Con La Prima Notte del Giudizio, torna al cinema la saga ideata da James Monaco, iniziata nel 2013 con La Notte del Giudizio e proseguita, a cadenza quasi annuale, con La Notte del Giudizio – Anarchia (2014) e con La Notte del Giudizio – Election Year (2016).

Le pellicole hanno incontrato il favore del pubblico e sono entrate nel cuore degli amanti del genere per la buona capacità di associare al genere distopico una certa dose di verosomiglianza, rendendo di fatto certe situazioni quasi credibili, e suscitando interessanti spunti di riflessione all’insegna di una spontanea constatazione: “Potrebbe accadere davvero”. L’idea di base è ormai nota: in un futuro non troppo lontano, per combattere la crescente criminalità, si decide di istituire una sola notte l’anno durante la quale ogni tipo di reato – compreso l’omicidio – è concesso. Questo in nome di un millantato amore verso la propria nazione (gli U.S.A.) e i propri cittadini, chiamati a “purificarsi” (purge) attraverso dodici ore di delitti e anarchia.  Nella prima trilogia, ovviamente, veniva smascherata questa patina di patriottico “altruismo”, rivelando i veri intenti ideologici e fanatici dei Nuovi Padri Fondatori, e soprattutto denunciando il reale intento delle Purghe: decimare la popolazione meno abbiente, fardello di una società elitaria americana che in parte riecheggia quella reale.

La Prima Notte del Giudizio, come da titolo, è un prequel che dovrebbe narrare la nascita di questa paradossale situazione.  Ma la spiegazione di come la dottoressa Updale (Marisa Tomei) ha collegato l’idea della Purificazione ai suoi studi di antropologia sociale è piuttosto nebulosa. L’elemento più intricante – quello dei Nuovi Padri Fondatori – è lasciato inesplorato, ed è un peccato se si pensa che nel secondo capitolo della saga ci erano state rivelate cose interessanti a riguardo.

Il passaggio di testimone della direzione al regista di colore Gerard McMurray, fa della Prima Notte del Giudizio un film pseudo-documentaristico, dove le allusioni a quanto sta avvenendo attualmente negli Stati Uniti sono gridate a gran voce. A partire dal cappellino rosso, simbolo ricorrente in molte scene e persino nella locandina che è una palese allusione alla campagna Trum, dove il berretto rosso recitava “Make America Great Again”, mentre in The Purge 4 – variando di poco – afferma “Make The Purge Great Again”.

Il cast è composto interamente di afroamericani e latini. Il sobborgo di Staten Island diventa una terra di nessuno (chiara allusione al fatto che lo sia realmente, in quanto sede della popolazione più povera dello stato di New York), dove le gang si fanno giustizia da sole quotidianamente. Ma una volta iniziato lo Sfogo le cose per questi reietti della società non sembrano cambiare più di tanto.  Il film preme moltissimo sulla attuale politica ostracizzante di Trump, dove le minoranze etniche e i meno abbienti sono bersaglio facile di fanatici e militari. Allusioni al Ku Klux Klan, al Nazismo e alla “selezione della specie” (non a caso i cattivi veri sono tutti biondi e con gli occhi azzurri) fioccano a profusione, trasformando La Prima Notte del Giudizio in uno strano incrocio tra le opere di Spike Lee e il film premio Oscar Moonlight.

Questo però va a detrimento della godibilità della pellicola stessa, che era nata come fanta-thriller dalle venature horror, mentre in questo caso vuole essere più uno spaccato sociale del ghetto nero newyorkese condito in salsa gore (la violenza è altissima, forse più che nei film precedenti). È evidente che il regista McMurray, da sempre impegnato nelle cause politiche a favore del suo popolo, è troppo votato ad una causa – quella anti Trump – che per quanto giusta e legittima, in una saga come The Purge stona ed eccede.

E non basta riprendere determinati simboli della precedente trilogia (le maschere grottesche, la musica assordante e le riprese sghembe) per far sì che La Prima Notte del Giudizio eguagli in qualche modo il successo dei suoi predecessori, diventando invece un film senza una precisa identità, a metà strada tra il dramma sociale e lo splatter, ma dimenticandosi di dare spiegazioni e approfondimenti importanti.

 

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La Prima Luce di Vincenzo Marra, vincitore del Premio Pasinetti Speciale come miglior Film delle Giornate degli Autori, ci avvicina a una problematica molto attuale: nel pieno della crisi economica e sociale che da anni attanaglia il nostro Paese, anche le relazioni si fanno più complicate, attaccate direttamente dall’interno e dall’esterno. In una società in cui è più facile “restare in contatto”, grazie all’evoluzione tecnologica della comunicazione, è paradossalmente più difficile essere fisicamente e spiritualmente vicini, troppe sono ancora le differenze culturali e forte è il senso di appartenenza alla terra natia.

In La prima luce Marco e Martina provengono da due paesi diversi, con le differenze culturali che ne conseguono. In comune hanno un figlio, una casa, una vita. Entriamo nella loro storia, quando l’amore tra di loro è ormai alla fine, sommerso dalle parole non dette e dalla solitudine che le differenze insormontabili ha creato. Stremata, Martina approfitta dell’assenza momentanea di Marco e decide di tornare in Sud America dalla sua famiglia, portando con sé il figlio Mateo. Per Marco inizia l’inferno fatto di avvocati e leggi difficili e a volte assurde che, quasi sempre, tendono a tutelare le madri, rendendo la vita di un padre molto dura.

È impossibile però non sentire dei problemi di scrittura e di sviluppo dei personaggi: Marco e Martina sfuggono continuamente alla nostra comprensione, come se ci fosse un capitolo del film e della loro vita che non abbiamo visto, la cui assenza non è compensata dai riferimenti necessari per darci un’idea soddisfacente della loro personalità e dei loro trascorsi come coppia. Le loro azioni appaiono sconnesse e ingiustificate, i pilastri su cui hanno basato non solo la relazione, ma tutta la loro vita, sono evanescenti, tanto da rendere una storia così realistica, inverosimile.

I protagonisti, Riccardo Scamarcio e Daniela Ramirez fanno del loro meglio, ma non sono sostenuti dalla struttura solida necessaria a rendere credibili i loro personaggi. Lo spettatore si ritrova così trascinato in un’aula di tribunale in Sud America, dove un padre lotta per suo figlio, difendendosi da accuse di cui non si riesce a capire l’origine.

In uscita nelle sale il 24 settembre, La prima luce è un film che parla di una separazione forzata e straziante, che riesce a toccare la sensibilità di chi guarda, ma solo parzialmente poiché appare sconnesso. Si regge sulle spalle dei due protagonisti (deboli perché così concepiti in fase di scrittura), lasciando abbozzati gli altri personaggi che intervengono nella loro storia (compreso il piccolo Mateo) e i cui dettagli sembrano lasciati alla libera interpretazione dello spettatore.

 

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La polvere del tempo di Theo Angelopoulos è il secondo capitolo di una trilogia che il regista dedica alla memoria. Il primo capitolo era La sorgente del fiume (2004), mentre il terzo, attualmente in lavorazione, sarà un film sulla crisi in Grecia. La polvere del tempo sembra essersi posata anche su questo film, sui suoi protagonisti, sul loro raccontare. Il passato rivive nel presente, evocato da A. (Willem Dafoe), un regista di origine greca che vuole realizzare un film su sua madre (Irène Jacob) e i due uomini che ha amato (Bruno Ganz e  Michel Piccoli), e così il presente stesso finisce con l’assumere tinte nostalgiche e un po’ retrò.

La polvere del tempo è un film fatto di lettere, incontri, poesia. Una poesia fatta soprattutto di immagini: inquadrature rarefatte e lenti movimenti di macchina che si fanno largo tra corpi e oggetti per evitare quanto più possibile lo stacco. I dialoghi, perennemente caratterizzati da un tono melò e da una certa impersonalità da voce fuori campo, come se non vi fosse una reale possibilità di contatto al di fuori del rapporto epistolare, rendono i personaggi lontani dallo spettatore che non soffre né si rallegra con loro. Eppure proprio la forte passione di un triangolo amoroso è al centro della narrazione: tutti personaggi di un passato che può essere raccontato attraverso immagini evocative ma che non viene mostrato nel suo quotidiano. La grande Storia e la piccola storia si intrecciano, entrambe fortemente umane ed entrambe prive di un fine prestabilito. La storia non finisce finchè non “finisce” l’uomo, ci dice il regista, ma le pieghe che prende non sono sempre quelle che ci si aspetta.

Separazioni, incontri, esili, ritorni, mentre il tempo passa e il mondo cambia. Dalla morte di Stalin alla fine della Guerra Fredda, al terrorismo. Un millennio finisce ed i protagonisti di una Storia vissuta in prima persona si sentono sempre più schiacciati sullo sfondo, vinti da una nostalgia che inizia a nutrirsi di se stessa. Dall’incontro di un grande regista con attori straordinari nasce un film che non convince fino in fondo. La polvere del tempo, presentato a Berlino nel 2009 e rimasto per due anni fuori dai circuiti delle sale italiane, sarà al cinema dal 1 giugno 2011 in 40  sale (distribuito da Movimento Film-Classic e co-prodotto da Italia, Grecia, Germania e Russia).

 

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L’Italia è (anche) un Paese di artisti e oltre i più noti tra essi si agita un’intera galassia di personalità forse anche più interessanti di quelle di cui conosciamo il nome. Tra questi vi è Anna Paparatti, donna libera nata in Calabria e arrivata a studiare all’Accademia di Belle Arti di Roma con il talento e la vocazione per la pittura, distintasi per una serie di dipinti geometrici divenuti particolarmente popolari nel corso degli anni Sessanta. A lei è dedicato il documentario La Pitturessa (qui il trailer), diretto da Fabiana Sargentini (Tutto su mio padre Fabio Sargentini, Non lo so ancora), figlia della stessa Paparatti, a cui dunque dedica un ritratto che alterna momenti di gioco a serietà critica.

L’occasione per tale progetto di documentario si sviluppa in seguito a quando, nel 2021, la direttrice artistica di Dior, Maria Grazia Chiuri, propone a Paparatti di usare i suoi quadri geometrici, “Il grande gioco” e “Pop-oca”, “Le jeu qui n’existe pas” e “Il gioco del nonsense” – tele rimaste per anni nella sua grande casa sul Lungotevere a Roma – per costruire il set up della sfilata parigina del prêt-à porter di Dior nello stesso anno. Occasione che dunque riporta Anna Paparatti di nuovo sulla scena contemporanea.

Anna Paparatti, la Pitturessa

La Pitturessa ripercorre dunque la storia di Anna Paparatti, che in seguito agli studi in Accademia è entrata a far parte, dal di dentro, di cinquant’anni di storia dell’arte contemporanea italiana e internazionale. In particolare, nel film confluisce la sua forte fascinazione per la cultura e la filosofia indiana, ma naturalmente anche il rapporto con il gallerista Fabio Sargentini, dalla cui galleria L’Attico passarono artisti e intellettual che hanno animato la scena artistica romana e internazionale degli anni 60 e 70 e entrando in contatto con i quali Paparatti ha avuto modo di formare ulteriormente la propria personalità artistica.

Proprio L’Attico rappresenta un momento spartiacque nella vita e nella carriera di Anna Paparatti. Nella celebre galleria italiana, dove oltre all’arte trovano spazio anche le avanguardistiche ricerche musicali e performative che tanto contribuirono alla diffusione di determinate culture, l’artista diventa una vera e propria figura di riferimento per quanti gravitavano intorno a quell’ambiente, da Pino Pascali a Piero Pizzi Cannella (presente in La Pitturessa come narratore) fino a Sol LeWitt, celebre artista legato a vari movimenti, tra cui l’arte concettuale e il minimalismo.

Raccontare la sua storia significa dunque raccontare anche quella di un ambiente artistico e culturale di un’Italia che non c’è più. Ciò viene compiuto attraverso materiali inediti dell’archivio personale dell’artista, immagini di repertorio uniche, fotografie e opere diverse, oltre a frammenti di film importanti in cui si ritrovano i suoi quadri. Fondamentali sono naturalmente anche le interviste ai compagni di viaggio che hanno osservato tutto il percorso e poi l’ascesa di Paparatti nel panorama internazionale. In mezzo a tutti questi elementi, spicca però la presenza della stessa Paparatti, la quale si racconta senza filtri e offre la propria affascinante visione dell’arte.

Artisti si nasce, madri si diventa

“Essere artisti? Lo sei. Non puoi fare altro” afferma infatti Anna Paparatti nelle prime scene del documentario e per l’intera durata di esso la regista Fabiana Sargentini porta avanti una delicata indagine su cosa tale consapevolezza abbia significato per sua madre e come questa sua vocazione abbia travolto ogni altro aspetto della sua vita. Perché se è vero che La Pitturessa offre un dettagliato excursus storico, è bene notare che questo racconto collettivo si anima a partire dal rapporto tra una madre e una figlia e che questo detta a suo modo l’andamento e il percorso compiuto dal documentario.

Fabiana Sargentini – proprio come aveva già fatto con il documentario dedicato a suo padre – ci guida alla scoperta di sua madre Anna Paparatti, dando l’impressione di riscoprirla a sua volta mentre il film si svolge e ciò conferisce al documentario quella certa spontaneità e sensibilità capaci di far diventare universale una storia così personale. Con La Pitturessa, dunque, si apprende e ci si sorprende, ci si diverte per l’arguzia di Anna Paparatti e allo stesso tempo si ha la conferma di quanto l’odierno mondo dell’arte italiana sia variegato e meritevole di essere scoperto.

 

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