Sul finire degli anni Novanta, complici importanti cambiamenti tecnologici, culturali e sociali, una serie di film hanno riportato in auge la fantascienza distopica, offrendo visioni particolarmente cupe o illuminanti sulle possibili derive dell’umanità. Attraverso l’uso di allegorie più o meno criptiche, si è in particolare narrato della lotta dell’essere umano contro l’avvento del digitale, delle intelligenze artificiali e dei possibili pericoli che tutto ciò può rappresentare. Film come Il tredicesimo piano e Matrix sono esemplari a riguardo, ma a questi si può accostare anche un altro titolo, talvolta dimenticato, quale Dark City (qui la recensione).

Uscito al cinema nel 1998, tale film è diretto da Alex Proyas, già distintosi per il cupo Il corvo, e che nel 2004 darà vita ad un altro classico fantascientifico come Io, robot. Anche ideatore e sceneggiatore del film, Proyas ha raccontato di essere partito, nel concepire la storia di Dark City, dai film noir degli anni Quaranta, intenzionato a dar vita ad un film simile a Blade Runner. Nel corso del processo di scrittura, però, il progetto si è trasformato radicalmente, mantenendo sì atmosfere da noir ma acquisendo aspetti distopici, quasi tendenti all’horror. Da questo punto di vista, Dark City ha anticipato di solo un anno molti aspetti poi presenti in Matrix.

I toni cupi e determinati aspetti filosofici che caratterizzano il film lo hanno tuttavia reso un’opera particolarmente complessa, sul momento mal recepita e poco compresa. Dark City si è infatti affermato come un clamoroso insuccesso, vedendosi rivalutato solo in seguito. Oggi è infatti considerato un valido esempio di quel particolare ramo della fantascienza al cinema che usa il genere per proporre riflessioni sul contemporaneo e numerosi sono i estimatori, tra cui si può annoverare anche Christopher Nolan, il quale ha indicato proprio Dark City come una delle fonti d’ispirazione per il suo Inception, in quanto film dove si suggerisce che il mondo intorno a noi potrebbe non essere così come ci appare.

La trama e il cast di Dark City

In Dark City, una città virtuale perennemente avvolta dal buio fa da sfondo all’esistenza di uomini-cavie per gli Stranieri: alieni in grado, con la sola forza del pensiero, di ridisegnare l’esistenza, i ricordi ed il contesto di vita di migliaia di esseri viventi, i quali nel mentre sono vittime di un sonno autoindotto. Protagonista del film, all’interno di questo spaventoso contesto, è John Murdoch, un uomo affetto da amnesia che scopre di essere ricercato per omicidio. I suoi pochi e vaghi ricordi, però, gli suggeriscono che qualcosa non quadra. Deciso a risolvere l’intricato enigma, Murdoch, che scopre di possedere a sua volta poteri telecinetici, sembra inoltre essere l’unico in grado di opporsi al controllo psichico alieno e dunque a scoprire cosa c’è oltre le mura di quella città.

Ad interpretare il protagonista, John Murdoch, vi è l’attore Rufus Sewell, fortemente voluto dal regista in quanto volto non particolarmente noto del cinema. Per Proyas, infatti, era fondamentale che Murdoch fosse interpretato da qualcuno che non fosse preceduto dalla propria celebrità, coerentemente con la misteriosità del personaggio. Accanto a lui, nel ruolo dell’ispettore Frank Bumstead, vi è invece il premio Oscar William Hurt, il quale a detta del regista aveva compreso il film e i suoi temi meglio di chiunque altro. Jennifer Connelly, invece, recita nel ruolo di Anna, mentre Richard O’Brien e Bruce Spence sono rispettivamente Mr. Hand e Mr. Wall.

L’attore Kiefer Sutherland ricopre invece il ruolo del dottor Schreber. Originariamente, l’attore ha detto di aver pensato che la sceneggiatura fosse stata inviata per errore a lui invece che a suo padre Donald Sutherland. Schreber, in effetti, originariamente era stato scritto come un personaggio più anziano, ma il regista ha poi pensato che avrebbe funzionato meglio se fosse stato più giovane, un qualcuno che dunque ha ancora tutta la vita davanti a sé in un mondo però oscuro. All’inizio, però, Proyas non era molto convinto di Kiefer come interprete di Schreber, un personaggio molto impotante all’interno del film. Dopo averlo incontrato, però, ha completamente cambiato opinione a riguardo.

Il design e il significato di Dark City

Come anticipato, Dark City deve molto del suo fascino non solo alla complessa storia ideata da Proyas, ma anche all’atmosfera che emana attraverso il cupo design delle multiformi scenografie. Collaborando con lo scenografo Patrick Tatopoulos, Proyas ha infatti dato vita ad un ambiente che sembra richiamare le architetture tipiche dell’espressionismo tedesco e del film del 1927 Metropolis. “Il film si svolge ovunque e da nessuna parte allo stesso tempo. – ha dichiarato Tatopoulos – È una città fatta di pezzi di città. Un angolo da un posto, un altro da un altro posto. Quindi, non sai davvero dove sei. Un pezzo sembrerà una strada di Londra, ma una parte dell’architettura sembra New York, ma il fondo dell’architettura sembra di nuovo una città europea. Sei lì, ma non sai dove sei. È come se ogni volta che viaggi, ti perdi“.

Partendo da questo aspetto del film, risulta evidente come l’intento di base sia quello di ambientare il racconto in un ambiente cupo, che suscita allo stesso tempo sensazioni di familiarità e di estraneità. Un luogo che sembra uscito da un racconto di Franz Kafka, dove l’umanità è soggetta ad una realtà che si rivela essere il frutto di un inganno (proprio come avviene in Matrix). Il film trova dunque un forte legame nel mito della caverna di Platone, con Murdoch che tenta di scappare dalla città-caverna per conoscere il vero volto del mondo e poterlo comunicare ai suoi simili. Tuttavia, l’esito della sua missione rimane aperta a riflessioni anche contrastanti. Se per certi versi egli sembra riuscire a smascherare l’inganno, dall’altra la realtà che egli propone può realmente essere considerata “reale”?

Il trailer di Dark City e dove vedere il film in streaming e in TV

È possibile fruire di Dark City grazie alla sua presenza su alcune delle più popolari piattaforme streaming presenti oggi in rete. Questo è infatti disponibile nei cataloghi di Rakuten TV, Chili Cinema, Google Play, Apple iTunes e Amazon Prime Video. Per vederlo, una volta scelta la piattaforma di riferimento, basterà noleggiare il singolo film o sottoscrivere un abbonamento generale. Si avrà così modo di guardarlo in totale comodità e al meglio della qualità video. Il film è inoltre presente nel palinsesto televisivo di giovedì 9 febbraio alle ore 23:20 sul canale Rai Movie.

Fonte: IMDb

 

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Il Museo Nazionale del Cinema di Torino presenta Dario Argento The Exhibit, mostra temporanea dedicata al Maestro del brivido a cui il cinema italiano sarà per sempre riconoscente. La mostra – che rimarrà all’interno del Museo fino al 16 gennaio 2023 – percorre a spirale la Mole Antonelliana, restituendo la stessa sensazione di brivido e vertigine percepibili nella fruizione delle pellicole argentiane.

Il cineasta, sin dal suo esordio come regista, ha improntato i suoi film sulla predominanza di due generi: thriller e horror. Con la sua visione del mondo e la messa in scena delle sue paure, Argento è riuscito ad andare oltre i limiti del possibile: le sue opere, infatti, si trasformano in una proiezione dell’inconscio dello spettatore ma sono anche una “rappresentazione in cui il cinema rispecchia se stesso”. Attraverso le sue produzioni, il regista è riuscito a far essere lo schermo la porta sinistra attraverso cui chi è dall’altra parte, oltre la “quarta parete”, può addentrarsi in quei territori disturbanti e inquietanti che sono quelli del sogno e dell’incubo.

Dario Argento The Exhibit, l’universo horror del regista

La mostra inizia con un viaggio in L’uccello dalle piume di cristallo (1970), film con cui Argento debutta ufficialmente come regista. La pellicola sancisce il suo ingresso nel mondo del thriller, seppur il lungometraggio sia un prodotto ibrido poiché contenente elementi di noir e whodunit (giallo classico). La locandina del film è lo start verso tutto il mondo surreale, eccentrico ed espressionista del maestro del brivido, spesso chiamato anche Hitchcock all’italiana. Dentro una teca è poi esposta la sceneggiatura de L’uccello dalle piume di cristallo, quella di lavorazione dell’aiuto regista di Argento, ossia Roberto Pariante, con appunti, disegni e inserti manoscritti.

Mentre si prosegue nel vortice, sono altre le locandine che il Museo ha affisse: Il gatto a nove code (1971), Profondo rosso (1975), Suspiria (1977), Inferno (1980) e Tenebre (1982). Accompagnate da immagini di scena dei film, queste sono avvolte alle spalle dal buio, illuminate solo da luci gialle che ne risaltano i colori e la patina vintage. Tanti anche gli oggetti di scena, i costumi e le riproduzioni; il pupazzo meccanico di Profondo rosso che causa la morte del professor Giordani; la testa di corvo e gli abiti di Betty nelle vesti di Lady Macbeth in Opera; il calco in gesso per la locandina di Tenebre, autografato dal regista Pupi Oggiano, con la riproduzione del libro Tenebre; i topi sventrati de Il Fantasma dell’Opera.

Dario Argento The Exhibit mostra il cineasta anche nella sua versione di produttore con l’esposizione dei demoni per i film di Lamberto Lava (Demoni e Demoni 2) e di Michele Soavi (La chiesa) da lui realizzati. Presenti anche i bozzetti per Demoni 3, che però non sono mai stati prodotti. Sul suo cinema dell’orrore, Argento dice: “Nel corso della mia carriera ho imparato che se riesci a costruire un universo coerente, per quanto folle esso sia, hai già ottenuto la sospensione dell’incredulità necessaria a raccontare quello che vuoi.”

Suspiria, dentro il capolavoro argentiano

Suspiria è un cult movie, nonché vero e proprio debutto nel genere dell’orrore di Argento. La pellicola è il primo capitolo della trilogia delle tre madri, con i sequel Inferno e La terza madre (2007). Il successo del lungometraggio bisogna ricercarlo nella capacità del regista di renderlo una fiaba gotica con una messa in scena da espressionismo cinematografico, grazie ad uno stile visivo e sonoro surreale e deformato. La fotografia di Luciano Tovoli, che ne caratterizza l’impronta, ha prediletto l’uso di lenti anamorfiche e luci ad arco “davanti alle quali venivano poste stoffe colorate invece delle gelatine, in modo da dare l’impressione che i colori fossero gettati come vernice sui volti degli attori, accentuando il tono fiabesco”.

Argento, che da sempre ha basato i suoi lavori tramutando le sue paure in “realtà”, spiega il film in uno stralcio mostrato alla Dario Argento The Exhibit: “Dopo Profondo rosso volevo raccontare qualcosa di più “areo”, assolutamente non reale, volevo dirigermi verso i miti delle favole e trasportarli nel presente. (…) Le streghe mi hanno fatto sempre paura, quando ero piccolo ero terrorizzato da loro, Biancaneve e i sette nani mi ha impressionato moltissimo, non a caso Suspiria è notevolmente ispirato a quella favola.”

Della pellicola, in una teca, è esposta la riproduzione dello stiletto di pavone che Suzy prende, verso la fine, per uccidere Helena Markos. Al suo fianco la sceneggiatura con note aggiunte autografate da Dario Argento e il suo soggetto redatto a mano. Nella pagina in mostra, il cineasta scrive: “Sono Helena Markos e sono morta 140 anni fa. Pensi che sarei vissuta tutto questo tempo se fossi tu a potermi uccidere?”.

In un’intervista inedita della mostra, il regista regala alcune curiosità su alcuni effetti speciali di Suspiria (la scena in questione vede protagoniste Sara e Susy, quando la prima è costretta a fuggire dalla stanza dopo aver sentito dei rumori e notato l’accensione di una luce): “Quando la macchina da presa si alza, in una scena dove Susy Bannion dorme, e Sara esce dalla stanza, la macchina da presa sale. Per questa inquadratura, ho fatto costruire una lampadina enorme con tutti i filamenti, molto precisa, sembrava vera. Perché volevo fosse “più presente”. Con una vera lampadina tutto si rimpicciolisce, se invece la fai enorme, lo spettatore non si accorge del trucco. La camera inquadra l’interno della lampadina, che in realtà è una “lampadona”, e sullo sfondo si vede lei che esce dalla stanza.”

Dario Argento, la sua “regola aurea”

Le parole del cineasta costellano e arricchiscono tutta la mostra di interessanti behind the scenes. In esse – che raccontano un viaggio infinito, meraviglioso e vorticoso –  si delinea la storia di una vita legata al padre. Un padre dal quale, come lui ricorda, ha appreso tanto, e grazie al quale è riuscito a modellare la sua tecnica e il suo inconfondibile stile autoriale. Salvatore Argento è stato produttore delle pellicole del figlio fino a Tenebre, e come quest’ultimo spiega, gli ha insegnato la prima regola fondamentale sul set: l’estrema serietà.

“Io ho imparato molte cose da mio padre. Una regola era che quando su un set tutti sono molto felici e lavorano con gioia, il film poi sarà un disastro al botteghino. Questo me lo insegnò perché andammo insieme sul set di un film. Un film di Duccio Tessari. La gente era così contenta di girare un film, tutti si abbracciavano, felici… Lui li guardava e, al momento di andarcene, mi ha detto: “Questo film sarà un disastro!” e io “Come fai a saperlo?” “Perché quando la gente è tanto contenta sul set, poi il film al botteghino non funziona!”. I film sono difficili a farsi (…) Sono opere dove la gente sul set non è contenta. Infatti ho scoperto che è vero. Sui miei set nessuno deve ridere, nessuno deve apparire felice. Dobbiamo fare il film, e basta!”.

Dario Argento The Exhibit si conclude con una serie di libri, opere e immagini dello stesso e dei suoi capolavori cinematografici. Non appena si scende al piano terra, il senso di “vuoto” scompare, ma la paura resta. L’adrenalina scorre ancora prepotentemente nelle vene. Perché i veri maestri fanno proprio questo: creano l’illusione che dal loro mondo tu non sia mai veramente uscito. E forse è vero.

Dario Argento The Exhibit, dentro la mostra

 

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