Il regista Burhan Qurbani tedesco di origine afghana ha presentato la sua opera seconda nella sezione Cinema d’oggi del Festival del cinema di Roma 2014. We are young We are strong ricostruisce la giornata di tre personaggi che si ritrovano protagonisti di una delle peggiori notti della storia della Germania unita, avvenuta nel 1992 a Rostock, cittadina costiera dell’est, dove gruppi di neonazi si scagliarono contro un condominio abitato da immigrati nel tentativo di effettuare una violenta “pulizia etnica” per fortuna non andato a buon fine. Una pagina buia del recente passato tedesco che il regista, classe 1980 ha deciso di mettere in scena.

Lei e i suoi protagonisti siete molto giovani, sapevate dei fatti di Rostock e cosa ne pensate? 

Risponde Le Hong Trang che nel film interpreta Lien l’immigrata vietnamita che considera la Germania la sua terra d’adozione finchè non deve scontrarsi con la realtà e la violenza dei fanatici: “Sono arrivata in Germania diciotto anni fa, quindi di questi eventi ho letto e sentito parlare. Quello che penso è che la convivenza sia molto difficile, ma necessaria, come è necessario mantenere viva la memoria per conoscere il passato e affrontare così il presente e il futuro”.

Il regista Qurbani ricorda invece una frase di Gramsci che prefigurava la violenza nazista dalle ceneri della prima guerra mondiale, dice: “L’unico modo per capire, ricordare e mai dimenticare sia parlare del passato per impedire ai mostri di risorgere”.

Come mai ha scelto il bianco e nero? 

Il film parla del passato, ma anche del futuro, volevamo unire questi due aspetti. Ci sono i giovani e la loro violenza, che nascono dalle ceneri del passato, prima rimosso e da loro adesso esaltato. Abbiamo unito aspetti classici della cinematografia a tecniche nuove, devo ringraziare per la collaborazione l’operatore che è stato importantissimo.

La conferenza stampa del film d’apertura di questa edizione vede protagonisti tutto il cast e il regista Alessandro Genovesi.

La scelta è ricaduta su Soap Opera che segna un ritorno alle origini del cinema italiano e soprattutto della commedia, genere che ha sempre dominato il nostro mercato cinematografico.

Soap Opera nasce da un’idea teatrale di Genovesi, concepita sette anni fa: i produttori Totti e Usai (insieme a Medusa Film) lo acquistarono insieme a Happy Family (diretto poi da Salvatores) , portando entrambi sul grande schermo.

Il film nasce come una miniserie teatrale da quattro puntate: per il cinema è stata riscritta la sceneggiatura, e gli attori sono stati coinvolti subito (quasi la metà avevano già lavorato con il regista) , a parte le new entry Elisa Sednaoui e Ricky Memphis.

Genovesi è stato attore a teatro per circa 15 anni, per cui concepisce il discorso di compagnia, intesa come una grande famiglia a livello lavorativo: ciò permette di strutturare la scrittura fin da subito sugli attori, che hanno reso personali- e vitali- i vari personaggi.

Per il regista la palazzina doveva essere accogliente e accomodante, con una finta neve fredda e gelida che cade all’esterno (finto, come tutti i set del film). La pellicola usata è stata un 35 mm, ed è forse l’ultima volta che Genovesi gira in questo modo.

Il film esce giovedì 23 ottobre in oltre un centinaio di copie.

Il film mescola la commedia con il melò, realizzando un prodotto “contenitore” da riempire liberamente, e creando una contrapposizione tra la natura fortemente fictional della scenografia e la verità cinematografica degli attori (almeno, questo secondo Genovesi).

Alcuni dialoghi, che sembrano improvvisati e naturali, in realtà non seguono casualmente un canovaccio, ma dei dialoghi ben scritti e strutturati.

Genovesi trovava interessante mettere all’opera un gruppo di attori fuoriclasse, in uno spazio non definito e fuori dal tempo, cercando di proporre, con realismo, una rappresentazione non troppo fedele- ma vera !- del mondo che ci circonda.

Quali sono i riferimenti cinefili del regista?

La domanda nasce dopo alcuni paragoni con Wes Anderson e Blake Edwards: Genovesi concorda sul primo, che ritiene l’unico in grado di rappresentare- al giorno d’oggi- con uno sguardo diverso e alienato la realtà, evocando e creando mondi dai tratti spesso fictional. Ad esso si aggiungono Michel Gondry, Spike Jonze e Kaufman.

In linea con la domanda precedente, viene chiesto sempre al regista se si è ispirato, nello specifico, a qualche film: in realtà l’unica volontà era quella di non rifarsi ad una commedia sciatta o becera, ma affondare le proprie radici nel cinema anglosassone (forse con sfumature francesi), perché secondo l’autore/ regista girare una commedia con poca cura, sciatteria e disinteresse è considerata una mancanza molto grave nei confronti del pubblico stesso.

Marco Muller, direttore del Festival, dà il benvenuto ai giornalisti per dare il via a questa nona edizione del Festival Internazionale del Film di Roma, iniziato con la presunta cancellazione di alcune proiezioni (Miike Takashi e Joe Dante), smentite da Muller, che invece conferma entrambi gli incontri.

Una domanda riguarda la scelta dei due film di apertura e chiusura: due film italiani, due commedie (Soap Opera e Andiamo a Quel Paese), scelta sistematica per ricondurre questa “festa” del cinema alla tradizione puramente italiana della commedia, due film ritenuti da Muller diversi dalle solite produzioni e che gettano nuova luce sull’argomento.

Per quanto riguarda i dati statistici delle vendite dei biglietti, tutto procede sulla linea più giusta di vendita nonostante l’incalzante crisi del settore.

A seguire, c’è stata una breve anticipazione riguardante l’ospite d’onore di questa edizione: Tomas Milian riceverà Il Marc’Aurelio Acting Award di quest’anno, un premio prestigioso per un attore globale che ha rappresentato la romanità in tutto il mondo (pur essendo cubano di nascita e americano d’adozione).

Il personaggio che più ha amato interpretare è stato proprio “Er Monnezza”: a tal proposito, racconta- tramite un aneddoto- di quando, esponente dell’alta borghesia cubana, decise di “ribellarsi” a quel sistema e a quella società e, dopo un’illuminante visione del film La Valle dell’Eden con James Dean, decise di diventare attore per provare qualcosa a suo padre (morto suicida, con un colpo al cuore, quando Milian aveva 12 anni). Così andò da sua zia, una donna ricca e colta, ma anche castrista e, confidandosi con lei, la donna prese la decisione di pagargli le lezioni presso il prestigioso Actors Studio trasferendosi negli Usa. La zia gli dà però un saggio consiglio: per fare davvero del buon cinema, doveva interpretare personaggi distanti da lui, figure del popolo lontane dal suo status. Così, con questa nuova consapevolezza, si iscrisse all’Actors Studio (dove c’erano 3000 attori Usa e un unico cubano con forte accento… lui, appunto). Il provino consisteva in un monologo tratto da “Home of the Brave” di A. Lawrence, che Milian scelse perché l’intensità drammatica gli ricordava il suicidio del padre e il rapporto burrascoso e doloroso che i due avevano, raccontando così un altro aneddoto che racconta con dolore struggente, senza risparmiare nessun dettaglio.

Alla fine, Milian ha espresso il suo punto di vista sulla recitazione e sul mestiere d’attori: per lui “essere bravi” e credibili sulla scena non vuol dire recitare, ma vivere il personaggio: perdersi in esso, con tutti i rischi del caso e la possibilità di essere totalmente assorbiti dal character che si interpreta.

Il ritorno di Milian a Roma è paragonabile, secondo lui, ad una vera e propria resurrezione personale.