Con una distribuzione mirata e una uscita non casuale, arriva nelle sale italiane La seconda via, lungometraggio d’esordio di Alessandro Garilli, qui anche sceneggiature di una storia che si annuncia come il primo film sugli alpini nella ritirata di Russia. Dopo l’uscita nei cinema dal 26 gennaio (distribuito da RS Productions, che lo presenta con QualityFilm e Angelika Vision in collaborazione con Rai Cinema), la vita produttiva di questo progetto dovrebbe continuare poi con un percorso pensato per le scuole medie, inferiori e superiori.

La seconda via, l’obbiettivo del film

L’obiettivo, quello di ricordare una storia che ha toccato molte famiglie italiane in occasione dell’ottantesimo anniversario della ritirata di Russia e della Prima Giornata Nazionale della Memoria e del Sacrificio Alpino (stabilita dalla legge n. 44 del 5 maggio 2022, approvata all’unanimità dal Parlamento). Una data scelta perché quella della battaglia di Nikolajewka, combattuta nel 1943 dagli Alpini durante la ritirata dal fronte russo, che è anche alla base della vicenda che vediamo sullo schermo.

La battaglia di Nikolajewka e il Sacrificio Alpino

Gennaio 1943, fronte russo. La compagnia 604 si trova costretta ad attraversare la steppa per sfuggire all’accerchiamento nemico. Quando sopraggiunge la notte, però, di tutta la 604 non rimangono che sei alpini, più un mulo, che avanzano in silenzio sotto una neve incessante mentre la temperatura tocca i 40 gradi sottozero. L’esasperante cammino, compiuto in quel deserto bianco, spinge gli uomini a perdere la percezione del tempo e, passo dopo passo, li porta a rifugiarsi in una dimensione onirica dove esiste una “seconda via ” fatta di sogni, incubi e ricordi. Una lunga notte di guerra e un viaggio nell’umano, fra balke, boschi, laghi di montagna, villaggi infuocati, spiagge innevate e campi di grano.

Una fotografia d’altri tempi, troppo moderna

I produttori insistono sul fatto che “in un’epoca dominata dall’audiovisivo non possedere un’immagine è come cancellare un ricordo”, e per il regista corrispondeva a “una urgenza umana” il poter “asciugare le lacrime delle 100.000 madri che non han visto tornare i loro figli dalla Russia”. Una pagina di storia che anche Olmi – pare – avesse voluto trattare all’esordio e che qui e lì torna in film di altro genere (come il Letto a tre piazze di Steno con Totò protagonista), ma che anche in questo caso – esaurito il valore documentarle e la citazione – non sembra potersi dire raccontata compiutamente.

In parte per le difficoltà oggettive incontrate, sia per quanto riguarda le riprese nella neve sia per la mancanza di documentazione storica o immagini alle quali rifarsi, ma anche per alcune scelte di regia e narrative. Il viaggio a ritroso dei nostri soldati – allora alleati dei nazisti e inseguiti dalle truppe sovietiche – rende sicuramente la “perdita della concezione del tempo” e la ‘Seconda via‘ di ricordi e speranze che questi esuli si trovarono a percorrere oltre a quella durissima nel gelo, ma il film risulta più un risarcimento – apprezzato, a sentire le prime testimonianze – per gli eredi di quei caduti che qualcosa di diverso.

Fotograficamente, le immagini del deserto bianco che ci accolgono e accompagnano sono la cornice perfetta per lo sviluppo della ritirata dei sei protagonisti, ma tutto resta fin troppo patinato, senza mai rendere davvero la sofferenza, la durezza di quei momenti, di quella “naja balorda“. Tanti dettagli (le divise integre, le sciarpe intonse, le contadine depilate) e una rappresentazione parziale, se privata delle necessarie premesse, ne fanno qualcosa di più simile a una ricostruzione da reportage televisivo che a una cronaca credibile, nonostante l’impegno profuso, evidente anche nella ricerca linguistica e delle musiche (spesso dominanti, visto i lunghi silenzi).

 

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Con La scoperta dell’alba la regista Susanna Nicchiarelli è al suo secondo lungometraggio, tratto dall’omonimo romanzo con cui Walter Veltroni ha fatto il suo esordio nel mondo della narrativa.

In La scoperta dell’alba il Professor Mario Tessandori viene ucciso con sette colpi di rivoltella da due brigatisti, nel cortile dell’università e sotto gli occhi di tutti. Muore tra le braccia di Lucio Astengo, suo amico e collega. Poche settimane dopo, Lucio Astengo scompare nel nulla. Siamo nel 2011. Caterina e Barbara Astengo, che avevano sei e dodici anni quando è scomparso il padre, mettono in vendita la casetta al mare della famiglia, oramai abbandonata da tempo. La casa è piena di ricordi di un’infanzia interrotta dalla sparizione del papà, di una famiglia spezzata e mai più ricomposta. In un angolo, c’è un vecchio telefono ancora attaccato alla presa. È uno di quei telefoni con la rotella, che fa nostalgia solo a guardarlo: Caterina solleva la cornetta e scopre che dà segnale di libero. Il fenomeno è inspiegabile, la linea è staccata, prova a fare dei numeri ma il telefono rimane muto… poi, quasi per gioco, le viene in mente di provare a fare il numero della loro casa di città di trent’anni prima. Questa volta, dall’altra parte sente squillare: le risponde una voce di bambina…

La scoperta dell’alba, il film

Dopo Cosmonauta, la Nicchiarelli adatta e riscrive il romanzo di Veltroni, trasformando il protagonista maschile in una donna priva dei cliché di cui soffriva il personaggio del libro che però trova un grande sbarramento nell’assenza di ritmo e nella capacità di rapire l’attenzione dello spettatore, inversamente proporzionale all’infittirsi del mistero. Sebbene la Nicchiarelli metta insieme un cast di attori che non hanno bisogno di mettersi alla prova, come la sempre ottima Margherita Buy o Sergio Rubini, che riesce a dare quel tono di leggerezza anche nei momenti più drammatici, poco felice risulta la scelta di cambiare la prospettiva della Buy, tendenzialmente ingabbiata nel ruolo della moglie depressa e tradita ribaltando l’asse e trasformandola di fatto in compagna traditrice e depressa. Così come poco vincente risulta l’inserimento di svariate storyline oltre a quello principale di dubbio interesse per il pubblico e per lo svolgimento stesso della narrazione.

Nota di merito va comunque alla regista che si riserva anche la parte di attrice, nel tentativo di portare una serie di elementi atipici per il cinema italiano in una pellicola dal soggetto interessante che purtroppo si scontra con il solito già visto di certo non aiutato da una sceneggiatura a volte banale o implausibile. Un esperimento riuscito a metà che non riesce a far empatizzare il pubblico con i personaggi ma che va comunque lodato per la prova a cui la regista sottopone il genere, nel tentativo maldestro di portare una ventata di novità.

 

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Ognuno di noi ha un lato oscuro. Siamo fatti di luci e ombre, di pregi e difetti. Tuttavia, un individuo dovrebbe sempre agire per il bene proprio e altrui, evitando che la propria parte oscura prenda il sopravvento. È esattamente il contrario di quanto accade ai protagonisti de La scommessa – Una notte in corsia, la nuova black comedy firmata da Giovanni Dota. Presentato in anteprima alle Notti Veneziane, sezione delle Giornate degli Autori nell’ambito dell’81esima edizione Mostra del Cinema di Venezia, il film vede protagonisti Lino Musella e Carlo Buccirosso, pronti a strappare risate amare e profonde riflessioni. Distribuito da I Wonder Pictures, La scommessa – Una notte in corsia arriverà nelle sale dal 12 settembre.

La trama de La scommessa – Una notte in corsia

Angelo e Salvatore sono due infermieri che lavorano svogliatamente in un ospedale di Napoli. In una calda sera di Ferragosto, particolarmente irritati dal fatto che tutti siano in vacanza tranne loro, i due sono ossessionati dall’idea di ottenere le ferie tanto desiderate per Natale e Capodanno. Ma solo uno di loro potrà averle. L’opportunità si presenta quando, durante il turno di notte, arriva in corsia il signor Caputo, un paziente in condizioni critiche. Angelo è convinto che l’uomo non sopravviverà fino all’alba, mentre Salvatore crede che resisterà. Spinti dal desiderio di garantirsi i giorni di ferie, i due lanciano una scommessa: se il signor Caputo muore, Angelo otterrà le ferie, altrimenti toccherà a Salvatore. Da quel momento, una serie di eventi rocamboleschi si susseguono, innescando una spirale di caos che renderà impossibile tornare indietro.

Restiamo umani

La scommessa – Una notte in corsia solleva dei precisi interrogativi: siamo davvero diventati una società eccessivamente opportunista ed egoista? Cosa ci rende così irrispettosi della vita altrui? La scommessa – Una notte in corsia esplora queste domande attraverso la storia di due uomini, stanchi e insofferenti, che si ritrovano a giocare sulla vita di un paziente senza alcuno scrupolo. Scommettere sulla vita e sulla morte di qualcuno è deplorevole, ma lo è ancora di più quando il proprio interesse personale ne dipende. Eppure, nel mondo di oggi, sembra che nessuno si ponga più il problema. In una notte calda e soffocante, in un ospedale deserto, questi due infermieri lasciano che il loro lato oscuro prenda il controllo, trascinandoli in un vortice da cui non riescono più a emergere.

La messa in scena della pellicola è essenziale: poche location, dialoghi diretti e taglienti, un ritmo incalzante, e personaggi ben caratterizzati. Dota costruisce una narrazione potente, inserendo nelle maglie della storia diversi spunti di riflessione, che invitano il pubblico a considerare quanto sia pericoloso cedere alle tentazioni e perdere se stessi. “Vi prego, restiamo umani”, implora Angelo in un momento di caos, offrendo un momento di lucidità e un monito importante: non permettiamo al nostro lato oscuro di sopraffarci. Per quanto faccia parte di noi, mantenere l’equilibrio è fondamentale per convivere con se stessi e con gli altri. Perdersi è questione di un attimo; ritrovarsi può richiedere tempo. E non è detto che ci si riesca.

 

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In La Scelta Laura e Giorgio si amano intensamente e sono desiderosi di un figlio che non arriva. Ma solo un grande amore può superare la dolorosa prova che devono affrontare. Una prova che impone una scelta. Da una parte, un uomo offeso nella sua morale; dall’altra, una donna che sente la necessità di diventare madre. Quale scelta fare per essere ancora felici?

Ispirato al testo teatrale L’innesto di Luigi Pirandello, La Scelta di Michele Placido è un’opera intimamente drammatica che veicola il suo messaggio attraverso l’espressività degli interpreti, facendo leva più sulle emozioni generate da un gesto o da uno sguardo che dalle parole; quelle parole che Laura e Giorgio vorrebbero dirsi ma che restano lì, imprigionate dentro di loro dalla paura di quello che è stato e di quello che potrebbe essere. Il tormentato percorso sentimentale messo in scena da Placido vede i due protagonisti trasformarsi a poco a poco da certezza in qualcosa di meno limpido e più complicato, cambiare in seguito agli eventi che li travolgono e che li porteranno a camminare su due binari diversi.

La Scelta, il film

Ambra Angiolini, nei panni di Laura, accetta la sfida che Placido le lancia e regala la sua migliore interpretazione ad oggi, rivestendo il ruolo complesso e maturo di una donna che sceglie volontariamente di non essere più identificata come vittima. Una donna spaventosamente coraggiosa che, scontrandosi con il comune perbenisimo, vede nella tragedia un’occasione per ricominciare a sperare, facendo appello a tutta la sua forza (e anche a tutta la sua femminilità) per ricostruire il legame che la tiene unita al marito, per riuscire a mantenere ancora vivo il loro amore.

Ed è proprio sulle dinamiche di questa coppia che si conosce e si ama da dieci anni, ma che muta a causa di un evento tragico, che Placido e Giulia Calenda (co-autrice della sceneggiatura) fanno il lavoro migliore. Perché ne La Scelta non viene presentato solo il punto di vista di una vittima dal comportamento inusuale che sceglie di reagire di fronte alla violazione e all’umiliazione, ma anche quello dell’uomo costretto a doversi confrontare con il più grande dei castighi che possa essere inflitto a una donna. È un piacere (e quasi un sollievo) vedere Raoul Bova calarsi nei panni di un personaggio che, seppur schiacciato dalla controparte femminile, cresce e si evolve incredibilmente, riuscendo, al di là dell’egoismo e dell’orgoglio, a superare certi limiti intrinseci della figura maschile.

Pur lasciando nell’ombra i personaggi secondari e servendosi talvolta di soluzioni registiche piuttosto discutibili, La Scelta rimane un film potente con tutti i suoi pregi e i suoi difetti, che nello spingere il pubblico alla riflessione inevitabilmente lo dividerà. Un film in cui anche l’elemento musicale assume un valore specifico, contribuendo a rendere ancora più importante una storia già di per sè significativa.

 

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Discostandosi totalmente dal documentario poetico di Werner Herzog e dalla visionarietà di Wim Wenders, il regista Christian Petzold, uno degli autori più influenti del nuovo cinema tedesco contemporaneo, in La scelta di Barbara tesse una storia intensa ed introspettiva, dove il realismo e le emozioni divengono i punti focali di una vicenda in cui gli eventi storici vengono sapientemente e volutamente tenuti sullo sfondo, permettendo alla psicologia e ai rapporti dei personaggi di emergere e di svilupparsi.

In La scelta di Barbara nella Germania Est del 1980 Barbara è un medico pediatra che, a causa di una richiesta di espatrio, viene mandata per punizione in un piccolo ospedale di campagna, sotto controllo della Stasi, la polizia segreta. Mentre il fidanzato Jörg organizza la sua fuga verso l’Ovest, Barbara intraprende rapporti freddi e distaccati con i colleghi dell’ospedale, fino a quando l’incontro con André, giovane medico collaborazionista delle forze segrete, metterà in crisi le sue certezze e la sua vita. Mentre il giorno della fuga si avvicina, Barbara è divisa tra i sentimenti per André e le cure per una giovane ragazza incinta, fuggita da un campo di rieducazione.

La scelta di Barbara, il film

Praticamente sconosciuto al grande pubblico, ma molto apprezzato in patria e nei festival maggiori, Petzold, supportato dalla sceneggiatura di  Harun Farocki, dirige con garbo una storia in cui la lentezza e la dilatazione temporale degli eventi inducono a riflettere e ad interrogarsi su tematiche molto complesse che vanno dalla persecuzione politica fino ai rapporti interpersonali e alle conseguenze delle proprie scelte. Ed è proprio questa tecnica narrativa estremamente  diluita e pacata che purtroppo a volte può risultare difficile da assimilare per un pubblico abituato ai frenetici ritmi del cinema americano. Pesantemente influenzato da Acque del sud di Howard Hawsk e dal ciclo di Germania in autunno, La scelta di Barbara è un quadro reale e fedele di una Germania spaccata in due, sia topograficamente che socialmente, dove sono proprio i singoli personaggi a diventare archetipi di un intero popolo.

Straordinaria performance di Nina Hoss che riesce a rendere mirabilmente il carattere freddo e controllato di Barbara, per poi lasciar scoprire il suo lato umano celato. Oltremodo superbo è Ronald Zehfeld, che nei panni di André si torva a dover impersonare un ruolo di voltafaccia mosso in realtà da profondi sentimenti d’amore. La fotografia di Hans Fromm, estremamente vivida e luminosa, si discosta totalmente dalla fredda estetica anni ’80 del cinema politico di Klüge, Von Trotta e Fassbinder, concedendo all’opera il tono di una fiaba per adulti. Il commento musicale di Stefan Will è minimale, lasciando spazio ai lunghi silenzi eloquenti e alle sonorità poetiche dell’ambiente. Le scenografie estremamente realistiche ed essenziali di Kade Gruber e i costumi di Anette Guther testimoniano un massiccio e maniacale lavoro di ricostruzione storica, che non fa altro che aggiungere lode ad un film intelligente e riflessivo, dove appunto è la scelta di Barbara l’unica a poter cambiare veramente le cose.

 

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