Presentata a Cannes 2019 alla Semaine de la critique, Tiepide acque di primavera è l’opera prima del regista cinese Xiao Gang Gu. Pensata come la prima parte di una trilogia, la pellicola è  ambientata a Fuyang, dove è nato il regista. Il film affronta con garbo e delicatezza il tema della transizione verso la modernità e del rapporto con le secolari tradizioni cinesi, mostrando le vicende di una famiglia che vive sulle sponde del fiume Fuchun. 

La trama di Tiepide acque di primavera

Nel distretto cinese di Fuyan, sulle rive del fiume Fuchun, vive la famiglia dell’anziana signora Bai,  Du Hongjun. La signora ha quattro figli ormai adulti. Mentre in città si discute dell’imminente demolizione dei vecchi caseggiati per la costruzione della nuova metropolitana e di un nuovo quartiere residenziale, tutta la famiglia è riunita per festeggiare il compleanno dell’anziana. Proprio durante la festa, però, la signora si sente male. Col peggiorare delle sue condizioni di salute, i figli dovranno occuparsene. Spetterà al primogenito Youfu, Youfa Qian, che dirige un ristorante di proprietà del signor Wang, e vorrebbe far sposare sua figlia Gu Xi, Luqi Peng, al giovane figlio di questi? Toccherà a Youlou, Zhang Renliang, che non ha ancora trovato una moglie, mentre sua madre vorrebbe tanto vederlo sistemato? Sarà compito del figlio pescatore, che riesce con fatica a mantenere sé e sua moglie con un lavoro che non rende più come una volta? O sarà piuttosto il fratello minore Youjin, Zhangjian Sun, lo scapestrato della famiglia, giocatore d’azzardo pieno di debiti e con un figlio disabile, a prendersi cura della signora Bai? Intanto il nuovo avanza in una società in cui le logiche materialistiche e l’ossessione per il denaro sembrano aver soppiantato i valori tradizionali.  

Tiepide acque di primavera, uno sguardo tra il cinematografico e il pittorico 

Tiepide acque di primavera ha avuto una lunga gestazione. Quella necessaria al suo giovane regista, classe 1988, autore anche del soggetto e della sceneggiatura, per riprendere lo splendido paesaggio lungo le rive del fiume Fuchun nel corso delle quattro stagioni. È infatti la natura che prospera rigogliosa lungo le sue sponde, una protagonista assoluta di questo film. Il regista la immortala con occhio cinematografico, ma anche pittorico, attraverso lunghi e suggestivi piani sequenza e con il contributo della fotografia di Yu Nin Ghui e Deng Xu, traendo ispirazione, come egli stesso ha affermato, da opere come il famoso rotolo dipinto da Huang Gongwang, dal titolo: Abitare tra le montagne di Fuchun – che non a caso è il titolo originale del film. È l’incedere lento del fiume a richiamare lo spettatore alla natura, e con essa alla tradizione millenaria di queste terre, al rispetto dei tempi naturali e umani, in un presente che sembra allontanarsene sempre più.

La bellezza dei paesaggi è dunque, senza dubbio il punto forte del film, a cui il regista riesce a dare una chiara valenza simbolica. Attorno alle acque del fiume Fuchun ruota la vita del posto, e il branzino bianco servito in tavola il giorno del compleanno della signora Bai, oltre ad essere segno di abbondanza, è indice di una tradizione che affonda le sue radici nel letto del fiume e vuole mantenersi viva.

Modernità, status e ricchezza, la nuova Cina in cerca di affermazione 

Purtroppo però, nel Ventunesimo secolo, le tradizioni, la spiritualità e i ritmi naturali rischiano di essere fagocitati nel vortice del cambiamento veloce, dell’accelerazione e dell’accumulazione di ricchezza. L’ossessione per il denaro  è centrale nel film. Si parla spesso dell’aumento vertiginoso del prezzo delle case, si cerca il miglior partito possibile per la giovane Gun Xi, in termini di posizione sociale e di ricchezza, appunto. Questo elemento sembra essere al centro delle esistenze dei protagonisti, mentre, di tanto in tanto, si guarda con nostalgia a un passato di acque pescose e di prosperità, vissuto in armonia con l’ambiente circostante. Il presente è veloce e feroce con l’ambiente e con l’uomo. Si demolisce in un secondo, in nome dello sviluppo e di un supposto ineluttabile progresso, ciò che per decenni è stato l’essenza della zona. 

La visione di Xiao Gang Gu

Di fronte a questa frattura apparentemente insanabile, il regista propone una terza via, in cui sia possibile coniugare modernità e tradizione in un felice scambio. Questo sembra dimostrare concretamente la vicenda dei due ragazzi, Gu Xi e il giovane insegnante signor Jiang, Zhuang Yi, che cercano una loro strada, mostrando anche alle famiglie un’alternativa possibile. Non si fanno attrarre da scorciatoie e all’arrivismo preferiscono un vivere semplice, ma sereno, in armonia con l’ambiente, senza però rinunciare alle proprie ambizioni. La loro storia non può che prendere corpo sulle rive del fiume. La visione di Xiao Gang Gu è chiara. 

Tiepide acque di primavera  ha tempi lenti e cadenzati, come quelli delle quattro stagioni che si succedono. Due ore e trenta è la durata di questo primo capitolo della trilogia. Le storie sono, dopo tutto, quelle di una normale famiglia e non risultano particolarmente coinvolgenti. I silenzi nei lunghi piani sequenza, accompagnati dalle musiche di  Dou Wei sono significativi, mentre non sempre lo sono i dialoghi. L’intensità e l’emozione finiscono per essere un po’ sacrificati. Il film resta comunque un interessante esordio, riflessione sul presente di un paese in forte espansione che cerca di non perdere le sue radici, con un aspetto scenografico e paesaggistico importante. Distribuito da Movies Inspired, Tiepide acque di primavera è al cinema dal 28 dicembre.

 

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Inevitabilmente, il motivo di maggior interesse del Ticket to Paradise che Universal porta sugli schermi dei cinema di tutta Italia dal 6 ottobre è sicuramente la presenza di due star della Hollywood contemporanea come George Clooney e Julia Roberts. Due icone, sorridenti e legate – pare – da sincera amicizia (e riconoscenza, stando a quanto dichiarato dall’attrice sul tempo passato insieme durante le riprese), che ritroviamo insieme dopo un paio di Ocean’s, le Confessioni di una mente pericolosa del 2002 e il Money Monster – L’altra faccia del denaro del 2016.

Purtroppo, come nel caso del suo precedente Mamma Mia! Ci Risiamo, lo sceneggiatore dei Marigold Hotel e regista Ol Parker sembra puntare ad accontentare il pubblico, assemblando un prodotto scolastico e prevedibile, premurandosi di non far mancare nulla di quanto richiesto dal manuale della commedia romantica, tanto più se mescolata con un matrimonio contrastato, un briciolo di conflitto generazionale e delle location da sogno.

Ticket to Paradise – Benvenuti in Paradiso

Quelle del Queensland australiano, in questo caso scelte per rappresentare Bali, dove la giovane e innamoratissima Lily (la Kaitlyn Dever di Dopesick) ha organizzato le sue nozze con il locale Gede (l’esordiente Maxime Bouttier), conosciuto da troppo poco perché i due genitori – divorziati da decenni e ancora in guerra – non sentano il bisogno di allearsi per mandare a monte il matrimonio.

Ma dai tempi di Montecchi e Capuleti, non è una impresa facile far cambiare idea a due giovani amanti, pur se animati dall’encomiabile intenzione di evitare che commettano gli stessi nostri errori. Ma una seconda possibilità non si nega a nessuno, tanto più nel mondo dorato delle Rom-Com hollywoodiane.

Due stelle e poco più

Purtroppo quella concessa a Parker non sembra aver sortito l’effetto sperato, o meglio, averci offerto una prova di un suo talento nascosto ancora da esprimere. Ogni possibile spunto – dal clash culturale al rovesciamento dei ruoli – viene lasciato nella penna degli sceneggiatori (l’esordiente Daniel Pipski, insieme al regista), evidentemente più attenti a puntare i riflettori sui due pezzi da novanta a disposizione.

Che fanno il loro, e anche di più, nonostante proprio George Clooney avesse dichiarato di non voler fare più commedie romantiche dopo il Un giorno… per caso del 1996. Ma sia lui, sia la Roberts risultano tra i produttori del film (con le loro Smokehouse Pictures e Red Om Films, rispettivamente), e questo spiega molte cose. Soprattutto grazie a loro, tutto scorre come deve, senza intoppi e in maniera perfettamente coerente con i canoni del genere, se questo può valere come merito da ascrivere al film. Insieme a quello di riproporci la Billie Lourd, figlia di Carrie Fisher, nei panni di Wren, la migliore amica d’infanzia di Lily, che sarebbe stato interessante sviluppare maggiormente.

Chi vuol esser lieto, sia, ci ripete Ol ‘Il magnifico’, e tra catastrofi annunciate e la messa alla berlina di un maschilismo che Clooney riesce a rendere divertente, la vicenda avanza rispettando ogni regola. Incluse quelle dei due famosi ex, ancora legati al vissuto passato e a una serie di trucchetti che faranno la gioia del pubblico (e dei fan dell’italiano di George). Regalini simpatici, che costituiscono la spina dorsale del film, nel bene e nel male, e fanno venire voglia di rivedere George e Julia in qualcuna delle loro prove precedenti, e magari di recuperare un classico come il padre della sposa (se non di prenotare un viaggio agli antipodi).

 

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Dal 19 Novembre è disponibile su Netflix Tick, Tick… Boom!, adattamento dell’omonimo spettacolo teatrale di Jonathan Larson, il celebre compositore e drammaturgo di Broadway, ideatore dell’iconico musical Rent.

Tick, Tick… Boom!: la vita dell’artista a New York

Tick, Tick… Boom! è ambientato cinque anni prima della morte di Larson– scomparso prematuramente nel 1996 – mentre incombe il suo trentesimo compleanno ed è alle prese con l’ideazione di quello che spera essere il rock-musical che lo consacrerà come artista, Superbia. Jonathan (Andrew Garfield) vive in un appartamento fatiscente, ignorato dal suo agente, lavora in una tavola calda e cerca di scrivere l’ultima canzone mancante nel libretto, da cui dipende l’arco emotivo di Superbia. Nonostante le difficoltà della vita da artista a New York, Jonathan crede nel suo talento. L’incedere un breve incoraggiamento da parte di Steven Sondheim lo sprona a perseguire il suo sogno, presentandosi come “il futuro del teatro musicale“.

Miranda, che ha reinventato il musical di Broadway con Hamilton (proprio come il musical rock di Larson del 1996, Rent), è qui su un terreno familiare. Ha interpretato il ruolo di Larson in un revival off-Broadway del 2014 di Tick, Tick… Boom! In questa trasposizione, non si limita affatto ad adattare la storia di Larson dal punto di vista cinematografico, ma ne estrapola il viaggio quotidiano di un uomo, regalandoci un’epopea di vita sugli artisti sconfitti dal pragmatismo quotidiano.

Tick, Tick… Boom! fu originariamente concepito dallo stesso Larson come un one man show autobiografico. Dopo la sua morte, la produzione è stata rilanciata come uno spettacolo a tre, coinvolgendo il suo migliore amico e la sua compagna come personaggi. Nella versione cinematografica, Miranda passa dalla performance teatrale delle canzoni con i cantanti Karessa (Vanessa Hudgens) e Roger (Joshua Henry) a una narrazione cinematografica degli eventi con la fidanzata di Larson, Susan (Alexandra Shipp) e il migliore amico Michael (Robin de Jesus).

Ci sono camei luminescenti, che scalderanno i cuori dei fan di Broadway, nel corso dell’intera pellicola, tra cui Judith Light, Jonathan Marc Sherman, Joel Grey, Daphne Rubin-Vega, Adam Pascal, Phillipa Soo, Phylicia Rashad, Bebe Neuwirth, Renee Elise Goldsberry e Bernadette Peters, mentre la star di Pose Mj Rodriguez interpreta una delle co-protagoniste al fianco di Jonathan.

Miranda ha visto Garfield nella produzione di Broadway del 2018 di Angels in America e ha ricordato la sua performance come “trascendente“. “Me ne sono andato pensando: ‘Oh, quel ragazzo può fare qualsiasi cosa’”, ha ricordato il regista. “Non sapevo se sapesse cantare, ma sentivo che poteva fare qualsiasi cosa. Così l’ho implicitamente scritturato nella mia mente probabilmente un anno prima di parlarne con lui“.

Tick, Tick… Boom!: l’istrionismo di Garfield vince ancora

L’arma segreta del regista Lin-Manuel Miranda per questo adattamento cinematografico di Tick, Tick… Boom! dell’opera del suo mentore per scelta sfrutta l’istrionismo attoriale e l’aspetto da fanciullo sempreverde di Andrew Garfield, quegli occhi penetranti e gentili e il viso che convoglia molteplici espressioni anche quando il dolore lo inonda.

Probabilmente è proprio il fascino fanciullesco di Garfield e la sua vulnerabilità “da uomo qualunque” a rendere più intense le scene drammatiche con il migliore amico Michael (una gemma assoluta di attore, Robin de Jesus). Ex venditore d’arte trasformato in un attuale uomo aziendale in carriera, Robin de Jesus è l’antitesi di Andrew Garfield. Miranda non demonizza o banalizza mai le vite e le lotte di coloro che hanno plasmato la vita dell’uomo che ha influenzato i suoi sforzi artistici.

Tick Tick Boom fiorisce dal punto di vista cinematografico e l’adattamento di Miranda è un trionfo; sfrutta pienamente i brani musicali di Larson sullo schermo, conferendogli nuova vita.

In un numero iniziale con Jonathan e Michael, mentre quest’ultimo si trasferisce in un nuovo appartamento di lusso, Miranda gioca con la velocità e gli strumenti del montaggio per rendere omaggio alle doti performative dei due. E, per la maggior del minutaggio, riesce ad equilibrare la verosimiglianza della performance di Larson del suo proprio musical come forma di narrazione, lo squallore romanzato della vita di New York a basso costo e la teatralità più calcolata delle fantasie digressive del suo personaggio principale.

Dopo La La Land di Damien Chazelle, anche il musical di Larson fa propria la necessità di preservare l’integrità della propria voce artistica per configurare la propria individualità e rendersi cantori generazionali. Il ‘Jon‘ Larson di Andrew Garfield è ossessionato da un orologio che ticchetta incessante in Tick, Tick… Boom!, che scandisce il percorso ingeneroso di una gavetta che non sembra mai concretizzarsi.

Il film di Miranda indaga il complesso di superiorità degli artisti, attraverso l’idea di creare un’arte che sia “in anticipo sui tempi”. Come il musical di Chazelle che ha vinto l’Oscar, anche Tick, Tick… Boom! traccia il coming-of-age di Jonathan Larson e la crescita all’interno della giungla newyorchese impara mentre dà vita a Superbia.

L’approccio leggermente surreale del film funziona egregiamente esplorando il processo creativo di Larson, indugiando sulla personalità artistica del grande autore: a tratti incompresa, avanguardista, spettacolare. Ma dietro all’artista, vuole suggerirci Miranda, altro non c’è che un giovane in cerca di fortuna nella Grande Mela, che tenta disperatamente di sopperire allo scorrere inesorabile del tempo, perso prima che riesca ad essere trasferito in canzone. Un tributo sentito e assolutamente umano, un omaggio al mondo del teatro e del musical da recuperare assolutamente.

 

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In Ti Stimo Fratello Giovanni è un ingegnere elettronico che vive una vita di ripiego. Scappato da Genova per fare carriera a Milano si è accontentato di lavorare come pubblicitario grazie alla sua relazione con la figlia del capo dell’azienda. Suo fratello gemello Jonny invece è un discotecaro doc, che ha in testa solo la musica house e che, quando piomba a Milano per fare l’esame orale ed entrare nella Guardia di Finanza, manda a rotoli la vita apparentemente perfetta del fratello.

E’ questa la premessa semplice di Ti Stimo Fratello, esordio al cinema di Giovanni Vernia, il comico conosciuto a Zelig con il personaggio di Jonny Groove. I comici televisivi che si traferiscono al cinema sono sempre più frequenti e sempre più disarmante è il successo che riscuotono, esempio per tutti è quello di Checco Zalone che ha già all’attivo due lungometraggi e degli incassi da capogiro.

Così la Colorado ha pensato bene di investire su un altro di questi fenomeni, e Vernia si è fatto trovare pronto mettendosi in gioco con un doppio personaggio, oltre che in veste di sceneggiatore e regista, in collaborazione con Paolo Uzzi. La storia è autobiografica, con tanto di dedica finale alla mamma e la confezione del film fa venire in mente un preciso sostantivo: fretta. Ti Stimo Fratello è stato pensato e girato in tempi record e purtroppo quest’ansia di arrivare al cinema traspare dall’approssimazione delle riprese da “buona la prima” e dalla scarsissima conoscenza da parte di Vernia del mezzo cinematografico.

Il prodotto è assimilabile ad una commedia scadente e, tanto per rendere l’idea, i cinepanettoni risultano al confronto veri e proprio film d’autore, considerando che anche se ripropongono sempre la stessa struttura, la stessa volgarità e le stesse facce, a livello produttivo sono collaudati e funzionano. Probabilmente se Ti Stimo Fratello avesse avuto una produzione più ponderata e una regia più curata avrebbe sortito un effetto diverso.

Il personaggio di Jonny Groove rivela tutti i limiti che appartengono alla categoria dei cabarettisti; la loro naturale brevità, adatta ai 5, massimo 10 minuti di sketch sul palco di Zelig, non può reggere in un lungometraggio (93 minuti raramente sono sembrati così lunghi) poiché in genere o ci si limita a reiterare le battute, come è capitato al pur eccellente Cetto La Qualunque di Albanese, oppure si dilata il numero da cabaret, con un risultato scontato: la noia.

Scontato dirlo, i personaggi migliori sono i comprimari, su tutti la zia di Giovanni e Jonny Carmela Vincenti e il veterano Maurizio Micheli, che interreta il padre dei gemelli. Piccoli ruoli anche per Diego Abatantuono e Paolo Sassanelli.

Ti Stimo Fratello si rivela purtroppo un esperimento fallito a livello cinematografico che potrebbe anche riservare sorprese se tutti i fan di Groove andassero a vederlo, ma che fa sentire il cinema italiano sempre più lontano dalla soglia dell’accettabile.

 

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