Dopo Devil, film scritto e prodotto da M. Night Shyamalan, i fratelli John Erick e Drew Dowdle tornano dietro la macchina da presa con Necropolis – La città dei morti, un horror girato in stile found footage ambientato nelle catacombe di Parigi. Nel cast Edwin Hodge, Ben Feldman e Perdita Weeks guidano un gruppo di esploratori urbani che, spinti dalla curiosità e dal desiderio di avventura, si addentrano nei cunicoli sotterranei della capitale francese, senza sapere che stanno per risvegliare un incubo sepolto da secoli.

Sotto le strade di Parigi si estende un labirinto di ossa e silenzio lungo oltre trecento chilometri: un cimitero dimenticato, nato per contenere i resti di milioni di persone. È lì che il film colloca la sua discesa agli inferi, una lenta discesa fisica e psicologica che si trasforma presto in un viaggio nella colpa, nella paura e nella follia. Girato interamente in spazi reali e con un uso intelligente della camera a mano, Necropolis – La città dei morti cerca di riportare vitalità a un genere abusato, mescolando l’orrore paranormale con suggestioni esoteriche e simboliche legate all’alchimia.

Tra mito, religione e terrore: il found footage come discesa agli inferi

Il film dei fratelli Dowdle si apre come un classico mockumentary: la protagonista Scarlett (Perdita Weeks), studiosa di archeologia e alchimia, è alla ricerca della Pietra Filosofale, il leggendario artefatto capace di donare la vita eterna e trasformare i metalli in oro. Per trovarla, convince una squadra di esploratori urbani a seguirla nelle catacombe di Parigi, un luogo che si rivela presto vivo, mutante, capace di riflettere le paure più profonde di chi lo attraversa. La scelta di ambientare il film in un luogo reale è una delle intuizioni più riuscite: la fisicità dei cunicoli, l’umidità delle pareti e la sensazione di soffocamento creano una tensione palpabile che non ha bisogno di artifici digitali.

Dal punto di vista stilistico, Necropolis utilizza il found footage in maniera più consapevole di molte altre produzioni del filone. Ogni inquadratura è giustificata diegeticamente – una videocamera indossata, un casco con luce, un cellulare acceso -, e questa coerenza formale permette allo spettatore di restare dentro la storia senza percepire il trucco. Il risultato è un horror più immersivo che voyeuristico, dove il punto di vista soggettivo diventa un’estensione della paura.

Tuttavia, la scrittura non riesce a sostenere fino in fondo le ambizioni del film. Gli spunti mitologici e religiosi – dall’alchimia alla simbologia cattolica, fino ai riferimenti all’antico Egitto – si accavallano in modo disordinato, dando vita a un mosaico suggestivo ma incoerente. L’idea di fondo, quella di un viaggio fisico che diventa anche viaggio interiore, è affascinante ma sviluppata in modo approssimativo. Ogni personaggio è chiamato a confrontarsi con i propri peccati, ma la psicologia resta abbozzata e le dinamiche tra i protagonisti non vanno mai oltre l’archetipo.

Il film suggerisce più che spiegare, ma a volte lo fa con troppa superficialità. Ciò che nelle intenzioni dovrebbe essere un horror “metafisico” – un confronto con i demoni interiori – si riduce a una sequenza di visioni e apparizioni non sempre legate da un filo logico. Eppure, nei suoi momenti migliori, Necropolis riesce davvero a evocare un senso di discesa all’inferno, un inferno privato dove spazio e tempo si deformano fino a diventare un incubo circolare.

Claustrofobia, tensione e limiti di scrittura

L’elemento più riuscito di Necropolis – La città dei morti è senza dubbio l’atmosfera. I Dowdle, già autori di The Poughkeepsie Tapes e Quarantine, confermano la loro abilità nel manipolare la paura dello spazio chiuso. La claustrofobia è reale, fisica, amplificata dall’uso del suono: le gocce d’acqua, i passi ovattati, il respiro affannato dei personaggi costruiscono una colonna sonora naturale che tiene lo spettatore costantemente in tensione.

Le sequenze girate nei cunicoli più stretti sono le più efficaci, perché non si affidano ai jump scare ma all’attesa e all’angoscia. In quei momenti, il film diventa una vera e propria esperienza sensoriale: si percepisce il peso della terra, il buio assoluto, la perdita di orientamento. Il problema è che questa costruzione di tensione non trova un corrispettivo narrativo altrettanto solido. Il mistero si complica progressivamente, ma invece di approfondirsi si frammenta in simboli e riferimenti che restano in superficie.

Il tema dell’alchimia, che avrebbe potuto essere la chiave metaforica del film – trasformare la materia come metafora del trasformare se stessi -, viene trattato come un semplice espediente decorativo. Allo stesso modo, i richiami religiosi e le suggestioni dantesche non vengono mai davvero sviluppati, rimanendo all’interno di un’estetica del mistero fine a se stessa.

Ciononostante, il film riesce a mantenere una certa coerenza visiva e ritmica. La regia compatta, l’uso calibrato del montaggio e la fotografia granulosa contribuiscono a creare un mondo chiuso e coerente, dove la realtà sembra piegarsi alle leggi del subconscio. In questo senso, Necropolis funziona più come esperienza atmosferica che come horror narrativo tradizionale.

Il vento che accarezza l’erba è un film del 2006 diretto a Ken Loack e con protagonisti Cillian Murphy, Pádraic Delaney e Liam Cunningham.

Irlanda, 1920. Laureatosi in medicina da poco, Damien O’Donovan (Cillian Murphy) ha già in tasca il biglietto di solo andata per Londra, dove lo aspetta un ottimo impiego come medico. Pochi giorni prima della partenza però, la morte di un caro amico, barbaramente ucciso dai soldati governativi inglesi e il linciaggio di poveri ed inermi macchinisti alla stazione del treno, lo convincono a non partire, che quello non è il momento di lasciare l’Irlanda. Damian si unirà alla colonna dell’esercito repubblicano capeggiata dal fratello Teddy (Podraic Delaney), e combatterà senza esitazioni per l’indipensenza del suo paese. Dopo mesi di guerriglia, violenze e inauditi soprusi si giungerà al fatidico trattato di pace del 1921. L’Irlanda otterrà un’indipendenza formale che non soddisferà l’ala più radicale dell’Ira così inizierà una terribile guerra civile ancora più drammatica di quella contro gli inglesi. Compagni e fratelli di lotta si troveranno all’improvviso l’uno contro l’altro e così sarà anche per Damian a Teddy.

Vincitore della Palma d’oro al 59° Festival di Cannes, Il vento che accarezza l’erba è un film del 2006 diretto mirabilmente da Ken Loach. Il titolo particolare scelto dal regista prende spunto dal verso di una poesia del XIX secolo di Robert Dwyer Joyce, un’immagine che ricorre sovente nel corso del film, soprattutto quando i giovani partigiani irlandesi aspettano distesi e nascosti nella brughiera, pronti ad un nuovo agguato. L’Irlanda, con le sue immense distese verdeggianti, la sua campagna selvaggia ma gentile al tempo stesso, è il meraviglioso contesto in cui prende corpo la storia, in cui si dipanano le vicende dei nostri protagonisti. La guerra d’indipendenza prima e quella civile poi, dopo l’insoddisfacente trattato del 1921, ci vengono raccontate con intensità e crudezza ma anche con sentimento e delicatezza. Loach inquadra il grande avvenimento storico non tanto attraverso gli occhi e le mosse dei grandi protagonisti come Micheal Collins, ma preferisce seguire le vicende di una piccola colonna di giovani volontari in cui si inserisce la drammatica epopea dei fratelli O’Donovan. Ideali e patria, principi grandi e non barattabili che portano il giovane Damian a calpestare e violentare la propria natura mite e gentile; il suo tramutarsi da giovane medico in soldato spietato è forse uno degli aspetti più affascinanti del film.

Il vento che accarezza l’erba recensione del film di Ken Loach

Doveroso sottolineare come Damian sia interpretato da un ottimo Cillian Murphy (Batman Begins, Il cavaliere oscuro, Ritorno a Cold Mountain, Red Eye). Loach, senza troppe velature, si schiera al fianco degli indipendentisti socialisti, i quali oltre ad un’Irlanda veramente libera e indipendente, ambiscono ad una società nuova, più giusta e dove tutti possano avere pari opportunità. Una corrente radicale straordinariamnete espressa nella figura e nelle parole di Dan, grande amico e ispiratore di Damian ed interpretato magistralmente da un coinvolgente Liam Cunningham.

Il vento che accarezza l’erba è un film che alterna sequenze dal forte impatto emotivo, senza risparmiare una necessaria dose di crudo realismo, ad altre dove “la questione irlandese” viene discussa e dibattuta con dialoghi estremamente illuminanti. Il grande merito del regista inglese è quello di disegnare un quadro nitido e completo del complesso passaggio storico trattato e solo per questo merita un’attenta visione che, ovviamente, consigliamo. Il vento che accarezza l’erba è un film che non parla solo di storia e politica ma che inserisce nella solida base narrativa anche una tormentata storia d’amore, quella tra Damian e la giovane Sineàd. Interpretata molto intensamente dalla brava Orla Fitzgerald, Sineàd è una volontaria dell’esercito repubblicano la quale proverà sulla sua pelle tutto il dramma della guerra, una guerra che coinvolse in modo terribile anche e soprattutto la popolazone civile.

Ottima regia, ottimi interpreti ed una sceneggiatura senza sbavature confezionano un film importante, forse in parte fazioso ma comunque profondo e onesto nel raccontare e trasmettere il dramma di uomini chiamati a opprimere la propria indole, la propria natura ed i propri affetti più cari per qualcosa di più grande, per qualcosa che per loro non aveva prezzo.

Party girl è un film di Marie Amachoukeli, Claire Burger e Samuel Theis premiato all’ultimo Festival di Cannes con la Camèra d’or. Film che racconta, in modo secco e diretto, la storia di una donna non più giovane che ha condotto una vita tribolata, una vita disordinata, fatta di relazioni fugaci, di uomini senza volto ed eccessi di ogni tipo. Angelique, intepretata dall’enigmatica Angelique Litzenburger, giunge così ad un punto morto dove si trova costretta a decidere se proseguire quella vita, oppure sistemarsi sposando un brav’uomo, gentile e per bene. Il film racconta di questo suo tentativo, di come questa opportunità gli dia modo di riavvicinarsi ai suoi figli, anche a Cinthia, la più piccola, toltale anni prima per essere affidata ad una famiglia di Metz. Ma la sua natura è dura da ingorare. Come conciliarla con l’opportunità di vivere una vecchiaia serena e al fianco di un uomo leale?

Party girl, la trama

Party girl è ambientato al confine franco-tedesco, giorni nostri. Angelique, nonostante un’età non propriamente verdissima, vive e lavora ancora al Tanz Cabaret, locale notturno frequentato da soli uomini. Senza l’avvenenza e la freschezza di un tempo, Angelique trascorre le notti sola, al bancone del bar, trovando in un bicchiere sempre pieno l’unica e triste compagnia. Stanca di osservare, ogni notte, le giovani colleghe danzare e intrattenere gli avventori del locale, Angelique si decide di andare a trovare Michel (Joseph Bour), suo vecchio ed affezionatissimo cliente che da tempo non vede più. Aperto il suo cuore, Michel chiederà alla donna di sposarlo, dandole l’opportunità di cambiare vita, di dare un taglio netto a quell’ esistenza balorda. Va bene ti sposo, ma è proprio questo ciò che voglio?

Party girl è quindi un film sulle scelte di fronte alle quali la vita ci mette in momenti chiave della nostra esistenza, quando bisogna imboccare una via anziché un’altra. Un film sulla disperata e interminabile ricerca della felicità, quella vera e spontanea, da non confondersi con la sicurezza, e che per le anime sole come Angelique, è destinata a rimanere un mito irraggiungibile.

Una regia interessante, che alterna inquadrature con camera mobile, forse per conferire maggiore realismo espressivo, ad altre dove è molto apprezzabile la ricerca del particolare, del dettaglio significativo. Interpretazioni asciutte per una sceneggiatura priva di retorica ma forse un pochino monocorde nel suo sviluppo narrativo. Dialoghi non sempre brillantissimi, ma forse volutamente carichi di pause e silenzi che a volte possono apparire stucchevoli.

Quasi assente la colonna sonora, tolti pochi brani celebri che inframezzano la narrazione e che, come nel caso degli Scorpions, ben si sposano con l’ambientazione, con questa provincia tedesca ai margini dello stato. Adatto il brano finale, omonimo del film, che chiude in modo impeccabile l’ultima e amara sequenza.