolta storica, diventa metafora di una nazione che finalmente sceglie di guardare in faccia il male, di riconoscerlo come sistema e non come eccezione. Ma il merito di Infascelli è quello di riportare questo passaggio epocale su una scala umana: otto persone, chiuse in una stanza, che devono scegliere tra giustizia e vendetta, tra dovere e compassione.

Nel linguaggio asciutto e nel ritmo contenuto, La camera di consiglio ritrova quella tradizione del cinema civile italiano che sapeva essere politico senza mai rinunciare alla sensibilità narrativa. È un film che non cerca l’applauso, ma il confronto, che si rivolge allo spettatore come a un cittadino, chiedendogli di partecipare, di ricordare, di prendere posizione.

Rubini e Popolizio offrono due interpretazioni complementari e magnetiche, sostenute da un ensemble coeso che restituisce la coralità del racconto. E mentre l’ambientazione chiusa potrebbe sembrare una limitazione, in realtà diventa la chiave per capire il senso più profondo dell’opera: la giustizia nasce sempre in uno spazio ristretto, in un luogo interiore dove si deve imparare a scegliere.

Fiorella Infascelli firma un film sobrio, intenso, profondamente civile, capace di parlare al presente senza perdere il legame con la Storia. La camera di consiglio non urla, ma lascia un’eco lunga, fatta di silenzi, di sguardi e di coscienze in conflitto. È un cinema che crede ancora nella memoria come forma di resistenza, nella giustizia come gesto umano, e nella responsabilità come atto d’amore verso il Paese.