Manifestazioni di odio e intolleranza sono ormai all’ordine del giorno e spesso capita che alcuni sconvolgenti fatti di cronaca entrino prepotentemente nelle nostre case a rovinarci la giornata; che siano semplici episodi circoscritti al nostro territorio nazionale o terribili attentati poco al di là dei confini italiani, la guerra e il terrore riescono sempre a sconvolgere le nostre vite. Ebbene, il nuovo film di Ziad Doueiri è questo è molto di più. The Insult racconta una storia apparentemente semplice, un litigio tra due persone che, per la cocciutaggine di entrambe, diventa un vero e proprio caso politico internazionale.

La trama di The Insult

In The Insult un rifugiato palestinese di nome Yasser, capocantiere di un’impresa edile, sta eseguendo dei lavori di ristrutturazione in un quartiere popolare di Beirut quando si imbatte in Toni, un meccanico libanese di religione cristiana che, rifiutando l’aiuto degli operai, li scaccia in malo modo. A causa quindi di un banale tubo difettoso della grondaia di Toni, i due finiscono col discutere, iniziano a volare parole grosse e la storia finisce nelle mani della polizia e dei tribunali. Un comune litigio, che sarebbe potuto finire con delle semplici scuse, a causa dell’orgoglio dei due uomini, continua ad espandersi ed a coinvolgere sempre più persone, fino a diventare una guerra tra fazioni religiose.

Di origini libanesi, il regista Doueiri – autore già di alcuni lungometraggi di successo come West Beirut, sua opera prima che vinse il Prix François Chalais nel 1998 al Festival di Cannes – può vantare tra le sue esperienze lavorative anche alcuni anni passati al fianco di Quentin Tarantino in qualità di suo assistente alla regia per film celebri come Jackie Brown, Pulp Fiction, Dal Tramonto all’Alba e Le Iene. Potrebbe sembrare l’ennesimo film sulla cosiddetta questione palestinese ma The Insult, con la sua immediata semplicità, riesce a scavare molto più in profondità, regalandoci il ritratto di un’umanità che sembra non aver ancora imparato dai propri errori.

Ad un occhio poco attento, Toni (Adel Karam) e Yasser (Kamel El Basha) possono sembrare persone molto diverse eppure c’è qualcosa che in fondo li accomuna, qualcosa che è molto più ingombrante del loro orgoglio smisurato: il dolore. Abituati sin da piccoli a convivere con la guerra e con un futuro oscuro ed incerto, hanno presto imparato a temere chi è diverso da loro e a guardarlo con sospetto. Negli anni battaglie si sono succedute e dittatori folli dell’una e dell’altra fazione hanno fatto strage di poveri innocenti, nascondendosi dietro buoni propositi e finalità religiose. Il dolore si è trasformato in rabbia e questa a sua volta in odio; ma come sappiamo l’odio genere altro odio e questo, come un fiume in piena, travolge tutto ciò che incontra sul suo cammino. E così una semplice grondaia ha scatenato una serie di reazioni a catena che hanno portato i nostri protagonisti al centro di una guerra mediatica.

Nonostante le sue origini mediorientali, Ziad Doueiri ci regala un film dallo stile spiccatamente americano, tipico dei legal drama. In breve tempo la disputa tra due uomini si trasforma in una lotta tra mogli e mariti, padri e figlie, schieramenti religiosi, avvocati senza scrupoli e partiti politici. Dopo un inizio un po’ in sordina, The Insult acquista un ritmo sostenuto che, grazie anche ai numerosi colpi di scena durante il processo, riesce a mantenere vivo l’interesse dello spettatore. I temi trattati sono veramente tanti; si parla di odio e intolleranza tra popoli che condividono la stessa terra e dell’inquietante relazione tra politica e religione. Durante il processo i protagonisti, completamente in balia degli avvocati e del relativo circo mediatico, sono costretti a condividere momenti privati e dolorosi del proprio passato con degli estranei ai quali interessa solo potersi servire della loro causa per creare disordini e tirare l’acqua al proprio mulino.

Non si tratta più infatti di decidere chi ha ragione e chi torto ma di chiarire una volta per tutte cos’è o non è accettabile fare in nome delle proprie convinzioni. E’ giusto offendere un’altra persona solo perché diversa o sferrare un pugno per un’offesa ricevuta? Quando si cade e ci si sbuccia un ginocchio a volte basta un cerotto per tornare a camminare mentre un orgoglio ferito è molto più difficile da sanare.

A volte però basta un gesto semplice come riattaccare il cavo della batteria di una macchina in panne di un estraneo per realizzare che in fondo non è importante quello che ci divide ma quello che ci accomuna. Tutti abbiamo cicatrici nascoste e ricordi dolorosi stipati negli angoli più remoti della nostra memoria ma basta riuscire a ricordare che “nessuno ha l’esclusiva della sofferenza” e che, nonostante il passato non si possa cambiare, soltanto insieme è possibile andare avanti e voltare pagina.

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Ad un anno di distanza da chiacchierato Dog Eat Dog, il regista Paul Schrader torna ad interrogarsi sulla natura umana e sui vizi e le virtù dell’uomo di oggi. La sua ultima fatica cinematografica dal titolo First Reformed, segue le vicende del pastore Toller, magistralmente interpretato da Ethan Hawke, in preda ad una violenta crisi di fede.

Sconvolto dalla morte del figlio e dalla conseguente distruzione della sua famiglia, Toller cerca di andare avanti meglio che può e di essere sempre un punto di riferimento per i suoi parrocchiani. Ma l’improvviso suicidio di un giovane attivista scatenerà in lui una forza oscura e distruttiva che lo spingerà a prendere decisioni pericolose ed estreme.

Ancora una volta quindi Paul Schrader, pur non prendendo posizione, ci racconta la sua visione del mondo contemporaneo e della pericolosa condizione dell’essere umano costretto a vagare per la terra senza più punti di riferimento. “Non credo che l’umanità abbia ancora tanti secoli davanti. Se avete speranza vuol dire che non prestate attenzione”. Queste sono le ultime lapidarie parole del regista durante la conferenza stampa, parole che hanno gelato il sangue dei presenti ma che hanno anche chiarito il suo punto di vista; per Schrader l’uomo è destinato all’estinzione e non c’è proprio nulla che si possa fare per invertire il processo.

First Reformed, il film

In un mondo in cui il caos regna sovrano e l’essere umano sembra aver perso ogni speranza e certezza, la missione di redenzione del pastore Toller sembra destinata al fallimento. Da anni a capo di un’antica chiesetta di periferia, Toller (Ethan Hawke) sembra attraversare una sorta di crisi mistica ed esistenziale; così mentre la sue fede vacilla, si ritrova a dover aiutare una coppia di giovani sposi in crisi. Ma l’incontro con Mary (Amanda Seyfried) e Michael spingerà il pastore verso una strada senza ritorno.

Il grande regista Paul Schrader torna ad incantare il suo pubblico presentando un film che è un vero e proprio dramma in crescendo. Attraverso il diario segreto del pastore Toller entriamo in un mondo fatto rimpianti e sensi di colpa ma soprattutto di dolore, una sofferenza celata per troppo tempo dall’abito nero e dal colletto bianco che adesso scalpita per uscire allo scoperto. Non si tratta infatti solo di un pastore la cui fede viene a mancare ma di un uomo troppo pieno di rabbia e frustrazione, deluso dalla vita, alla ricerca della salvezza. Il dolore per la perdita del figlio durante la guerra in Iraq e il successivo abbandono della moglie, hanno trasformato l’ex militare e pastore in una vera e propria bomba ad orologeria. Senza fede e speranza dalla sua parte Toller sembra aver perso la bussola e vaga per il mondo alla ricerca di una nuova missione, un nuovo e più alto scopo che ridia senso alla sua vita.

Questa opportunità di riscatto gli viene offerta da Mary che, come una dolce tentazione, lo spinge a considerare cose che prima non avrebbe mai neppur osato immaginare. Così mentre il pastore tenta (invano) di aiutare Michael a ritrovare la retta via, riscopre alcune piccole voglie sopite e si abbandona a piaceri e pulsioni terreni. Le atmosfere sono cupe e silenziose, lo spazio circoscritto e quasi claustrofobico, i tempi lenti e dilatati, tutti elementi che mirano ad esasperare il rigore estetico di Schrader che questa volta risulta funzionale alla storia. Sin dalla prima inquadratura – un bellissimo piano sequenza della First Reformed all’alba, avvolta da una leggera nebbia – si percepisce un’atmosfera carica di tensione che accompagna lo spettatore per tutta la durata del film e che raggiunge il suo culmine in un finale però un po’ deludente e non all’altezza delle aspettative. Nonostante infatti il regista ci fornisca un ritratto decisamente pessimistico della condizione umana, le sue convinzioni non trovano corrispondenza nella conclusione un po’ troppo leziosa e buonista. Ma in effetti è proprio questo il messaggio del regista; per Schrader come per Toller non esistono mezze misure e le uniche due vie di fuga sono la morte e l’espiazione dei peccati attraverso la forza dell’amore.

Un film duro quello di Paul Schrader che non conosce mezze misure e che non ha bisogno di servirsi di inutili sovrastrutture estetiche per promuovere il suo messaggio nefasto; i pessimisti si lasceranno cullare dalle atmosfere spettrali di First Reformed e gli inguaribili ottimisti vedranno nel finale un barlume di speranza.

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Con Casa d’altri, in una manciata di minuti, Gianni Amelio costruisce un suo affresco personale per ricordare il terremoto di Amatrice, avvenuto esattamente un anno fa e sensibilizzare così il pubblico, invitandolo a riflettere, a non speculare e soprattutto a non dimenticare.

Tra personaggi costruiti, frutto di fantasia, e testimonianze reali, il regista si muove tra le macerie di un paese ormai morto, fatto solo di rovine e di persone che si aggirano come fantasmi, alla ricerca di un passato spazzato via in una notte, nel giro di pochi secondi.  Compie dei lunghi camera car tra i detriti ammucchiati, si sofferma sulla costruzione delle casette in legno ancora non terminate e consegnate, punta il dito sulla nuova terribile moda del turismo catastrofico, verso quelle persone prive di sensibilità che anelano a scattarsi un selfie davanti a una casa crollata o a una nave da crociera affondata.

Vediamo terremotati che non hanno più nulla, una maestra d’asilo che racconta come i bambini immaginino sia morire schiacciati e soffocati tra le macerie della propria casa, chi invoca e pretende comprensione e rispetto, chi fa un paragone con quanto vissuto in Africa, riuscendo a stento a trattenere le lacrime.

La casa d’altri è un documento importante per ricordare una delle tante, troppe catastrofi di casa nostra, enormemente rilevanti appena accadute, quanto poi subito dimenticate dopo poco tempo. Forse, dal punto di vista cinematografico non spicca per scelte stilistiche originali o caratterizzazioni autoriali che avrebbero potuto rendere il cortometraggio di Amelio ancora più convincente.

Oltre quaranta anni dopo la realizzazione del suo film più famoso, L’Esorcista (1973), William Friedkin si interroga, usando il linguaggio del documentario e del diario filmato, su quel tema che aveva affrontato in maniera istintiva e senza la preparazione culturale ed emotiva che a suo stesso avviso avrebbe richiesto: il risultato è The Devil and Father Amorth.

Per indagare sceglie di seguire una vera superstar della lotta al demonio, ovvero Padre Gabriele Amorth, esorcista del Vaticano e della Diocesi di Roma da trentacinque anni. Lo segue durante i rituali di uno dei suoi ultimi casi, una ragazza arrivata al ragguardevole traguardo del nono esorcismo.

L’Esorcista è un vero e proprio capolavoro, sia per gli amanti dell’horror che per un pubblico più evoluto, alla ricerca di contenuti, riflessioni e sguardo d’autore. Ha aperto la strada a un genere del tutto particolare, incentrato sulla possessione diabolica e sulla lotta al maligno. A detta di Friedkin, lo stesso padre Amorth si complimentò con lui, dicendogli che fosse il suo film preferito e ringraziandolo per aver contribuito a far conoscere e permettere di comprendere il suo delicato lavoro. Allo stesso tempo però lo rimproverò per aver calcato un po’ troppo la mano con effetti speciali esagerati e situazioni alquanto impressionanti.

Afferma il regista, che prima di girare il film, non aveva mai assistito a un vero esorcismo e non ne sapeva assolutamente nulla, come del resto Bill Blatty che scrisse il romanzo e la sceneggiatura. All’epoca non esisteva una documentazione adeguata, non c’erano libri e quel poco che si poteva reperire era totalmente irreale o inventato in maniera esagerata.

Dopo aver studiato e meditato per tanti anni su quel tema Friedkin decise di voler continuare a indagare con il mezzo cinematografico, ma tralasciando ogni forma di narrazione costruita o di messinscena. Così contattò un amico teologo chiedendogli se fosse stato possibile incontrare Padre Amorth. Il sacerdote non solo acconsentì, ma lo autorizzò a seguirlo e a filmare un suo esorcismo. La sola condizione fu che non ci fosse troupe e luci, in modo da non interferire e non disturbare durante il delicato rituale.

The Devil and Father Amorth, il film

The Devil and Father Amorth è la testimonianza di quell’esorcismo, celebrato in occasione del novantunesimo compleanno di Padre Amorth, poi venuto a mancare nei mesi successivi. Le riprese effettuate in quella giornata sono poi state sapientemente integrate con interviste a medici, psichiatri e religiosi, in modo da avere diversi commenti e punti di vista su quanto accaduto. Friedkin sostiene di aver vissuto e documentato un’ esperienza sconvolgente, che il film da lui realizzato è un viaggio esplorativo e la chiusura di un cerchio iniziato più di quarantacinque anni fa.

Tuttavia si avverte troppa enfasi nella narrazione di Friedkin, sempre condotta in prima persona, ponendosi davanti alla macchina da presa, anche quando per necessità si cala nel ruolo di videomaker. In molti casi racconta la sua esperienza su quegli stessi luoghi reali dove girò L’Esorcista. Quando si affida solamente alle parole per descrivere accadimenti a suo dire terribili, per cause fortuite viene a mancare il materiale video, cosa che purtroppo lascia intendere che la sua possa essere suggestione.

La cittadina di Alatri, dove vive Sabrina, la posseduta che viene sottoposta ai ripetuti esorcismi, viene descritta come una sorta di borgo sperduto chissà dove, una sorta di roccaforte del male rimasta isolata nel tempo, dove per raggiungere la chiesa è necessario inerpicarsi per un’ora e mezza. Nonostante si tratti di un documentario si avverte purtroppo una costruzione tipica di determinati meccanismi di genere, quando non si cade in veri e propri luoghi comuni.

Certo, Friedkin è comunque un narratore navigato e il film cattura, incuriosisce, ma non mostra o racconta nulla di così convincente da divenire un documento importante, né dal punto di vista antropologico o psichiatrico, né tantomeno da quello religioso. Con questo non si vuole assolutamente mettere in dubbio l’autenticità di fatti o persone, ma non si avverte dalle riprese quella forza sovrumana che il posseduto dicono abbia, non si sente una voce o un suono che le corde vocali del soggetto non sia in grado di emettere, non si ascoltano lingue incomprensibili. Si percepisce però una grande fede, si avverte la lotta eterna tra bene e male, la volontà di non alimentare e combattere senza indugio ciò che viene avvertito come malefico.

Forse l’aspetto più interessante e toccante è il dibattere tra scienza e fede, mettendo a confronto le due posizioni opposte, ma inaspettatamente aperte l’una nei confronti dell’altra. Spiazzante è la testimonianza del Vescovo di L.A., che con grande umanità confessa che non potrebbe mai celebrare un esorcismo, per la troppa paura; dice che per fare una cosa simile c’è bisogno di una fede fortissima,  di una forza di spirito non comune, che lui non sente di avere.

Apre con una storia di musica e dolore la sezione Orizzonti di Venezia 74; il film è Nico, 1988 e alla regia c’è l’italiana Susanna Nicchiarelli, che torna dietro la macchina da presa dopo tre anni, e lo fa con coraggio e bellezza.

Il film racconta di Christa Päffgen, in arte Nico. Musa di Warhol, cantante dei Velvet Underground e donna dalla bellezza leggendaria, Nico vive una seconda vita dopo la storia che tutti conoscono, quando inizia la sua carriera da solista. La sua musica è tra le più originali degli anni ‘70 e ‘80 ed ha influenzato tutta la produzione musicale successiva. Ambientato tra Parigi, Praga, Norimberga, Manchester, la Polonia e Anzio, il film è un atipico road movie che racconta gli ultimi due anni di vita della donna che riesce finalmente a dismettere i panni di mito e icona e a indossare quelli sgualciti di musicista e quelli mai indossati di madre del figlio dimenticato.

Nico, 1988 – biopic su Christa Päffgen

La Nicchiarelli utilizza un linguaggio privo di fronzoli, delicato eppure diretto, che mostra la forza della donna che non rinuncia all’essere madre dopo aver davvero capito il valore di questo particolare legame che la lega ad Ari, unico figlio che ha abbandonato da piccolo, perché incapace a fare la madre. La “sacerdotessa delle tenebre” insiste a voler portare l’attenzione su se stessa, durante il suo ultimo tour, mentre il pubblico e la stampa continuano a trascinarla indietro, negli anni ’70, a quando era intrappolata, per sua stessa ammissione, nella sua bellezza che le valse i favori di Warhol.

Senza farsi cronistoria (alcuni eventi sono stati modificati per rispettare la privacy dei coinvolti), né apologia (la donna è mostrata in tutte le sue numerose debolezze e nei suoi vizi), il film illustra con tocco leggero la storia di una vita che si spoglia della sua eccezionalità e diventa rincorsa di un rapporto normale (quello tra madre e figlio) in un contesto politico sociale ostile, quello europeo di metà anni ’80. A un passo dalla serenità cercata e conquistata, Christa Päffgen trova a Ibiza il suo piccolo angolo di paradiso, ma trova anche la sua fine, che l’ha consegnata alla storia della cultura pop, e da oggi ricordata anche dal cinema.