Noi, Zagor è un film-documentario in cui il regista Riccardo Jacopino, racconta la storia di Zagor, fumetto ideato da Sergio Bonelli nel 1961 con l’alias di Guido Nolitta che ha contribuito alla crescita di una delle più grandi factory di comics in Europa e dimostrato come la storia di questo fumetto, nonostante la crisi globale del settore, riscuote comunque un costante successo tra i fan.

La sceneggiatura di Riccardo Jacopino con la collaborazione di Giovanni Iozzi mostra sin dai titoli di testa, l’impronta simpatica e coinvolgente che ha il documentario, facendo entrare lo spettatore nel mondo di Zagor ma soprattutto riscoprendo la realtà italiana dei fumetti, che sono stati esportati ed amati in tutto il mondo. Infatti il regista pisano suddivide il racconto in capitoli, in cui apprendiamo passo passo la nascita, l’affermazione e l’attualità del personaggio ideato da Sergio Bonelli. I momenti più interessanti sono quelli che coinvolgono le maestranze come lo storico disegnatore, Gallieno Ferri, che ha tratteggiato le fattezze del celebre protagonista. Il lavoro svolto dai disegnatori, come immaginano e compongono la sceneggiatura attraverso l’utilizzo della china o della computer grafica. Oppure quei mestieri mai esplorati come quello del letterista, che sulla striscia opera le correzioni di sceneggiatura prima che il tutto venga mandato in stampa. Il documentario tratteggia anche la componente analitica, attraverso i contributi di Moreno Burattini, Giulio Giorello e Luca Boschi vengono espresse analisi simboliche e iconografiche su Zagor, dalla geografia anacronistica e astratta del mondo fantasioso in cui egli vive, la Foresta di Darkwood, fino ad analizzare i rapporti con il comprimario Cico. Inoltre il regista rafforza la linea narrativa, utilizzando i racconti d’infanzia dei fan, i cosiddetti zagoriani, che attraverso i loro aneddoti e raduni riescono a dare quel piacevole senso di continuità temporale e appartenenza a una comunità mondiale che inevitabilmente pone un velato paragone con gli odierni supereroi DC e Marvel. Si riflette così sui diversi scopi e intenti che contraddistingue eroi classici da quelli contemporanei.
Ma la componente caratterizzante del documentario è il confronto tra il Tex Willer creato dal padre Gian Luigi Borrelli e lo Zagor di suo figlio, mostrando così il confronto tra due generazioni, che non necessariamente si sono dovute scontrare, ma anzi hanno saputo coesistere e differenziarsi tenendo sempre al valore popolare del fumetto e all’incisività che aveva sui giovani ragazzi che li andavano a comprare in edicola.

Noi, Zagor è un brillante documentario che in maniera concentrica ci avvicina al mondo dei fumetti, della Bonelli editore e della storia di un personaggio che da oltre cinquant’anni riesce a raccontare numerose avventure. Al cinema solo il 22 e 23 Ottobre.

 

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Arriva in sala distribuito da Warner Bros il 21 settembre 2017 Noi siamo tutto, con protagonisti due volti che il cinema di blockbuster conosce ed ha già apprezzato: lei è la Rue di Hunger Games, lui e il giovanotto che nell’estate del 2015 è sfuggito per un pelo ai dinosauri scatenati di Jurassic World.

Amandla Stenberg e Nick Robinson sono Madeline e Olly, i protagonisti del nuovo dramma adolescenziale raccontato con la regia di Stella Meghie.

Madeline vive in una fortezza di cristallo: mentre l’occhio intruso ammira l’incastro imperfetto di un mondo fatto di comfort e privilegi, chi vive all’interno del cristallo non apprezza affatto quanto possa essere scintillante la propria corazza.

Madeline non è una principessa così come Olly non è un principe, eppure la loro ha tutti i presupposti per essere una fiaba moderna ambientata in una piccola periferia di Los Angeles, tra chat virtuali e sogni tra le stelle.

Tratto dall’omonimo romanzo di Nicola Yoon, Noi siamo tutto è vuole raccontare l’amore sotto ogni piccola sfaccettatura: l’amore di una madre per la propria famiglia, l’amore di un’amica presente nelle difficoltà e l’amore di un cuore adolescente per un proprio simile; ma soprattutto Noi siamo tutto racconta di come non saremmo niente, senza l’amore.

Amandla Stenberg e Nick Robinson hanno interpretato i due protagonisti innamorati: la prima conosciuta con l’universo di Hunger Games, il secondo in quello di Jurassic World; eppure entrambi sono arrivati in Noi siamo tutto con un nuovo grado di capacità e conoscenze che ha permesso ai loro personaggi di creare la giusta chimica per sconfiggere la banalità e affrontare le complicanze che soltanto l’amore (quello più puro) può mostrare.

Madeline e Olly sono di una bellezza imperfetta, di quella che se si guarda da lontano può apparire superficiale e stereotipata (il continuo gioco tra bianco e nero è stato probabilmente un messaggio sottinteso alle nostre restrizioni sociali) ma che, affrontata da vicino, lascia scoprire i micro universi che si celano nell’anima di un attore.

Facendo leva su una fotografia pulita e decisa, il film diretto da Stella Meghie sgomita tra i similari del genere – come Colpa delle Stelle e il più recente Prima di domani – soffermandosi su una storia d’amore che sa essere dolce ma non stucchevole, una storia che sfiora la banalità e vira verso i meandri nascosti di un cuore spezzato che non sa più rimettersi in sesto.

Il film sembra dirci che l’amore non ha limiti circoscritti e non c’è fortezza di cristallo che tenga dinanzi a un sentimento che racchiude “tutto”.

 

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Arriva al cinema distribuito da M2 Pictures Noi Siamo Infinito (The perks of being a Wallflower), il film di Stephen Chbosky e con protagonisti Logan Lerman e Emma Watson 

In Noi Siamo Infinito Charlie (Logan Lerman) è un ragazzino molto solo che sta cercando di ritagliarsi un posto nel mondo. Con un passato pesante alle spalle e un presente non del tutto roseo si trascina da casa a scuola, scrivendo lettere al suo migliore amico e sforzandosi di non apparire troppo triste per non preoccupare i suoi familiari.

Un giorno, però, la vita gli riserva una sorpresa, che si materializza nei panni di Sam (Emma Watson) e Patrick (Ezra Miller), due fratelli che lo prendono sotto la loro ala facendolo entrare nel loro circolo dei ‘giocattoli rotti’. Finalmente Charlie si sente parte di un gruppo, coglie l’affetto dietro ad ogni piccolo gesto e impara a tenere a bada i fantasmi della sua mente che ancora lo assalgono. Un idillio che finirà presto, poiché i suoi amici, all’ultimo anno, sono prossimi a partire per il college e a lasciarlo di nuovo in balìa del suo passato…

Noi Siamo Infinito, tratto dal romanzo omonimo di Stephen Chbosky, che si riserva anche il ruolo di sceneggiatore e regista, nonostante le buone intenzioni non riesce a trasmettere l’intensità che vorrebbe. Le vicende di Charlie e dei suoi amici sembrano trattate con superficialità e, talvolta, in maniera frettolosa, come se il regista non avesse voluto tagliare troppo il suo romanzo. Il sacrificio di certe scene, però, forse sarebbe stato utile, se non vitale, ad una migliore resa della storia e all’approfondimento di alcuni personaggi.

La voce fuori campo del protagonista stesso, inoltre, contribuisce ad annacquare la vicenda e non consente, a parte a tratti, di cogliere quel tipo di emozioni, libere da vincoli, piene, senza limiti, che solo gli adolescenti riescono a provare e che nel film appaiono solo accennate. È come se Chbosky facesse pregustare al pubblico una pietanza che non verrà mai servita. Al contrario la sua bravura con le parole è ampiamente dimostrata in alcuni dialoghi e, soprattutto, nei pensieri che la voce fuoricampo di Charlie condivide con la sala prima dei titoli di coda, ma un film non e’ fatto (solo) di parole.

Gli attori, invece, sono tutti all’altezza della parte: da Logan Lerman, perfetto nei panni dello sventurato Charlie, a Emma Watson, che cerca con buoni risultati di scrollarsi di dosso la seconda pelle di Hermione, fino a Ezra Miller, talmente bravo nelle vesti dell’amico gay da essere quasi un co-protagonista.

Tra i film per adolescenti in circolazione però, Noi Siamo Infinito ha il pregio di veicolare una visione della vita totalmente condivisibile. Senza esagerare con il dramma o la commedia e senza identificarsi con la trasgressione o il conformismo prova semplicemente a dire che la vita può essere vissuta in modo non convenzionale, che ognuno ha il diritto di fare le proprie scelte, che il passato e il dolore ci cambiano ma non in modo irrimediabile e che gli amici, spesso, possono salvarci.

 

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Una lettera d’amore sincera, profonda, scritta su pagine bianche con l’inchiostro intriso di fotogrammi e immagini in movimento. Ecco cos’è il documentario Noi siamo cinema, in onda sul canale Mediaset Cine34. Un viaggio che non ha bisogno di guide turistiche pronte a spiegare la bellezza di un patrimonio cinematografico come quello italiano con le loro voci in fuori campo volte a irrompere sulla scena, interrompendo lo scorrere e l’immersione delle immagini; già, perché ogni inquadratura, ogni volto, o scena ripresa e adesso sapientemente montata non ha bisogno di spiegazioni.

Tutta la potenza della Storia, e di ricordi che da personali si fanno nazionali, si ritrova adesso lì, nel cuore di ogni singola particella di celluloide, pronta a ripresentarsi e colpirci di nuovo, lasciandoci a bocca aperta, come il piccolo Salvatore in Nuovo cinema paradiso.

Noi siamo cinema: la sinossi

Noi siamo Cinema, in onda su Cine34, è un appassionato omaggio al Cinema Italiano e a tutti gli artisti e artigiani che contribuiscono alla sua realizzazione. In poco più di 70 minuti ripercorre le sequenze-culto del cinema made in Italy, quelle che ne compongono il brillante percorso. Dal b/n di Blasetti e Pasolini, alla leggerezza di De Sica e Sordi. Dall’ironia di Monicelli e Risi, all’unicità dello Spaghetti Western. Dalla Commedia Sexy al Cinepanettone, all’impegno di Bellocchio e Bertolucci. Dal rivoluzionario Antonioni, all’onirico Sorrentino. Dalla contemporaneità di Salvatores e Zalone, alla visionarietà di Fellini. Tutto unito in un solo documentario, dove alle scene di grandi film, si alternano interviste agli stessi protagonisti, o a registi e attori internazionali fortemente influenzati dal cinema di casa nostra, come Quentin Tarantino, John Turturro, George Clooney e Clint Eastwood. 

Puzzle di un’eredità in celluloide

È un’operazione semplice, ma compiuta con attenzione e intelligenza quella messa in atto da Andrea Rurali e Gianluca Genovese. Le scene, i personaggi, le interviste che hanno accompagnato il pubblico italiano dentro e fuori lo schermo, sono tessere di un puzzle perfettamente inserite al loro posto, raccordate non a caso, ma secondo un procedimento di associazione e collegamento ipertestuale. Sono mani che si prendono, si riconoscono e danzano insieme, in un affresco storico grazie al quale lo spettatore scende a patti con la propria eredità cinematografica e cinefila.

Quello che gli scorre davanti grazie a Noi siamo cinema, è un flusso di coscienza, una galleria di frammenti imprescindibili alla propria formazione spettatoriale. Bastano pochi accenni a Fellini, Mastroianni, Loren, Bertolucci, Pasolini, e più recentemente a Sorrentino, per comprendere quanto pesante e magnifico sia il lascito donatoci dal cinema nostrano. Bistrattato, sottovalutato, a volte dimenticato, il cinema italiano in realtà ha saputo donarci gemme di rara bellezza. Gemme spesso ricoperte da una patina di polvere, messe da parte al grido de “il cinema italiano è in crisi, non ha nulla da dire e offrire”, quando invece basterebbe girare lo sguardo e lasciarsi attirare dalla potenza di questi piccoli, grandi barlumi di genialità. Nel bene e nel male il cinema italiano in realtà ha sempre raccontato il nostro mondo, facendo dello strumento cinematografico il buco della serratura attraverso cui spiare senza filtri (vedi il Neorealismo) un mondo così sfaccettato come quello italiano, oppure caricarlo di erotismo (i film di Pierino), battute al vetriolo o di una comicità caciarona (i famigerati cine-panettoni). 

Un’indagine storica e sociale compiuta dai due curatori che lasciando parlare il cinema per sé, senza mediazioni esterne, o commenti da parte di narratori e critici, ci fanno salire sulla macchina del tempo per ricordarci la mole di opere che visto, ammirato, denigrato, e quante ancora ne avremo da assimilare, guardare, immedesimandoci tra slanci autoriali e progetti superficiali.

Tutta l’Italia è cinema

È un nome reiterato ripetuto da bocche diverse (quelle di Leonardo DiCaprio, Roberto Benigni, Sandra Milo, Quentin Tarantino), ma ogni volta è come se la sua pronuncia donasse a quel cognome nuovo potere e preziosità. Quel nome è Federico Fellini, l’autore debordante, onirico, sarcastico, che ha fatto dell’Italia una pagina di fumetti abitata da personaggi a metà tra il caricaturale e l’archetipo. Simboli di un pensiero, di vizi e virtù di stampo nazionale, gli uomini e le donne usciti dalla fucina creativa di Fellini sono stati traghettatori di un’opera che ha saputo sconfinare dai confini italiani per parlare un linguaggio universale, elevandosi a rappresentante massimo del cinema nostrano. Non poteva pertanto che aprire lui, tra interviste e una riproposizione di momenti indimenticabili dei suoi film, Noi siamo cinema.

Fellini è il personaggio perfetto, l’uomo capace di far scattare mille e più collegamenti grazie ai quali si può passare facilmente da un Marcello Mastroianni, a una Sofia Loren, per salutare Claudia Cardinale, Sergio Leone, Ennio Morricone e tutti quei nomi che hanno reso unico il nostro cinema. Non c’è un momento storico dal punto di vista cinematografico, di corrente, registico  o di movimento che Rurali e Genovese abbiano lasciato indietro. Perché anche personaggi come Renato Pozzetto, o pellicole come quelle della commedia sexy all’italiana, degli spaghetti western, o le più dissacranti opere interpretate da Checco Zalone, hanno il diritto di trovare un posto tra le teche di un museo audio-visivo come Noi siamo cinema.

Un documentario che con la sola forza del montaggio, dei raccordi e di una selezione attenta e mai superficiale, mescola storia e sguardi spettatoriali di un pubblico ammaliato, sottolineando quanto dentro e fuori lo schermo, tutti noi siamo fatti della stessa sostanza di cui è fatto il cinema.

 

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C’erano una volta un coatto, due sfigati, un comunista e un camorrista, e no, non è l’inizio di una barzelletta ma è Noi e la Giulia, la piacevole terza opera da regista di Edoardo Leo. La commedia tragicomica, al cinema dal 19 Febbraio, vede Leo affiancato da Luca Argentero, Claudio Amendola, Stefano Fresi, Anna Foglietta e Carlo Buccirosso.

Noi e la Giulia è un film fatto di personaggi, che riempiono la scena con la loro presenza: c’è Diego (Luca Argentero), venditore di macchine annoiato, poco coraggioso e preso in giro anche del padre sul letto di morte; Fausto (Edoardo Leo), cafone da televendita che si è arricchito a suon di merce fallata sulle spalle dei creduloni, ignoranza da italiano medio e debiti con gli amici – come con il collega Sergio (Claudio Amendola), comunista nostalgico che lo marca stretto per riavere i suoi soldi. E infine c’è Claudio (Stefano Fresi) vero e proprio portatore sano di ansia, che riesce a far chiudere l’attività di famiglia “dal 1910” e contemporaneamente a farsi lasciare dalla moglie. Decisi a cambiare e a scappare, chi figurativamente chi letteralmente, Diego, Fausto e Claudio si incontrano per la prima volta fuori da un casale in vendita che tutti e tre avevano adocchiato, e, a causa del prezzo lievitato, decidono di mettersi in società e aprire un agriturismo insieme. Al gruppo si aggiunge, in veste di cuoca, Elisa (Anna Foglietta), disastrata ragazza incinta che cerca solo un posto accogliente dove stare. Un giorno si presenta al casale a bordo di una Giulia 1300 verde, Vito (Carlo Buccirosso), un buffo uomo in abiti anni ’70, che promette ‘protezione’ ai quattro.

Con precisione e ironia, Edoardo Leo porta in scena la commedia del piano B, del reinventarsi e delle seconde occasioni, proponendo contemporaneamente il tema serio della piaga del pizzo. La storia, tratta dal racconto di Fabio Bartolomei, “Giulia 1300 e altri miracoli”, scorre piacevole con diversi momenti comici degni di nota. Con un ritmo più serrato rispetto alla solita commedia italiana e trovate registiche più moderne, anche grazie alla colonna sonora presentata quasi come personaggio in ricordo di un epoca d’oro, Noi e la Giulia intrattiene senza cadere nel banale. La scelta di un cast che rappresenta l’Italia da nord a sud e che, si nota, si è realmente divertito durante le riprese, aiuta la commedia ad avere quel giusto buon sentimento e positività per tutta la sua durata.

Claudio Amendola è sicuramente il personaggio più centrato, quasi irriconoscibile all’inizio con barba e capelli grigi, mentre Luca Argentero, per quanto bravissimo, è perennemente ingabbiato nel ruolo dell’imbranato con gli occhiali e non ci dispiacerebbe vederlo in altre vesti in futuro, proprio come Leo che in questo film esce dai soliti personaggi per farci ridere con il suo cafonissimo Fausto.

 

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In Noi Credevamo Cilento, Regno delle due Sicilie. In seguito ai falliti moti rivoluzionari del 1828, facilmente e duramente repressi dall’esercito borbonico, tre ragazzi decidono di affiliarsi alla neonata setta clandestina della Giovine Italia fondata dal repubblicano Giuseppe Mazzini (Toni Servillo). Domenico e Angelo figli di nobili e Salvatore figlio del popolo saranno i tre protagonisti da cui si dipanano le vicende narrate in questo film il quale abbraccia un ampio periodo della nostra storia risorgimentale. I tre protagonisti ci accompagnano infatti dal primo e fallimentare tentativo insurrezionale del 1834 in Savoia sino al drammatico episodio dell’Aspromonte nel 1862 quando i fucili del neonato esercito italiano spareranno sulle giubbe rosse garibaldine.

Noi Credevamo, una parabola lunga trent’anni in cui Domenico, Angelo e Salvatore saranno interpreti di una storia fatta di grandi speranze, illusioni, paura, solitudine, esilio e tradimenti.Angelo(Valerio Binasco) rappresenta il mazziniano irriducibile e fanatico, pronto a cedere ad una impulsiva e irrazionale violenza che lo porterà ad uccidere il suo caro amico Salvatore (Luigi Pisani) da lui sospettato di tradimento. L’omicidio lo costringerà ad un’intera vita fuggiasca e solitaria sempre vissuta nel rimorso e nella paura; sarà questo stato disperato che lo spingerà verso l’interpretazione più estrema della teoria mazziniana “del pugnale” arrivando così a progettare insieme a Felice Orsini (Guido Caprino) il folle attentato alla vita di Napoleone III.

Domenico (Luigi Lo Cascio) sarà in prima linea nella breve e illusoria parentesi della Repubblica Romana nel 1849 alla caduta della quale sarà fatto prigioniero dalle truppe borboniche e incarcerato insieme ad altri dissidenti politici. In carcere Domenico avrà modo di conoscere importanti individualità del mondo sovversivo, da Carlo Poerio (Renato Carpentieri) al duca Sigismondo di Castromediano (Andrea Renzi) ma sopratutto avrà occasione di  realizzare come l’ideale repubblicano non sia più ritenuto imprescindibile da coloro che lo avevano precedentemente sostenuto. L’unità d’Italia è ora l’obbiettivo più impellente e monarchici e non vedono nel re di Sardegna, Vittorio Emanuele,  l’unico sovrano in grado di patrocinare la causa unitaria.

Uscito dal carcere Domenico continuerà a frequentare gli ambienti clandestini di stampo repubblicano. Prima di rispondere alla chiamata di Garibaldi in Aspromonte avrà modo di assistere, a Parigi, all’esecuzione capitale inflitta all’amico Angelo in seguito all’attentato all’imperatore di Francia. Nel 1862, ad Unità raggiunta, Domenico si aggregherà ai volontari che il gen. Garibaldi raccolse dalla Sicilia alla Calabria con il preciso intento di dirigersi verso Roma e liberarla dal giogo del papato, facendone così la nuova capitale d’Italia. Il viaggio di Domenico attraverso il meridione “liberato” gli darà modo di constatare come i piemontesi interpretarono quell’annessione come una sorta di conquista e assisterà sgomento alle prime e tragiche vicende del brigantaggio.

La spedizione garibaldina fallirà tragicamente, fermata dai cannoni italiani per ordine dell’imperatore francese; i disertori saranno passati per le armi e lo stesso Garibaldi ferito gravemente. Ormai disilluso e tradito nei suoi originari sentimenti repubblicani, Domenico farà un ultimo viaggio a Torino dove assistendo ad una seduta del parlamento unitario ascolterà con disgusto un discorso filo-monarchico del vecchio mazziniano Francesco Crispi (Luca Zingaretti).

Noi credevamo un ampio ed importante affresco storico

Noi credevamo è un ampio ed importante affresco storico della durata di 2 h e 50 min, in cui Mario Martone cerca con impegno e coraggio di illustrare la complessa quanto contraddittoria storia del Risorgimento italiano. Il punto di vista da cui  lo spettatore può assistere alle vicende narrate è quello più prettamente repubblicano, essendo i tre protagonisti convinti seguaci di Mazzini. E’ un’ ovvia conseguenza che il film sia pervaso, sopratutto nel finale, da una forte venatura critica, da una marcata disillusione verso quello che poteva essere e non è stato.

L’immagine finale di un Crispi, un tempo protagonista della causa mazziniana prima e garibaldina poi, che dal suo scranno di un parlamento desolatamente vuoto improvvisa un retorico quanto appassionato discorso filo-monarchico, è la chiosa che il regista vuole imprimere alla storia accentuando la delusione di coloro che, come Domenico – Lo Cascio, avevano sacrificato la vita per ben altri ideali.

Rimanendo collegati alle polemiche attuali tra i ferventi difensori della storia risorgimentale e i revisionisti dell’ultima ora che invece vedono nel processo unitario l’origine dei mali sia per l’Italia settentrionale che per quella meridionale, Martone mantiene una posizione più neutra e critica anche se, forse, velatamente a difesa dell’ideale unitario e indipendentista.
Il regista si guarda bene da cadere in facili tentazioni di retorica patriottarda, che oggi la critica avversa come un male assoluto, ed imposta il film sulla base di lunghi e ricercati dialoghi i quali ne conferiscono un carattere più spiccatamente teorico. Infatti le più importanti vicende risorgimentali, le battaglie di indipendenza, le Repubbliche temporaneamente instauratesi a Venezia e Roma nel ’49, sono solo raccontate da una voce narrante, fanno come da sfondo ai fatti a cui lo spettatore assiste. La quasi totale mancanza di azione è, a mio avviso, la lacuna principale del film Noi credevamo il quale rinuncia sistematicamente ad avventurarsi in sequenze di movimento. Considerata la durata del lungometraggio questo limite si accentua particolarmente.

Detto questo è sicuramente da apprezzare la fotografia curata da Renato Berta oltre al soggetto liberamente ispirato all’omonimo romanzo di Anna Banti e la ricostruzione scenografica che ha riprodotto con efficacia le ambientazioni. Pregevoli le singole interpretazioni degli attori cui spiccano per passione e intensità il Mazzini di Toni Servillo e il repubblicano Domenico – Lo Cascio. Riguardo ad un paio di apparenti sviste come la scalinata in stile moderno che porta alla ghigliottina o alle case in costruzione in cemento armato nel Cilento, sembrano troppo clamorose e grossolane per non nascondere un significato simbolico.

Personalmente credo che si debba in ogni caso ringraziare Mario Martone per aver portato nelle sale dei cinema italiani, non di moltissimi purtroppo, un film di tale spessore trattante il tema del Risorgimento nazionale. In aggiunta se grandi protagonisti di quel preciso periodo storico, come Cavour o come Garibaldi, non vengono interpretati da alcuno ( in verità il Generale si intravederà in controluce e da lontano in una fugace sequenza ) Martone dà un significativo risalto ad altri protagonisti meno noti ma comunque importanti nella storia risorgimentale come la principessa Cristina Trivulzio di Belgioioso, paladina dei valori democratici e benefattrice degli esuli rivoluzionari.

In un momento storico come quello attuale dove i 150 anni dell’unità hanno, ad oggi, avuto il solo risultato di creare polemiche, sterili dibattiti e riacceso tristi quanto puerili vagiti secessionisti sia al nord che sopratutto al sud, dove sta proliferando una nuova letteratura “storica” filo-borbonica, questo film è di grande utilità. Infatti se è vero che Noi credevamo spinge a riflettere su una vecchia quanto ormai assodata distinzione tra un Risorgimento dei vincitori ed uno dei vinti, uno ufficiale ed uno popolare come scrisse a suo tempo Carlo Rosselli, questo film di Martone rende onore e merito verso quelle migliaia di uomini e donne, giovani e meno giovani che diedero la vita, la loro vita, per costruire questo paese. Il Risorgimento, ci dice Martone, non fu perfetto ma pieno di contraddizioni, ma non finì con quel 1862, aggiungo io, ma si completerà solo 76 anni dopo con il referendum per la Repubblica. Noi credevamo non è un film retorico o pedissequo verso il Risorgimento italiano ma è un film sul Risorgimento italiano e se anche un solo giovane studente lo andrà a vedere…beh è già un buon inizio.

 

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A trent’anni dal grande successo di Io speriamo che me la cavo, diretto da Lina Wertmüller, Noi ce la siamo cavata, di Giuseppe Marco Albano, racconta che ne è stato dei bambini che interpretavano la classe del maestro Sperelli, Paolo Villaggio, veri protagonisti assieme a lui di quel caso cinematografico, targato 1992. Presentato in anteprima fuori concorso al 40 Torino Film Festival, il film arriva dal 5 gennaio al cinema.

La trama di Noi ce la siamo cavata

Il documentario nasce dalla mente del protagonista Adriano Pantaleo, assieme al regista e produttore Giuseppe Marco Albano, che poi hanno sceneggiato Noi ce la siamo cavata con Andrej Longo. È Pantaleo, che nel film di Wertmüller interpretava il piccolo Vincenzino – tra coloro che hanno proseguito nella carriera di attori, come Ciro Esposito, Raffaele – a voler rispondere alla domanda che spesso gli viene rivolta da chi lo ferma per strada: che fine hanno fatto i tuoi “compagni di classe” della terza B di Corzano? Inizia così il suo percorso, nel quale ricontatta gli ex compagni di set – Luigi L’Astorina, Totò, Carmela Pecoraro, Tommasina, Mario Bianco, Nicola, Pier Francesco Borruto, Peppiniello, Maria Esposito, Rosinella, tra gli altri – per capire che strada hanno preso le loro vite, a 30 anni di distanza da quel film.

Domanda loro e si domanda: ce la siamo cavata? Vi sono anche le voci di chi interpretava gli adulti che si muovevano attorno a questo vivacissimo gruppo di bambini. Attori del calibro di Gigio Morra, il custode, Isa Danieli, la preside, Paolo Bonacelli, Ludovico, e ovviamente, il maestro, Paolo Villaggio, che compare in alcune interviste risalenti all’epoca del film. Gli autori inseriscono anche le voci di molti tra coloro che avevano collaborato al progetto Io speriamo che me la cavo. Dallo sceneggiatore Andrej Longo, di cui si è detto, all’assistente alla regia Stefano Antonucci, dal produttore Ciro Ippolito alla responsabile del casting Mariarosaria Caracciolo, al coach di recitazione che preparò i bambini. Non solo un bilancio di esistenze a trent’anni di distanza, dunque, ma soprattutto un omaggio a Io speriamo che me la cavo, alle forze creative che lo resero possibile, prima fra tutte quella della sua vulcanica regista, Lina Wertmüller, cui il film è dedicato.

Un appassionato viaggio a ritroso

Noi ce la siamo cavata è un film sentito, perché racconta qualcosa che ha veramente cambiato le vite di tutti i piccoli protagonisti che vi hanno partecipato. Non solo di chi poi ha fatto della recitazione il suo mestiere. Adriano Pantaleo è il primo a raccontare in modo appassionato la sua storia, a sentirsi baciato dalla fortuna nell’essere stato scelto per interpretare Vincenzino. C’è in tutti i protagonisti ed è evidente, l’emozione autentica nel rivedersi bambini sul set, nel tornare in un attimo indietro nel tempo. Ci si muove sul filo della memoria e anche un po’ della nostalgia. Tuttavia, a Giuseppe Marco Albano – autore di cortometraggi apprezzati in diversi festival e del lungometraggio Una domenica notte, del 2012 – non interessa un ricordo nostalgico e fine a sé stesso. Gli interessa invece il valore di un passato capace di proiettarsi verso il futuro. Alcuni giovani protagonisti fanno anche un po’ di critica a posteriori, specie Pantaleo ed Esposito, che affermano di aver sentito su di sé, con il successo del film, la responsabilità di essere presi ad esempio dagli altri, ed evidenziano come questo li abbia fatti crescere in fretta. Tutti, però, ripeterebbero senza esitazione l’esperienza.

Omaggio a Lina Wertmüller e Paolo Villaggio

Emerge poi il ritratto di Wertmüller come la regista di grande carattere nota al suo pubblico, dal metodo rigoroso e dai modi gentili, ma schietti, che pretendeva molto anche dai piccoli interpreti e vedeva in loro quella “pulizia di cuore” che a suo parere poteva rappresentare il vero valore aggiunto del film. Paolo Villaggio appare invece desideroso di esperienze attoriali diverse, che lo portassero lontano dal personaggio di Fantozzi. Emerge la sua voglia di partecipare a un film dove poter mostrare capacità diverse e diverse sfumature del suo carattere. Noi ce la siamo cavata è senz’altro un omaggio a queste due grandi figure del nostro cinema.

Napoli ieri e oggi

Affiora, infine, il ricordo di una Napoli fuori dallo stereotipo, in cui sembrava esserci ancora una speranza, riposta, nonostante tutto, proprio nei piccoli protagonisti. Una Napoli piena di contraddizioni e criticità, ma viva e vitale, come di fatto la città è, contrapposta a quella Napoli unicamente buia e tetra, spietata e disperata, che oggi emerge spesso dagli schermi. Noi ce la siamo cavata è forse anche un invito a tornare a guardare la città con uno sguardo disincantato, sì, ma non disperato, nonostante tutto ottimista, come quello di Lina Wertmüller, conoscitrice profonda di Napoli e convinta delle sue infinite capacità di rigenerazione. La stessa speranza di rigenerazione e rinnovamento è nutrita dal regista Albano, e la nuova generazione nata da coloro che un tempo furono i piccoli protagonisti di Io speriamo che me la cavo, ne è il simbolo.

Dove e quando vedere Noi ce la siamo cavata

Noi ce la siamo cavata di Giuseppe Marco Albano è prodotto da Mediterraneo Cinematografica e Terra Nera, con il contributo della Regione Campania, in collaborazione con Lo Scrittoio e la Film Commission Campania. È al cinema dal 5 gennaio 2023.

 

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“Abbiamo i risultati delle analisi. Si chiama leucemia mieloide acuta.” – Noi anni luce

Quando si è giovani, la morte non è un pensiero che ci sfiora. Neanche per un attimo. Perché non è qualcosa che ci tocca da vicino, ma è parte della vita dei grandi, anagraficamente più prossimi a quel “punto di non ritorno”. Sono proprio quelli gli anni in cui ci si sente invincibili, in cui si crede di poter attraversare mari e monti instancabilmente, spingendosi oltre il limite. Ma quando la realtà, quella più brutta, si schianta addosso rallentandone il cammino, è un attimo a dover rimettere in prospettiva tutta un’esistenza. Basta un nano secondo, una semplice notizia, e la vita ti chiede di essere quell’adulto che guardavi da lontano e a tratti compativi.

Ed è questo che succede a Elsa in Noi anni luce, esordio alla regia di Tiziano Russo, che dopo essersi fatto strada nel mondo dell’audiovisivo con la serie SKAM Italia, arriva a guidare un teen movie che segue la traccia di quelli d’oltreoceano (non a caso prende spunto dall’australiano Matching Jack di Nadia Tass). Presentato nell’ambito del Giffoni Film Festival, ha come protagonisti due giovani stelle nascenti del cinema italiano, Carolina Sala e Rocco Fasano. La sceneggiatura di Noi anni luce è firmata da Isabella Aguilar e Serena Tateo. Il film sarà disponibile nelle sale dal 27 luglio, distribuito da Notorious Pictures.

Noi anni luce, la trama

Elsa (Carolina Sala) ha tanti sogni nel cassetto, primo fra questi diventare una stella del canottaggio. Ha una vita davanti e il futuro le sorride, fino a quando nel bel mezzo di una gara non ha un mancamento e sviene. Sarà qualcosa di semplice, pensa lei, magari un calo di zuccheri, carenza di qualche vitamina, troppo stress, ma dopo una serie di accertamenti i risultati non sono per niente buoni e rassicuranti: si tratta di leucemia. La vita della giovane ragazza cambia, costretta in una stanza d’ospedale e bisognosa di un trapianto di midollo, le giornate sembrano diventate incolori e insapori. Mentre aspetta un donatore che possa salvare la vita, Elsa incontra nel reparto di ematologia Edo (Rocco Fasano), un altro ragazzo che sta affrontando la sua stessa malattia. Da quella conoscenza, che si protrarrà oltre le mura ospedaliere, la ragazza troverà la forza per intraprendere – insieme a Edo – un viaggio alla ricerca del padre che, a detta della madre, le ha abbandonate sparendo nel nulla. Lui è l’ultima possibilità di Elsa per guarire, ma dovrà mettere a dura prova se stessa, mentre nel frattempo l’aria comincia a profumare di amore.

Un teen drama dai toni romance che non ingrana

L’atmosfera creatasi in Noi anni luce ha il sapore di molte pellicole americane teen che abbracciano il genere drama. Il film sembra infatti seguire lo stesso leitmotiv di storie come Colpa delle stelle, A un metro da te o Cosa mi lasci di te, incentrando la narrazione sulla malattia di due ragazzi che vivono il loro percorso – ospedialiero e di vita – con quel fardello pesante sulle spalle in maniera del tutto diversa. L’intento di mostrare il punto di vista di entrambi è dunque interessante, ma risulta essere un punto poco saldo all’interno del racconto. Il doppio point of view di Edo ed Elsa perde di forza nel corso della progressione degli eventi, ed è come se il film sentisse più l’esigenza di mostrare la storia d’amore fra i due, piuttosto che formulare un discorso più strutturato a livello drammaturgico.

La ricerca disperata del padre da parte di Elsa, accompagnata dalla visione diversa che ha lei sia della sua situazione che della lecuemia stessa rispetto a Edo, era un espediente narrativo efficace per esplorare più nell’intimo le differenti reazioni dei protagonisti riguardo la malattia e il concetto di vita, che sarebbero andati a confluire in un interessante coming of age. Cade però tutto in prescrizione, ogni spinta narrativa che tenta di aprire una parentesi più ampia ed elaborata sull’incombenza della morte e sul modo in cui due adolescenti cercano di aggirarla, è schiacciata troppo dalla componente romance (comunque poco accattivante) che incombe con prepotenza su tutto l’impianto del film, spegnendo quel poco di coinvolgimento da parte dello spettatore.

Un film che gira un po’ a vuoto

E allora se Noi anni Luce dà l’impressione di essere un film a metà è purtroppo a causa di una sceneggiatura traballante, a tratti dormiente e pusillanime, scritta soltanto per far muovere quasi per inerzia i suoi personaggi all’interno di una bolla che sembra essere sempre sull’orlo di scoppiare e farli cadere. Russo ci prova a dare un tono drammatico al film, ma è chiaro che non c’è una visione d’insieme e neppure un pilastro fisso tematico attorno al quale far ruotare il racconto. Edo ed Elsa sono i primi ad avere poca caratterizzazione, e il tutto va peggiorando quando si passa ai loro comprimari, i quali compaiono in alcune scene (come la madre o il padre di lei) senza apportare davvero un cambiamento essenziale ai fini della storia. Tutto si trova ad essere così un pretesto – inutile e spigoloso – per far funzionare una trama romantica che, alla fine, è solo pregna di cliché e frasi comuni, lì dove il finale, ma anche i turning point, sono già telefonati.

Il regista manca perciò di elaborare ciò che ha comunque inserito in Noi anni luce: la storia di una sportiva costretta a fermarsi a causa di un male più grande, il supporto e la condivisione di questo con un coetano di cui poi si innamora, e il rapporto padre-figlia, in cui la tematica dell’abbandono voleva essere forte ma invece risulta debole e scarna. Tutto, in favore di una velocità (anche nella love story, pur essendo preponderante) e di una poca determinazione che, inevitabilmente, annacquano l’opera, non dando modo al suo pubblico di poterla apprezzare come si deve, insabbiandone di conseguenza tutte le buone intenzioni.

 

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