La Corazzata Potemkin è il film del 1925 di Serge Ejzenštejn con Vladimir Barskij, Aleksandr Antonov, Grigorij Aleksandrov, Konstantin Feldman, Beatrice Vitoldi, Julia Eisenstein e Sergei M. Eisenstein.

Anno: 1925

Regia: Serge Ejzenštejn

Cast: Vladimir Barskij, Aleksandr Antonov, Grigorij Aleksandrov, Konstantin Feldman, Beatrice Vitoldi, Julia Eisenstein, Sergei M. Eisenstein

La trama de La corazzata Potemkin: Odessa, 1905. La Russia zarista è scossa da una serie di rivolte e sommosse che incrinano il suo governo totalitario e oppressivo che da secoli riduce il popolo alla fame. Sulle acque del Mar Nero, nei pressi del porto di Odessa, l’incrociatore Potemkin vive giorni di grande tensione in quanto buona parte della truppa è ormai insofferente alle penose condizioni a cui è costretta da cinici ufficiali senza pietà. Maltrattamenti vari e cibo avariato non sono più tollerabili ed il vento della rivoluzione giunge anche tra i marinai sobillati dal compagno Grigorij Vakulincuk (Aleksandr Antonov) che li esorta a reagire.

Quando i ribelli vengono individuati il comandante ordina la loro fucilazione; ecco la scintilla che scatena la rivolta e l’ammutinamento di tutta la truppa la quale getta in mare gli ufficiali di bordo. Durante gli scontri però sarà proprio il leader della rivolta a perdere la vita colpito a bruciapelo. Conquistata la nave, il cadavere di Grigorij Vakulincuk viene portato sul molo del porto e qui esposto come martire della rivoluzione anti-zarista. In poche ore tutta la popolazione di Odessa tributa il suo omaggio alla salma del marinaio e solidarizza con gli ammutinati della Potemkin.

Ma la reazione delle truppe dello zar non si farà attendere e sorpresa la folla inerme sulla grande scalinata che guarda verso il mare compirà una strage di civili. Intanto la squadra ammiraglia zarista circonda l’incrociatore ribelle ma non se la sentirà di infierire sugli eroici compagni pronti a morire.

La corazzata Potemkin

Analisi: Siamo abbastanza sicuri che il colto Paolo Villaggio quando interpreta lo sfortunato rag. Fantozzi nel memorabile “Il secondo tragico Fantozzi” non pensi veramente che il film “La corazzata Potemkin” sia “una cagata pazzesca”, per usare il suo colorito commento. Il capolavoro del maestro Sergej M. Ejzenstejn del 1925 è indubbiamente una delle pietre miliari del cinema mondiale, punto di riferimento per generazioni di registi.

Finanziato dal governo sovietico in quanto straordinario strumento di propaganda rivoluzionaria il film di Ejzenstejn è una sorta di colossal che impressiona per i mezzi utilizzati a partire dall’incredibile numero di comparse. Ma è a livello tecnico che questo film si fa apprezzare ancora oggi da chi vuole analizzarne le scelte puramente registiche; a partire dalle inquadrature mai banali o fini a se stesse ma sempre pronte a cogliere elementi chiave del corso narrativo sino alle varie scelte di luci che conferiscono uno straordinario effetto visivo.

In Ejzenstejn  convergono una serie di influenze stilistiche che vanno dall’espressionismo al futurismo sino al cubismo, una commistione tra cinema e arte visiva che testimoniano la grandezza di questo regista.

La struttura narrativa voluta da Ejzenstein è simile alla composizione di un’opera sinfonica, cinque atti che si susseguono senza perdere il filo del racconto: “uomini e vermi”, “dramma sul ponte”, “il sangue grida vendetta”, “la scalinata di Odessa” e “passaggio attraverso la squadra”.

Come in un’opera, ovviamente, un ruolo fondamentale è ricoperto dalle musiche scritte e composte per il film da Sostakovic il quale riesce ad accompagnare le varie sequenze cogliendone ogni volta il fulcro emotivo alternando quindi note di grande drammaticità ad altre dal ritmo tambureggiante, tensione ed euforia, in uno straordinario susseguirsi di emozioni.

In realtà le musiche di Sostakovic furono adattate al film diversi anni dopo in una delle tante riedizioni che modificarono, in parte, il lavoro iniziale di Ejzenstejn. La primissima versione fu proiettata al teatro Bol’soj di Mosca in occasione del ventennale della rivoluzione del ’05. Per molti anni il film rimase precluso ai paesi occidentali ed ebbe in ogni caso scarso successo di pubblico, quindi nel 1950 si fece una prima riedizione con musiche scritte da Nicolaj Kriukov e in Italia arriverà solo nel 1960 con la voce narrante di Arnoldo Foà.

Oggetto di dibattiti e confronti critici La corazzata Potemkin ha sempre pagato il peso di essere un film di propaganda con il conseguente interrogativo se sia giusto o meno affibbiare al cinema tale compito politico. Indubbiamente questo film rappresenta un momento chiave nella vita e soprattutto nel percorso artistico di Sergej Ejzenstejn il quale qui trova una sorta di punto di incontro tra avanguardia e tradizione, tra formalismo e idealismo.

Adattamento cinematografico del romanzo di Rhidian Brook, La Conseguenza è il nuovo film di James Kent (Generazione perduta, 2014) che vede ancora una volta Keira Knightley protagonista di un dramma in costume, sono gli anni ’40 del post Seconda Guerra Mondiale.

Il film racconta un classico triangolo amoroso, in cui Rachel Morgan, moglie dell’ufficiale inglese Lewis Morgan (Jason Clarke), si trova sradicata dal suo Paese per seguire i doveri del marito con l’esercito e si lascia sedurre dal Signor Lubert (Alexander Skasgard), proprietario della villa confiscata poco fuori Amburgo, dove i Morgan vanno a vivere. Devastata dalla perdita del figlio durante i bombardamenti di Londra e trascurata dal marito che sembra essere troppo preso dal lavoro per curarsi della moglie, Rachel troverà conforto tra le braccia dell’affascinante Lubert, anche lui alle prese con la sofferenza per la morte della moglie, e con una figlia adolescente.

La trama sembra apparentemente semplice e i meccanismi messi in gioco elementari, tuttavia il film di Kent possiede un cuore più cupo, rivelandosi un racconto fatto di rabbia e di coraggio, ma anche di perdono e di espiazione.

La Conseguenza, guarda le interviste al cast

Il film è connotato storicamente e geograficamente in maniera molto precisa: 1945, Amburgo distrutta, il signor Lubert che sottostà agli ordini dell’esercito inglese e ospita l’ufficiale e sua moglie potrebbe essere un simpatizzante nazista, ma “ha perso la guerra” ed è quindi relegato a prigioniero nella sua stessa casa. La tensione emotiva è forte sin dall’inizio e le parti in gioco sono ben delineate.

Tuttavia lo sguardo di Kent decide deliberatamente di non raccontarci la Storia e la città, limitandosi alle stanze, ai saloni, con qualche piccola significativa incursione nei boschi circostanti alla casa. Quello del film è un microcosmo domestico, all’interno del quale esplode la passione.

Tuttavia, nonostante l’innegabile sex appeal di Skasgard e la comodità con cui la Knightley indossa la donne d’altri tempi, i due non hanno una grande chimica né l’esplosione della loro passione è costruita in maniera tale da risultare credibile. Chi invece sorprende è Jason Clarke, nei panni di Lewis Morgan, non tanto perché mostra delle raffinate doti da interprete drammatico (è risaputo che l’attore abbia grande talento e troppo spesso venga relegato a ruoli di margine), ma perché il suo personaggio è quello che più mette a nudo la sua ferita emotiva, sorprendendo lo spettatore, così come lo sorprende il finale della storia.

La Conseguenza è in superficie un racconto di passione, ma in profondità una storia di anime ferite che tentano di ricucirsi, facendosi ancora più male nel tentativo di rimettersi in sesto.

Guarda il trailer de La Conseguenza

Arriva al cinema dopo la Mostra Internazionale del cinema La Congiura della Pietra Nera, il film con protagonista l’attrice Michelle Yeoh diretto da John Woo.

In La Congiura della Pietra Nera Pioggia Fine (Michelle Yeoh) è l’assassina più spietata della banda della Pietra Nera. La donna, infatti, grazie alla sua abilità con la spada, non esita ad uccidere tutti coloro che si frappongono fra lei e la sua ragione di vita: entrare in possesso delle due parti del cadavere del monaco buddista Bodhi, dotate, come vuole la leggenda, di poteri e proprietà magiche.

Durante un combattimento, però, la feroce omicida vede la sua determinazione venire meno e decide di sottrarre il corpo del monaco alle grinfie dei suoi complici per andarlo a seppellire vicino ad un tempio.

La sua fuga, prevedibilmente, non lascia certo indifferenti gli altri componenti della Pietra Nera che, messisi sulle sue tracce, la trovano, intenta a condurre una vita normale come bottegaia e sposa, e la obbligano a fare i conti col passato.

La Congiura della Pietra Nera, presentato alla Mostra Internazionale del cinema di Venezia nel 2010 in occasione della consegna del Leone d’Oro al suo regista, John Woo, arriva nelle sale italiane a due anni di distanza e non dice sostanzialmente nulla di nuovo sul genere.

Un inizio a fumetti, infatti, lascia spazio ad una storia stereotipata, fatta soprattutto di combattimenti e dialoghi altisonanti (e a tratti imbarazzanti), che non annoia, ma nemmeno appassiona.

La Congiura della Pietra Nera, il film

La professionalità degli interpreti e il costante movimento creato dai reiterati duelli a colpi di spade, sciabole e mosse di arti marziali, fortunatamente, riescono a mantenere lo spettatore discretamente sotto tensione facendogli dimenticare (e forse anche per far ciò è necessario essere bravi) che la sceneggiatura presenta molti punti oscuri e diversi scambi verbali infelici. Anche il montaggio rapido, sfuggente, concorre alla creazione di un’opera buona dal punto di vista puramente visivo, ma incapace di trasmettere pathos e di attivare i processi d’identificazione.

Solo la natura della storia d’amore tra la protagonista redenta e il marito (Jung Woo-Sung), apparentemente tranquillo e sempliciotto, merita un po’ d’attenzione, poiché il film, trattando il tema della dualità della personalità, riesce a rendere l’amore e l’odio che c’è tra i due con pochi facili stratagemmi, rintracciabili soprattutto nelle due scene quasi speculari in cui l’uno veglia il sonno dell’altra e viceversa.

Tutto il resto si giostra tra sfide e combattimenti spettacolari, uomini (e pugnali) volanti e piccole sequenze tra il divertente e il grottesco che conducono lo spettatore per mano fino ad un non scontato lieto fine.

Due ore di film facile facile. Proprio da evitare solo per chi non sopporta le arti marziali.

Yokohama. 1963. Sullo sfondo un Giappone che comincia a riprendersi dalla sconfitta della Seconda Guerra Mondiale e che si prepara ad un futuro di crescita economica, in primo piano la storia d’amore tra Umi e Shirou, due adolescenti che rappresentano, come una metafora, la tradizione e l’innovazione che si fondono per entrare in una nuova era.

A Luca Argentero, con una carriera alle spalle di vent’anni, mancava – come lui stesso ammette – un progetto con Groenlandia. È stato questo uno dei motivi che lo ha spinto ad accettare di ricoprire il ruolo del protagonista Sante Moras in La coda del diavolo, nuovo film Sky Exclusive in arrivo sulla piattaforma dal 25 novembre. Una collaborazione partita dalla lettura del romanzo omonimo di Maurizio Maggi, nel quale è ritratto un uomo che ben si allontana dai personaggi che hanno costellato l’esperienza cinematografica dell’attore torinese, diventando così una sfida e un’occasione da cogliere. Argentero, in questo viaggio fra la ricerca di sé e la salvezza, è stato accompagnato da due ottimi comprimari, Cristiana dell’Anna e Francesco Acquaroli.

Insieme al suo Sante, sono personaggi che tessono le fila di un thriller dalle tinte noir, e definiti dal regista Domenico De Feudis come tre solitudini che cercano la propria strada, affrontando le loro più intime paure. Tre ritratti che però non emergono mai come dovrebbero nella storia, e il cui background rimane per lo più sconosciuto, faticando a dargli delle vere sfaccettature. La coda del diavolo si basa su una sceneggiatura di Nicola Ravera Rafele e Gabriele Scarfone, ed è prodotto da Matteo Rovere e Andrea Paris.

La coda del diavolo, la trama

Sante Moras è un ex poliziotto ora guardia carceraria in un carcere della Sardegna. È un uomo solo, che trascorre il suo tempo libero ad aggiustare una barca a cui è estremamente legato. Un giorno viene arrestato un uomo colpevole di aver ucciso a sangue freddo una giovane davanti a due poliziotti, e dietro questo delitto sembra celarsi una verità atroce, legata in principal modo a una sorta di tatuaggio che la ragazza porta dietro il collo e che assomiglia alla coda di un diavolo. Sante viene incaricato di sorvergliarlo, ma quando all’improvviso si addormenta, al suo ritorno il detenuto nella cella è stato ucciso. In preda alla paura di essere dichiarato colpevole, l’ex poliziotto scappa, autocondannandosi. A inseguirlo è il commissario Tommaso Lago, determinato a trovarlo e portarlo davanti alla giustizia. Sante, però, capisce che l’unico modo per tornare alla normalità è scavare fino in fondo nella verità: ad aiutarlo sarà la giornalista Fabiana Lai, che non si fermerà all’apparenza delle cose ma guarderà oltre, per stanare i veri assassini, scoprendo una realtà ancora più oscura.

La città verrà distrutta all’alba è il remake dell’omonimo film del 1973 diretto dal maestro  George Romero (titolo originale “The Crazies”).

Alla regia c’è Breck Eisner, regista statunitense non alle prime armi col genere horror e che già ha mostrato le sue abilità in molti sceneggiati televisivi in terra americana, come produttore esecutivo ritroviamo Romero che dovrebbe in un certo senso garantire una certa qualità sotto la sua supervisione.

La trama di La città verrà distrutta all’alba

La trama di La città verrà distrutta all’alba è presto detta: Ogden Marsh è una cittadina americana dove tutto scorre tranquillamente, gli abitanti sono i classici cittadini modello e lo sceriffo non ha grossi grattacapi finché un giorno durante una partita di baseball, l’agricoltore Rory Hamill non decide di entrare sul campo con un fucile senza un non ben precisato motivo se non quello che di uccidere qualche sconosciuto, Dadid Dutton è quindi costretto ad ucciderlo per non rischiare la vita di nessun innocente.

La cosa sembra finire lì ma ben presto la maggior parte degli abitanti comincia a comportarsi stranamente per poi nel giro di 48 ore diventare degli assassini senza scrupoli. Lo sceriffo decide quindi, in una città allo sbando totale, di fuggire insieme a pochi superstiti non contagiati.

La questione sembrerebbe già complicata così, se non che il governo venuto a conoscenza della situazione cittadina, decide di intervenire con forze armate alla disinfestazione e all’uccisione di chiunque mostri i sintomi della pazzia.

Devo dire che questo è uno dei pochissimi remake in grado di migliorare le pellicole da cui prendono spunto, sarà che i mezzi odierni hanno permesso notevoli migliorie per gli effetti speciali e che la regia di Eisner non è niente male regalando anche alcune scene particolarmente affascinanti (una per tutte la moglie dello sceriffo illuminata dai fari della trebbiatrice abbandonata) sta di fatto che la pellicola scorre senza problemi ricalcando in pieno lo spirito che faceva parte dell’originale.

Certamente non vi è nulla di nuovo sotto al sole e per chi conosce bene le regole di questo genere cinematografico non vi è nulla di innovativo, ma una buona dose di colpi scena e una tensione sempre vivida rendono la pellicola piacevole e sopra la sufficienza.

La città verrà distrutta all’alba è il remake dell’omonimo film del 1973 diretto dal maestro  George Romero (titolo originale “The Crazies). Alla regia c’è Breck Eisner, regista statunitense non alle prime armi col genere horror e che già ha mostrato le sue abilità in molti sceneggiati televisivi in terra americana, come produttore esecutivo ritroviamo Romero che dovrebbe in un certo senso garantire una certa qualità sotto la sua supervisione.

La trama del remake La città verrà distrutta all’alba

La trama di  La città verrà distrutta all’alba è presto detta: Ogden Marsh è una cittadina americana dove tutto scorre tranquillamente, gli abitanti sono i classici cittadini modello e lo sceriffo non ha grossi grattacapi finché un giorno durante una partita di baseball, l’agricoltore Rory Hamill non decide di entrare sul campo con un fucile senza un non ben precisato motivo se non quello che di uccidere qualche sconosciuto, Dadid Dutton è quindi costretto ad ucciderlo per non rischiare la vita di nessun innocente.

La cosa sembra finire lì ma ben presto la maggior parte degli abitanti comincia a comportarsi stranamente per poi nel giro di 48 ore diventare degli assassini senza scrupoli.
Lo sceriffo decide quindi, in una città allo sbando totale, di fuggire insieme a pochi superstiti non contagiati.

La questione sembrerebbe già complicata così, se non che il governo venuto a conoscenza della situazione cittadina, decide di intervenire con forze armate alla disinfestazione e all’uccisione di chiunque mostri i sintomi della pazzia.

Devo dire che La città verrà distrutta all’alba è uno dei pochissimi remake in grado di migliorare le pellicole da cui prendono spunto, sarà che i mezzi odierni hanno permesso notevoli migliorie per gli effetti speciali e che la regia di Eisner non è niente male regalando anche alcune scene particolarmente affascinanti (una per tutte la moglie dello sceriffo illuminata dai fari della trebbiatrice abbandonata) sta di fatto che la pellicola scorre senza problemi ricalcando in pieno lo spirito che faceva parte dell’originale.

Certamente non vi è nulla di nuovo sotto al sole e per chi conosce bene le regole di questo genere cinematografico non vi è nulla di innovativo, ma una buona dose di colpi scena e una tensione sempre vivida rendono la pellicola piacevole e sopra la sufficienza.

Gabriele Mainetti torna al cinema con La città proibita, un’opera ambiziosa che mescola generi e suggestioni con la consueta consapevolezza, confermando la sua intenzione di portare avanti un’idea di cinema spettacolare e profondamente radicato nella contemporaneità. Dopo Lo chiamavano Jeeg Robot e Freaks Out, il regista romano ci accompagna in una Roma ibrida, viva, in perenne trasformazione, raccontando una storia di vendetta, amore e riscatto, vibrante di adrenalina.

La trama de La città Proibita

In un villaggio tra le montagne della Cina, due bambine si allenano con il padre che insegna loro delle mosse di kung fu. Molto anni dopo incontriamo Mei, una delle due ormai cresciuta, protagonista di una scena d’azione mozza fiato degna del miglior Bruce Lee, mentre si difende da un gruppo di malavitosi e cerca sua sorella. Sembra di essere in un qualsiasi localaccio di Shanghai, e invece siamo nel coloratissimo all’Esquilino, nel cuore di Roma. Mei incontra Marcello e, involontariamente, il loro destino si lega per quella che sarà l’avventura che cambierà per sempre le loro vite.

Il più grande pregio di la città Proibita è quello di trovare un buon equilibrio tra l’anima romanesca che il regista aveva già raccontato nei suoi film precedenti, così come le persone che vivono ai margini, e la sua grande passione per i film di kung fu e i revenge movie, elemento che costituisce poi il centro action del racconto.

Un equilibrio trai generi non sempre al servizio della storia

Il film ha la grande capacità di passare senza soluzione di continuità dalla commedia al dramma, dal melodramma al film di arti marziali, sempre con grande coerenza e senza mai risultare forzato. La scrittura, firmata da Mainetti stesso insieme a Stefano Bises e Davide Serino, diventa più sincera e lineare, rispetto ai film precedenti, anche se spesso si nota un compiacimento per la bellezza e l’adrenalina di alcune scene che però non servono la storia, sfociando nel risultato opposto di allontanare lo spettatore anziché tenerlo incollato allo schermo.

Le scene di combattimento, curate dal fight coordinator Liang Yang, elevano le scene d’azione a un livello tecnico competitivo con chi questi film li realizza continuamente, anche perché quando si tratta di azione, Mainetti sa il fatto suo: le scene in cui il protagonista è il kung fu sono fluide, creative e perfettamente integrate nella narrazione, anche se talvolta troppo lunghe e compiaciute.

Mei e Marcello protagonisti irresistibili

In questo crogiolo di riferimenti, sfumature e culture, Gabriele Mainetti sceglie due volti memorabili: Enrico Borello e Yaxi Liu, come eroi semi-romantici di questa storia. Lui, visto in molti altri progetti, tra cui Lovely Boy e il recente Familia, sorprende con una dolcezza e un incanto negli occhi che fanno tenerezza al primo sguardo, non si può non fare il tifo per il suo Marcello. Lei, letale e sottile, è stata la controfigura di Liu Yifei nel Mulan in live action della Disney e “mena come un fabbro”. Non solo, il suo viso pulito sono una rappresentazione perfetta della grinta e della dedizione che Mei, il suo personaggio, mette nel perseguimento dei suoi obbiettivi. Due opposti che trovano il modo di incontrarsi e incrociarsi, in mezzo a un inferno che nessuno dei due ha cercato. A completare il cast intervengono Sabrina Ferilli e Marco Giallini.

Ma Roma nei film di Mainetti è sempre protagonista e così da quella multietnica dell’Esquilino a quella da cartolina dei Fori Imperiali, la Città Eterna fa bella mostra di sé, diventando lo scenario perfetto per questa narrazione. L’Esquilino, con le sue bancarelle, i ristoranti cinesi e le trattorie romane, diventa il palcoscenico perfetto per raccontare un mondo in continua evoluzione. E Mainetti non si limita a rappresentare questa realtà, ma la esalta, mostrandone la bellezza e la complessità.

La città proibita non è solo un film d’azione o una storia d’amore: è un manifesto di come Gabriele Mainetti intende il suo cinema. E nel bene e nel male è ormai una cifra stilistica distintiva, con la sua ricchezza di riferimenti ma anche l’autocompiacimento, lo stile impeccabile e la mancanza di umiltà per mettersi al servizio della storia. Il film si impone come uno dei più interessanti delle prossime settimane al cinema, dal 13 marzo in sala con PiperFilm con anteprime l’8 marzo in anteprima.

La città incantata

Anno: 2001

Regia: Hayao Miyazaki

Con le voci di: Erica Necci (Chihiro), Emiliano Coltorti (Haku), Sonia Scotti (Yubaba), Marzia dal Fabbro (Lin), Mino Caprio (Aogaeru), Carlo Valli (papà di Chihiro), Roberta Greganti (mamma di Chihiro)

Sinossi:

Chihiro è in auto con i suoi genitori che stanno andando verso la loro nuova casa: i due adulti prendono una strada sbarrata e arrivano in uno strano paesino, che sembra un luna park abbandonato, con ristoranti e locali pieni di cibo con cui si abbuffano. Chihiro vede i genitori trasformarsi in maiali: hanno mangiato il cibo che la maga Yubaba, padrona del villaggio, ha preparato per i frequentatori del posto, e per questo sono puniti. Per riscattarli Chihiro accetta di lavorare nelle terme, conoscendo Haku, anche lui prigioniero di un incantesimo della maga, al quale è legata da più di quanto immagina e che riuscirà a liberare, prima di poter tornare a casa con i genitori tornati umani.

Analisi

Per molti La città incantata è il capolavoro di Hayao Miyazaki, vincitore dell’Oscar come migliore film d’animazione: senz’altro è il suo lungometraggio che ha ottenuto più premi, tra cui l’Orso d’oro a Berlino e il Saturn Award, a sottolineare una qualità di storia e di disegno ben oltre gli stereotipi sugli anime, che sono ancora presenti, anche se meno rispetto ad anni fa.

Di nuovo un’eroina, una bambina, non eroica combattente né maghetta dagli straordinari poteri, giusto per andare oltre i personaggi tipici degli anime, che vede il mondo della fantasia entrare nel mondo reale di colpo, dall’arrivo, per una disattenzione degli adulti, poco intuitivi e concentrati solo sul trovare una scorciatoia per arrivare prima, in un paesaggio che man mano cambia e diventa inquietante e magico.

Evidenti le contaminazioni e gli omaggi con il folklore giapponese, popolato di spiriti più o meno benevoli, che abitano la natura, e cercano di vivere in armonia con essa, e che possono avere dei loro spazi, come questa città tutta per loro, in cui confrontarsi e curarsi, secondo il principio molto giapponese di mescolare tradizione e modernità. Gli spiriti de La città incantata non sono cattivi: vedono solo la realtà in un modo diverso, ma nella scena del mostro che si libera dall’inquinamento e diventa una splendida creatura fantastica, Miyazaki mette tutto il suo ecologismo, il suo amore per la diversità, il suo sense of wonder.

Il tema di fondo del film è crescere, trovare se stessi, aiutare gli altri, attraverso una filosofia del lavoro e dell’abnegazione, che non è comunque reazionaria e conservatrice, ma porta Chihiro a instaurare un rapporto di armonia e rispetto con tutte le creature. Il fatto che sia lei ad avere ancora un animo che le permette di capire il pericolo e di non cadere in un inganno di un posto pieno di cibo succulento che avrebbe attirato chiunque è perfettamente inserito nella poetica di Miyazaki, attento agli ingenui e ai fantasiosi e a chi si sa sottrarre dal ritmo del progresso, a favore di una vita più sostenibile.

Il contrasto tra mondo fantastico e mondo reale si comporrà con Chihiro che ricorda la sua avventura, avvenuta in realtà, come è da tradizione nelle storie in cui si entra nel mondo degli spiriti, in uno sprazzo di minuti, mentre là fuori il tempo ha continuato a scorrere. Una fiaba orientale e intrisa di filosofia animista e nipponica ma che ha saputo parlare a tutto il mondo: il romanzo che l’ha ispirata, Il meraviglioso paese oltre la nebbia di Sachiko Kashiwaba, è poi stato tradotto in altre lingue sfruttando il successo del film.