Per la regia di Antonio Falduto, Il console italiano è un film indipendente che affronta in modo ambizioso l’annoso ma sottovalutato dramma del traffico di donne africane. E’ l’Africa, insieme a Giuliana De Sio, la protagonista di un film italiano, ma dal sapore decisamente internazionale che vede l’ambiente africano invadere prepotentemente lo schermo e fare da sfondo al giro di vite dei personaggi. Il caso vuole che Giovanna Bruno, console italiano a Cape Town, allo scadere del mandato, si imbatta nella graziosa e giovane Palesa Kubeka (Lira Kohl) alla disperata ricerca del suo fidanzato, il fotogiornalista Marco Borghi, scomparso in circostanze misteriose.

Il console italiano, il film

Quando il console si rifiuta di aiutarla, tra le due donne si innalza un muro di incomprensione e di diffidenza; Giovanna, la classica donna in carriera, sagace e razionale, aveva vissuto da ragazza una travolgente storia d’amore con Marco, che poi aveva interrotto bruscamente. Eppure lo scottante e doloroso ricordo di quell’amore, a distanza di anni, ancora le impedisce di trovare la pace interiore e di vedere le cose nella giusta ottica. Un po’ mordace ed arida nei confronti di Palesa, intraprende così un’ostinata quando assurda ricerca personale e solitaria del suo amato, durante la quale scopre che Marco stava indagando su un traffico illecito di esseri umani. Ancora una volta gli eventi la condurranno verso Palesa e, grazie a una serie di reciproche rivelazioni (la ragazza racconta a Giovanna di aver incontrato Marco dopo essere sfuggita al racket della prostituzione), le due donne si scopriranno meno diverse di quanto immaginavano: caparbie, ostinate, dai vissuti dissimili, ma accomunate da un profondo senso di solitudine.

Un film, Il console italiano, che cerca di far luce sulla tragica e ingiusta realtà vissuta da molte donne africane, ma anche sulla generale drammaticità dell’esistenza umana, attraverso una donna che tramite l’irrefrenabile legame con l’ambiente esterno, trova il modo di raccontare il suo dramma personale, di affrontare le proprie paure, di fidarsi degli altri, insieme alla scoperta di una realtà altra.

Il console italiano alterna sequenze emotive e personali – corredate da un evocativo commento musicale e intimi primi piani e particolari – a sequenze più narrative, la cui nota musicale investigativa sembra ricondurlo al poliziesco nostrano, ma in versione più soft. A fare da raccordo c’è l’invasiva e crudele mamma Africa in tutta la sua carica emotiva ambientale, e nella sua viscerale contraddittorietà.

Un prodotto filmico che convoglia alcuni momenti di ilarità nella forte drammaticità della storia raccontata, dall’evidente carattere televisivo – complice la forzatura e lo stile laccato e forse un po’ troppo melò dei dialoghi – , che pecca un po’ di innaturalezza e artificio nell’accostamento delle storie delle due donne. Nel complesso un apprezzabile tentativo di virare la direzione mainstream a cui di recente il cinema italiano ci ha abituato.

In Il condominio dei cuori infranti un uomo rimasto temporaneamente paraplegico in seguito a un bizzarro incidente con una cyclette si finge un fotografo professionista per conquistare l’infermiera del turno di notte nell’ospedale in cui si rifornisce in segreto di snack. Un astronauta della NASA, durante un inaspettato rientro sulla Terra, si trova a dover chiedere ospitalità a un’anziana donna di origine magrebina appassionata di sit-com. Un giovane e apatico studente stringe un occasionale e complesso rapporto di amicizia con una nevrotica vicina, attrice di mezza età in piena crisi artistica. Queste le storie e questi i destini che s’incontrano (e scontrano) all’ombra di tre angusti appartamenti situati in un diroccato condominio della periferia francese, scatenando una serie di reazioni a catena che progrediscono allo straordinario ritmo di una favola grottesca e a tratti surreale. Prendendo spunto da due strambi racconti contenuti nell’antologia «Chroniques de l’Asphalte» la quinta pellicola del regista transalpino Samuel Benchetrit, presentata fuori concorso al 68° Festival di Cannes, si pone come uno dei casi cinematografici più interessanti degli ultimi tempi, in primis grazie alla straordinaria capacità di saper conciliare una garbata messa in scena squisitamente minimalista con tocchi di surrealtà e humor degni delle più acute opere sperimentali brechtiane.

Il condominio dei cuori infranti, il film

Il racconto si dipana attraverso uno stile straordinariamente essenziale che ricalca l’estetica kafkiana di Roy Andersson, rinunciando a barocchismi nei movimenti di camera e scegliendo invece di impiegare una serie di inquadrature per lo più statiche e teatrali, le quali ben sanno descrivere il doppio rapporto fra il dentro e il fuori, fra la “clausura” dei singoli locali e la brumosa atmosfera degli esterni, sempre ripresi attraverso illuminazioni crepuscolari o con aperture di campo molto ristrette.

Facendo ricorso a una prima parte affidata esclusivamente alla predominanza dell’immagine-azione e a una seconda in cui prevale il peso dell’immagine-parola (meglio, discorso) Il condominio dei cuori infranti impiega il procedimento della narrazione episodica – già sperimentato da Benchetrit nei precedenti lavori – per intersecare fra loro tre improbabili coppie, le quali non possono che affidarsi alla natura effimera e ambigua di rapporti destinati a sorprendenti trasformazioni, in una narrazione nella quale la donna si trova a ricoprire il ruolo centrale e contraddittorio di amica-amante, madre-salvatrice e sconosciuta.

Avvalendosi di partecipazioni internazionali eccellenti quali Michael Pitt, Isabelle Huppert e Valeria Bruni Tedeschi, il film appare come una divertente e profonda riflessione sul ruolo della solitudine, della solidarietà e delle relazioni d’occasione, spingendo lentamente il proprio eccellente pedale qualitativo entro un mondo suburbano fatto di cemento e apparente freddezza, dove uno sporadico e inquietante rumore di sottofondo contribuisce a sottolineare la natura criptica e a tratti perturbante.

Il concerto – Un direttore d’orchestra allontanato dal suo lavoro per aver difeso i suoi musicisti ebrei durante la seconda guerra mondiale, è ridotto a fare le pulizie nello stesso teatro che un tempo lo osannava ad artista indiscusso. Si presenterà a lui una sola occasione di realizzare il suo sogno, tornare a dirigere la sua orchestra e ritornare allo splendore della musica. Radu Mihaileanu acclamato regista di Train de vie, ritorna con una storia forte e commovente, che diverte ed emoziona, eccezionale.

Il concerto – Mihaileanu si conferma un capace narratore per immagini, sia dal punto di vista del linguaggio, sobrio e contenuto, sia per la storia, l’umanità e la freschezza con cui racconta questa storia di sofferenza e riscatto.

I personaggi, tratteggiati con poche linee guida che ne caratterizzano la provenienza e gli stereotipi, si mescolano in questo colorato spaccato di umanità: gli ebrei praticanti sono gentili, ma attenti al profitto e al commercio; i russi veraci allegri e dediti alla bottiglia; gli zingari confusionari ma con una grande dote innata per il ritmo e la musica; i comunisti più radicali ancora sognatori ed idealisti.  Una parodia sociale costruita magistralmente, un’armonia di realtà e creature diverse che nella musica, nel concerto di Tchaikovsky per violino ed orchestra, trovano il loro riscatto, la speranza di una ritrovata dignità e realizzazione personale.

Il concerto – Mihaileanu si conferma un capace narratore per immagini

Il regista si fa in mezzo ai personaggi, magistralmente interpretati, e ne scova paure e difetti, doti e ambizioni, aggiungendo addirittura una punta di mistero che alla fine si rivela un saldo legame umano, una ritrovata felicità, un’ottimismo senza retorica che pervade come un dolce velo la storia così come la musica dona espressività ed emozione ad un epilogo forse improbabile ma ben costruito e potente.

Come pochi film Il concerto riesce a far piangere e ridere allo stesso tempo regalando due ore di cinema così come dovrebbe essere: divertente, emozionante, impegnato ma soprattutto poetico nella sua semplicità, un difficile equilibrio che Mihaileanu riesce a raggiungere nella sua pienezza.

Presentato nella Selezione Ufficiale fuori concorso a Roma, Il concerto è senza dubbio una delle migliori pellicole viste all’Auditorium nell’anno 2009.

Il comandante e la cicogna – Silvio Soldini torna al cinema a due anni da Cosa voglio di più, scegliendo di riprendere la commedia, genere che lo ha fatto conoscere al grande pubblico. Ci racconta l’Italia di oggi vista dall’alto, osservata dalle statue di grandi personaggi della nostra cultura, come Garibaldi, Leopardi, Leonardo, che, posizionate al centro delle piazze, guardano ciò che accade con stupore commentano alla loro maniera (prestano loro le voci Pierfrancesco Favino, Neri Marcorè e Gigio Alberti).

Il loro sguardo si sofferma incredulo sulle vicende di una città italiana del nord. La stessa sorvolata tutti i giorni dalla cicogna Agostina, osservatrice ugualmente incredula. Qui vivono gli altri protagonisti del film: gli uomini in carne ed ossa: l’idraulico Leo/Valerio Mastandrea, che è impegnato a crescere i due figli, Elia/Luca Dirodi e Maddalena/Serena Pinto, senza l’aiuto della moglie, Teresa/Claudia Gerini, scomparsa – ma non del tutto – dalla vita di Leo; l’artista Diana/Alba Rohrwacher, sempre un po’ con la testa fra le nuvole e senza un soldo; Amanzio/Giuseppe Battiston, padrone di casa di Diana.

Era una bella sfida mettere insieme statue parlanti, cicogna volante, fantasmi, personaggi classici da commedia, tono divertente e tono serio, realtà e fantasia trovando uno stile comune. Soldini ci è riuscito, in parte. Si capisce benissimo il disegno d’insieme, il suo senso e lo si apprezza nel film: una critica dura alla società italiana, ma anche non priva di una sincera compassione e di un afflato di speranza. L’anima realistica e quella fantastica, quella seria (morale) e quella brillante sono tenute assieme con estremo garbo, i registri si integrano e non cozzano tra loro.

I personaggi umani in carne e ossa, danno calore e vivacità alla storia e sono ben caratterizzati. A questo è dedicata tutta la prima parte del film. Gli interpreti sono tutti in parte, a loro agio trasformati esteticamente e linguisticamente dal regista. Particolarmente spassosi sono Amanzio e l’avvocato, un po’ ripetitivo forse il personaggio di Diana, mentre Mastandrea dà al suo idraulico napoletano la maschera malinconica e rassegnata, ma anche quel tocco d’ironia che ormai gli conosciamo.

Il comandante e la cicogna film, il film

Ciò che lascia dubbiosi è l’intreccio della storia: troppe vicende sono tracciate solo per sommi capi, mentre avrebbero meritato maggiore approfondimento. La prospettiva appare per certi versi un po’ troppo “a volo d’uccello”. Si capisce che questo tipo di sguardo possa aver avuto un senso estetico, che sia la prospettiva scelta perché l’occhio che guarda queste storie umane è proprio quello di una cicogna, che passa volando sopra di loro. Ma certi aspetti, soprattutto riguardo ai protagonisti, avremmo voluto vederli un po’ più approfonditi.

Su tutto, elemento unificante della pellicola è senz’altro lo sguardo poetico del regista, che ha il merito di passare lieve su temi come la morte, il degrado, l’inadeguatezza. Le musiche della Banda Osiris sono pensate per il tono arioso e leggero del film e il pezzo finale è impreziosito dalla voce di Vinicio Capossela. Il comandante e la cicogna sarà in sala da giovedì 18 ottobre.

Arriva al cinema Il colpo del cane, il nuovo film di Fulvio Risuleo, con protagonista Edoardo Pesce. Ne Il colpo del cane, Rana (Silvia D’Amico) e Marti (Daphne Scoccia) sono due ragazze precarie che vivono alla buona. Per puro caso Marti decide di guadagnare soldi facili nel weekend facendo la dog-sitter, e debutta nel suo nuovo lavoro occupandosi di Ugo, il bulldog francese di un’anziana signora. Mentre Marti è al parco con il cane il dottor Mopsi (Edoardo Pesce), un veterinario un po’ strano, le si avvicina per proporle di far accoppiare Ugo con la sua cagnolina della stessa razza. Cosa decideranno le ragazze?

È bello quando il cinema italiano esordisce in sala – e assieme a Tarantino –  con un piccolo film intelligente e finalmente nuovo, il punto di vista di un giovanissimo regista che sa il fatto suo. Nonostante i suoi 29 anni infatti, Fulvio Risuleo (regista di Guarda in alto e dei corti Lievito Madre e Varicella, portati a Cannes) non è un novellino dietro la macchina da presa, e in questa pellicola lo dimostra perfettamente.Intanto fa un’operazione molto intelligente: prende un punto di vista assolutamente nuovo, un cane vincente, delle solitudini immeritate e racconta in maniera incontrollata e fluida una ‘non storia’ che dura una manciata di ore.Per farlo sceglie un cast assolutamente improbabile nel ruolo e non solo lo rende credibile, ma lo amalgama per bene, realizzando un mix interessante.

È infatti interessante vedere un Edoardo Pesce, fresco di Dogman, vestire i panni di un metallaro un po’ tristone dai sogni spiegazzati e con un cuore d’oro. Così come spiazza vedere le co-protagoniste Silvia D’Amico e Daphne Scoccia in ruoli più leggeri e fumettistici, che si barcamenano in una periferia romana più caleidoscopica che grigio fumo. La costruzione dei personaggi, caricaturale fino allo stremo, regge fino alla fine così come la loro mini-interazione. Ricalcando uno schema narrativo che si prende gioco del thriller in maniere ‘gigiona’, il film è diviso in due parti, felicemente sbilanciate, che si uniscono in una sintesi evocativa finale.

La prima parte, quella di Rana e Marti scorre veloce e leggera senza un vero perché; la seconda, gioiosamente introspettiva e romantica del Dott. Mopsi, più dilatata e ovattata, che arricchisce di significato la l’intera pellicola. Il protagonismo di questi looser metropolitani si avvicenda a staffetta sulla scena di un film in cui a trionfare è il solo bulldog Ugo, in un mix paradossalmente vincente.

Il colpo del cane, come racconta la stessa pellicola, nella Roma antica si riferiva al triplo 1 nel lancio dei dadi, la combinazione che inevitabilmente portava alla sconfitta e che aveva una percentuale bassissima di uscire fuori da un tiro. Ed è proprio sulla sfortuna che si basa la ballata di Marti e di Orazio/Mopsi, protagonisti che proprio dalla sfiga più nera sono legati – così come nella struttura filmica – a doppio filo. La sfortuna di vivere in una dimensione sociale che ti tiene ai margini, in cui una forza respingente ti sbatte via dal centro alla periferia del mondo, come dalle auto in corsa nel film.

Questo lavoro di Fulvio Risuleo, prodotto da Revok Film e distribuito Vision, rappresenta un punto di vista nuovo e fresco nel panorama della ‘cinematografia giovane italiana’. Sicuramente l’abitudine del regista a firmare cortometraggi (sua è anche il Caso Ziqqurat, serie web non lineare) slega leggermente le due micro vicende, rendendo tutto meno cinematografico e più da micro schermi. Ma l’abilità di dare spessore a piccole clip leggere – soleggiando gli aspetti dark e ombreggiando gli eccessi di vivido – rende questa pellicola estremamente piacevole, molto anni novanta, e che merita assolutamente di essere vista.

Anche se risulta piuttosto complesso tenerlo a mente, bisogna comunque costantemente ricordare che il nuovo Il colore viola, diretto da Blitz Bazawule, non è un secondo adattamento cinematografico del romanzo omonimo di Alice Walker, ma la versione per il grande schermo del musical che ha ottenuto enorme successo a Broadway negli anni precedenti. Di conseguenza anche l’accostamento con il film di Steven Spielberg uscito nel 1985 potrebbe essere fuorviante, anche se onestamente quasi impossibile da evitare.

La sceneggiatura scritta da Marcus Gardley proietta storia, ambientazione e soprattutto i rapporti tra i personaggi in un universo cinematografico aggiornato, decisamente più vicino e consono ai gusti del pubblico contemporaneo. Se alcune tematiche vengono rese maggiormente esplicite – in particolar modo la storia d’amore tra la protagonista Celie (Fantasia Barrino) e la cantante Shug Avery (Taraji P. Henson), altre invece rimangono in secondo piano. Una scelta comprensibile visto il tipo di prodotto realizzato e gli spettatori di riferimento. Condivisibile invece? Questo è un altro discorso…

Le due anime di Il colore viola

Vedendo Il colore viola risulta immediatamente evidente come il talento visivo del regista Blitz Bazawule venga espresso in maniera molto più compiuta nei momenti musicali che in quelli narrativi. Quando gli attori in scena ballano e cantano il suo film possiede una forza quasi prorompente, in alcuni momenti il coinvolgimento emotivo è impossibile da negare. Nelle sequenze rimanenti al contrario la messa in scena risulta piuttosto accademica, con una certa retorica che spunta in momenti non sempre opportuni. Il colore viola si sviluppa quindi come un lungometraggio chiaramente spezzato in due, con una delle sue due “anime” che funziona molto meglio dell’altra.

Ed è a questo punto che risulta davvero molto difficile non accostare questa nuova versione a quella di Spielberg, la quale possedeva una fluidità di narrazione – anche per immagini – di fattura elevata. Appare chiaro e condivisibile il fatto che Gardley e Bazawule non abbiano voluto ricalcare le orme tanto ingombranti del cineasta due volte premio Oscar per la regia, anche perché quando non possono esimersi dal farlo ecco che la differenza di peso specifico del film si fa sentire eccome: nella sequenza in cui Celie rade la barba di Mister (Colman Domingo) l’odierno Il colore viola non riesce a restituire un decimo della potenza emotiva della scena che vedeva protagonisti Whoopi Goldberg e Danny Glover.

Lo stesso vale per il momento forse più importante dell’intera storia, ovvero la “nascita” della nuova Celie e la maledizione nei confronti dell’uomo che l’ha sfruttata per decenni. Ultima annotazione prima di finirla con i paragoni: perché gli autori del musical hanno deciso di cambiare totalmente il tono della scena della riappacificazione tra Shug e suo padre, che tra l’altro nel film del 1985 era uno straordinario momento musicale?

Gli attori non riescono a risollevare le sorti del film

Nel passare a commentare la prova del cast scriviamo subito che vale lo stesso discorso fatto poche righe qui sopra per il film: Fantasia Barrino, Taraji P. Henson, Corey Hawkins e il resto degli attori sono efficaci, in alcune scene addirittura notevoli quando si tratta di mettere in scena il musical vero e proprio. Per il resto invece non riescono a sollevare i propri personaggi dalla ricerca eccessivamente esplicita del tono melodrammatico, sviluppato poi dentro una confezione talvolta fin troppo elegante a livello visivo. Unica eccezione una Danielle Brooks coriacea e grintosa, la quale regala alla sua Sofia almeno un paio di sequenze che sanciscono la statura e la presenza scenica dell’attrice.

Nonostante si tratti di un film lungometraggio visivamente ineccepibile, che contiene almeno un paio di sequenze di intensità emozionale, Il colore viola non riesce veramente a trovare un equilibrio funzionale tra musical e melodramma, finendo per possedere due “anime” che non sanno fondersi con pienezza. Rimane senza dubbio un film con alcuni pregi indiscutibili, escluso quello della coerenza cinematgorafica.