Protagonista di Volevo Nascondermi di Giorgio Diritti è Elio Germano, nel ruolo del pittore e scultore italiano Antonio Ligabue. Per questa interpretazione, Germano ha vinto l’Orso d’argento per il miglior attore al Festival di Berlino 2020. Il film ha inoltre ottenuto 15 candidature ai David di Donatello 2021.

Volevo nascondermi: la trama

Volevo Nascondermi esordisce con una serie di flashback che ci mostrano l’infanzia e la giovinezza di Ligabue, costellate da violenze, soprusi e abbandono. Vediamo in primo piano il viso del pittore oscurato da un drappo nero, da una cui fessura fa capolino l’occhio del pittore, che rivolge lo sguardo anche a noi spettatori. È un’immagine fortemente simbolica, che va a stabilire fin da subito il senso della pellicola di Diritti: indagare il mistero e la genesi dell’estro artistico e creativo del pittore, oltre l’ottenebramento dei tormenti psichici interiori. Veniamo poi a conoscenza di alcune tappe fondamentali della vita del pittore: nato in Svizzera da una famiglia italiana e successivamente dato in affidamento a diverse famiglie, la crescita del giovane pittore è ostacolata dalle continue violenze perpetrategli, ragion per cui sarà affidato a un istituto per ragazzi affetti da disagi mentali. A vent’anni viene espulso dalla Svizzera e si ritrova nella cittadina romagnola di Gualtieri, dove verrà conosciuto come “El Tudesc”. In Italia non imparerà mai del tutto la lingua e sarà cacciato dagli abitanti del paese, costretto a rifugiarsi in una baracca nel bosco, fino all’incontro con lo scultore Renato Marino Mazzacurati, che ne scoprirà l’estro e le capacità artistiche.

Un conflitto insolubile tra l’emarginato e la comunità

La filmografia di Giorgio Diritti è permeata da una visione tragica sul conflitto insolubile tra l’emarginato, il disadattato, e la comunità. Si nota una riflessione generale sulle parti più predatorie e ferine dell’animo umano, anche visto come branco, che non solo espelle chi ne ostacola gli equilibri ma punta a mettere in disparte e perfino distruggere le componenti più fragili. Non si opta per una conciliazione tra le parti, perché non è data alcuna possibilità di riscatto ai più deboli. C’è piuttosto la presa di coscienza dell’animo spietato ed egoistico che guida le azioni umane in diversi contesti.

Ligabue rimarrà un’anima fanciullesca e senza filtri, nascosta dietro la maschera del reietto e del disadattato. Dalla radicale esclusione del pittore alla vita comunitaria nasce la più totalizzante immedesimazione con l’universo animale, che trova una propria dimensione su tela: tigri inferocite, aquile che si avventano sulle prede con le ali spianate, cavalli imbizzarriti, sono i soggetti più ricorrenti dei suoi quadri. “Non sono una bestia”, dice in manicomio il pittore, cercando di ritagliarsi una dimensione esistenziale propria, sicura e incisiva, pur sapendo che solo nella libertà d’animo di questi esseri egli può identificarsi.

“Volevo nascondermi” recita il titolo del film: l’animo di Ligabue non si nasconde certo nei suoi quadri, dove emerge prepotentemente la conflittualità dell’universo e la rabbia dell’artista, ma anche la purezza ancestrale della dimensione naturale. La sublimazione della propria essenza attraverso l’arte gli conferisce una speranza tale da poter ritenersi un individuo speciale, immortale addirittura, secondo l’idea dell’opera che sorpassa l’autore, che si fissa come immanente nel futuro incerto, come dice di sé stesso al suo autista. Non riuscirà però ad essere un uomo integrato in una comunità; l’essenza del pittore non è ancorabile a una dimensione umana specifica, si presenta come anima vagante in cerca di un rifugio in cui non doversi nascondere. Incapace di esprimersi in maniera comprensibile, senza dimora, Ligabue si rispecchia veramente soltanto nell’infanzia, nel mondo apolide dei circensi, o nel provare ad essere altro da sé, figura femminile o animalesca che sia.

L’arte di Ligabue è istintiva, carica di pathos, bisogni e desideri di cui non riusciva ad appropriarsi nella vita quotidiana. Il suo processo artistico passa per l’immedesimazione totale nelle bestie che ritrae, da cui emerge una rabbia repressa per la condizione affibbiatagli di reietto, di escluso. Ligabue cerca allora di trovare una dimensione propria, di affidarsi un ruolo, un posto nel mondo: agli innumerevoli dipinti di animali, alterna autoritratti che vogliono segnalarne rumorosamente il passaggio sulla terra, che vogliono lasciare l’impronta di un’esistenza in sordina, ma che esplode prepotentemente tramite l’arte. Anche quando il suo talento sarà riconosciuto e omaggiato e gli verranno concesse mostre, Toni non riuscirà a liberarsi della condizione di diverso, escluso: il tenero amore verso Cesarina, una sua compaesana, per esempio, rimarrà solo il desiderio irrealizzabile di un’esistenza che non permette un percorso di vita canonico.

Elio Germano restituisce l’essenza più pura di Ligabue

Elio Germano ci regala un’interpretazione straordinaria nei panni di Toni Ligabue ed encomiabile è anche il lavoro di Lorenzo Tamburini al trucco (già vincitore di un David di Donatello per Dogman): questo diventa infatti supporto aggiuntivo, mezzo tramite cui comunicare tutta l’intensità d’animo di Ligabue, la sofferenza, il bisogno di amore di chi non vuole essere definito bestia, ma che troverà il proprio riflesso compiuto solo nelle rappresentazioni animali. Ligabue studia meticolosamente gli animali per poterli riprodurre come scorcio sulla sua anima, e solo in altre anime pure, quelle dei bambini, trova un interlocutore ideale. Ne è un esempio la disperazione totale quando muore una bambina di Gualtieri, lutto al cui il pittore risponde ritraendola e gridando disperatamente “Dove sei?” al ritratto, con una tenerezza ed umanità totalizzanti.

Un grande lavoro di messa in scena, che abbraccia il realismo degli ambienti e degli spazi, scenografie che ci fanno immergere nell’Emilia Romagna del tempo e la suggestiva colonna sonora firmata da Daniele Furlati e Massimo Biscarini, sono solo alcuni dei punti di forza del film. Diritti ci consegna sprazzi della vita del grande pittore, quelli necessari per poterne cogliere la vera essenza, che combaciano con il suo anelito di libertà e amore: i passaggi fondamentali che lo portarono al successo come pittore, l’accettazione e derisione dei suoi compaesani, l’acuirsi e l’attenuarsi delle sue crisi.  La narrazione non segue uno schema lineare, eppure i salti temporali non disorientano lo spettatore, perché riescono a catturare l’essenza del pittore e del disturbo così profondo alla base della sua arte.

È maestosa la collaborazione tra la conoscenza profonda del mondo rurale emiliano infusa nell’opera da Diritti, unita al lavoro attoriale di Germano, non solo sul rimodellamento della propria fisicità, per poterla meglio adattare al personaggio, ma che abbraccia anche uno studio fonetico nei riguardi delle capacità linguistiche del pittore, che si esprimeva mischiando i diversi lasciti linguistici della sua vita. Partendo da quel corpo che si nasconde sotto un indumento -che è allo stesso tempo corazza- emerge uno sguardo che mischia timore a curiosità, lo sguardo di un fanciullo sempiterno, che da voce a un’arte unica nel suo genere, distinguibile per la vivacità cromatica e l’energia intrinseca. “I quadri si vedono, non c’è bisogno di parlare”, afferma Ligabue: i suoi sono quadri parlanti, dipinti di una vita a cui non è concessa piena espressione verbale. La tavolozza diventa strumento indispensabile per sfuggire a un’esistenza marchiata dai disturbi mentali e dalla derisione generale. Diritti non giudica né assolve chi, per ignoranza o insensibilità, disprezza Ligabue e le sue opere, ma riesce a ritrarre con delicatezza e dolcezza estrema i pochi che ne seppero capire il tormento interiore e tentarono di essere per lui casa.

Sulla sua tomba si legge: «Il rimpianto del suo spirito, che tanto seppe creare attraverso la solitudine e il dolore, è rimasto in quelli che compresero come sino all’ultimo giorno della sua vita egli desiderasse soltanto libertà e amore». Solitudine, dolore, libertà e amore: i quattro pilastri di questo sodalizio tra Diritti e Germano, che riesce a restituire appieno i tormenti, i desideri e l’essenza più pura di un animo incompiuto.

Capita sempre più di frequente che attori e attrici del nostro cinema decidano di compiere il passaggio dietro la macchina da presa, che sia per dar vita ad una nuova carriera come registi o solo per provare anche fosse per una volta il brivido di dirigere un proprio film. È quanto capitato solo negli ultimi mesi a Micaela Ramazzotti con Felicità, Alessandro Roja con Con la grazia di un Dio e a Paola Cortellesi con C’è ancora domani, quest’ultimo presentato nella cornice della Festa del Cinema di Roma. In questa stessa occasione si può però assistere anche ad un’altro esordio alla regia: quello di Margherita Buy, che ha assunto tale ruolo per il film intitolato Volare.

Per dar vita ad un proprio film occorre avere qualcosa da dire, è la base, e questo qualcosa deve poter coinvolgere non solo chi lo dice ma anche chi ascolta. Di certo, Buy non ha dubbi su cosa dire, scegliendo infatti per questo suo esordio di parlarci di un qualcosa che la riguarda in prima persona: la paura di volare. La realizzazione del suo film diventa dunque un modo per esorcizzare (o quantomeno provarci) questa paura, scherzarci sù e cercare di intercettare quanti a loro volta ne sono affetti. Tuttavia, se pure l’argomento c’è, quel che in parte manca è invece uno sviluppo di esso tale da rendere insindacabile la volontà di parlarne.

La trama di Volare

Nel film Margherita Buy interpreta Annabì, un’attrice di successo che però, per sua sfortuna, soffre di aviofobia, ovvero la paura di volare. Proprio a causa di ciò, sono molte le occasioni lavorative di carattere internazionale che le sono sfuggite, l’ultima delle quali relativa ad un ruolo pronto per lei in Corea. Annabì, dunque, si vede costretta ad accettare continuamente parti in fiction televisive tanto longeve quanto scadenti, sviluppando però così continue nevrosi. Quando però sua figlia le annuncia che andrà a studiare in California, Annabì, desiderosa di accompagnarla, deciderà che è giunto il momento di sconfiggere tale fobia.

Parlare di ciò che si conosce

Per il suo film d’esordio, dunque, Buy sceglie di parlare di un qualcosa che conosce bene, il che è evidentemente positivo, perché – insieme agli sceneggiatori Doriana Leondeff e Antonio Leotti – può mettere in campo tutta una serie di elementi, dettagli e riflessioni proprie di chi soffre della paura di volare. Ciò porta dunque il film a sfoggiare una certa precisione nella trattazione di questo argomento, anche grazie ad un gruppo di comprimari variegati, ognuno dei quali (anche se con qualche stereotipo di troppo) porta avanti una specifica sfumatura di questa paura. Da questo punto di vista Volare funziona dunque bene, ma l’esordiente regista non si fa sfuggire l’occasione per introdurre anche altri aspetti della propria vita.

La prima mezz’ora di film, ad esempio, è una divertente presa in giro di sé stessa e del suo ambiente lavorativo. Andando dalla competizione tra attrici (dove ad interpretare la sua “rivale” ritroviamo una Elena Sofia Ricci che si presta con generosità al gioco) fino alla carenza di idee dell’industria, che continua ad esempio a proporre sempre nuove stagioni di fiction di dubbio valore, Volare riesce ad essere particolarmente divertente. In questa prima parte di film, infatti, non mancano battute semplici ma genuinamente divertenti, proposte con il giusto ritmo, come ad esempio la risposta che la protagonista dà alla figlia che le suggerisce di trovarsi un nuovo uomo da avere accanto: “ma no perché poverino”.

Buy costruisce dunque un inizio che fa ben sperare per il film, che tuttavia rallenta nel momento in cui ha inizio un corso di gruppo specificatamente pensato per aiutare a superare l’aviofobia. A partire da quel momento, e sostanzialmente per il resto del film, è sullo svolgersi di tale terapia collettiva che si articola il film, tra confessioni, esercizi per tranquillizzarsi e chiarimenti da parte degli esperti. Ecco allora che Volare sembra da qui in poi adagiarsi troppo su tali dinamiche, provando sì ad approfondire le vicende dei singoli personaggi ma senza aggiungere nulla di particolarmente significativo o interessante al racconto.

Vincere le proprie paure ridendone

Certo, l’obiettivo è chiaro: poter ridere ulteriormente, grazie a questo corso, delle paure che caratterizzano chi proprio non ne vuol sapere di volare, oppure chi vorrebbe riuscirci ma senza risultati. La risata come terapia, dunque, anche se appunto riesce a risultare molto più brillante in tal senso la prima parte di film. Questo perché molto più autoironica, a confronto invece con uno sviluppo che si dilunga talvolta in modo eccessivo su sottotrame che non vengono però poi portate a compimento, ma che anzi vedono un accumularsi di elementi che sottraggono tempo alla costruzione di un arco narrativo più completo per Annabì e il modo in cui riesce (o non riesce) a sconfiggere questa sua paura.

Volare è allora davvero da intendere come un film non tanto interessato a raccontare una storia (che è sostanzialmente quella di una donna che cerca di vincere le proprie paure e riprendere il controllo della propria vita) quanto far accomodare gli spettatori (meglio se aviofobici) accanto ai personaggi in questa seduta di gruppo e ridere con loro di questa paura. Se apprezzare o meno questa trattazione così statica del problema dipenderà dal proprio gusto, ma c’è il rischio per coloro che non sono vittime della medesima paura della protagonista, di perdere interesse e finire quindi con il ridere solo a metà.

Vogliamo i colonnelli è il film del 1973, diretto da  Mario Monicelli con Ugo Tognazzi, Duilio del Prete, Dauphin Claude, Francois Perier, Antonino Faa di Bruno.

La trama di Vogliamo i colonnelli

Sinossi: Italia, anni settanta. Dietro ad un attentato al Duomo di Milano, inizialmente affibbiato alla sinistra eversiva, si cela in realtà il diabolico piano occulto dell’on. Giuseppe Tritoni detto Beppe (Ugo Tognazzi), importante esponente della Grande Destra. Quale misterioso e sinistro disegno spinge il vulcanico e iroso deputato ad affannarsi come un matto tra anziani ufficiali dell’esercito nostalgici del Ventennio? Il sogno, l’utopia, il fine è abbattere le istituzioni democratiche e attraverso un colpo di stato, sul modello di quello greco, impadronirsi dei centri politici di potere.

Il Tritoni, dopo aver ricev uto una lista di fedelissimi dal gen. Bassi Lega (Pietro Tordi), inizia il lavoro di reclutamento e coordinamento che porterà alla formazione di un’improbabile masnada . Colonnelli ed imprenditori ansiosi di riportare il paese all’ordine e al rigore dei “bei tempi” giungono così alla data fatale ma una serie di inconvenienti renderà l’impresa più complicata del previsto.

Vogliamo i colonnelli  è un film del 1973 diretto dal grande e compianto Mario Monicelli il quale collaborò anche al soggetto e alla sceneggiatura insieme agli amici e compagni di una vita Age e Scarpelli. Nomi che da soli erano garanzia di qualcosa meritevole di attenzione, e così è stato, di certo questo film non fa eccezione. Una divertentissima parodia che si è ispirata liberamente ad un fatto storico realmente accaduto alcuni anni prima: il Piano Solo architettato dal generale dei carabinieri De Lorenzo, un tentativo di colpo di stato militare fallito prima ancora di iniziare. Monicelli racconta con la solita ironia, arguzia e maestria una storia per certi versi inquietante soprattutto se si pensa a quanto sia stata vicina alla realtà. Personaggi spassosissimi che rappresentano la vera forza motrice del film, macchiette studiate ad arte che coinvolgono tutto l’arco politico del bel paese: dal vecchio militare dalla mascella tesa e la casa ricolma di cimeli del duce, al subdolo politicante democristiano attaccato alla poltrona e al potere sino al timoroso e inconcludente deputato di una sinistra annacquata.

Direttore d’orchestra un immarcabile Ugo Tognazzi, semplicemente irresistibile nei panni dell’indemoniato deputato destroide che urla in toscano tra comizi che trasudano retorica nazionalista e invettive sboccate contro i mali del sistema democratico. Una schiera di attori noti e meno noti che completano un quadro perfettamente costruito e ideato da un maestro della commedia. Ma da maestro della commedia, Monicelli sa perfettamente come smorzare un’ ingannevole risata in un ghigno quasi beffardo e amaro. Il geniale finale del film scaglia, coraggiosamente, pesantissime sferzate al potere politico e alla classe dirigente che governava il paese in quegli anni; per debellare questi rischi di eversione estremista post-fascista, queste minacce alla democrazia, il governo proclama una serie di leggi liberticide, in nome della sicurezza sociale.

In sostanza il film ci dice che la cura può essere peggiore del male o che forse partiti apparentemente lontani non lo sono poi nella sostanza. Vogliamo i colonnelli è un film divertente e al contempo inquietante, un classico della grande commedia italiana della vecchia ed inimitabile scuola, in cui la parodia non regalava mai risate fine a se stesse. Tante sequenze e battute memorabili, su tutte fateci citare quella con cui Tognazzi/Tritoni cerca di giustificarsi quando il gen. Bassi Lega lo coglie brache calate insieme alla pruriginosa figliola: “…suvvia generale un confondiamo la patria con la fava!”.