Da sempre, nel patinato mondo di Hollywood affascinato dal mito del Rock ‘n’ Roll, si rincorre l’utopia di immortalare definitivamente, sul grande schermo, le icone che lo hanno popolato, assurgendo allo status di miti generazionali.

Alcuni di loro, però, non sono riusciti così facilmente a trovare un loro spazio vitale nel panorama cinefilo del fiction biopic, restando così sospesi nell’immaginario creativo di autori, registi e attori. È il caso del mito di Jimi Hendrix, icona della generazione hippie di Woodstock, troppo presto stroncato dalla morte a nemmeno trent’anni, che ha segnato- con la sua musica psichedelica e malinconica- uno spartiacque tra la concezione canonica del blues e del rock fino a quel momento concepiti ed ascoltati.

John Ridley, premio Oscar 2014 per la sceneggiatura di 12 Anni Schiavo, si accolla il difficile compito di raccontare, tramite linguaggio audiovisivo, la vita, gli amori, la fama, la personalità ma soprattutto la musica di Jimi Hendrix, il suo mondo considerato fino ad oggi così inaccessibile e quasi impossibile da tradurre in immagini. Per farlo, sceglie di concentrarsi su un momento cronologicamente ben preciso: gli anni precedenti al suo concerto di Monterey del 1967, durante il quale diede fuoco alla sua chitarra consacrandosi definitivamente ed entrando nel mito.

Seguiamo così, sullo schermo, l’affermazione e l’ascesa di Jimi James (così si faceva chiamare in un primo momento): dai locali dell’underground newyorkese, passando per l’incontro con Linda Keith (compagna di Keith Richards, “mentore”, amica innamorata da sempre), la trasferta londinese sotto l’egida sapiente del bassista degli Animals improvvisatosi manager fino alla nascita della Jimi Hendrix Experience, con il successo delle prime esibizioni (e con la benedizione dei Beatles) fino alla partenza per Monterey. Il tutto, però, raccontato senza cadere nella classica retorica da biopic, dove troppo spesso si assiste soltanto allo scorrere passivo di immagini sullo schermo: l’abilità di Ridley sta nel tentativo di analizzare il mondo di Hendrix ma soprattutto la sua particolare visione di esso e della realtà, la sua volontà (involontaria) di voler cambiare il corso degli eventi e le persone solo con la sua musica, una musica atipica che sfuggiva a qualunque catalogazione, compensando le sue scarse doti di timido oratore con la potente voce vibrante della sua chitarra. L’uomo, l’artista, il mito: la regia particolare e attenta, mai sciatta o banale, che si allontana dal classico documentario, conferisce maggior forza alla potenza del racconto, insieme ovviamente alle interpretazioni magistrali degli attori (su tutti, il sorprendente protagonista Andrè Benjamin, già frontman degli OutKast) che non si limitano ad interpretare dei personaggi reali, cadendo così nel controsenso della scialba imitazione, ma… riportano in vita (soprattutto nel caso di Hendrix/ Bejamin) glorie e miti che hanno segnato la storia personale di un singolo, prima che quella di una generazione.

Arriva al cinema distribuito da The Congress, il film diretto da Ari Forlman e che vede protagonista un cast d’eccezione composto da Robin Wright, Harvey Keitel, Paul Giamatti, Jon Hamm, Kodi Smit-McPhee, Danny Huston.

In The Congress Robin Wright riceve da un grande studio l’offerta di vendere la sua identità cinematografica, questa verrà scansionata in maniera tale da generare un’immagine campione che lo studio utilizzerà in qualsiasi tipo di film di Hollywood. In cambio l’attrice riceverà una cospicua somma di denaro che le permetterà di vivere spensierati i prossimi vent’anni, con la promessa di un successo costante e la bellezza eterna.

The Congress è tratto dal libro Il Congresso del Futuro di Stanislaw Lem, la storia è stata sceneggiata e diretta da Ari Forlman utilizzando lo stesso approccio registico che lo aveva lanciato in Valzer con Bashir. Il regista usa il moderno dibattito che si sta consumando sulle tecniche digitali, sempre più presenti nel mondo cinematografico, per portare sul grande schermo l’ipermedialità visiva in concetto di “chimica” e quindi di pillole e pozioni allucinogene che creano storie inventante dal singolo individuo e per le quali non esiste una memoria collettiva. La matrice del fantasy puntualizza i concetti di fama e sogno e il divario sempre più sottile che intercorre tra i due, popolando il mondo animato di grosse caricature di personaggi cinematografici, religiosi e filmici, senza turbare la natura action della pellicola. Di conseguenza le due tecniche, di ripresa e di animazione, si scontrano negli occhi dello spettatore che assiste ad un racconto ironico e giocoso contenuto in una forma malinconica.

La storia però non subisce solo le colorate e surreali contrapposizioni tra la realtà e la finzione, ma viene infoltita da diverse linee narrative che approfondiscono “la vita privata” di Robin Wright e le conseguenze che ha portato con sé questo accordo, allontanandola da ciò che la rendeva una persona definita con pregi e difetti fino a diventare una “cosa chiamata Robin Wright”, il film prende così un ulteriore piega che si distacca su un altro livello narrativo, quello di una madre che lotta per il figlio malato, matrice che rinvigorisce l’azione della storia e che ci traghetta in finale tragico ma estremamente visionario, e potenzialmente infinito come lo sono i ricordi che si mescolano ai sogni.

Del cast emerge Robin Wright, con i suoi colori angelici diventa una vittima e una musa per tutti gli uomini del film, il suo agente Harvey Keitel che la protegge egoisticamente dai mali del mondo, il suo animatore e amante Jon Hamm, innamoratosi prima del simbolo e poi della donna e a seguire Danny Huston, proprietario della casa di produzione dedito alla mercificazione delle icone e alla somministrazione di sogni.

The Congress è un film onirico, che nasconde sotto una struttura visiva contaminata dalla tecnologia una richiesta d’attenzione per un certo tipo di cinema perduto che ha riempito i nostri sogni e il nostro immaginario, ma che si dilunga in ulteriori aspetti che spostano il centro della storia altrove, dove sembra difficile arrivare.

Uscito lo scorso 25 gennaio, presentato alla sessantaquattresima edizione del Berlinale (2014) e proiettato al WA! Japan Film Festival di Firenze poche settimane fa, The Little House (Chiisai Ouchi) conclude splendidamente, all’ottantaduesimo film, la carriera del regista e sceneggiatore giapponese Yōji Yamada (The Twilight Samurai), erede di Yasujirō Ozu. Tratto da un romanzo di Koko Nakajima (vincitore del premio Naoki), racconta la storia di una famiglia attraverso gli occhi della propria cameriera: Taki (interpretata da Haru Kuroki da giovane, premio per la miglior interpretazione, e da Chieko Baisho da anziana), è una timida, innocente e devota cameriera presso la famiglia Hirai di Tokyo, famiglia costituita da Masaki (Takatarô Kataoka), capofamiglia e impiegato in una fabbrica di giocattoli, sua moglie Tokiko (Takako Matsu), che riesce bene a personificare i tormenti interiori ma superficiali di una donna annoiata alla società benestante del tempo, e suo figlio Ryoichi. Con l’avanzare degli anni, Taki decide di mettere per iscritto le proprie memorie, e molti anni più tardi, dopo la morte della stessa, il nipote, Takeshi (Satoshi Tsumabuki), ritroverà i quaderni, tramite i quali riuscirà a ricostruire il passato della zia. Così scopre anche storie nascoste e segreti di famiglia.

Tutte le storie presentate nel film sono in un certo senso filtrate dal ricordo, e vengono raccontate da diversi punti di vista, facendo così convivere passato, presente e futuro. Yamada racconta le vicende sentimentali dei personaggi con delicatezza e tramite piccoli gesti, riuscendo a leggere nell’animo femminile ma senza la supponenza che spesso hanno nei suoi confronti coloro che non appartengono al gentil sesso; per quanto riguarda la storia della nazione, invece, Yamada parla di un’epoca che non c’è più, forse metafora anche di un cinema che non vedremo più, poiché The Little House come già detto conclude la carriera del regista e di un certo tipo di cinema, e forse è proprio per questo che fin dalla prima scena il film è pervaso da un senso di perdita che accompagna ogni tipo di morte, anche quella di un mondo che non c’è più, raccontato esclusivamente dai diari, artefatti volti a non far dimenticare un passato un tempo presente. Di questo film insomma non si può che parlar bene, in quanto riesce ad imprimere sulla pellicola tutto ciò che c’è di più straordinario nella vita, nonostante la quotidianità e la semplicità. Rimarranno sicuramente tutte le emozioni, perché con questo film il regista riesce a dare valore al passato e ai ricordi, facendoci viaggiare tramite il singolo e contemporaneamente tramite la collettività, il tutto impreziosito dalla colonna sonora di Joe Hisaishi e dalle performance delle due attrici Takako Matsu e Haru Kuroki.