Sono i molti i film dove uomini qualunque decidono di farsi giustizia da sé, insoddisfatti da quella offerta dalle autorità. Tra i titoli più recenti di questo filone si ritrovano Il giustiziere della notte e Vendetta finale, ma prima di questi, nel 2009, è arrivato al cinema il film Giustizia privata (qui la recensione), diretto da F. Gary Gray e scritto da Kurt Wimmer. Attraverso la storia qui narrata si esplora dunque la sfiducia nelle istituzioni, come anche il senso di colpa che si genera da situazioni al limite come quella qui raccontata. Il titolo originale, Law Abiding Citizen (letteralmente: cittadino rispettoso della legge), risulta particolarmente esplicito, e ironico, riguardo a tali argomenti.

Pur se accolto in modo negativo dalla critica, Giustizia privata si è affermato come un buon successo a box office. Il film è infatti arrivato ad un guadagno di circa 127 milioni di dollari a fronte di un budget di 53. Girato nella città di Philadelphia, sfondo ideale per una storia crime di questo tipo, il lungometraggio è poi stato candidato come miglior film d’azione ai prestigiosi Saturn Awards, perdendo però contro Bastardi senza gloria. Arricchito da un cast di grandi attori, tra cui alcuni premi Oscar, Giustizia privata è ancora oggi, a distanza di più di dieci anni, uno dei film più ricercati dagli amanti di questo genere.

Particolarmente teso e dinamico, questo riesce infatti a coinvolgere lo spettatore in una spirale di violenza e vendetta, abbattendo la distinzione tra buoni e cattivi. Ognuno dei personaggi presenti vanta infatti tante ragioni quanti torti. Prima di intraprendere una visione del film, però, sarà certamente utile approfondire alcune delle principali curiosità relative a questo. Proseguendo qui nella lettura sarà infatti possibile ritrovare ulteriori dettagli relativi alla trama e al cast di attori. Infine, si elencheranno anche le principali piattaforme streaming contenenti il film nel proprio catalogo.

La trama di Giustizia privata

Protagonista del film è l’ingegnere Clyde Shelton, il quale conduce una tranquilla esistenza nella città di Philadelphia, insieme alla moglie ed alla figlia. Purtroppo per lui, tutto ciò viene irrimediabilmente spezzato nel momento in cui durante una notte due criminali si introducono nella sua abitazione. Si tratta di Clarence Darby e Rupert Ames, i quali oltre a rubare ciò che possono decidono di violentare e uccidere la moglie e la figlia di Clyde sotto gli occhi di questi. I due vengono però arrestati, e l’ingegnere spera di poter vedere giustizia fatta. A causa di alcuni errori durante le indagini, però, non risultano esserci abbastanza indizi per condannare entrambi gli assassini.

L’avvocato Nick Rice, che ha in mano il caso, decide allora di patteggiare, convincendo Darby a testimoniare contro Rupert. Quest’ultimo verrà dunque condannato alla pena capitale, mentre l’altro viene rilasciato. Deluso e tradito dal sistema, Clyde cova allora il desiderio di ottenere una vendetta personale. Cose orribili iniziano infatti a capitare a quanti non hanno permesso che la famiglia dell’uomo ottenesse giustizia. Ben presto, Rice capisce di essere sulla lista dei condannati a morte e per poter evitare di fare una brutta fine dovrà riuscire a riscattarsi delle sue azioni, ottenendo il perdono di Clyde.

Il cast del film

Protagonisti del film, rispettivamente nei ruoli dell’ingegnere Clyde Shelton e dell’avvocato Nick Rice, sono gli attori Gerard Butler ed il premio Oscar Jamie Foxx. Originariamente, però, i due avrebbero dovuto interpretare l’uno il ruolo dell’altro. A proporre lo scambio sembra essere stato Foxx, più interessato ad interpretare il ruolo dell’avvocato. Butler, entusiasta dell’idea, acconsentì subito. Accanto a loro, nei panni del detective Dunningan vi è l’attore Colm Meaney, celebre per aver interpretato il personaggio di Miles O’Brien nel franchise di Star Trek. Il procuratore distrettuale Jonas Cantrell ha invece il volto di Bruce McGill, attore noto per i suoi ruoli da giudice o avvocato. L’attrice Leslie Bibb interpreta invece Sarah Lowell, collega di Nick.

Ad interpretare i due criminali, Clarence Darby e Rupert Ames, vi sono gli attori Christian Stolte e Josh Stewart. Il primo è principalmente noto per il ruolo di Randy “Mouch” McHolland in Chicago Fire, mentre il secondo è ricordato per serie come Squadra emergenza e Dirt. L’attrice Regina Hall, celebre per il ruolo di Brenda la migliore amica della protagonista della saga di Scary Movie, dà vita al personaggio di Kelly Rice, la moglie dell’avvocato Nick. Infine, la premio Oscar Viola Davis è presente nei panni del sindaco della città. Originariamente tale ruolo era stato offerto all’attrice Catherine Zeta-Jones, la quale ha però rifiutato la parte.

Giustizia privata è tratto da una storia vera?

In un’intervista, il regista ha parlato di alcune decisioni prese durante le riprese del film e delle ricerche effettuate. Uno dei commenti che si è più fatto notare è stata la dichiarazione che Giustizia privata non è “un documentario“. Con ciò il regista voleva intendere di non aver preso spunto da nessuna storia di vita reale a cui sentisse il bisogno di rimanere fedele. Tuttavia, Gray ha portato avanti numerose ricerche con l’obiettivo di rendere il film realistico. “Non ho mai visto un’esecuzione in vita mia, ma ho fatto delle ricerche in video. Penso che tutte le persone coinvolte abbiano fatto un buon lavoro nel creare quella che penso sia un’esecuzione che sarebbe andata male“.

Nella stessa intervista, Gray ha parlato delle armi utilizzate da Shelton, dicendo: “Ho fatto molte ricerche con esperti di armi e persone del Dipartimento della Difesa, e ho studiato molto gli strumenti della CIA. Quasi tutto è possibile. È questa la parte spaventosa. È questo che rende il personaggio così divertente e pericoloso“. Questo dimostra che, pur non essendoci un episodio specifico da cui Gray ha tratto i dettagli, la libertà creativa l’ha portato a cercare altre fonti per sviluppare le sue idee. In ogni caso, si può stabilire che Giustizia privata non è basato su una storia vera.

Il trailer del film e dove vederlo in streaming e in TV

Per poter guardare e approfondire il film e i suoi significati, è possibile fruirne grazie alla sua presenza su una delle più popolari piattaforme streaming presenti oggi in rete. Giustizia privata è infatti disponibile nel catalogo di Prime Video per il noleggio, l’acquisto o la visione compresa nell’abbonamento alla piattaforma. Si avrà così modo di guardarlo in totale comodità e al meglio della qualità video. Il film è inoltre presente nel palinsesto televisivo di lunedì 8 aprile alle ore 21:20 sul canale Italia 1.

Fonte: IMDb

Il cinema è molte cose: è la magia del suo farsi, è la possibilità per chi guarda di sognare una realtà diversa dalla propria, è la speranza per chi crea di poterla realizzare e racchiudere in un’unità perfetta e coerente. Può essere un rifugio, un modo di fuggire la vita, o piuttosto uno strumento, un veicolo di memoria e consapevolezza. È un mestiere da artigiani, certosino, quello di stupire e commuovere con le immagini, di saper trasmettere emozioni attraverso una forma rigorosa, far convivere istinto e stile, e far sì che tutto funzioni, come in una danza, o in una partitura musicale.

Tra i registi italiani d’oggi, quello che forse più di tutti ha voluto e saputo raccontare il fascino del cinema e il potere delle immagini, facendone al contempo strumento d’indagine della realtà e dell’individuo, è Giuseppe Tornatore. I suoi sono racconti di grande respiro, anche magniloquenti, grandi affreschi di spazi circoscritti – i paesini della sua terra d’origine, la Sicilia, protagonista di tante pellicole, amata, ma al tempo stesso esposta nelle sue contraddizioni e amaramente criticata; oppure contesti chiusi come il commissariato di polizia di Una pura formalità, o la nave Virginian de La leggenda del pianista sull’oceano -ma dal valore universale. Per questo le sue opere sono apprezzate anche all’estero e Tornatore può vantare tra i premi vinti la famigerata statuetta dell’Academy di Hollywood, ottenuta col suo secondo film Nuovo Cinema Paradiso. Inoltre, ad aumentare l’appeal del suo lavoro a livello internazionale, c’è sicuramente lo sguardo aperto del regista verso quel mondo e quel cinema, che ben volentieri ha coniugato più volte col nostro, scegliendo di dirigere attori di fama internazionale come Ben Gazzara, Philippe Noiret, Gérard Depardieu, Tim Roth e ora, nel suo ultimo film in uscita il 1 gennaio 2013, La migliore offerta, Geoffrey Rush, Donald Sutherland e Jim Sturgess. Una carriera partita dal teatro, proseguita come documentarista e per il grande schermo, dove in quasi trent’anni con una produzione piuttosto contenuta – una decina di lungometraggi  – ha imposto il suo nome nel panorama italiano e internazionale, senza tuttavia essere risparmiato da critiche e attacchi, come è accaduto con Baarìa, non molto apprezzato dalla critica, quasi per nulla premiato, al centro di polemiche per gli alti costi di produzione, solo in parte ripagati dagli incassi.

Giuseppe Tornatore nasce a Bagheria il 27 maggio del 1956. Come il personaggio di Totò in Nuovo cinema paradiso, la cui storia contiene diversi elementi autobiografici, Tornatore inizia presto (a dieci anni) a lavorare nell’ambito del cinema, facendo il proiezionista. Dunque non certo dalla parte delle “star”, bensì come artigiano del mestiere. Ma è l’immagine in tutte le sue forme ad interessare il futuro regista, così comincia anche ad approfondire la fotografia. Ed è proprio grazie ai servizi fotografici che mette da parte i primi risparmi. Questi gli consentono di acquistare la prima attrezzatura da documentarista. Il suo documentario d’esordio, Le minoranze etniche in Sicilia, è premiato e fa da trampolino di lancio verso una collaborazione con la Rai. Seguono infatti diversi lavori per l’emittente nazionale: il documentario Diario di Guttuso e due regie televisive: Ritratto di un rapinatore: incontro con Francesco Rosi, Scrittori siciliani e il cinema: Verga, Pirandello, Brancati e Sciascia.

L’esordio per il grande schermo risale al 1986, quando Tornatore dirige Il camorrista, in cui racconta il mondo della camorra attraverso un suo personaggio di spicco dell’epoca. La figura del protagonista, il Professore di Vesuviano, magistralmente interpretato da Ben Gazzara, si ispira infatti a Raffaele Cutolo – il film è tratto da un romanzo di Giuseppe Marrazzo ispirato proprio a Cutolo. Per questo lavoro il regista siciliano è subito premiato col Nastro d’Argento come miglior esordiente. Della pellicola Tornatore è anche sceneggiatore, come accadrà per diversi lavori successivi (qui assieme a Massimo De Rita). Inizia anche la sua collaborazione col fotografo Blasco Giurato, mentre le musiche sono di Nicola Piovani. Nonostante sia solo all’esordio, Tornatore mostra di saper ben padroneggiare il mezzo, realizzando un film avvincente, ricco di pathos drammatico, ma al tempo stesso senza fronzoli, coadiuvato dalle ottime interpretazioni del cast. Per quel che riguarda la materia, poi, non si limita certo a parlare di camorra come di un fenomeno locale e circoscritto, ma ne dà una visione più ampia che non manca di coinvolgere livelli politici e istituzionali nazionali e internazionali.

Due anni dopo è di nuovo dietro la macchina da presa per dirigere quello che a oggi è considerato il suo capolavoro: Nuovo Cinema Paradiso, di cui è anche sceneggiatore. Torna a lavorare con Blasco Giurato e chiama attorno a sé un ricco cast: Philippe Noiret, Pupella Maggio, Isa Danieli, Leopoldo Trieste, Antonella Attili, Enzo Cannavale e Agnese Nano, oltre a confermare la collaborazione con Leo Gullotta e Nicola Di Pinto. Ma oltre a Noiret, che interpreta Alfredo, il proiezionista del Cinema Paradiso nella Sicilia post bellica, il protagonista del film è Salvatore (da bambino, Salvatore Cascio, da adolescente, Marco Leonardi, da adulto, Jaques Perrin): la piccola peste che ama il cinematografo e vuole rubare al burbero Alfredo i segreti del mestiere, Salvatore che più tardi lascerà l’isola per Roma, dove diverrà un affermato regista. Il film è la storia di una grande amicizia, ma è innanzitutto un atto d’amore incondizionato per il cinema visto dalla parte della gente comune – quella che affollava le sale nel dopoguerra, quella come Alfredo che rendeva possibile tutto ciò stando dietro al proiettore – il cinema come mestiere artigianale dalla insostituibile funzione sociale, ma anche come mezzo per recuperare memoria di sé e della propria storia. Poi c’è il tema del coraggio e dell’emancipazione rispetto a una  realtà chiusa – quella dell’isola siciliana – che si ama ma che può diventare ostacolo alla realizzazione  delle proprie aspirazioni e talenti.

Una realtà da cui è necessario essere lontani per comprenderla, ma a cui tornare per comprendere fino in fondo sé stessi. Un rapporto complesso quello di Tornatore con l’isola natale che, ha affermato, “è stata a lungo il mio tema ricorrente”. Nel personaggio di Salvatore troviamo poi una caratteristica che sarà tipica anche di altri personaggi creati dal regista, un duplice aspetto: da un lato possiedono un’indubbia capacità, un talento, una grandezza in un certo campo – Salvatore, ad esempio, è un affermato regista – dall’altro, rivelano grandi debolezze, sono impauriti e fragili nell’affrontare il passato, l’essenza più profonda di sé a lungo rimossa, oppure il mondo esterno con le sue insidie, le difficili relazioni umane, l’ignoto, la morte. Il film,  prodotto da Franco Cristaldi, ha una strana fortuna: la sua prima versione, di 167 minuti, viene scarsamente presa in considerazione dal pubblico e passa sotto silenzio.

La seconda invece, accorciata a 118 minuti, rinunciando al racconto dell’incontro tra Salvatore e il suo amore di gioventù ormai adulti, ha un enorme successo sia nel nostro paese che all’estero, dove Tornatore riceve i riconoscimenti più prestigiosi, che lo lanciano nel firmamento delle star internazionali come erede della grande tradizione cinematografica italiana: innanzitutto l’Oscar, il Golden Globe e il BAFTA come miglior film straniero – quest’ultimo premio va anche a Philippe Noiret e Salvatore Cascio come migliori attori, protagonista e non, allo stesso Tornatore in veste di sceneggiatore e ad Ennio Morricone per le splendide musiche.  Ma i premi non arrivano solo dal mondo anglosassone. Tornatore si aggiudica anche lo European Film Award, e il Festival di Cannes gli assegna il Premio Speciale della Giuria. È un successo internazionale enorme, cui si aggiunge il David di Donatello ottenuto in patria per la colonna sonora di Ennio Morricone.

Nel ’90 il regista di Bagheria ha l’occasione di dirigere Marcello Mastroianni, che in Stanno tutti bene offre una delle sue ultime intense interpretazioni nei panni di un anziano che gira l’Italia alla ricerca dei suoi figli. La pellicola riceverà il Nastro d’Argento per la sceneggiatura – opera dello stesso regista assieme a Tonino Guerra e Massimo De Rita – e il premio della Giuria Ecumenica al Festival di Cannes. Nel 2009 l’americano Kirk Jones ne ha tratto un remake, affidando a Robert De Niro la parte che fu di Mastroianni.

L’anno dopo, Tornatore vuole ancora Philippe Noiret come protagonista de Il cane blu, episodio da lui diretto facente parte del film La domenica specialmente.

Nel ’94, cambia genere e stile con Una pura formalità. Sceglie infatti le atmosfere cupe di un noir claustrofobico, che ruota attorno alla sfida ad alta tensione fra i due protagonisti: Gérard Depardieu e Roman Polanski. Entrambi offrono delle ottime interpretazioni: il primo è il noto scrittore Onoff, che si trova a vagare in un bosco nel mezzo della notte. Raggiunto dai gendarmi, è condotto in commissariato per accertamenti come presunto autore di un omicidio (a stendere il verbale dell’interrogatorio che segue è un giovane Sergio Rubini). Il secondo è il commissario che cerca di farlo confessare, sebbene Onoff dichiari di non ricordare nulla. La chiave del film è appunto il ricordo – Ricordare è anche il titolo del brano cantato dallo stesso Depardieu sui titoli di coda, con testo scritto da Tornatore e musica di Andrea ed Ennio Morricone – che porterà a svelare il mistero e a dare al film nella sua seconda parte una svolta e un significato del tutto diversi da quelli inizialmente intesi.

Sfruttando la dicotomia tra sogno (incubo) e realtà, la pellicola si trasformerà infatti da giallo classico in riflessione sul tema della morte, dell’angoscia dell’uomo di fronte a quest’evento, dell’inconsapevolezza con cui lo affronta. Qui Tornatore è lontano dai grandi affreschi storico sociali dell’Italia, preferisce il sano distacco di un’oscura ambientazione europea e uno stile registico più scarno, funzionale all’ambiente chiuso e ristretto in cui si svolge gran parte dell’azione. Certo meno vistosi dei grandi “kolossal” diretti dal regista, questo tipo di film, che pure occupano una parte non trascurabile della sua produzione, hanno una serie di pregi: offrono uno sguardo inedito, sono aperti alla sperimentazione e meno sentimentali – in essi manca quel romanticismo nostalgico presente nelle pellicole legate all’Italia, e in particolare alla Sicilia. È proprio alla terra d’origine che il regista di Bagheria sceglie di tornare artisticamente col suo successivo lavoro – oltre che col documentario Lo schermo a tre punte –  a dimostrare come i due aspetti convivano nella sua carriera.

Nel ’95 infatti, sceglie ancora il binomio Sicilia-cinema per L’uomo delle stelle, in cui dirige Sergio Castellitto. Siamo negli anni ’50 e il Joe Morelli interpretato dall’attore romano è un cialtrone, un truffatore che sbarca in Sicilia per vendere agli abitanti di un piccolo paesino il sogno del cinema, della fama e del successo attraverso finti provini. Un film sul cinema come sogno, ma con un lato amaro e un disincanto assai più marcati rispetto a Nuovo cinema Paradiso, perché qui il cinema è assieme momento di verità su sé stessi (durante i provini gli aspiranti attori mettono a nudo la loro parte più autentica), ma anche una grande truffa, un raggiro e la miriade di caratteristiche facce sicule che Morelli scova appartiene a una massa di italiani creduloni, pronti a farsi raggirare davanti al miraggio della fama, del successo.

Morelli stesso, appunto, è a sua volta un disgraziato, ma anche un vigliacco truffatore. È esterno a quell’ambiente, che vive e legge da romano, con la tipica concretezza, il disincanto, il sarcasmo e una buona dose di cinismo. Ne esce la fotografia di un’Italia non certo edificante, in cui l’aspetto romantico, lo sguardo indulgente del regista si stemperano, pur essendo presenti. Attraverso quei volti segnati, quegli individui disposti a tutto pur di coltivare una speranza, il regista ci racconta comunque un sud che ama profondamente, con le sue ferite: arretrato, in perenne difficoltà, costretto a vivere di sogni, di miti, abbandonato a sé stesso. La pellicola riceve una buona accoglienza da parte di pubblico e critica e diversi riconoscimenti: David e Nastro d’Argento a Tornatore come miglior regista, Nastro d’Argento anche a Sergio Castellitto come miglior attore e a Leopoldo Trieste come non protagonista, oltre che alla fotografia di Dante Spinotti e alla scenografia di Francesco Bronzi; mentre a Venezia il film ottiene il Premio Speciale della Giuria.

Il 1998 è l’anno della trasposizione del monologo teatrale di Alessandro Baricco, Novecento, che diventa nelle mani di Tornatore La leggenda del pianista sull’oceano. Potenti uomini e mezzi lo affiancano in quest’impresa di respiro internazionale, che vede protagonista nei panni del pianista Danny Boodman T. D. Lemon, detto Novecento – abbandonato su una nave e lì cresciuto, diventato un portentoso pianista e mai sceso – un Tim Roth in grande spolvero. Se già il monologo di Baricco era toccante, intimo, ricco di piani lettura e sfumature, capace di veicolare emozioni universali, tale ricchezza viene resa perfettamente dal film, che aggiunge l’elegante magniloquenza delle immagini, degli scenari e della musica, quest’ultima opera ancora una volta del Maestro Morricone, al suo meglio. Il film è ricco di momenti e scene che restano impressi nella memoria dello spettatore, poiché è questo il cinema che piace al nostro regista, quello che lascia lo spettatore stupito, a bocca aperta di fronte alle immagini. Si disegna qui in maniera egregia la figura di un uomo vissuto da sempre in un universo limitato, quello del transatlantico Virginian, e abituato a valicare i suoi confini solo con la fantasia e attraverso la magia delle note, della musica che ha imparato a suonare alla perfezione sui tasti del pianoforte. Dunque, come già in altri film di Tornatore, c’è l’idea di uno spazio chiuso, di un universo circoscritto e della difficoltà ad uscirne, a trovare il coraggio di affrontare il mondo esterno. Questa difficoltà è spinta qui alle estreme conseguenze. E come in altre opere del regista, a questa debolezza e fragilità del protagonista fa da contraltare una straordinaria capacità, un talento in un dato ambito. Sembra una fiaba, o appunto, una leggenda, ma c’è nel personaggio di Novecento un’umanità in cui tutti si possono riconoscere. Tornatore ottiene per questo lavoro il Ciack d’Oro,  il David di Donatello e il Nastro d’Argento per la miglior regia. Con quest’ultimo è premiato anche per la sceneggiatura. Mentre Ennio Morricone riceve il Golden Globe per la colonna sonora.

Dopo questo successo internazionale, il regista torna all’Italia, e alla “sua” Sicilia con Malèna, che segue la vicenda esistenziale di un’affascinante e disinibita donna (Monica Bellucci) in un paesino della provincia siciliana in tempo di guerra, vittima di una mentalità bigotta e ipocrita, considerata puro oggetto di desiderio dagli uomini e d’invidia e rancore dalle donne. L’unico che sembra nutrire per lei un sentimento autentico è l’adolescente Renato (Giuseppe Sulfaro). Malèna dovrà sopportare una serie di traversie, conoscere umiliazioni e violenze, ma faticosamente e a caro prezzo sarà poi accettata. Ancora un premio alle musiche di Morricone, il Nastro d’Argento, e uno alla fotografia di Lajos Koltai, il David.

A questo punto della carriera, Tornatore si concede una sosta per poi riprendere nel 2006 con quel filone noir, thriller intrapreso anni addietro con Una pura formalità. Riprende però anche, in un cero senso, il tema di Malèna. La sconosciuta infatti, ci porta nel territorio oscuro della suspense, ma la sua protagonista, Irena/Ksenia Rappoport, vive una condizione per alcuni versi non dissimile da quella di Malèna. È cambiata l’epoca, qui siamo all’attualità, e Irena è una donna ucraina venuta in Italia per lavorare, che invece finisce a fare la prostituta per conto di un inquietante protettore di nome Muffa. Una donna che diventa oggetto, viene usata dagli uomini.

Qui ci si spinge ancora oltre rispetto a Malèna, perché Irena è per di più schiava dell’abbietto Muffa e viene usata non solo come prostituta, ma anche come fattrice di bambini da vendere alle facoltose famiglie del nord Italia che non possono avere figli. Tutto questo però si scopre solo gradualmente durante il film perché svelato poco alla volta da sapienti flashback. All’inizio infatti, Irena è “la sconosciuta” che fa di tutto per guadagnarsi un posto a servizio in casa Adacher. Scopriremo poi il suo doloroso passato e quali conti con esso lei voglia chiudere. Qui il regista, ancora coadiuvato dal Maestro Morricone, sostenuto da un ottimo cast che vede accanto alla talentuosa Rappoport, volti noti del cinema nostrano come Alessandro Haber, Piera Degli Esposti, Michele Placido, Margherita Buy, Claudia Gerini e Pierfrancesco Favino, dà una convincente ulteriore prova della sua grande abilità registica riuscendo a orchestrare un noir che tiene alta la tensione e vivo l’interesse dello spettatore per tutta la sua durata, con un mistero che si svela pian piano e che unisce abilmente una storia di rivincita, un tentativo di riappropriarsi della propria vita e dignità, con la denuncia di una tragedia sociale che si consuma nelle società occidentali. Il film otterrà quattro David, fra cui quello come miglior pellicola e miglior direzione, tre Nastri d’Argento e uno European Film Award.

Tre anni dopo Tornatore si dà alla realizzazione di quello che lui stesso ha definito “il film della mia vita”, ovvero Baarìa, in cui racconta uno spaccato di vita della sua città natale, Bagheria (Baarìa), a partire dagli anni ‘30 e nel suo dipanarsi attraverso tre generazioni. Il film può dirsi davvero corale: se infatti i protagonisti sono Peppino Torrenuova/Francesco Scianna e Mannina Scalia/Margareth Madè con le rispettive famiglie, una miriade di interpreti – quasi tutti siciliani, il che ha permesso di farne una versione in siciliano stretto e una doppiata  dagli stessi attori e destinata alla fruizione fuori dall’isola – si muovono attorno a loro a comporre un affresco poetico ed epico di grande raffinatezza estetica, come solo Tornatore sa fare.

Il regista è anche autore del soggetto e della sceneggiatura. Le musiche sono come sempre affidate a Ennio Morricone, mentre la fotografia è di Enrico Lucidi. Il film porta con sé grandi aspettative, sia da parte del suo autore, che si è mosso sul terreno a lui più caro con un grande impegno registico, sia da parte del pubblico, che ormai conosce la maestria di Tornatore e si aspetta sempre da lui cinema ai massimi livelli. L’impegno non viene però suffragato dai riconoscimenti sperati: nonostante le molte candidature, il film porta a casa solo il David alla miglior colonna sonora, il David Giovani e il Nastro dell’anno. Altrettanta delusione per quanto riguarda i premi internazionali: è candidato all’Oscar ma non arriva alla cinquina finale, e neppure la nomination al Golden Globe va a buon fine. Per quel che riguarda l’accoglienza da parte del pubblico, il film incassa, sì, più di 10 milioni di euro, a fronte però di un impegno produttivo di 25 milioni da parte di Medusa. Addosso al regista piovono così molte critiche, cui si aggiungono quelle degli animalisti per la sequenza dell’uccisione di un bovino, girata in un mattatoio tunisino. Un’esperienza con luci e ombre, dunque, questa di Baarìa, di cui però Tornatore resta nel complesso soddisfatto e orgoglioso.

Dal 1 gennaio 2013, invece, nelle sale italiane ci sarà l’ultima fatica del regista siciliano, di nuovo un tuffo nel giallo, come lui stesso lo ha definito: “con una tessitura narrativa un po’ misteriosa, da giallo classico, un po’ thriller, anche se nel film non ci sono morti, assassini, assassinati o investigatori”. Il film si avvale ancora una volta di un cast internazionale: Geoffrey Rush, Donald Sutherland, Jim Sturgess, Sylvia Hoeks, ed ha in comune con La sconosciuta l’ambientazione in una città mitteleuropea. L’azione si svolge nel mondo delle aste: il protagonista è infatti Virgil Oldman/Geoffrey Rush, un battitore d’asta che si trova alle prese con una particolare cliente (Sylvia Hoeks). Molteplici saranno le chiavi della storia, che è anche e soprattutto una storia d’amore, come dichiarato dallo stesso Tornatore. La produzione stavolta è affidata a Paco Cinematografica e Warner Bros.

Mentre, per chi è già oltre e si sta chiedendo quali siano i programmi futuri di uno dei registi più apprezzati del nostro cinema, pare stia cercando di concretizzare un suo vecchio progetto: un kolossal sull’assedio nazista di San Pietroburgo che dovrebbe intitolarsi Leningrado. Al lavoro sull’aspetto produttivo di un progetto da cento milioni di dollari dovrebbe esserci l’americano Avi Lerner. Per il momento però, non c’è nulla di certo.

Giurato numero 2 (qui la recensione) termina con un finale sospeso che lascia alcune domande senza risposta. Il film, diretto da Clint Eastwood su una sceneggiatura di Jonathan A. Abrams, vede il personaggio di Nicholas Hoult, Justin Kemp, chiamato a far parte di una giuria, solo per rendersi conto di essere stato al bar la notte in cui James Michael Sythe avrebbe ucciso la sua ragazza Kendall. La memoria di Justin inizia a mostrare al pubblico che forse non ha investito un cervo come si credeva in precedenza, ma proprio Kendall. Justin è tormentato dal senso di colpa per tutto il film di Eastwood e fa di tutto per assicurarsi di non essere implicato nell’omicidio, cercando di provare l’innocenza di James.

Dopo che la giuria ha deciso il verdetto di colpevolezza, il giudice condanna James all’ergastolo. Anche Faith Killebrew, ora procuratore distrettuale, è presente e ha dei sospetti sul caso dopo un incontro con Harold. Sospettando che Justin abbia più cose da nascondere di quanto si credesse inizialmente, Faith lo affronta fuori dal tribunale. Justin lascia intendere indirettamente che la notte in cui potrebbe aver investito Kendall è stato un incidente e che sia lui che Faith avevano persone da proteggere. Justin suggerisce che Faith perderebbe il lavoro e sarebbe perseguitata dalla stampa. Poco dopo, però, Faith si presenta alla porta di Justin.

Cosa succede a Justin Kemp alla fine di Giurato numero 2

Justin aveva appena venduto l’auto con cui avrebbe investito Kendall un anno prima e, dopo la sentenza di James, si credeva libero dal caso, anche se apparentemente si sentiva ancora in colpa. Ma Justin potrebbe non vivere la vita felice che aveva immaginato per sé e la sua famiglia. L’arrivo di Faith è ambiguo, poiché lei non dice nulla a Justin quando arriva a casa sua, ma il finale di Giurato numero 2 suggerisce che il caso è lungi dall’essere chiuso. Faith, fedele al suo nome, stava attraversando una crisi di fede dopo aver capito che la morte di Kendall poteva essere stata causata da un incidente con omissione di soccorso.

Potrebbe essere stata lì per convincere Justin a costituirsi o per dirgli che ora è sospettato nel caso. Questo riaprirà le indagini. Potrebbe aver registrato la loro conversazione per spingerlo a rivelare la verità su quella notte. Faith non sembra aver preso alla leggera gli avvertimenti subdoli di Justin sul suo lavoro. In ogni caso, lui si trova in una posizione vulnerabile. Justin alla fine si considera un uomo buono in una situazione difficile che sceglie di proteggere la sua famiglia. L’arrivo di Faith a casa sua potrebbe fargli cambiare idea sul fare qualcosa.

Faith potrebbe anche costringerlo ad agire perché ora sa che James potrebbe non aver ucciso Kendall, dopotutto. Justin probabilmente dovrà affrontare direttamente le conseguenze delle sue azioni. Allo stesso tempo, il fatto che Faith non si sia presentata con la polizia indica che Justin non è ancora stato arrestato. Indipendentemente dall’esito, Faith probabilmente non lascerà Justin andare così facilmente. Avrebbe potuto andarsene e chiudere il caso per sempre, ma non l’ha fatto e Justin, in un modo o nell’altro, dovrà affrontare le conseguenze delle sue azioni.

La spiegazione del verdetto di colpevolezza e la sentenza di James

James è stato giudicato colpevole di omicidio doloso, considerato la forma più grave di omicidio in Georgia, dove è ambientato Giurato numero 2. Il giudice ha condannato James all’ergastolo senza possibilità di libertà condizionale. Questo esito è stato un sollievo per Justin perché significava che era fuori dai guai. Con il caso chiuso e il verdetto emesso, James probabilmente non potrà essere processato nuovamente per lo stesso reato in base alla legge sul doppio giudizio. Tuttavia, se ci sono prove significative che indicano l’innocenza di James e un nuovo sospettato in Justin, è possibile che la condanna di James possa portare a un nuovo processo.

Tuttavia, le nuove prove devono indicare Justin come sospettato in modo così forte da gettare un ragionevole dubbio su James come assassino e minare il suo processo originale. Il fatto che Justin fosse al bar e potesse persino essere considerato un testimone mentre faceva parte della giuria chiamata a decidere il destino di James potrebbe essere sufficiente a mettere in dubbio che James sia l’assassino di Kendall. Tuttavia, il verdetto di colpevolezza e la condanna di James potrebbero prolungare il percorso verso un nuovo processo e un appello, rendendo le cose più complicate e strazianti per entrambe le parti coinvolte.

Justin ha davvero investito Kendall con la sua auto?

Giurato numero 2 mantiene i dettagli della notte in cui Kendall è morto abbastanza vaghi da far sorgere nel pubblico un ragionevole dubbio su ciò che è accaduto. Justin ha dei flashback dei ricordi di quella notte: lui al bar, con un drink in mano ma senza bere, che sale in macchina e poi vede il cartello con il cervo dopo aver colpito qualcosa con la sua auto. Ma il fatto che il film non confermi mai effettivamente che Justin abbia investito Kendall, o che James abbia fatto qualcosa dopo aver seguito la sua ragazza lungo la strada, suggerisce dubbi e lacune nella verità, lasciando gli spettatori nell’incertezza.

I ricordi di Justin sono corretti? Stava mentendo sul fatto di non aver bevuto? Queste domande non forniscono risposte chiare e, che siano inventate o meno, uno degli ultimi flashback di Giurato numero 2 mostra James che fa inversione con la sua auto su Quarry Road prima che Justin passi di lì. Questo porta anche a chiedersi se James stesse dicendo la verità sul fatto di non aver seguito Kendall lungo la strada con la sua auto. Allo stesso tempo, il dramma in aula non descrive in dettaglio Justin che vede il corpo di Kendall sugli scogli sottostanti, anche se lui sembra abbastanza sicuro di averla investita durante tutto il film. Tutto sommato, le prove sono inconcludenti e aperte all’interpretazione.

Perché Justin ha smesso di cercare di convincere la giuria dell’innocenza di James Sythe

Justin voleva che James fosse liberato a causa del proprio senso di colpa. Non sopportava l’idea che un uomo scontasse una pena detentiva e fosse condannato come assassino quando c’era la possibilità che James non avesse commesso il crimine di cui era accusato. Tuttavia, Justin si rese conto che se la giuria non avesse preso una decisione, si sarebbe arrivati a un annullamento del processo e James avrebbe dovuto affrontare di nuovo tutto questo oppure l’accusa avrebbe cercato un altro sospettato. Quel sospettato sarebbe stato probabilmente Justin, soprattutto dopo che la teoria dell’incidente con omissione di soccorso aveva iniziato a guadagnare terreno tra gli altri giurati.

Justin smise di cercare di convincere la giuria dell’innocenza di James Sythe perché sapeva che avrebbe perso molto di più se non l’avesse fatto: la sua famiglia, la sua vita, la sua credibilità. Il processo era diventato più complicato di quanto Justin avesse previsto quando aveva scoperto per la prima volta di aver forse investito Kendall quella fatidica notte. Tra la presenza in giuria di un ex detective, interpretato da J. K. Simmons, che fa parte del cast stellare di Giurato numero 2, e Faith che non era più convinta al 100% della colpevolezza di James, Justin aveva molte cose contro di lui ed è stato continuamente messo alle strette per tutto il film.

Il vero significato di Giurato numero 2

Quello che potrebbe essere l’ultimo film di Clint Eastwood è essenzialmente un dilemma morale ed etico, poiché riflette su cosa significhi essere un uomo buono che fa la cosa giusta, sulle piccole azioni che portano a conseguenze più grandi, sui pregiudizi e sul senso di colpa. Justin, credendo sinceramente di aver investito un cervo la notte in cui Kendall è morto, pensava di aiutare James a essere assolto. Era un’idea sbagliata ed egoista, ma Giurato numero 2 chiede al pubblico, che a suo modo è la giuria, di riflettere sulle implicazioni morali delle azioni di Justin e, in alcuni casi, della sua inazione.

Il film è anche una leggera critica al sistema giudiziario imperfetto. In vari punti del film, i personaggi discutono del pregiudizio di conferma, dell’odio della polizia per le scartoffie e del rifiuto di indagare su altri sospetti per il caso, nonché della riluttanza della giuria (almeno all’inizio) a riflettere sulle argomentazioni ascoltate durante il processo prima di prendere una decisione. Il sistema giudiziario, e tutti coloro che ne fanno parte, stavano decidendo il destino di James, e il fatto che sia finito in prigione come uomo potenzialmente innocente sottolinea le imperfezioni del sistema.

Diretto da Clint Eastwood, Giurato numero 2 (Juror #2) racconta la storia di un uomo che scopre di far parte della giuria di un caso con cui ha un legame scioccante. Il protagonista è Justin Kemp, interpretato da Nicholas Hoult, chiamato a far parte della giuria nel caso di una donna uccisa un anno prima, il cui accusato è il suo fidanzato. Justin non sa nulla del caso, ma nel momento in cui i dettagli gli vengono esposti il primo giorno del processo, capisce che il fidanzato è innocente e che lui stesso è l’assassino.

La domanda ora è: Justin dovrebbe confessare o lasciare che la giustizia faccia il suo corso e che un uomo innocente si prenda la colpa? Il film tocca elementi molto umani attraverso un personaggio che sembra qualcuno che potrebbe vivere proprio nella porta accanto. È interessante notare che l’idea per il film è nata da una situazione reale.

Giurato numero 2 trae ispirazione dalle esperienze vissute in un’aula di tribunale reale

Giurato numero 2 (Juror #2) è una storia interamente immaginaria concepita dalla fantasia creativa di Jonathan Abrams. Lo scrittore ha rivelato di aver avuto l’idea in un tribunale reale. Spiegando le origini del film, ha parlato di un suo caro amico, che ora è giudice in California e prima lavorava come pubblico ministero. Circa dieci anni fa, si trovava a seguire un caso che sembrava destinato a una sconfitta certa. L’unico modo in cui pensava di poter salvare la situazione era presentare un’arringa finale convincente, e per questo chiamò Abrams. Gli avvocati chiesero al suo amico di scrivere qualcosa di così potente da poter commuovere la giuria. Non gli importava che Abrams includesse elementi che sembravano funzionare solo nei film perché, a quel punto, non aveva molto da perdere. Abrams fece la sua magia e, sorprendentemente, l’arringa finale ribaltò la situazione e vinse la causa.

La vittoria impressionò così tanto l’amico di Abrams che chiese allo scrittore di assistere ai processi con lui. Un giorno, lo scrittore partecipò all’esame preliminare della giuria, dove trovò persone che cercavano di inventare scuse per sottrarsi al dovere di giurato. Il giudice, tuttavia, non ne voleva sapere. Questo portò Abrams a pensare alla cosa migliore che si potesse dire in una situazione del genere per convincere il giudice a lasciarli andare, e gli venne in mente un’idea interessante. E se una persona dicesse che non poteva far parte della giuria perché era stata lei a commettere il crimine? Questo fu il gancio della storia, e la parte sulle persone che cercavano scuse trovò posto nel film.

Una volta capito di cosa trattava la storia, Abrams iniziò a lavorarci. Parlò con i suoi amici avvocati per renderla il più autentica possibile dal punto di vista legale. Quando il film entrò in produzione, anche il regista Clint Eastwood chiese consiglio ai giudici e agli avvocati che lavoravano nel tribunale dove era stato girato il film. Abrams ha rivelato che Giurato numero 2 (Juror #2)  è influenzato da 12 Angry Men, ma è stato Mystic River di Eastwood a ispirarlo nella definizione del tono e del finale della storia. Fortunatamente, è riuscito a convincere lo stesso Eastwood a dirigere il film, e lo sceneggiatore ne è stato molto felice.

Lo sceneggiatore e il regista volevano che Justin e James fossero imperfetti ma identificabili

Mentre scriveva la storia, Jonathan Abrams sapeva che non voleva che il protagonista fosse qualcuno che il pubblico avrebbe odiato. Voleva che Justin Kemp fosse solo un uomo normale con cui il pubblico potesse identificarsi. Non doveva essere un cattivo che voleva mandare in prigione una persona innocente per salvarsi. All’inizio, almeno, il pubblico doveva vedere Justin come un ragazzo normale coinvolto in una situazione straordinaria e capire perché aveva preso certe decisioni. L’umanità del personaggio era il fulcro della storia, e Clint Eastwood era d’accordo. Quando quest’ultimo lesse la sceneggiatura, apprezzò il fatto che la storia fosse incentrata più sulla persona che sul crimine. Come dimostrano le sue opere, l’attore-regista ama adottare un approccio minimalista, in cui l’attenzione è interamente concentrata sui personaggi. Desiderava lo stesso per Justin.

Abrams ha rivelato che Eastwood gli ha persino chiesto di eliminare gli aspetti superficiali e di concentrarsi sul dilemma di Justin e sul suo desiderio di salvarsi, ma anche di non far pagare a una persona innocente i suoi crimini. Allo stesso modo, volevano che James Sythe fosse un personaggio apparentemente cattivo con cui gli spettatori potessero empatizzare nonostante il suo passato turbolento. Ha fornito il contrasto di un cattivo innocente rispetto al buono colpevole di Justin, rendendo la trama più coinvolgente. Il regista riteneva che il pubblico dovesse essere in grado di mettersi nei panni di Justin e allo stesso tempo comprendere la difficile situazione di James, il che conferisce maggiore profondità al dilemma morale molto reale che la storia e i personaggi di  Giurato numero 2 (Juror #2) , anche se fittizi, presentano agli spettatori.