C’era una volta il western all’italiana. Siamo ormai nei primi anni sessanta e l’ambientazione, tra polvere e praterie, è già stata ampiamente sfruttata negli Stati Uniti consegnando al mondo una serie di successi cinematografici realizzati, appunto, di là dell’oceano.  Tutto era iniziato fin dai primi del ‘900, con The great train robbery, un film muto, uno dei primi lavori ambientati nel selvaggio west. Sono però gli anni ‘30 e ‘40 a veder nascere le migliori espressioni del genere, opere sintetizzabili con la mente registica di John Ford e il volto di John Wayne. Negli anni successivi i western avrebbero perso gradualmente d’interesse fino, appunto, agli inizi degli anni sessanta, quando una svolta a livello di temi e costruzione dei personaggi ridarà nuova linfa a un genere che sembrava ormai destinato al declino. Quello che nessuno degli addetti ai lavori avrebbe mai immaginato, però, è che questa rinascita potesse avvenire in Italia e raggiungere un successo di pubblico tale da accostarsi, e a tratti addirittura sopravanzare, i western classici di stampo statunitense.

Gli “spaghetti” western, così denominati in onore della loro provenienza geografica, nascono tra gli anni ’60 e ’70. Il risultato sarà un netto revisionismo del western inteso in senso classico, attraverso una serie di caratteristiche peculiari che li distaccheranno completamente dai “cugini” americani. In primo luogo niente eroi buoni alla John Wayne, niente epica del west americano, eliminazione totale degli stereotipi principali perpetrati nei western di stampo statunitense, che erano, come logico, una sorta di elogio alla loro storia.

Le pellicole a stelle e strisce ci mostrano personaggi idealizzati, pieni di buone intenzioni e dotati di una morale perfettamente integra, totalmente finalizzata al raggiungimento della giustizia o dell’amore romantico. Nei western all’italiana tutto questo non esiste. Evidente, innanzitutto, l’assenza di veri e propri eroi. I protagonisti, al contrario, sono rappresentati spesso come dei puri antieroi o, ad ogni modo, la distinzione tra buoni e cattivi non è per nulla marcata. Furbi, cinici, spesso sporchi e trasandati, doppiogiochisti e privi di scrupoli, dotati di una particolare, cruda ironia.  La totalità dei personaggi introdotti nell’intreccio narrativo è mossa da fini puramente egoistici. Spesso la molla è quella più futile, meno moralmente accettabile, la sete di denaro.

Gli stessi scenari, pur partendo da una comune ambientazione, sono altrettanto crudi. Le verdi praterie vengono abbandonate in favore di paesaggi brulli e polverosi o di piccoli paesi dimenticati da Dio e immersi nel fango. Le location per queste produzioni erano situate in paesi del Mediterraneo, in particolar modo Spagna e Italia, a causa del budget limitato che solitamente avevano a disposizione, almeno prima di raggiungere un discreto successo di pubblico. Saloon, chiese e cimiteri, feroci sparatorie e scene di pura violenza, amputazioni, pestaggi e torture, che avrebbero ispirato, tra gli altri, un regista come Tarantino. Basti pensare a Django di Sergio Corbucci e al taglio dell’orecchio di un sudista da parte degli uomini del generale Hugo, ripreso anni dopo in uno dei passaggi memorabili del film Le Iene.

Nomi indimenticabili: Django, Sentenza, Sartana, Trinità, interpretati da una serie di attori di grande livello, la maggior parte divenuta celebre proprio grazie a queste produzioni.  Primo fra tutti Clint Eastwood, scelto da Sergio Leone per interpretare il ruolo principale nel film Per un pugno di dollari quando ormai non lavorava da ben cinque anni nel cinema e, si dice, si manteneva lavorando part-time presso una pompa di benzina. Eastwood sarebbe diventato, negli anni successivi, l’attore simbolo dell’intero genere. Con lui Franco Nero, Giuliano Gemma, Bud Spencer e Terence Hill, Volontè, Tomas Milian, Lee Van Cleef, Eli Wallach, per citare solo i più noti. Più tardi anche attori già affermanti presero parte ad alcune pellicole, come Charles Bronson e Henry Fonda, protagonisti di C’era una volta il west, film del 1968 diretto dal genio registico di Sergio Leone.

Proprio il regista romano sarà il massimo esponente del genere, unico universalmente riconosciuto fin dagli esordi, ammirato anche dai colleghi americani. Altri produttori e pellicole, al contrario, dovettero aspettare gli anni ‘80 prima di essere rivalutate. La trilogia del dollaro, iniziata da Leone con Per un pugno di dollari e proseguita con Per qualche dollaro in più e Il buono, il brutto, il cattivo, ebbe un grande successo e diede una spinta che rivoluzionò il genere western, portando sugli schermi elementi di crudo realismo, di cui anche le produzioni statunitensi dovettero tenere conto.

Gli spaghetti western non sono, però, solo Sergio Leone.  Sono Sergio Corbucci, Duccio Tessari, Sollima, Castellari, Barboni e tanti altri ancora. Registi che, ognuno con il proprio stile, daranno vita a diverse correnti all’interno del genere, riassumibili in tre filoni principali.

Il primo vede come principali autori Leone e Corbucci, ed è caratterizzato dalla presenza di un protagonista solitario, dal passato misterioso, molto abile con la pistola, in cerca di vendetta o denaro. Il Biondo nella trilogia del dollaro, Django nell’omonimo film di Corbucci,  sono esempi principe di questo particolare tipo di personaggio. L’uno animato dalla sete di denaro (come lasciano intendere i titoli, Per un pugno di dollari e Per qualche dollaro in più) senza badare troppo ai metodi usati per raggiungerlo, l’altro alla ricerca di vendetta per la morte della moglie, avvenuta mentre si trovava a combattere la guerra civile.

Il secondo filone è invece di tipo politico, spesso ambientato tra i rivoluzionari messicani, ispirato a Damiani e Sergio Sollima. Sollima, ad esempio, inseriva nei suoi film riferimenti politici a Che Guevara e alle lotte nel Terzo Mondo, al punto che il suo personaggio Chuchillo, apparso prima in La resa dei conti e poi Corri uomo corri e interpretato da Tomas Milian, divenne un simbolo per i giovani di lotta continua.

Un terzo filone, dal taglio più leggero e comico, è invece percorso da Enzo Barboni alias E.B.Clucher, regista di Lo chiamavano Trinità e Continuavano a chiamarlo Trinità, film che ebbero un enorme successo commerciale al punto che il secondo fu addirittura campione di incassi assoluto della stagione 1971/72 e, ancora oggi, detiene il record di spettatori nella storia del cinema italiano. Un filone che prolungò l’epopea degli spaghetti western fino ai primi anni ’80, dopo i quali il genere entrò in una crisi dalla quale non si risolleverà più.

Oggi il western all’italiana è un genere tutto da riscoprire, grazie alle attenzioni degli ultimi anni, con la retrospettiva che l’ha omaggiato alla Mostra del Cinema di Venezia del 2007, e con l’uscita, nel 2012, del film Django Unchained, realizzato da un estimatore come Tarantino e carico di citazioni alle pellicole del periodo.

Geopolitica e azione sono un binomio ricorrente nella sua filmografia, ma Matt Damon è indubbiamente un interprete versatile, dedito con passione al proprio mestiere e lontano dal glamour hollywoodiano.  Una curiosità: un considerevole numero di film a cui ha partecipato reca nel titolo il nome del suo personaggio. Matt Damon ha lavorato in numerose pellicole per le quali si è sottoposto a un’intensa preparazione fisica, in molte altre prevale invece la sua straordinaria sensibilità umana.

Non solo film d’azione e opere d’autore volte all’impegno, ma anche pellicole fantasy (I fratelli Grimm e l’incantevole strega di Terry Gilliam, accanto al compianto Heath Ledger), film psico-romantici (I guardiani del destino), commedie per tutta la famiglia (La mia vita è uno zoo), western d’autore (Il Grinta dei fratelli Coen).

Matthew Paige Damon nasce a Cambridge l’8 ottobre 1970, nei pressi di Boston. Figlio di un  banchiere e di un’insegnante di pedagogia, Matt Damon è il secondogenito di una famiglia agiata che si trasferisce a Newton fino al divorzio dei genitori, quando Matt ha appena due anni. I due figli vengono affidati alla madre e i tre tornano a vivere nella città natale.

Entra in una compagnia teatrale per bambini e a 10 anni conosce una delle persone più importanti della sua futura vita artistica: Ben Affleck. I due stringono una solida amicizia, condividendo numerose passioni, dallo sport (i Boston Red Sox) alla recitazione.

Il giovane Matt è uno studente brillante e a 18 anni si iscrive alla facoltà di Letteratura Inglese alla prestigiosa Università di Harvard. Ma dopo tre anni abbandona gli studi accademici per dedicarsi alla sua più grande passione: il cinema. A proposito di quel periodo, l’attore ha affermato: “I personaggi che vedevo al cinema e in televisione erano quelli che volevo interpretare, volevo diventare Marlon Brando pur rimanendo me stesso”.

Dopo alcune performance teatrali, nel 1988 debutta sul grande schermo con un cameo in Mystic Pizza, al fianco di Julia Roberts. Nei primi anni novanta ottiene soprattutto ruoli minori, fino al ruolo di primo piano ne L’uomo della pioggia di Francis Ford Coppola. Nel film tratto dal bestseller di John Grisham, Matt Damon interpreta il protagonista pronto a tutto pur di lottare in nome della giustizia.
In questi anni, l’attore si diletta anche nella scrittura di una sceneggiatura insieme all’amico Ben Affleck. Finalmente la loro opera attira l’attenzione di un produttore e diventa una pellicola: si tratta di Will Hunting – Genio ribelle, che segna una svolta nella carriera dei due migliori amici di Boston.

Il film diretto da Gus Van Sant è un successo: i due attori/sceneggiatori affiancano Robin Williams, che vince la statuetta come Migliore attore non protagonista, mentre i poco più che ventenni Matt e Ben trionfano con l’Oscar per la Migliore sceneggiatura originale, dopo aver conquistato il Golden Globe e il Satellite Award, nonché numerosi premi della critica.

La storia del ragazzo prodigio complessato che impara a rapportarsi con il mondo apre al giovane Matt le porte di Hollywood: Steven Spielberg lo sceglie per il suo acclamato Salvate il soldato Ryan. Nella pellicola bellica che si aggiudica ben 5 Academy Awards, l’attore interpreta proprio il soldato che il Capitano John Miller (Tom Hanks) cerca di trarre in salvo con una missione di recupero.

Si tratta di un momento d’oro per Matt Damon. Dopo aver preso parte a Il giocatore al fianco di Edward Norton, nel 1999 recita per un altro grande nome di Hollywood: Anthony Minghella. L’attore è infatti l’ambiguo protagonista di Il talento di Mr. Ripley, circondato da un cast stellare che include Jude Law, Gwyneth Paltrow, Cate Blanchett, Philip Seymour Hoffman e una serie di volti italiani (tra cui i fratelli Fiorello e Sergio Rubini). Ripley è un ladro di identità che si vendica fatalmente di una passione non ricambiata: inquietante con quel volto da bravo ragazzo falsamente rassicurante dietro i suoi occhiali, Matt Damon (che impara inoltre a suonare il piano appositamente per il film) ottiene una candidatura ai Golden Globe come Migliore attore drammatico.

Negli anni successivi, l’attore continua a recitare per importanti registi, da Robert Redford (La leggenda di Bagger Vance) a due fondamentali sodalizi della sua carriera: Gus Van Sant (Gerry) e Steven Soderbergh.

Per quest’ultimo, prende parte a una delle due trilogie della sua carriera, ovvero Ocean’s Eleven – Fate il vostro gioco, seguito da Ocean’s Twelve nel 2004 e Ocean’s Thirteen nel 2007. Nella scoppiettante triade, la banda di ladri guidata da Danny Ocean (George Clooney) si muove fra truffe, rapine, inganni nel mondo dei casinò e della finanza.

Il 2002 segna l’inizio di una delle più apprezzate saghe action di inizio millennio: la trilogia di Bourne, ispirata ai romanzi di Robert Ludlum, in cui Matt Damon è l’ex agente segreto Jason Bourne. In The Bourne Identity, il protagonista è un uomo che non ricorda nulla del proprio passato, ma braccato e ricercato e, dunque, costantemente in fuga. La trilogia si completa con The Bourne Supremacy (2004) e The Bourne Ultimatum – Il ritorno dello sciacallo (2007), che hanno sbancato al box office mondiale affermandosi come grandi successi al botteghino.

Ormai star agli occhi del grande pubblico (nel 2007 People lo elegge come l’uomo più sexy del mondo), Matt Damon è però un anti-divo che cerca di mantenere il giusto distacco dalla fama e dal successo, dedicandosi alla famiglia (la moglie Luciana e le tre figlie), agli amici e alle sue attività filantropiche. La sua sensibilità nei confronti dei problemi che affliggono il mondo matura anno dopo anno, mostrando la sua indole altruista e solidale: “Devo ringraziare un amico, George Clooney, per avermi aperto gli occhi”, confessa.

Matt Damon è un forte sostenitore del movimento Occupy, nonché di ONE Campaign (organizzazione no profit che cerca di aiutare le popolazioni più disagiate del pianeta), H2O Africa Foundation e Water.org.

Oltre alla sua filantropia, Matt Damon può vantare un curriculum che procede con lavori per altri registi importanti, tra cui Martin Scorsese. In The Departed – Il bene e il male, l’attore duetta con Leonardo DiCaprio in un appassionante scambio di ruoli fra agenti di polizia e infiltrati: i due lati della giustizia si mescolano nella caccia al boss Frank Costello (uno strepitoso Jack Nicholson). Una vera e propria gara di bravura fra i due protagonisti, intensi e carismatici, con una buona dose di mistero e fragilità. The Departed trionfa agli Academy Awards 2007 con quattro statuette, conferendo il primo sospirato Oscar al grande regista italoamericano.

Ancora giustizia, inchieste e spionaggio per Matt Damon, in The Informant! di Soderbergh tratto dall’omonimo libro-inchiesta, ruolo per il quale l’attore è ingrassato di diversi chili, e The Good Shepherd – L’ombra del potere di Robert De Niro. Spietato agente segreto, il suo personaggio è travagliato dal conflitto interiore, costretto a scegliere tra ragion di stato e famiglia.

Un’altra importante parentesi della sua carriera cinematografica è la doppia collaborazione con il grande Clint Eastwood, per il quale recita innanzitutto in Invictus – L’invincibile (2009), del tutto credibile nei panni del capitano della nazionale sudafricana di rugby François Pienaar, al quale Nelson Mandela (un monumentale Morgan Freeman) fa comprendere l’esigenza di unire il Sudafrica sotto il segno dello sport. Con Invictus, Matt Damon viene candidato all’Oscar come Migliore attore non protagonista, ma la statuetta andrà a Christoph Waltz per il suo Hans Landa in Bastardi Senza Gloria.

Nel 2010 l’attore viene nuovamente richiamato dal Maestro Eastwood nella sua pellicola successiva, Hereafter. Il suo personaggio è un operaio con poteri sovrannaturali, la cui storia si intreccia con quella di un bambino e di una donna che hanno fatto fronte alla morte in modi diversi. Pur di avere Damon come protagonista, il regista ha modificato i piani di produzione affinché l’attore potesse completare le riprese su un altro set.

Per Matt Damon, il cinema è anche sinonimo di impegno, così nello stesso anno l’attore ritrova Paul Greengrass, che lo aveva già diretto nei due sequel della trilogia Bourne: il progetto in questione è Green Zone, in cui Matt veste i panni di Roy Miller, un sottufficiale che aiuta un agente della CIA nella ricerca delle armi di distruzione di massa: tra la guerra in Iraq, inevitabili implicazioni geopolitiche e inseguimenti, Miller è un uomo che non si arrende e disposto a garantire l’autenticità dell’informazione.

Dopo l’ultima collaborazione con Soderbergh nel corale Contagion, incentrato sulla minaccia di una terribile pandemia, Matt Damon mostra una totale dedizione al nuovo progetto diretto da Gus Van Sant: Primised Land. Presentato di recente al Festival di Berlino e attualmente sui nostri schermi, all’inizio Promised Land doveva segnare il debutto alla regia di Matt Damon, che tuttavia ha dovuto rinunciare per difficoltà di pianificazione. Basata su una storia dello scrittore Dave Eggers, la sceneggiatura è stata scritta dai due interpreti protagonisti, John Krasinski e lo stesso Damon, che dopo Will Hunting continua a mantenere vivo l’interesse per la sceneggiatura. Promised Land tratta temi scottanti ed estremamente attuali relativi alle discutibili modalità di estrazione del gas naturale ed è stato presentato in Italia come “il film che la lobby dei petrolieri ha tentato invano di sabotare”.

Matt Damon è la star hollywoodiana per eccellenza che invita alla responsabilità civile: ce lo mostrano la sua filmografia di attore e il suo impegno in primo piano. Ci aspettiamo dunque che il prossimo futuro ci offra il suo esordio alla regia, magari con un film che tratti i tempi oscuri che stiamo vivendo negli ultimi anni in un contesto sempre più globale e critico. Del resto, come egli stesso afferma, “Dobbiamo cambiare tutti, dando l’esempio in prima persona”.

Chi ama le commedie romantiche certamente la ricorda come protagonista di una saga cinematografica sull’amore piuttosto sui generis, che l’ha portata al grande successo ed ha raccolto grande consenso di pubblico, tanto che oggi giunge al suo terzo capitolo: Before midnight di Richard Linklater. Nato come piccolo esperimento di cinema indipendente con Prima dell’alba – Before sunrise (1995), americano ma senza gli stilemi del blockbuster hollywoodiano, anzi con un’anima europea, che lo connette in maniera intelligente a certo cinema francese, il progetto ha saputo fidelizzare il pubblico e nutrire di dense aspettative i lunghi anni di attesa (nel 2004 esce Prima del tramonto – Before sunset e ora appunto, dopo altri nove anni, eccoci al terzo momento). E la protagonista non poteva essere che lei: eterea bellezza d’oltralpe, doppiamente figlia d’arte, approdata presto negli Usa, dove ha portato la sua semplicità e si è fatta apprezzare per quell’“esotica” aria parigina, scevra però da snobismo e altezzosità. Un’attrice maturata artisticamente negli anni, proprio come la trilogia cui ci si riferiva. Chi l’ha seguita fin dalla sua prima fase, quella europea, ne ricorderà gli inizi con partecipazioni nelle pellicole di Godard, o il ruolo da protagonista in Tre colori: Film Bianco di Kieslowski (1994). La nostra attrice è stata però diretta anche da Carlos Saura (La notte oscura, 1989), Mika Kaurismäki (Los Angeles senza meta, 1998) e Agnieszka Holland (Europa Europa, 1990). È anche regista, sceneggiatrice e produttrice, oltre che cantante.

Stiamo parlando di Julie Delpy, nata a Parigi il 21 dicembre del 1969, figlia del regista teatrale Albert Delpy e dell’attrice Marie Pillet. I genitori le fanno frequentare fin da bambina il mondo del teatro e conoscere l’arte in tutte le sue forme, cui la bambina presto si appassiona.

È appena un’adolescente quando viene scoperta da Jean-Luc Godard, che le dà una piccola parte in Détective (1985). Due anni dopo si guadagna la nomination al César come attrice più promettente, grazie alla sua partecipazione a Quarto comandamento di Bertrand Tavernier: cupa storia di ambientazione medievale, in cui Julie Delpy interpreta la giovane Beatrice De Cortemart, che uccide il padre dopo esserne stata violentata. In quello stesso periodo, l’attrice fa il suo primo viaggio a New York, dove poi studierà regia alla New York University’s Tisch School of Arts. La prima vera occasione di notorietà arriva con il ruolo della giovane Leni in Europa Europa di Agnieszka Holland, per cui impara anche il tedesco. Il film, tratto dalle memorie di Salomon Perel, vince il Golden Globe come miglior pellicola straniera.

Un’importante evoluzione nella carriera della Delpy è rappresentata senz’altro dal lavoro fatto sotto la direzione di Kieslowski per la trilogia legata alla Francia e ispirata ai colori della sua bandiera. Il personaggio interpretato dall’attrice, Dominique, è marginale sia nel Film Blu (1993)  che nel Film Rosso (1994), ma è protagonista nel Film Bianco (1994), il secondo della trilogia, l’unica commedia, sebbene dai toni non troppo leggeri e anzi caratterizzata dagli estremi: amore, ma anche dolore, crudeltà e vendetta. Kieslowski è premiato con l’Orso d’Argento a Berlino.

Il 1995 è un anno di svolta. Delpy passa alla regia col cortometraggio Blah, blah, blah e inaugura il fortunato sodalizio con il regista Richard Linklater che la vuole accanto a Etahn Hawke per una commedia romantica indipendente dal sapore anglo europeo: Prima dell’alba. Non ha ambizioni smodate, e forse anche per questo si rivela un piccolo capolavoro nel suo genere, tra i più apprezzati della decade. È quello che ha il merito di dare alla Delpy e a Hawke la grande popolarità internazionale. Julie Delpy ha affermato di essersi occupata anche della scrittura di molti dei dialoghi del suo personaggio: la studentessa parigina Celine, che incontra per caso sul treno il giovane Jesse/Hawke e si fa convincere a scendere con lui a Vienna e passare la serata insieme fino all’indomani mattina, in attesa della coincidenza che il ragazzo deve prendere per tornare in America. È una proposta bislacca, un’avventura e sarà l’occasione per conoscersi, parlare di tutto e innamorarsi. Delpy e Hawke, oltre che giovani e belli, sono spontanei e naturali, nonostante il film sia molto “scritto”. Portano infatti interamente sulle loro spalle un film fatto di fitti dialoghi, in cui Vienna resta sullo sfondo per lasciare spazio all’incontro di due  anime gemelle. A proposito della costruzione, di per sé un po’ rigida, del film la protagonista ha dichiarato: “L’obbiettivo era di rendere il film abbastanza entusiasmante, anche se ha una struttura limitata – due persone che parlano per un’ora e mezza”. Il finale aperto, poi, crea i presupposti per i capitoli che seguiranno, diventando un caso e un successo clamoroso. Anche se su questo Delpy sembra muoversi con cautela: “Non ha incassato milioni di dollari in sala, ma abbastanza perché potessimo farne un secondo”. E non era per nulla scontato che dopo nove anni il pubblico ricordasse la vicenda e fosse tanto legato al film da voler assistere al sequel, cosa che invece si è puntualmente verificata. Così come non lo era il fatto che il regista scegliesse di puntare sulla stessa coppia dopo nove anni e poi ancora dopo altri nove. Non era neppure detto che il pubblico, specie quello americano, rimanesse legato a una commedia come questa, che si prende i suoi tempi e i suoi ritmi, molto più simili a quelli della realtà, che non all’incedere incalzante della commedia romantica scoppiettante all’americana. La critica accoglie il lavoro molto positivamente, accostandolo al cinema francese più che alla sensibilità della commedia sentimentale made in Usa. Linklater vince l’Orso d’Oro a Berlino.

Ormai lanciata nel panorama internazionale, nel 1998 Julie Delpy è chiamata da Mika Kaurismäki per una parte in Los Angeles senza meta. La vediamo poi in vari altri progetti tra Europa e America, compresi alcuni episodi della serie tv E.R. – Medici in prima linea (2001). Prosegue la sua carriera da regista nel 2002 con il suo primo lungometraggio, da lei anche scritto e prodotto, Looking for Jimmy. Ormai vive stabilmente a Los Angeles e ha ottenuto la cittadinanza americana, pur conservando anche quella francese.

Nel 2004, a nove anni di distanza dal fortunato predecessore, Delpy veste di nuovo i panni di Celine e Hawke quelli di Jesse per Befor sunset. Nove anni sono passati non solo per gli attori, ma anche per i due personaggi da loro interpretati nel film, che si ritrovano e ancora una volta, sembrano avere poco tempo a disposizione per vivere un’altra manciata di momenti indimenticabili insieme e trarre un primo bilancio delle loro esistenze. Jesse è diventato uno scrittore di successo, proprio raccontando la singolare storia del suo incontro con Celine, che ora scrive canzoni e ha un rapporto assai complicato con l’amore. Come sempre i dialoghi hanno il peso maggiore, ma se nel primo capitolo riflettevano la spensieratezza e certa ingenuità giovanile, oltre al desiderio di aprirsi all’altro e conoscersi, qui c’è il confronto tra due diversi stili di vita, due strade, che ciascuno ha intrapreso senza l’altro, ma entrambe profondamente legate a quella breve esperienza comune. L’inevitabile interrogativo è: cosa sarebbe successo se …? Cosa può ancora succedere? C’è posto per rimpianti e recriminazioni, ma anche per scoprire che i sentimenti sono intatti e che il tempo sembra non essere passato. Tutt’altro che stanco, questo seguito ha una sua anima pulsante, diversa, ma ugualmente forte rispetto a quella del precedente. È agrodolce, romantico e amaro al tempo stesso e trova ancora una volta nei suoi due protagonisti le colonne portanti su cui reggersi. Due attori ormai perfettamente a loro agio in questi ruoli, cui sanno dare spessore e consistenza. Delpy collabora alla sceneggiatura e per questo ottiene anche una nomination all’Academy. Inoltre, fa entrare anche tre suoi brani musicali nel film – nel frattempo, infatti, l’attrice ha esordito anche come cantante. Altro grande successo, dunque, per quello che ormai con ogni evidenza ha oltrepassato i confini del piccolo film indipendente.

Il 2005 la vede partecipare a Broken Flowers di Jim Jarmush, protagonista Bill Murray. Nel 2007, invece, prosegue e intensifica il suo lavoro da regista uscendo con 2 giorni a Parigi, da lei anche scritto, prodotto e montato. Qui Delpy è Marion e recita accanto ad Adam Goldberg/Jack. Sempre alle prese con le difficoltà di coppia, con un amore europeo-americano e con poco tempo a disposizione per trovarsi o ritrovarsi o allontanarsi definitivamente. La pellicola sarà seguìta nel 2012 da 2 days in New York. Nel 2009 nasce suo figlio dall’unione con il compositore tedesco di colonne sonore Mark Streitenfeld.

Presto la vedremo vestire di nuovo i panni del suo personaggio più fortunato, Celine, accanto a Ethan Hawke, in Before Midnight, sempre per la direzione di Linklater. Il film è stato presentato per la prima volta al Sundance Festival il 20 gennaio scorso, mentre la premiere internazionale ha avuto luogo in febbraio al Festival di Berlino, dove il film ha partecipato fuori concorso. Linklater afferma di non aver cambiato nulla nello stile della pellicola. Mentre entrambi i protagonisti sottolineano l’unitarietà del progetto. Hawke lo vede come “Un unico film durato 18 anni”, e Delpy gli fa eco così: “Il film si è evoluto con noi. Riflette anche le nostre vite in qualche modo”. Tutti e tre poi concordano nel sottolineare l’importanza del particolare processo creativo che dà vita alle pellicole: Delpy e Hawke infatti partecipano attivamente alla scrittura della sceneggiatura. Delpy: “È un processo creativo molto intenso, ma grandioso. È pura creatività, e ci divertiamo anche, il che è una buona cosa”. Altro aspetto importante nel quale gli attori individuano il segreto del successo della trilogia è la veridicità, l’onestà dei dialoghi, che l’attrice spiega così: “Quando scriviamo, cerchiamo di mettere più verità possibile.

Quando ho scritto il primo film, ricordo di aver inserito cose che erano molto significative per me a quell’epoca”. Non dialoghi vuoti o banali dunque, ma uno scambio d’idee che rifletteva il più possibile le reali convinzioni e i punti di vista dei due attori. Perché, ribadisce la Delpy: “Se fai qualcosa che è veritiero e reale per te, penso diventi un po’ universale”, perché chi guarda, apprezza quest’autenticità e può riconoscervisi. Altro aspetto importante per la Delpy sceneggiatrice è dare una multidimensionalità ai personaggi, e Celine è forse quello che nel corso degli anni si è evoluto in maniera più complessa: “Quando scrivo cerco di dare diversi lati ai personaggi, in modo che non siano unidimensionali. Più dimensioni hanno, meglio è”. Questo, dice, è un aspetto che l’ha sempre colpita, anche da spettatrice. Riguardo poi alle anticipazioni sulla trama, l’attrice non vuole rivelare nulla se non: “Vedrete come si evolvono realmente le persone nelle storie d’amore; che non è tutto roseo, ma tanto reale quanto sentivamo che fosse giusto”.

Attendiamo dunque l’uscita nel nostro paese per verificare se ancora una volta il team conferma di saper affrontare la tematica amorosa senza retorica e con sempre nuova freschezza.