Dalla fantasia di una ragazza in In another country nascono tre diverse storie in forma di sceneggiatura, tutte ambientate nella piccola cittadina coreana di Mohang, in riva al mare, dove la ragazza si trova assieme alla madre. Protagonista dei tre “episodi” è un’affascinante donna francese, Anne/Isabelle Huppert, che alloggia in un albergo della costa. Nel primo episodio è una regista in vacanza con una coppia di amici coreani. L’uomo è visibilmente attratto da Anne, ma deve fare i conti con la gelosia della moglie. Nel secondo episodio Anne è la moglie di un industriale coreano. Trascorre un giorno in albergo, dove la raggiungerà il suo amante: un famoso regista. L’incontro tra i due si svolge con tre modalità alternative differenti (è sempre la mente della ragazza a immaginare come si potrebbe dipanare la sceneggiatura, decidendo di volta in volta di cambiare dei particolari).

Nel terzo episodio, Anne è stata appena lasciata dal marito coreano per una connazionale di quest’ultimo ed si è concessa una vacanza con una sua amica per dimenticare il vecchio amore. Incontra in albergo un famoso regista in vacanza con la moglie incinta. L’uomo è affascinato da Anne e la porta con sé in riva al mare, nonostante rischi di essere sorpreso dalla moglie. Qui la variante è rappresentata dall’incontro con un monaco buddista, cui Anne rivolge alcune domande esistenziali. In tutti gli episodi, poi, la donna, che passeggia per la cittadina in cerca di qualche attrazione da vedere – un faro in particolare – s’imbatte nel bagnino, che sempre subisce il suo fascino e gentile quanto insistente, tenta un approccio.

In another country, il film

Con questo lavoro del 2012, presentato in concorso al 65° Festival di Cannes, il regista Hong Sang-soo realizza una commedia leggera, ma che non rinuncia a un’ironica riflessione sul processo creativo del cinema, sul mito cinematografico dell’amore romantico, sul fascino magnetico della donna francese, a tratti coinvolta, ma più spesso algida, distaccata, un po’ cinica – interpretata con eleganza e giocosità da Isabelle Huppert. Ma guarda  anche col sorriso ad alcuni tratti tipici coreani: l’essere donnaioli degli uomini, la gelosia delle donne, l’insistenza e la cocciutaggine. Senza dimenticare poi la figura del monaco buddista che, così come tratteggiata dal regista, smitizza totalmente queste figure di religiosi svelandole nella loro umanità e mettendo in luce l’assurdità di quanti si affidano a loro per trovare risposte o capire sé stessi. Molti buoni spunti, dunque.

Tuttavia, In another country perde freschezza nella seconda parte, quando l’espediente della sceneggiatura inventata inizia a rivelare i suoi limiti. Ossia un certo meccanicismo, che riflette certo la natura meccanica di rapporti umani  in fondo aridi e l’inevitabile solitudine esistenziale, sintetizzata nella figura della protagonista che s’incammina di spalle su una strada vuota. Ma esso è anche ciò che impedisce un reale coinvolgimento  dello spettatore, che finisce per restare a guardare con un certo distacco un abile divertissement. L’ambientazione scelta per i tre episodi è la stessa ed è molto semplice, spoglia, unico elemento visivo a variare sono gli abiti indossati dalla Huppert. In another country sarà nelle sale italiane dal prossimo 22 agosto, distribuito da Tucker Film.

C’è qualcosa di ipnotico e profondamente disturbante in In a Violent Nature, l’opera prima di Chris Nash che ha fatto parlare di sé fin dal Sundance 2024. A prima vista sembra un omaggio ai classici slasher di fine anni ’70, un film di sangue e boschi, di giovani ignari e mostri risorti. Basta però immergersi nei primi minuti di visione, in cui la macchina da presa si muove lenta tra gli alberi, accompagnando un corpo che riemerge dalla terra, per capire che il regista canadese non vuole imitare Venerdì 13: vuole sezionarlo dall’interno, riportando il genere alla sua brutalità essenziale.

La scelta più radicale è proprio quella che definisce il film: lo sguardo del killer. Per gran parte della durata seguiamo Johnny, un essere mostruoso e immortale, attraverso la sua prospettiva. Non ci sono battute, ironia né commenti metacinematografici. Solo passi pesanti, il rumore degli scarponi che schiacciano le foglie, il suono sordo dei corpi trascinati, e la sensazione di essere intrappolati nella routine della morte. Nash elimina il filtro dello spettacolo e ci costringe a condividere la monotonia del male, quella ripetitività quasi burocratica dell’uccidere. Johnny non prova rabbia né piacere: sembra solo stanco, come se fosse condannato a ripetere un rito senza fine.

Un’esperienza sensoriale

La forza di In a Violent Nature non risiede nella storia, ma nella sua costruzione sensoriale. Nash abbandona qualsiasi colonna sonora tradizionale e lascia spazio solo ai rumori del bosco e alle musiche che provengono dalle radio dei ragazzi. Il silenzio, interrotto da passi, fruscii e mormorii lontani, diventa la vera colonna sonora del film. Ogni suono è calibrato per amplificare la tensione: lo scricchiolio di un ramo, il colpo secco di una pala, il respiro ovattato dietro una maschera.

Girato in formato 4:3, il film chiude letteralmente lo spazio visivo, trasformando la foresta in un condotto soffocante di alberi e nebbia. La macchina da presa segue Johnny di spalle, a volte da molto vicino, altre lasciandolo camminare come un’ombra che attraversa un paesaggio quasi alieno. C’è qualcosa di videoludico in questo dispositivo – un po’ Alien: Isolation, un po’ Silent Hill – ma Nash non lo usa per spettacolarizzare: lo impiega per spogliare lo spettatore di qualsiasi controllo.

Così, in questa esperienza di immersione pura, lo spettatore diventa un osservatore impotente, trascinato nella lentezza del male. Ogni omicidio, spesso mostrato in un solo piano sequenza, è più disturbante per la sua durata che per la sua brutalità.

L’orrore come routine

Il film si apre con la profanazione di una tomba nascosta nel bosco. Un gruppo di ragazzi, in vacanza, trova una collanina tra i resti di una torre di osservazione crollata. Non sanno che quell’oggetto custodisce la pace di un’anima vendicativa. Rubandola, risvegliano Johnny, un’entità che non è più umana ma neppure del tutto spettrale: un corpo putrefatto che torna in vita per recuperare ciò che gli è stato tolto. Da quel momento, la vendetta è meccanica, inevitabile.

Ogni uccisione è un atto rituale, preparato con precisione e mostrato con una lentezza quasi sacrale. Johnny incide il nome della vittima su una medaglietta dopo ogni delitto, come a prolungare il gesto oltre la carne. Non c’è adrenalina, non c’è climax: solo la freddezza del gesto ripetuto. È un modo per spogliare lo slasher dei suoi cliché – le battute, la competizione tra personaggi, la corsa alla sopravvivenza – e lasciarci soli, letteralmente, con il mostro.

Il mito, la colpa, il silenzio

Dietro la figura di Johnny si nasconde una leggenda, raccontata da una sopravvissuta a un’altra sopravvissuta: sessant’anni prima, un delitto atroce aveva generato la sua maledizione. La collana, che in vita apparteneva alla madre, è l’unico oggetto che ancora lega la sua anima alla terra. Finché nessuno la tocca, Johnny resta sepolto sotto il terreno. Ma il gesto incauto di quei ragazzi lo risveglia e, come in una maledizione collettiva, tutto il paese sa che è meglio non parlarne, non sfidarlo, non violare il suo riposo.

Il film diventa così un racconto sul trauma e sulla responsabilità condivisa. Non è solo Johnny a essere una vittima di violenza: è la comunità stessa che lo ha generato, che preferisce dimenticare, che lo lascia dormire piuttosto che affrontare ciò che rappresenta. Il finale, interamente ambientato dentro un’auto, spiazza per la sua staticità. Dopo tanta brutalità, il film si chiude in silenzio, tra due generazioni di sopravvissute che si parlano senza guardarsi davvero. È un momento di ammissione e di resa, un tentativo di interrompere il ciclo, anche se il terrore non svanirà mai del tutto.

La giovane Kris continuerà per sempre a guardare verso i boschi, perché ciò che è stato visto non si dimentica. L’orrore di Nash non è catarsi, ma una condanna alla memoria.

Lo slasher come memoria collettiva

Con In a Violent Nature, Chris Nash restituisce dignità a un genere spesso ridotto a formula, ricordandoci che lo slasher è nato come rito, non come spettacolo. Invece di cercare l’originalità nei colpi di scena, la trova nella forma: nello sguardo, nel suono, nella lentezza. E, paradossalmente, più il film diventa essenziale, più si avvicina all’origine del terrore.

Johnny, con i suoi scarponi pesanti e il suo passo inesorabile, non è solo un mostro: è la manifestazione di ciò che resta quando la violenza diventa abitudine. Un orco che cammina in mezzo ai resti della civiltà, tra foglie, sangue e silenzio. Nash non gli concede redenzione, né spettacolo. Solo la consapevolezza che, finché continueremo a guardare altrove, l’orrore non smetterà mai di camminarci accanto.

Alla Festa del Cinema di Roma in concorso, In a Land That No Longer Exists di Aelrun Goette aiuta a discutere di diritti e libertà e a tenere viva la memoria storica, anche recente. “Solo quando sogniamo siamo liberi”, diceva la madre della protagonista alla piccola Susanne. E la chiamava Suzie, come la bassista e cantante americana Suzie Quatro. Il sogno e la libertà, però, non sembrano avere molto spazio nella Germania Est socialista dell’estate 1989.

C’era una volta la Germania Est

Susanne Schulz, Marlene Burow, è una diciassettenne della Germania Est, che vive con suo padre Klaus, Peter Schneider, e la sorellina dodicenne Kerstin, Zoé Hoche. Vuole studiare e diventare una scrittrice, ma viene espulsa da scuola perchè trovata in possesso di una copia di 1984 di George Orwell. Viene così assegnata a una fabbrica di lavoro socialista, la KWO, dove dovrà dimostrare di dare il suo contributo al partito. La sua vita cambia quando un giovane fotografo, David Schütter, la ritrae mentre è affacciata al finestrino dell’autobus che la prota a lavoro, Una famosa rivista di moda è la sua opportunità per uscire dalla fabbrica e condurre una vita libera. Tuttavia, non ha messo in conto i limiti e i compromessi che si è costretti ad accettare in uno stato socialista. Incontrerà nuovi amici, come l’eccentrico gay Rudi, Sabin Tambrea, ma scoprirà che non si ottiene niente per niente, che l’esercizio della libertà e la piena espressione di sé sono quanto di più difficile da fare nella Germania Est, a pochi mesi dalla caduta del muro.

Tra autobiografia e finzione

Ancora una vicenda ispirata alla biografia di chi dirige il film in questa diciassettesima edizione della Festa del Cinema di Roma. L’esperienza di modella condotta dalla regista Aelrun Goette, al suo primo film di finzione, ha infatti fornito lo spunto di In a Land That No Longer Exists. Giovano sicuramente al film la conoscenza del mondo della moda e l’occhio allenato alla percezione della bellezza visiva di Goette. Così anche l’esperienza come scenografa e costumista.  Nelle scenografie e nei costumi, infatti, il film dà libero sfogo alla creatività.

Un inno alla libertà e all’autoaffermazione

In a Land That No Longer Exists vive della contrapposizione tra libertà, bellezza e creatività, da un lato, grigiore oppressivo della fabbrica e dell’inquadramento ideologico socialista dall’altro. È una contrapposizione innanzitutto visiva tra le tute scure da operaie e i fruscianti abiti in seta dai colori accesi delle modelle di Sybille – una sorta di Vogue della Germania Est. La bellissima protagonista, interpretata da Marlene Burow, si dibatte tra questi due poli, ma è subito chiaro quale sia la sua collocazione naturale. Un percorso di formazione e individuazione interessante proprio nella misura in cui fornisce l’occasione di ricordare un mondo che forse non esiste più, ma è esistito, e la cui memoria aiuta a non incorrere in ricorsi storici.

Un mondo in cui era un crimine leggere un libro o essere gay  – molto sentita e coinvolgente l’interpretazione di Sabin Tambrea – e che ha ancora qualcosa da dire all’oggi. La regista insiste poi su quanto la libertà sia una questione interiore, prima che fisica, sociale o politica. Lo sottolinea una delle frasi più belle del film, pronunciata proprio dal personaggio di Rudi: “O sei libero dappertutto, o non lo sei. Allora nemmenno l’Ovest potrà aiutarti”. Anche il personaggio della sorellina dodicenne è molto ben delineato e riesce a strappare sorrisi. Da ricordare che la regista è anche sceneggiatrice del film. Goette è abile poi, nel riportare alle atmosfere di fine anni Ottanta, sia visivamente, che con la colonna sonora di Boris Bojadzhiev. Ad oggi, non è ancora prevista una data di uscita italiana per A Land That No Longer Exists.

Il duo formato da Abatantuono e Catania torna sul piccolo schermo con Improvvisamente Natale, pellicola diretta da Francesco Patierno in uscita su Amazon Prime Video il 1 dicembre. A comporre il soggetto è colui il quale può essere definito il maestro dei cinepanettoni, Neri Parenti, con la seconda firma di Gianluca Bomprezzi. I lungometraggi di genere comedy che celebrano il Natale sono oramai un must nel periodo antecedente la festività, e rappresentano l’opportunità cinematografica per immergersi in questa magica atmosfera accompagnati da buone e sane risate.

In principio erano Christian De Sica e Massimo Boldi con il loro Natale trascorso in giro per il mondo, adesso invece a trainare il carro dei cinepanettoni sono Diego Abatantuono e Antonio Catania, in un sodalizio ancora molto “fresco e saporito” sancito ai tempi di Mediterraneo (1991). Se in Il peggior Natale della mia vita erano due amici di vecchia data, in Improvvisamente Natale diventano consuoceri il cui obiettivo è tenere in piedi la famiglia. Ma di qualsiasi personaggio loro si vestano, una cosa è certa: ciò che li unisce è una comicità che spesso non ha bisogno di parole, ma piuttosto si rifugia nelle espressioni.

Improvvisamente Natale, la trama

Alberta (Violante Placido) e Giacomo (Lodo Guenzi) sono una coppia il cui matrimonio naufragato ha messo in evidenza le loro differenze caratteriali e attitudinali. Sulla decisione della loro imminente separazione non hanno però il coraggio di informare la figlia Chiara (Sara Ciocca), molto legata al concetto di famiglia. Decidono così di partire alla volta delle Dolomiti, regno e casa di Lorenzo (Diego Abatantuono), il “nonnone” a cui Chiara è molto legata, con l’intento di affidare a lui l’arduo compito.

Arrivati all’hotel di cui Lorenzo è proprietario, Alberta e Giacomo cercano di convincere il padre di lei a dare a Chiara questa spiacevole notizia, seppur lui sia in disaccordo e cerchi un modo per farli riappacificare. Nel frattempo nell’albergo è anche in corso una trattativa di vendita con dei cinesi, a causa di alcune difficoltà economiche di Lorenzo. Quest’ultimo sa che per la nipote le due novità saranno un duro colpo, e perciò decide di organizzarle in piena estate un Natale di cui difficilmente si dimenticherà.

Un racconto ingolfato di cliché

Sullo sfondo delle Dolomiti prende forma la trama di Improvvisamente Natale, una storia la cui cornice brilla di luci, cenoni, palle decorative e alberi di pino giganteschi. Quel che spicca nel calderone degli intrecci è chiaramente l’atmosfera festosa del 25 dicembre, seppur il panorama estivo ne faccia da contrasto, e che regge sulle spalle la linea di un racconto costellato di cliché. Niente di nuovo a livello narrativo quanto contenutistico, anche se l’ultimo acquista un punteggio in più solo per il messaggio di cui vuole essere portatore.

Lo affermano tutti gli sceneggiatori che sanno masticare le storie, ma anche i registi che poi devono farle vivere nelle quattro pareti dell’inquadratura: ciò che si inserisce all’interno di una trama deve attribuire ad essa valore, logica e credibilità oppure rischia di finire nel buco nero delle pellicole fallite, senza neppure la consolazione di un successo all’incasso. Purtroppo la storia qui risulta priva di mordente, su un impianto narrativo debole e scarno, impregnato dei soliti leitmotiv quali matrimoni alla deriva, tradimenti e scappatelle, che cercano di dare un taglio di spessore alla storia ma in realtà si arenano in una forzata crisi interna che non suscita alcuna emozione.

Sembra quella che in gergo è definita “minestra riscaldata”, piena di sub-plot che invece di aggiungere privano di significato, restituendo allo spettatore solo che confusione e, ad un certo punto, anche noia. Se non fosse per qualche gag comica di cui ne fanno siparietto Diego Abatantuono, Antonio Catania e Nino Frassica nei panni di Don Michele, il film sarebbe privo di qualsiasi sfumatura attrattiva.

Improvvisamente Natale si salva perciò solo per il messaggio che cerca di veicolare attraverso Chiara e il suo gruppo di amici. Nel tentativo di salvare l’hotel dalla vendita, rendendo anche omaggio ad alcuni cult movie di genere horror quali Shining di Kubrick, la comitiva di bambini porta in scena il valore affettivo di alcuni luoghi a cui, nonostante le difficoltà riscontrate lungo la strada, non bisogna rinunciare. A volte gli adulti, “troppo impegnati a credere ai complotti e alle fake news” non si accorgono della preziosità di ciò che possiedono, ed è l’innocenza di una mentalità ancora non inghiottita e influenzata dalla società capitalista che può salvare dal commettere atti di cui, altrimenti, ci si potrebbe pentire.

Dopo la piacevole vacanza dell’anno scorso al Lago di Mosigo di San Vito di Cadore, Notorious Pictures ci riporta sulle Dolomiti bellunesi per il sequel dell’Improvvisamente Natale di Francesco Patierno. Che dopo il doc Svegliami a mezzanotte torna a dirigere Diego Abatantuono – di nuovo nei panni del direttore dello Chalet al Lago – & Co. nel Improvvisamente a Natale mi sposo dal 6 dicembre in tutti i cinema. Una nuova avventura, pensata per il periodo delle feste e per tutta la famiglia, nella quale tornano Violante Placido, Michele Foresta, Valentina Filippeschi e Nino Frassica, affiancati da importanti new entry come Primo Reggiani, Elio e soprattutto Carol Alt, al ritorno sul grande schermo.

Improvvisamente a Natale mi sposo, la trama

È lei la grande novità di questo nuovo capitolo, la promessa sposa dall’incerto passato che il nonno vuole presentare alla famiglia prima delle nozze previste per Natale. Mancano pochi giorni alla fatidica data, nella quale il padrone di casa vuole avere tutti intorno dopo l’annuncio importante, ma la sopresa ha colpito tutti, in maniera diversa. Tra un prete ficcanaso e un integerrimo sindaco in eterno conflitto, la la più sconvolta è la figlia Alberta (Violante Placido), che non vuole accettare e sospetta che Serena (Carol Alt) sia una sorta di cacciatrice di dote. È solo l’inizio di una girandola di situazioni esilaranti, tra scoperte e inattese rivelazioni, che porteranno a piccoli e grandi colpi di scena.

Per anticipare le Feste

Piuttosto che l’antico “squadra che vince non si cambia” il cinema di oggi sembra comprensibilmente attento a calibrare le novità da inserire in strutture rivelatesi meritevoli di replica. Più banalmente, non è facile realizzare un sequel nel quale si riesca a tenere in equilibrio la necessità di replicare una formula che funziona e quella di rinnovarla, magari con la sostituzione di alcuni elementi, in questo caso del cast. Improvvisamente a Natale mi sposo ne è un buon esempio, considerata la sostituzione dei vari ‘comprimari’ Anna Galiena, Antonio Catania, Gloria Guida, Paolo Hendel – ma soprattutto del più visibile Lodo Guenzi, che qui lascia il ruolo del maritino al disponibile Primo Reggiani – con gli altrettanto noti Carol Alt ed Elio. In realtà due new entry fondamentali nella storia, a più livelli, che ne determinano la svolta ‘gialla’ e alcuni pepati conflitti.

Due elementi chiamati a scuotere lo spettatore, messo davanti a una cornice nota (almeno per quanti avessero visto il capitolo precedente), rassicurantemente immutata, ma strutturalmente limitata e limitante. Non un problema per un film giocato tutto su duetti e scontri, con un utile alternarsi dei personaggi nei ruoli di primo piano e di spalla, nel quale proprio Elio offre un divertente e dinamico contraltare a un inarrestabile ‘Forest’, uomo ovunque. Un vero fantasista del set che, insieme a Nino Frassica (capace di fare sempre il suo) tiene legata una sceneggiatura piuttosto semplice e con evidenti ‘cuciture’ a riallacciare strappi e lacune.

Campioni, calcio e (poca) famiglia

Una conseguenza forse inevitabile della scelta di assemblare una serie di personaggi meno coerenti che nel primo capitolo, con il tema del confronto tra tradizione e modernità messo parzialmente in ombra dal bisogno di dare spazio ai volti in campo. Compresa Valentina Filippeschi alla quale Patierno sembra affidare la responsabilità di molte scene, e non solo di quelle – pressoché monopolizzate – con i ragazzini protagonisti, inserite ad avvalorare la definizione del film come “per tutti”.

Eppure, non vediamo quasi mai la ragazza parlare con mamma Violante, e la famiglia stessa, intorno alla quale tutto si svolge, è lasciata sullo sfondo della linea narrativa principale, con la Placido a spingere in primo piano una Carol Alt a tratti faticosa da seguire, e con un ruolo impegnativo da tenere tanto a lungo. La delusione finale nasce dall’impressione di aver assistito alla onesta partita di una squadra composta da giocatori importanti lasciati a tentare la giocata individuale piuttosto che armonizzati da un modulo che li valorizzi, e con il goleador Abatantuono troppo arretrato e lontano dalla porta.

Vincitore dell’Orso D’Argento al settantesimo Festival di Berlino, esce il 15 ottobre Imprevisti Digitali, una commedia non convenzionale di Benoît Delépine e Gustave Kervern. I registi francesi rinnovano il sodalizio che li ha portati alla fama con Mammuth (2010), in cui Gerard Depardieu interpretava un pensionato in disarmo che riassapora la vita alla ricerca di un po’ di giustizia sociale. Proprio le tematiche sociali trattate in chiave satirica e politicamente scorretta sono anche al centro di Imprevisti digitali, prodotto da Delépine e Kervern assieme a Sylvie Pialat e Benoît Quainon.

Imprevisti Digitali, la trama

Periferia francese. Marie, Bertrand e Christine sono vicini di casa. Si trovano improvvisamente nei guai quando Marie, Blanche Gardin, scopre di essere protagonista di un video hard finito su internet dopo una notte di bagordi con un giovane, Vincent Lacoste, che ora la ricatta. La donna non vuole che il figlio veda il video, terrorizzata da ciò che il ragazzo potrebbe pensare di lei. Bertrand, Denis Podalydès, si invaghisce della voce di una centralinista e intanto vuole sbarazzarsi di un video apparso su internet in cui la figlia adolescente viene bullizzata a scuola. Infine, Christine, Corinne Masiero, è un’autista privata e il suo gradimento da parte dei clienti viene misurato in base al numero di stelle che riceve sul sito dell’azienda, regolarmente fermo a una. Demotivata e avvilita, fa di tutto per far migliorare la sua valutazione. I tre intraprendono così una crociata contro i colossi di internet, che ritengono colpevoli di aver stravolto le loro vite.

Imprevisti digitali in chiave “punk” e politicamente scorretta

Il film è dissacrante e divertente, con un buon ritmo. Le interpretazioni riescono a unire verità e grottesco senza essere ridicole, e non è facile. Blanche Gardin è bravissima nel trasformarsi in una sorta di Janis Joplin pasticciona e madre di famiglia, che spesso perde il controllo e non è responsabile di sé. Corinne Masiero dà corpo molto bene alla frustrata Christine, alienata e dipendente dalle serie tv. A  causa di questa dipendenza ha perso il marito e il precedente lavoro. Mentre Denis Podalydès è un goffo vedovo solo, alle prese con una figlia adolescente. L’uomo si invaghisce di una voce al telefono, per poi rendersi conto di aver preso un grosso abbaglio. Personaggi un po’ fantozziani , un po’ “scapigliati”, un misto di goffaggine, frustrazione e rabbia in cui ci si può facilmente rivedere. L’approccio comico dei registi, trasposto nella sceneggiatura di Cécile Rodolakis è più affidato a brevi battute, a situazioni comiche e all’uso del corpo, che non a lunghi dialoghi e dissertazioni, come spesso accade nella commedia francese. Una sceneggiatura che offre finalmente due figure femminili non subordinate a protagonisti maschili, ma che anzi emergono con forza, ognuna con la sua specificità, nelle interpretazioni di  Gardin e Masiero.

Imprevisti digitali e satira sociale

A giudicare dal titolo, Imprevisti Digitali (Effacer l’historique è il titolo originale), si potrebbe pensare che si tratti di un film leggero e superficiale, che si limiti a far ridere con delle gag su tre protagonisti imbranati, ma non è così. Il film non si limita a descrivere tre persone di mezza età che hanno a che fare con la tecnologia e sono in seria difficoltà perché non ne conoscono i meccanismi. Se così fosse, risulterebbe poco interessante e ormai ampiamente superato da una realtà in cui i quarantenni e i cinquantenni hanno imparato a destreggiarsi fin tropo bene con la tecnologia. Si tratta invece di un lavoro che non rinuncia alla passione dei registi: quella per le tematiche sociali e le dinamiche collettive.

Ecco dunque che assume un ruolo centrale la satira sociale, che mostra in modo efficace, anche con alcune esasperazioni un po’ grottesche, quanto la vita di ciascuno sia ormai dominata dalla tecnologia, ma non solo. Anche questo tema infatti è stato già più volte trattato. Qui si pone l’attenzione anche sui risvolti più spesso sottaciuti e a volte semplicemente assurdi, che però sembrano qualcosa di ineluttabile e vengono sovente acriticamente accettati. Si pensi ai dati, alle informazioni personali e riservate che sono oggi in mano alle grandi multinazionali dell’informatica e che peraltro siamo noi stessi a fornire, più o meno consapevolmente.

Nel film si parla anche dello sfruttamento cui sono sottoposti i lavoratori delle multinazionali dell’e-commerce. Più in generale si fotografa una società in cui tutto è monetizzato e disumanizzare, mentre i rapporti umani si sgretolano. I registi sono capaci di unire l’alto e il basso, stimolando una riflessione su questo, utilizzando abilmente mezzi farseschi, come un rocambolesco viaggio dei protagonisti, chi in Irlanda e chi a Palo Alto, in California – sede di molte aziende leader mondiali dell’IT – per andare a recuperare “alla fonte” i video incriminati, persi nel “cloud”.  Oppure la figura quasi mitica e al tempo stesso ridicola di un Dio/haker, interpretato da Bouli Lanners, a cui i protagonisti si rivolgono per risolvere i loro problemi.

Vi è dunque anche una riflessione sul raffreddamento dei rapporti umani, ormai troppo mediati dal virtuale, e sul conseguente senso di alienazione che, suggeriscono i registi, si può superare solo tornando al caro, vecchio, reale contatto umano. Esemplari in questo senso la vicenda di Bertrand con la centralinista, ma anche quella di Christine, che riceve valutazioni negative sul suo lavoro, senza che però nessun cliente si lamenti mai direttamente con lei per ciò che non va nei suoi servizi.

Lo sguardo disincantato sui movimenti

Parzialmente ispirato al Movimento dei Gilet Gialli, Imprevisti Digitali offre in realtà uno sguardo disincantato sui movimenti. Ciò che si percepisce è una voglia di portare i temi trattati in una dimensione collettiva. Marie, Bertrand e Christine sono stati militanti dei Gilet Gialli e, sebbene disillusi, tornano qui a sentirsi paladini di una causa collettiva. Tuttavia la loro lotta appare troppo improvvisata per portare a dei risultati, si mantiene in un orizzonte privato, nonostante le intenzioni. I registi sembrano guardare dunque con occhio smagato alla protesta sociale, ancora lontana dall’essere davvero collettiva, soprattutto su questi temi. I protagonisti però, a loro modo, ci provano. In maniera goffa, improvvisata, pasticciona, ma provano a non subire, a reagire, e già solo per questo si sentono un po’ meglio, ritrovano il sorriso.

Delépine e Kervern continuano dunque a trattare il sociale in maniera scanzonata, acuta e molto realistica. È probabilmente per questo che la commedia si è aggiudicata l’Orso d’Argento a Berlino: per la sua eccentricità e il suo non essere commedia pura, ma anche satira sociale a tratti feroce, che fa riflettere. A qualcuno potrà non piacere perché è molto esplicita e politicamente scorretta, ma è efficace. Un po’ sgualcita, come l’immagine sgranata scelta nella fotografia di Hugues Poulain, ma perciò più vera, sconclusionata forse, come i suoi protagonisti, ma permeata da una grande voglia di rivincita.