Anno: 1989

Regia: Rob Reiner

Cast: Billy Crystal, Meg Ryan, Carrie Fisher, Bruno Kirby

Trama: Harry Burns incontra per la prima volta Sally Albright nel 1977. I due hanno appena finito l’università e si stanno trasferendo a New York per realizzare i propri sogni. Il destino li separerà e li farà riavvicinare più volte, e nonostante entrambi vivranno storie d’amore importanti con altre persone, capiranno solo alla fine, pur essendo molto diversi, di essere fatti l’uno per l’altra.

Analisi: Dieci anni per dirsi “ti amo”. Oppure: l’amicizia tra uomo e donna forse non esiste. La commedia famosa per la “scena del finto orgasmo”, ma godibile anche e soprattutto per molti altri aspetti, si potrebbe riassumere in queste due frasi. I film come Harry ti presento Sally provocano nello spettatore di oggi una sottile e bonaria invidia. Non tanto per l’emozione che regala una storia d’amore, quanto per il contesto sociale ed economico in cui essa si sviluppa: un ambiente in cui il benessere illumina la realtà dei protagonisti di una luce così benevola e ovvia, da lasciar loro tutto il tempo per pensare solo ed esclusivamente a beghe sentimentali di varia natura.

Per chi ha voglia di leggerezza e desidera staccarsi dalla realtà odierna, gustandosi gli ingarbugliamenti amorosi di chi, a 30 anni, è più che realizzato professionalmente, di rado le commedie americane degli anni Ottanta deludono le aspettative. Harry ti presento Sally (titolo originale When Harry met Sally, Quando Harry incontrò Sally), è uno dei capofila del genere, punto di riferimento di numerose altre commedie romantiche in cui i due protagonisti si accorgono di essere innamorati solo dopo mille tribolazioni ed equivoci. Non a caso, per la parte di Sally, Rob Reiner e la sceneggiatrice Nora Ephron, avevano puntato la rossa Molly Ringwald, ex sedicenne di Bella in rosa, Un compleanno da ricordare e tutto il filone della cinematografia per teenager degli anni Ottanta, firmata John Hughes. Ma Molly, avvezza a interpretare le storie in cui il/la migliore amico/a ha una cotta per quello/a che neanche si accorge di lui tranne che nel finale, dimostrò poca lungimiranza, e la parte fu assegnata Meg Ryan, che, tre anni prima, era riuscita a farsi notare in Top Gun.

Pur non essendo una commedia romantica con grandi caratteristiche distintive rispetto ad altre, è carina l’idea di inserire dei siparietti in cui anziane coppie raccontano come si sono conosciute, che fungono da spartiacque tra gli incontri di Harry e Sally. L’idea è stata poi ripresa anche da altre commedie – vedi La verità è che non gli piaci abbastanza, anche se lì le testimonianze sono di persone lasciate e single incalliti.

Buona anche la costruzione del rapporto fra i due, così diversi, ma che, alla fine, subiranno uno scambio di ruoli. Lei, apparentemente precisa, metodica e assertiva – il suo tratto caratteristico è fare impazzire camerieri e hostess quando ordina un drink o un’insalata – sarà quella che reagirà con maggiore shock alla trasformazione della relazione. Lui, così cinico e disilluso, sarà quello che deciderà di dare una svolta alla situazione.

Un plauso particolare va alla scelta della colonna sonora: le voci di Frank Sinatra, Louis Armstrong, Ray Charles ed Ella Fitzgerald calzano alla commedia come un guanto.

Anno: 1992

Regia: Mick Jackson

Cast: Whitney Houstm, Kevin Costner, Bill Cobbs, Tomas Arana

Trama: L’ex agente segreto Frank Farmer si lascia il passato alle spalle e, corroso dai sensi di colpa, decide di accettare un complicato incarico come guardia del corpo per l’attrice e cantante più famosa del momento.

Analisi: Con Guardia del Corpo ci troviamo di fronte ad uno anomalo ibrido; un romance-thriller, due generi difficili da amalgamare senza che l’uno non si imponga sull’altro, ed in questo caso il regista Mick Jackson fa del suo meglio sfornando un patinatissimo, ma godibile romance, con una bella colonna sonora ed un plot thriller tutto da dimenticare. Il soggetto di Guardia del corpo ha avuto una lunga e travagliata gestazione, lo script originale risale al 1976 e avrebbe dovuto vedere nei due ruoli principali l’attore Steve McQueen e la cantante Diana Ross, progetto finito in naftalina poi ripescato nel ’79  sempre la Ross coinvolta, stavolta Ryan O’Neal come co-protagonista, niente di fatto anche in questo caso, così si arriva all’odierna versione, anche se nella fase di pre-produzione era stata interpellata anche la popstar Madonna. Rimasto nell’immaginario di tutti per la splendida colonna sonora eseguita da Whitney Houston, Guardia del corpo è un film che emoziona in superficie grazie ad una trama convenzionale e di poso spessore. Il merito va agli attori, in quanto la stessa Houston ed uno strabiliante Kevin Costner dove la sceneggiatura fa acqua da tutte le parti, il lavoro fascino ed il loro gioco di sguardi ed una perfetta alchimia, riesce a risollevare le sorti del lungometraggio.

Prodotto dallo stesso Kevin Costner, il film ha riscosso negli anni Novanta un notevole successo, immortalato dai 16 milioni di dischi venduti della colonna sonora, con I Will Always Love You di Dolly Parton reinterpretata dalla Houston in testa alle classifiche mondiali. Un risultato a dir poco curioso: il romantic-thriller sceneggiato da Lawrence Kasdan soffre di evidenti vuoti narrativi (come ho già puntualizzato) situazioni ostentate e intrecci che fanno a cazzotti con la logica. L’escalation che porta allo smascheramento del colpevole mostra il fianco a enormi interrogativi, inspiegabili conclusioni che di fatto non raccontano la psicologia della professione ma si limitano a sfruttarla per riproporre l’ennesima storia d’amore tra due personalità agli antipodi. La scelta di mettere un giovanissimo Costner al centro dell’attenzione, è una mossa azzardata ma che nonostante tutto, propone l’effetto sperato, ed il merito va anche al fatto di aver puntato sulla Huston. La scelta di Mick Jackson dietro la macchina da presa ha giovato solo ed esclusivamente allo slancio economico della pellicola, perché Guarda del Corpo è stato un astuto soft drama travestito da thriller, patinato e incoerente. Un lungo videoclip musicale che esalta la bellezza, le doti canore e attoriali di un’indimenticabile icona pop, alla quale si deve l’altrimenti inspiegabile successo del film.

Anno: 1998

Regia: Alex Proyas

Cast: Rufus Sewell, William Hurt, Kiefer Sutherland, Jennifer Connelly, Richard O’Brien

Trama: Un uomo privo di memoria si ritrova braccato da alcune misteriose entità, note come gli Stranieri;  qualche aiuto esterno e una buona dose di ‘poteri psichici’ permetteranno al protagonista di giungere alla verità su sé stesso, svelando allo stesso tempo una terrificante realtà, celata  dietro le ombre della ‘Città Oscura’ del titolo, immersa in una sorta di notte perenne.

Analisi: Il successo planetario arriso al Corvo (complice il tragico destino del protagonista Brandon Lee)  aveva reso  Alex Proyas uno dei ‘nomi caldi’ del cinema sci-fi e dintorni; con le ampie risorse a disposizione, il regista australiano gioca ancora una volta con le ambientazioni: la città è costruita ex-novo, Dark City è girato  interamente in studio, senza avvalersi di alcuna location ‘reale’, per un film che fa dell’impatto visivo il suo principale punto di forza; non a caso l’aggettivo più usato ed abusato per l’occasione è stato  ‘visionario’.

Una città che appare uscita direttamente da un immagi nario onirico, a ricordarne tante altre senza essere direttamente conducibile ad alcuna, in cui svolge una vicenda che finisce per avere forse qualche contorsione di troppo,  lasciando costantemente  lo spettatore nell’incertezza di cosa lo aspetterà lungo il percorso verso la verità. Si respira già aria ‘da Matrix’, che sarebbe giunto a distanza di un anno, riproponendone  alcuni dei temi di fondo seppur sostituendo le atmosfere plumbee di Proyas con la grandeur da ‘supereroi in salsa cyberpunk’ dei Wachowsky, i quali non a caso avrebbero riutilizzato parte delle scenografie create da Darius Wolsky sui progetti di Patrick Tatopoulos.

Il protagonista ha il volto dell’inglese Rufus Sewell, in uno dei  ruoli più importanti, di una carriera poi snodatasi senza particolari scosse; attorno a lui, in un cast tutto sommato efficace, si fanno ricordare Kiefer Sutherland, William Hurt e Jennifer Connelly.

Contrastato l’esito: al botteghino gli incassi di Dark City hanno pareggiato a mala pena i costi, complice la contemporanea uscita del Titanic cameroniano, ma anche per il suo essere un film lontano dai gusti del ‘grande pubblico’, che dal ‘regista del Corvo’ forse si aspettava nuovamente una vicenda più ‘lineare’… come spesso succede in questi casi, il film è in seguito diventato ‘oggetto di culto’ per gli appassionati del genere che ne hanno gradito le atmosfere da incubo kafkiano. La critica ne ha apprezzato soprattutto atmosfere e messa in scena.

Particolarmente curata la colonna sonora, come d’abitudine per Proyas: alle sonorizzazioni di Trevor Jones si affiancano i brani, tra gli altri, di Gary Numan ed Echo and The Bunnymen, all’insegna di quelle sonorità post-punk, altrimenti definite ‘gotiche’, più che mai adatte alle atmosfere del film.

Anno: 1990

Regia: Garry Marshall

Cast: Julia Roberts, Richard Gere, Ralph Bellamy, Jason Alexande

Trama: Vivian è una prostituita di Hollywood. Bella ed insicura, la sua vita cambierà radicalmente quando conoscerà il bello e ricco  Edward Lewis che da “brutto anatoccolo” la trasforma in una bellissima principessa.

Analisi: Il veterano Garry Marshall conosce a fondo la materia.  A tutti piace Cenerentola, fiaba che contiene tutti gli elementi fondamentali del  sogno romantico per eccellenza, ed il regista non fa altro che reclutare due fascinosi protagonisti che sfoggiano una notevole alchimia e sex-appeal ed applica le regole di quel classico. A questa miscela va aggiunto poi il repertorio da favola riveduto e aggiornato in maniera furba ed oltremodo ammiccante, tra lusso, vestiti sfarzosi e limousine, poi il piccolo trauma pre-finale che spinge lo spettatore a fare comunque il tifo per l’impossibile accoppiata, la dichiarazione finale da manuale, il sorriso della Roberts e l’indiscutibile charme di Gere. Che altro si può volere?  Pretty Woman è un ottimo romance d’intrattenimento, in perfetto equilibrio tra romanticismo, glamour e fiaba, insomma potrebbe far storcere il naso per la confezione troppo convenzionale, patinata e con  i contenuti prevedibili e stravisti, ma l’appeal di questa pellicola rimane inalterata nel tempo.Prende il titolo dal classico di Roy Robinson e la trama dalle più scontate (ma non per questo romantiche) storie d’amore e diventa una classico. Complice il fascino di Richard Gere, già famoso all’epoca, e il sorriso di Julia Roberts, Pretty Woman si colloca a pieno nel novero dei film romantici che continuano a stregare e ad incantare il pubblico. Non importa infatti quante volte il film venga trasmesso in tv, trova sempre un foltissimo gruppo di persona pronte a dedicargli la propria serata.

Tuttavia, dietro la favola e il romanticismo, il film si rivela alquanto semplice, per confezione e morale (assente), una fiaba sotto la quale conviene non scavare troppo.

Nonostante tutto rimane un film confezionato a doc per lacrimare moderatamente mangiucchiando frutta secca o pop-corn, seduti comodamente sul fedele divano sgualcito sapendo già come andrà a finire, ma diciamoci la verità, chi fra di noi non lo ha visto almeno 10 volte?

Il rischio di Anni felici, nuovo lavoro di Daniele Luchetti, era di scivolare in una mera “operazione nostalgia”, di lasciarsi andare essenzialmente alla voglia di rievocare l’atmosfera colorata dei Seventies, gli happenings, la liberazione sessuale, o anche semplicemente il passato della propria famiglia. La storia è ispirata alle vicende di casa Luchetti; vediamo la figura del regista nel piccolo Dario (Samuel Garofalo). Pericolo scampato.

Anni felici è ambientato a Roma, anni Settanta. Guido e Serena. Lui, artista in cerca di affermazione, insegue la trasgressione senza sentirla davvero. Lei vive per il suo uomo e spesso gli impone la sua presenza. È un amore sincero, ma fatto di attaccamento eccessivo, ricatti. Di ogni loro momento, litigi e rappacificazioni, alterne fortune lavorative, i figli Dario e Paolo sono testimoni. Nella ricerca dei propri spazi di libertà, i coniugi innescano cambiamenti dopo i quali nulla sarà più come prima.

C’è il clima degli anni ’70, ma il film non cade negli stereotipi, anzi li svela e vi oppone una realtà. Primo fra tutti la libertà sessuale – Serena cerca davvero sé stessa attraverso nuove esperienze e cambierà – ma anche l’immagine dell’artista trasgressivo, la famiglia perfetta. Centrale è un tema universale: la difficoltà di un amore adulto, nella coppia e con i figli, non egocentrico, che non costringa in una trappola. Guido e Serena si opprimono a vicenda: lui è insicuro, cerca costantemente conferme in lei, in altre donne, nell’approvazione dei critici. Allo stesso tempo, però, mal sopporta la presenza eccessiva della moglie. Chiede spazio, ma non ne vuole dare e non sa affrontare la vita solo con se stesso – Kim Rossi Stuart dà sapientemente spessore al personaggio.

Serena – Micaela Ramazzotti emerge con forza e spontaneità in un ruolo che per certi versi ricorda altre sue interpretazioni, ma esplora anche nuovi aspetti – vive dell’amore possessivo che riversa su marito e figli, ma non vede se stessa. Entrambi però evolvono. Prima Serena, che si allontana da Guido, spezzando così il circolo vizioso. Capiscono che amare l’altro significa anche lasciarlo libero o liberarsene, trovando il proprio spazio. Comprendono che la libertà, magari prima concessa con dolore, è invece anche necessaria per sé, per ripensarsi.

Cifra del regista: un realismo quasi verista, che spoglia i suoi protagonisti di ogni orpello. Vi si attacca con primi piani molto stretti. C’è poi un omaggio al mezzo-pellicola, questo sì un po’ nostalgico. Il super 8 in particolare restituisce lo sguardo di Dario bambino, è il suo modo per farsi apprezzare e ascoltare. Molto appropriata la scelta dei due piccoli attori: a loro e al rapporto con i genitori sono affidati alcuni tra i momenti più efficaci e toccanti del film, sostenuto pure da dialoghi pregnanti.