Il mondo di Arthur Newman l’esordio alla regia del giovane Dante Ariola, apprezzato autore di spot pubblicitari, si presenta come una più che ordinaria commedia romantica, condita di tutti i crismi del genere, senza lesinare in fatto di luoghi comuni e di situazioni da puro manuale rosa.

In Il mondo di Arthur Newman insoddisfatto della propria vita, del proprio lavoro e con alle spalle un divorzio e un difficile rapporto col figlio, Wallace Avery decide di dare un taglio col passato. Dopo aver inscenato la propria scomparsa, acquista la nuova identità di Arthur Newman, brillante golfista che incarna il suo alter ego ideale. Ma l’incontro fortuito con la giovane tossica Michaela Fitzerland, anche lei sotto falsa identità, farà nascere nell’uomo l’impulso di ritornare sulla propria strada per affrontare le proprie responsabilità.

Il mondo di Arthur Newman, il film

Affidandosi totalmente ad una sceneggiatura scritta più di vent’anni fa da Becky Johston, qui lontana anni luce dalla purezza di Sette anni in Tibet, che risente indubbiamente del peso del tempo, Ariola confeziona un prodotto che, seppur godibile a livello di intrattenimento, non può nascondere alcune gravissime pecche di forma e di stile, confermando come il regista risenta della fantomatica crisi da opera prima. Innanzitutto non vi è un sufficiente approfondimento psicologico dei due personaggi principali, i quali vengono presentati come semplici manichini mossi da motivazioni posticce, all’interno di un quadro narrativo in cui i fatti e gli avvenimenti semplicemente accadono senza dare il tempo allo spettatore di digerirli e di capirne a fondo le dinamiche.

Come se non bastasse poi, il film si presenta pieno zeppo di riferimenti metacinematografici e narrativi più che evidenti, occhieggiando più volte senza vergogna a Il fu Mattia Pascal di Pirandello e citando in maniera inquietante Ferro 3, proponendo la figura dei due protagonisti impegnati ad intrufolarsi nelle abitazioni altrui. A salvare il tutto ci pensano fortunatamente le interpretazioni più che soddisfacenti dei due protagonisti, a cominciare da sir Colin Firth, che riesce a dar vita in maniera perfetta alla personalità semplice, pura e sincera di Arthur / Wallace, ponendo l’accento sulla riflessione riguardo al tema dell’identità (peraltro già affrontata in L’importanza di chiamarsi Ernest). Ciò che salta però all’occhio è il fatto che ultimamente l’attore appare sclerotizzato, sia fisicamente che a livello prestazionale, all’interno di un modello di personaggio che, dopo A Single Man, pare averlo ingabbiato definitivamente. Allo stesso modo risulta ammirabile e genuina l’interpretazione di Emily Blunt, bravissima nel conferire al personaggio di Michaela / Charlotte una gustosa vena di follia e di erotismo (peraltro in alcune scene abbastanza spinto).

Di sicuro ammirabile l’intento di Ariola, ma ciò non toglie il fatto che il tutto, nelle mani forse di un regista più esperto e con una sceneggiatura di maggiore freschezza, avrebbe potuto dar vita ad un universo del tutto differente. Rimane comunque innegabile come il tema predominate, ovvero l’identità morale e fisica di un individuo, divenga la struttura portante del mondo del protagonista, ovvero Il mondo di Arthur Newman, e che esso venga qui affrontato con intelligenza e profondità.

E’ una delle figure più note del nostro teatro e passando al cinema Emma Dante ha scavalcato la staccionata che la teneva relegata nelle tre pareti del palcoscenico. Via Castellana Bandiera, opera prima dell’attrice che dirige ed interpreta il film, offre una fotografia colorita e caratteristica di uno spaccato di vita italiana, quella vita che sembra sepolta sotto la polvere delle stradine di paese e che invece pullula di animosità e di fervente voglia di vivere.

Una famiglia palermitana è di ritorno dalla spiaggia, al volante c’è nonna Samira (Elena Cotta). Rosa (Emma Dante), palermitana di nascita è scappata dal suo paese, torna per accompagnare la compagna Clara (Alba Rohrwacher) ad un matrimonio. Le due automobili che trasportano un retaggio così diverso eppure accomunato dalle stesse radici isolane si trovano faccia a faccia in una stretta via, Via Castellana Bandiera appunto, e nessuna delle due donne al volante, Rosa da un lato e nonna Samira dall’altro, vuole cedere il passo. Da questo incrocio fortuito nasce una querelle che ci offre la possibilità di dare uno sguardo da vicino ad un mondo che sembrava essere sparito.

Via Castellana Bandiera, tra semplicità e grandi protagoniste

Via Castellana Bandiera è un film semplice, fatto da grandi protagoniste e straordinari comprimari, che permettono alla storia di strizzare l’occhio a quel neorealismo degli anni ’50 che ormai non c’è più. Una storia banale raccontata con un occhio che appare tutt’altro inesperto del racconto cinematografico e che pur non rientrando in quella perfezione tecnica che i puristi della macchina da presa apprezzano, riesce a puntare il suo sguardo esattamente dove deve essere, funzionando in ogni suo meccanismo.

Alba Rohrwacher non sembra (stranamente) a suo agio, mentre le due protagoniste ingaggiano un duello eccezionale di bravura, riproponendo campi e controcampi strettissimi di sguardi carichi di astio, testardaggine e una immotivata ostilità che però costituisce tutto il senso del film. Elena Cotta, ad 82 anni al suo migliore ruolo cinematografico dopo una vita di teatro, si trova davanti una sfida che ogni attore di qualità vorrebbe affrontare, ovvero portare avanti un film recitando solo con lo sguardo (a lei solo tre parole in tutto il film). La Cotta è emozionante ed inquietante allo stesso tempo, assurgendo a vera protagonista del film, conservando un alone di mistero, proprio delle cose (e delle persone) antiche.

Presentato in concorso alla 70esima edizione del Festival di Venezia, Via Castellana Bandiera è il film che non ti aspetti, una preziosa fotografia del quotidiano, un ritratto veritiero e affascinante di un mondo che sembra non esserci più.

Spesso i film biografici sono una scusa per rievocare grandi personaggi o grandi imprese. Nel caso di Tracks – Attraverso il deserto, film presentato in Concorso al Festival di Venezia 70esima edizione, si tratta della ricostruzione di un’esperienza di vita che ha segnato per sempre il destino di Robyn Davidson. Nel 1977, animata da una voglia di solitudine e sfida, la Davidson decide di attraversare l’Australia da costa a costa, passando per lo sterminato bush australiano. Di ritorno, Robyn scrive un libro, Tracks, divenuto best seller in Australia, dal quale è stato tratto l’omonimo film.

A dare anima e corpo in Tracks – Attraverso il deserto a Robyn Davidson c’è Mia Wasikowska, la giovane interprete di Alice in Wonderland vista di recente in Stoker, che riesce con la sua semplicità ed incisività a dare corpo ad una donna determinata, forte e alla continua ricerca di se stessa. Grande importanza assume il paesaggio, che assurge a pieno titolo a co-protagonista, dispiegando tutta la sua bellezza selvaggia in paesaggi affascinanti e letali, dove la vita sembra una pura utopia.

Tracks – Attraverso il deserto, il film

I pericoli del deserto, il sole bruciante, la pelle che si spacca e i piedi che diventano callosi e duri sembrano essere tanti segni che la protagonista assume su di sé per trasformarsi, e, sembra, per trovare pace con il mondo che la circonda. La mente non può tornare a Into The Wild, con il quale Tracks ha in comune il viaggio solitario, ma anche la scoperta della bellezza della condivisione solo nel momento in cui la solitudine assale come una morsa d’acciaio il protagonista.

Il regista John Curran fa sentire la sua mano dando un buon ritmo al film, nonostante l’impostazione prevalentemente solitaria di un racconto biografico, aiutandoci ad assorbire una storia che sa di rinascita e di fede in se stessi. Pur presentando dei limiti per la fruizione del grande pubblico, Tracks – Attraverso il deserto è un film che si lascia guardare immergendo lo spettatore nel tipo di viaggi che portano anima e corpo ad una nuova consapevolezza di sé e del mondo.

Arriva al Lido di Venezia The Canyons, film fuori concorso diretto da Paul Schrader e scritto da Bret Easton Ellis, autore di American Psycho e Less Than Zero. Nel cast troviamo Lindsay Lohan, qui al ritorno dopo un lungo periodo di riabilitazione e scandali, e James Deen, star del cinema pornografico chiamata a misurarsi con un ruolo drammatico. L’opera, girata in digitale con budget ridotto, si propone come un thriller erotico contemporaneo, immerso nella Los Angeles del sesso, del potere e dell’ossessione per l’immagine — ma l’ambizione si traduce presto in un esperimento fragile e poco incisivo.

Tra eros e alienazione: la Los Angeles di Schrader e Ellis

The Canyons racconta la storia di cinque giovani di circa vent’anni che si muovono nel ventre lucido e corrotto di Hollywood. C’è Christian (James Deen), giovane produttore cinematografico ossessionato dal controllo e dal voyeurismo, che ama filmare i suoi rapporti sessuali; Tara (Lindsay Lohan), la fidanzata che alterna sottomissione e ribellione; Ryan (Nolan Gerard Funk) e Gina (Amanda Brooks), due attori coinvolti in una produzione horror dello stesso Christian; e infine Lindsay, ex attrice diventata insegnante di yoga, simbolo di una spiritualità posticcia che tenta di redimere un mondo già condannato.

Il film si muove tra amore, sesso e violenza, ma il vero cuore della narrazione è l’apatia.
Schrader e Ellis raccontano una generazione di individui alienati, incapaci di provare emozioni autentiche e immersi in una cultura dove tutto – il corpo, l’arte, il desiderio – è merce. La Los Angeles di The Canyons non è più quella patinata dei sogni hollywoodiani, ma un deserto emotivo popolato da personaggi che vivono solo attraverso lo schermo del telefono o la lente di una videocamera.

L’idea di fondo è affascinante, e ben si inserisce nella filmografia di Schrader, da sempre interessato al peccato, alla colpa e alla redenzione (American Gigolo, Hardcore, Taxi Driver, di cui fu sceneggiatore). Tuttavia, in questo caso, l’intento non trova piena realizzazione: il film appare più come un esercizio concettuale che come una riflessione compiuta sul presente.

Un’estetica digitale per un cinema senza emozioni

Girato interamente in digitale con mezzi limitati, The Canyons adotta uno stile visivo volutamente freddo e impersonale. Le inquadrature statiche e la fotografia sbiadita costruiscono un senso di distacco coerente con il vuoto interiore dei protagonisti, ma la scelta stilistica finisce per diventare un limite. La regia di Schrader, solitamente capace di tensione e rigore, qui sembra rinunciare alla profondità psicologica per assecondare una sceneggiatura dispersiva.

La scrittura di Ellis, autore di culto capace di scandagliare la vacuità della società americana, si traduce in un copione che replica se stesso: dialoghi affilati ma ripetitivi, figure femminili trattate con ambiguità e un erotismo più meccanico che disturbante. L’insieme evoca atmosfere da noir postmoderno, ma senza mai trovare la forza di un autentico sguardo critico.

Lindsay Lohan tra fragilità e provocazione

A salvare parzialmente The Canyons è la presenza magnetica di Lindsay Lohan, il cui volto segnato e la vulnerabilità naturale si fondono con il personaggio di Tara. È una performance che mescola fragilità e consapevolezza, quasi metacinematografica: Lohan interpreta se stessa, un simbolo decaduto della giovinezza hollywoodiana, vittima e carnefice di un sistema che consuma e dimentica. James Deen, invece, appare spaesato, e il suo Christian resta prigioniero della caricatura del maschio dominante.

Quella che poteva essere una riflessione spietata sul narcisismo digitale diventa così una pellicola disomogenea, più interessante per il contesto produttivo e le sue premesse che per il risultato finale. Schrader tenta di costruire un thriller erotico sulla fine del desiderio, ma il film rimane intrappolato nel suo stesso cinismo.

Conclusione

The Canyons è un esperimento mancato, un’opera che cerca di essere attuale ma finisce per sembrare fuori tempo. Nonostante il fascino del progetto e qualche intuizione registica, il film manca di forza narrativa e di coesione emotiva. Paul Schrader, da autore di culto, firma uno dei suoi lavori meno riusciti: un noir digitale senza tensione, dove la carne e il peccato non bruciano più.