Al cinema Barberini il cast del film Leoni, rappresentato da Neri Marcorè, Piera Degli Esposti, Stefano Pesce, Anna Dalton , Pierpaolo Spollon- citando solo i protagonisti- e il regista Pietro Parolin hanno presentato la pellicola alla presenza della stampa.

Erano presenti anche il direttore del centro sperimentale di cinematografia e la produttrice esecutiva Elisabetta Bruscolini.

Parolin è un ex allievo del Centro Sperimentale, orgoglioso di presentare la sua pellicola d’esordio nel difficile mondo del cinema; l’opportunità, per il regista, è arrivata anche grazie al contributo della Regione veneto, pronta ad investire nelle opere cinematografiche promettenti e dal tema sociale impegnato.

La Bruscolini prende la parola, riconfermando il contributo del bando offerto dalla regione, investendo dei soldi concessi dall’Europa- una rarità per quanto riguarda le regioni italiane- che, dopo essere stato vinto da Parolin, è stato supportato dalla produzione CSC Production, che ha provveduto inoltre al montaggio. Un sostegno fondamentale è venuto anche da Rai Cinema e dal contributo del cast, costituito da eccellenze disposte a mettersi in gioco in un’opera prima, insieme a giovani emergenti e ad altri ex allievi coinvolti nella realizzazione. Inoltre, un altro appoggio forte è stato offerto da un gruppo di imprenditori veneti locali che si sono associati decidendo di produrre- distribuire il film, sostenendolo economicamente attraverso una brillante politica di marketing sul territorio- ma non solo.

A prendere la parola in un secondo momento è Piera Degli Esposti, interprete di Mara, matriarca della famiglia ed infelice donna di potere alla quale rimane solo quest’ultimo; un ruolo insolito, visto che il suo personaggio non si alza mai dal letto, governando però le sorti di un’intera famiglia e garantendone sempre l’integrità. Si è trattato di un ruolo speciale e non facile: ha accettato di interpretarla dopo aver incontrato Parolin, definito come una giovane promessa dolce e disponibile; altre parole di elogio sono dedicate a Marcorè, un comico nato anche sul set, un vero intrattenitore.

Quest’ultimo, prendendo la parola, riconferma la splendida esperienza vissuta sul set; La Dalton e Spollon sono entrambi veneti, quindi per loro è stato come tornare a casa: sentire il loro dialetto, ritrovare quell’aria familiare, ha contribuito alla riuscita del film; oltretutto Spollon si è iscritto al Centro Sperimentale dopo aver partecipato al film, che ha contribuito ad arricchire la sua esperienza con una serie di “trucchi” che nelle scuole non vengono spesso insegnati ma si acquisiscono col tempo e l’esperienza.

Il regista Parolin è l’ultimo a prendere la parola, dichiarando di essere prima di tutto uno sceneggiatore e poi un regista, che si è ritrovato ad avere la sua occasione d’oro, grazie pure alla presenza di un cast ricco e completo, composto da attori pronti a portare- letteralmente- il “cinema in un posto”, rilanciando la regione veneto ma muovendosi su due fronti diversi (soprattutto Roma , dove hanno svolto altri casting); Parolin ammette che c’è molto di autobiografico nella scrittura del film, nei vari personaggi raccontati (figli di emigranti, piccoli imprenditori cialtroni e falliti, giovani pronti a ripartire dalle radici): secondo la sua visione, la vera chiave di volta è nel futuro, nella giovane generazione pronta a rimboccarsi le maniche.

La prima domanda riguarda Marcorè: l’attore afferma che, per scegliere un film, deve essere coinvolto dalla sceneggiatura, dalla storia, e in seguito dagli stimoli che fornisce il suo personaggio, elemento che lo spinge quindi a variare generi e stili; il suo “treno” della svolta è stato Pupi Avati, quando lo scritturò per Il Cuore Altrove, regalandogli un posto “d’onore” nel cinema italiano.

Riguardo al suo personaggio, riconferma la natura cialtrona e futile di Gualtiero Cecchin, cercando però di compiere un percorso di crescita durante l’intero arco narrativo del film, ma senza mai perdere la natura stessa del personaggio;

Il regista ha scelto- in modo studiato- un linguaggio ben preciso: anche in fase di scrittura, non voleva assolutamente creare delle macchiette, provando quindi a mantenere solo il “colore” l’inflessione” dialettale, legata comunque anche al ruolo sociale ricoperto dai singoli personaggi.

Parolin, avendo una formazione da sceneggiatore che lo ha portato ad ispirarsi sempre alla realtà prima di procedere nella fase di scrittura, ha “trasportato” nel piano della commedia delle tematiche forti e d’attualità (come il suicidio o le infiltrazioni mafiose al nord) adattandole ad un tono più leggero e sornione.

Una fonte d’ispirazione molto forte- nonché una suggestione stilistica- l’ha fornita il film di Pietro Germi Signori e Signore, soprattutto col suo percorso dal particolare all’universale.

Ma quale Italia è raffigurata nel film?

Di sicuro, il ritratto fornito della provincia è comune a molte altre province, non solo quella veneta; sarebbero cambiati dei parametri, dei dialetti, ma la sostanza sarebbe rimasta la stessa. Il ritratto dei personaggi, allo stesso tempo, evoca un paese “furbetto” che vive di ombre e cose losche, come ci ha insegnato la realtà degli ultimi anni; nonostante la risata e le battute che alleggeriscono il tono, la finalità è anche quella di mettere in luce una morale latente e nascosta; la Degli Esposti stessa riconferma la tesi proposta da Marcorè, del ritratto di un’Italia “ladruncola”, in certi casi, attaccata agli averi materiali, alla “roba”, che cerca però di lasciarsi alle spalle questo passato e di ricominciare: quindi se la madre (Mara) ha vinto sul versante “fisso”, il figlio (Gualtiero) ha vinto sul “piano mobile”, mutevole, improntato ad un rinnovamento degli affari.

Sembra quasi che a salvarsi sia solo chi ritorna alle origini, magari anche grazie ad un sostegno esterno: ma non è così come sembra, le nuove generazioni- anche se lottando- possono resistere e rilanciarsi da sole, resistendo e partendo di nuovo da zero, dalle origini di tutto, rinunciando ai privilegi forniti dalla stabilità familiare.

Il film non ha un messaggio finale vero e proprio: la finalità è piuttosto quella di fare un’analisi lucida di una situazione attuale, senza giudicare o valutare, senza fornire un giudizio.

La pellicola uscirà il 5 Febbraio a Roma e nel Veneto, e a partire dal 12 sul territorio nazionale.

Presentato in concorso alla Semaine de la Critique, nel contesto del Festival di Cannes, il film Julie Keeps Quiet (qui la recensione) propone il racconto di una ragazza – la Julie del titolo, interpretata da Tessa Van den Broeck – che ha nel tennis la sua principale ragione di vita. Quando però il suo coach viene accusato di alcuni rapporti inappropriati con le sue allieve, venendo pertanto sospeso dal ruolo, a Julie viene chiesto di offrire la sua testimonianza. Lei, però, preferisce chiudersi nel silenzio, cercando di elaborare a suo modo quanto sta accadendo intorno a lei. Regista del film è il belga Leonardo van Dijl, che compie così il suo debutto alla guida di un lungometraggio.

Julie Keeps Quiet propone dunque il punto di vista di chi sceglie di rimanere in silenzio dinanzi a situazioni di violenza o abusi, cercando di approfondirne le motivazioni offrendo così un ritratto sincero e privo di giudizio di tale atteggiamento. Il regista racconta che nel concepire il film: “Ho avuto come una visione. In mezzo ai tanti discorsi su questo tema, una storia come questa non era ancora stata raccontata. Ho dunque  iniziato a concepire il personaggio di Julie e a dialogare con lei per sei anni. Nel realizzare questo film, non mi sono mai chiesto cosa volevo io come regista, ma di cosa lei aveva bisogno come personaggio“.

“Per cercare di capirla – continua van Dijl – sono andato a parlare con terapeuti, con avvocati, con persone che nella realtà potrebbero incrociare la propria strada con ragazze come Julie e che potrebbero aiutarle in qualche modo. Ma non ho voluto parlare con ragazze che hanno vissuto esperienze simili, non volevo rubare la storia di nessuno per questo film. Credo che vicissitudini tanto drammatiche e personali non dovrebbero essere la base per un film, perché rivedersi in questo modo può essere piuttosto traumatico“.

Ricercare la poesia in ciò che non è poetico

“La prima scena che ho scritto su carta era il finale. La fine era, in realtà, l’inizio. Questo finale simboleggia un nuovo inizio. Lasciamo che il viaggio di Julie ci ispiri a interrogarci su ciò che possiamo fare per le generazioni future. Facciamo sentire la voce di Julie e la sua storia, perché un mondo migliore per Julie è un mondo migliore per tutti noi. Lavoriamo insieme per far uscire Julie, e noi stessi, da questo labirinto. Insomma, – aggiunge van Dijl – io e la mia co-sceneggiatrice Ruth Becquart volevamo riportare la poesia in qualcosa che in realtà è profondamente poco poetico“

“La cosiddetta ordinarietà – Julie è a un punto in cui non riesce a trovare dentro di sé la capacità di amare ciò che è, ma concentrandosi sui piccoli dettagli della vita e scoprendo la bellezza nascosta in essi, inizia a riconnettersi con il mondo che la circonda. L’amore che Julie nutre per il suo cane, la recita scolastica a cui partecipa, le sedute dal suo chiropratico. Queste sono state, per noi, la chiave perpermetterle di riconnettersi con se stessa”, spiega Leonardo van Dijl.

Dal dilemma di Amleto alle ragioni del tennis

Il regista è poi passato a raccontare del modo in cui ha immaginato la protagonista del film, affermando che: “Julie è un po’ una moderna Amleto. L’essere o non essere in questo caso è il parlare o il non parlare. Nella situazione in cui si trova entrambe le scelte implicano una sconfitta e credo che tutti prima o poi ci confrontiamo con un dilemma simile. Nel corso della storia, Julie emerge come un’eroina dei giorni nostri, facendo luce sulle pressioni e le ingiustizie nascoste che stanno plasmando il nostro tempo. Come Antigone, Julie osa dire “no”. In un mondo che la spinge a parlare, lei tace, costringendo il mondo ad ascoltare davvero.

“Per lo sport alla base del film, ho scelto il tennis perché lo ritengo una forma di meditazione. – spiega Leonardo van Dijl – I giocatori devono essere estremamente concentrati e focalizzarsi esclusivamente sulla palla. Anche gli avversari in un certo senso passano in secondo piano, perché la sola cosa che conta è cosa farà quella palla. Normalmente, nei film lo sport è raccontato in modo tossico o con personaggi così ambiziosi che vengono poi puniti per questo. Io invece volevo fare esattamente l’opposto, volevo che il tennis fosse per Julie l’unica cosa che la riconnette con sé stessa e con il mondo.

Leonardo van Dijl rivela cosa Julie può insegnarci

Il regista conclude poi affermando che: “Julie mi ha insegnato che tutti portiamo del silenzio in noi e che in questo mondo ci sono molte più cose che ci uniscono di quelle che ci dividono. Eppure ci perdiamo in questi discorsi, c’è troppa polarizzazione. Dovremmo smetterla di pensare in termini di protagonista e antagonista e pensare più al senso di comunità. Il film vuole però trasmettere anche un senso di speranza. Credo che oggi il mondo sia un luogo molto oscuro e deprimente. Molte cose orribili accadono ogni giorno e quindi in un certo senso abbiamo bisogno più che mai di storie di speranza. Il che è un po’ triste, il fatto che ne abbiamo così bisogno. Ci dice quanto poca ne troviamo nella quotidianità”.