Ricordato come uno dei più celebri e affascinanti artisti del Novecento, Amedeo Modigliani era consapevole del potere indiscusso degli occhi. Nei suoi ritratti, infatti, questi sono ricolmi di colore. Un particolare capace di turbare, ma che sembra permettere di scrutare l’anima dei suoi personaggi, proprio come vorrebbe il celebre aforisma. Allo stesso modo, con il documentario Maledetto Modigliani, diretto da Valeria Parisi, ci si addentra nella travagliata vita del celebre pittore, scoprendone passioni, affanni e desideri. In sala soltanto dal 12 al 14 ottobre, il film arriva in occasione del centenario della morte di Modigliani, avvenuta nel 1920 per le su precarie condizioni di salute.

La sua vita e le sue opere sono qui narrate con quello stesso impeto che caratterizzava il pittore. A raccontarle è l’inedito punto di vista di Jeanne Hébuterne, l’ultima amante di Modigliani, a cui lui giurò amore eterno. È proprio a partire dalla figura di lei, qui ricostruita anche grazie alla presenza di un’attrice, che prendono forma i principali eventi accaduti all’artista nel corso della sua breve esistenza. Modigliani arriva infatti a Parigi nel 1906, a 22 anni, iniziando a dar sfogo alla propria creatività. Nel giro di breve si guadagnerà il soprannome di “maledetto”, per poi trovare la morte nel 1920 a soli 35 anni, all’apice del successo. La Hébuterne, straziata dal dolore, lo seguirà suicidandosi due giorni dopo, all’età di 21 anni e con il loro figlio in grembo.

Modigliani, tra la vita e l’eccesso

Tentare di mettere ordine riguardo a quanto si sa della vita di Modigliani non è compito facile. Pur avendo avuto una breve esistenza, all’artista sono attribuiti eventi, curiosità ed opere spesso poi smentiti nel tempo. Consapevole di tale difficoltà, la Parisi si affida alla testimonianza dell’amante di lui, certa che tramite i suoi diari sarà possibile comprendere nuove sfumature della vita del pittore. Si scopre così un uomo tutt’altro che “maledetto”, perfettamente conscio della bellezza della vita e desideroso di viverla fino all’ultimo respiro. Per giungere a tale consapevolezza è sì necessario seguire un ordine cronologico, dalla tubercolosi contratta durante la giovane età fino al viaggio verso Parigi; dall’esordio artistico fino al successo postumo. Ma a parlare più di questi fatti, come spesso accade, sono proprio le opere del pittore.

Attraverso l’analisi dei suoi ritratti più conturbanti si può infatti riscoprire l’animo dell’artista. Figure semplici, quasi elementari, caratterizzate dal lungo collo e dagli occhi vacui. In esse sembra racchiudersi l’anima di Modigliani, qui riscoperta pezzo dopo pezzo. A guidare in questo percorso di scoperta vi sono ovviamente preziose immagini e video di repertorio, come anche l’intervento di alcuni dei maggiori esperti d’arte a livello mondiale. Si annovera anche la partecipazione del regista Paolo Virzì, che condivide con Modigliani la città di nascita, Livorno. L’autore di film come Il capitale umano e La pazza gioia svela la sua profonda passione per il pittore, che arriva a definire “artista arcaico e ultra moderno”.

Una modernità tutta racchiusa nella semplicità delle sue forme e nella potenza dell’invisibile. Ed è proprio il discorso sulla semplicità del suo tratto che apre uno dei capitoli più affascinanti del documentario, quello relativo alle copie. Risulta infatti che Modigliani sia uno degli artisti più copiati della storia. Numerosi falsi sono nei decenni stati spacciati per veri, dando vita a numerosi dibattiti circa gli strumenti per riconoscere gli uni dagli altri. Tale curiosità permette una volta di più di comprendere l’influenza nella storia dell’arte di questo autore. Ancora oggi molto di lui rimane un mistero, molte delle sue opere un vero e proprio arcano. Grazie a questo documentario, e ai contributi in esso presenti, un po’ più di luce è certamente stata fatta su Modigliani.

Maledetto Modigliani: la recensione

Maledetto Modigliani è così un documentario che gioca con le forme, intrecciando storie e ricercando la loro origine in modo originale. Ciò che ne emerge è un ritratto appassionato, proprio come fosse realizzato dall’artista in questione. La sua vita viene spogliata delle leggende per far spazio all’uomo che dipinse e amò fino alla fine, e che seppe trarre da queste attività risultati ancora oggi insuperati. Il tono si accende dunque di epica, di quell’energia che solo le grandi storie hanno la capacità di possedere. Il documentario della Parisi dà dimostrazione concreta della possibilità di raccontare vicende e vite conosciute in modo originale e sempre nuovo. La regista riesce infatti ad andare oltre la maschera di Modigliani, proprio come egli cercava di andare oltre la maschera dei personaggi ritratti.

Maledetto Modigliani è una vera e propria lettera d’amore. La Parisi ridà vita e voce alla Hébuterne affinché questa possa parlare direttamente al suo amato. A colui che ha promesso di ritrovare anche oltre la morte. Basando il racconto del film su questo amore fortissimo, si costruisce un documentario che ha la capacità non solo di educare e far scoprire elementi nuovi, ma anche di emozionare sinceramente. Si rimane avvolti dalla meraviglia che una vita tanto breve ha saputo muovere, e si rimane quasi delusi nel momento in cui il racconto termina. Ma dove termina il film può iniziare una nuova scoperta. Merito del film è infatti quello di non lasciare indifferenti, ma anzi di suscitare un genuino interesse nei confronti di un artista tanto chiacchierato quanto in realtà misterioso.

Documentarista dagli esiti altalenanti, che non vede corrispondenza tra qualità e successo del suo lavoro, Elisa Amoruso esordisce al lungometraggio di finzione con Maledetta Primavera, un evento speciale della Festa del Cinema di Roma 2020, in collaborazione tra la Selezione Ufficiale di Antonio Monda e la sezione autonoma e parallela Alice nella Città.

Dopo il bellissimo e acuto Strane Straniere, passato in sordina, e Chiara Ferragni Unposted, uno spot pubblicitario sulla fashion blogger e imprenditrice milanese che ha fatto il giro del mondo, avevamo visto Amoruso tornare a progetti più piccoli e interessanti con Bellissime, il film documentario presentato l’anno scorso sempre alla Festa di Roma, che in quest’anno strano ha deciso di ospitare l’opera prima di fiction della regista romana.

La trama di Maledetta Primavera

Maledetta primavera e un teen movie ambientato negli anni ’80 (1989) che racconta di tre donne. Nina (Emma Fasano) adolescente che si trapianta con la famiglia in un nuovo quartiere e in una nuova scuola, non conosce nessuno, non riesce a fare amicizia con nessuno se non con la bellissima vicina, dalla quale è irrimediabilmente attratta. Sirley (Manon Bresch), quella vicina consapevolmente conturbante, diversa, inquieta, troppo consapevole per la sua età, per la sua scuola, per chi la circonda, strana, diversa, che addirittura parla un’altra lingua e la parlerà soltanto con Nina, unica che sembra capirla. Laura (Micaela Ramazzotti), giovane moglie e madre che non riesce a capire la figlia adolescente, ma che per prima non riesce a comprendere se stessa, vivendo in un costante stato di agitazione e insoddisfazione. La storia racconta un pezzetto delle loro vite, dei loro desideri semplici eppure irrealizzabili.

Un teen movie raccontato a distanza

Elisa Amoruso riesce con grazie a raccontare l’adolescenza, lo fa con attenzione, sia da un punto di vista della messa in scena, con oggetti e costumi, sia per quanto riguarda il tratteggiare caratteri e personaggi, in maniera precisa, realistica. Riesce un po’ meno a dare tridimensionalità agli adulti, ad un padre scapestrato e assente interpretato da Giampaolo Morelli, a Laura, che offre a Ramazzotti un ruolo che replica alla perfezione quanto portato al cinema dall’attrice fino a questo momento.

Tuttavia questo racconto delicato dell’adolescenza e dei suoi drammi insormontabili, proprio perché vissuti in quegli anni, Amoruso non riesce a cancellare il distacco che esiste tra macchina da presa e soggetto. Il suo incedere trai personaggi è quello di un occhio estraneo, indagatore, quasi giudicante, superiore su personaggi che invece hanno solo bisogno di essere mostrati ed accolti.

Come si legge nella cartella stampa, Pasquale Scimeca affronta una prova non facile: mettere in scena uno dei romanzi basilari della nostra cultura, lo abbiamo studiato tutti infatti e soprattutto doversi confrontare con una messa in scena precedente di grande prestigio: quella che ha dato alla storia del cinema La Terra trema di Luchino Visconti. La storia della famiglia Malavoglia che vive in un paese della provincia di Ragusa, è però attualizzata ai giorni nostri, e Ntoni è un ragazzo che vorrebbe fare il dj, Lia si innamora di un uomo sospetto che guida un Suv, mentre Mena intreccia una relazione con un ragazzo immigrato, Alef che viene ribattezzato Alfio una volta arrivato sul suolo italico.

La famiglia cade in disgrazia dopo che la barca con la quale si procuravano il pesce da vendere affonda portandosi in mare il capofamiglia, Bastianazzo. I Malavoglia si indebitano, riparano la barca, ma la sorte avversa gliela distrugge. La famiglia deve così affrontare diverse difficoltà  per sopravvivere. Scimeca decide di affrontare la storia in modo decisamente sperimentale, pensando un po’ forse ad altri film che hanno affrontato i classici della letteratura con un piglio moderno.

Notevole è la resa fotografica della pellicola, il film è stato girato con telecamere RED, che quindi consentono di avere una qualità full hd, ma che permettono anche di lavorare con altri contributi in digitale come le immagini degli sbarchi di clandestini e l’introduzione, girata in qualità diversa. Ma segue le tracce di Visconti sulla scelta del cast, che è composto da veri pescatori o giovani al primo film, fatta esclusione per l’attore protagonista, già presente in un altro lavoro del regista Rosso Malpelo. Il tema universale della storia di Verga, ossia che le vicissitudini della vita sono sempre le stesse in qualsiasi epoca si viva, vengono inserite nel contesto dell’Italia contemporanea, con le sue difficoltà e contraddizioni.

A collaborare con Scimeca alla stesura della sceneggiatura c’è anche Tonino Guerra, storico sceneggiatore di Michelangelo Antonioni, e la sua mano si avverte in più punti. Aldilà di una certa difficoltà in alcune rappresentazioni dei “giovani d’oggi”, il film si regge in bilico tra poesia e racconto filmico, di cui restano delle emozionanti immagini del mare in tempesta, a simbolo dell’imprevedibiltà degli eventi. Malavoglia esce il prossimo 29 Aprile, è stato riconosciuto di interesse nazionale ed è distribuito da Cinecittà Luce.

Con Malavia, presentato e visto in anteprima alla 20ª edizione della Festa del Cinema di Roma nella sezione Freestyle, Nunzia De Stefano torna dietro la macchina da presa dopo l’apprezzato Nevia (2019). Ancora una volta, la regista sceglie di raccontare il margine, le vite sospese in bilico tra sogno e sopravvivenza, tra rabbia e speranza.

Prodotto da Matteo Garrone e distribuito prossimamente da Fandango, Malavia è una produzione Archimede e Rai Cinema, e conferma la sensibilità di De Stefano nel catturare il reale attraverso uno sguardo empatico ma mai indulgente. Il film segue la storia di Sasà (Mattia Francesco Cozzolino), tredicenne della periferia napoletana che sogna di diventare rapper e di riscattare se stesso e la madre Rusè (Daniela De Vita) da una quotidianità fatta di precarietà e disillusione. Ma il percorso verso la luce non è lineare: la caduta nella criminalità sembra inevitabile, finché l’incontro con il mentore Yodi (Giuseppe “PeppOh” Sica) apre uno spiraglio verso un nuovo inizio.

Realismo e poesia nel racconto della periferia

Ciò che colpisce immediatamente in Malavia è l’autenticità dello sguardo. De Stefano, che conosce profondamente le dinamiche dei luoghi e dei corpi che racconta, non costruisce mai un racconto filtrato da pietismo o retorica. La sua Napoli è viva, aspra, fatta di voci e sguardi, di un’energia pulsante che attraversa ogni fotogramma.

Il film si nutre di un linguaggio diretto, quasi documentaristico, in cui la camera segue i personaggi da vicino, restituendo la sensazione di trovarsi dentro le loro vite. Non c’è artificio, ma una verità visiva e umana che si percepisce in ogni dettaglio, dai volti dei protagonisti alle strade sconnesse dei quartieri popolari.

In questa dimensione cruda e autentica, De Stefano riesce comunque a inserire una poesia sottile, fatta di piccoli gesti e momenti sospesi, di grande tenerezza. La musica, in particolare, diventa non solo strumento narrativo ma anche elemento simbolico: il ritmo e la parola diventano veicoli di liberazione, un modo per affermare la propria identità quando tutto intorno sembra negarla.

Il potere salvifico della musica e dell’arte

Il tema del riscatto attraverso l’arte non è nuovo nel cinema contemporaneo, ma Malavia riesce a renderlo fresco e sincero, abbracciando anche le trappole della prevedibilità, senza scappare dai luoghi comuni ma dando loro sostanza e autenticità. La musica rap, linguaggio delle periferie e mezzo di espressione spontaneo, diventa per Sasà un atto di sopravvivenza.

Il giovane protagonista, interpretato con una naturalezza disarmante da Mattia Francesco Cozzolino, vive la musica come un sogno e una promessa. Il suo percorso – dall’entusiasmo ingenuo alla caduta, fino alla rinascita – segue le tappe di una formazione emotiva e morale che non ha nulla di artificioso. Accanto a lui, la figura di Yodi, interpretato da Giuseppe “PeppOh” Sica, rappresenta la possibilità di una guida, di una mano tesa che non giudica ma accompagna.

In questo senso, Malavia è anche un film sull’importanza dell’incontro, sulla capacità di riconoscere nell’altro una possibilità di cambiamento. L’arte, nel mondo di De Stefano, non è mai evasione, ma strumento concreto di resistenza, un modo per riappropriarsi della propria voce e, con essa, del proprio destino.

Un cast giovane e sorprendente per un racconto di verità

Uno degli elementi che più contribuiscono alla forza del film è la scelta del cast. De Stefano affida i ruoli principali a giovani interpreti non professionisti, trovando in loro una verità recitativa che attori più strutturati difficilmente avrebbero potuto restituire. Mattia Francesco Cozzolino è una rivelazione: intenso, istintivo, capace di esprimere la fragilità e la rabbia di Sasà con uno sguardo che dice più di mille parole. Accanto a lui, Daniela De Vita nel ruolo della madre offre un ritratto di struggente umanità: una donna ferita ma non vinta, simbolo di una generazione intrappolata tra sogni infranti e desiderio di riscatto.

Il film si arricchisce poi delle presenze di Junior Rodriguez, Francesca Gentile, Ciro Esposito, Artem e Nicola Siciliano, che contribuiscono a costruire un mosaico corale e credibile. Tutti i personaggi, anche quelli minori, vivono di una propria luce, grazie a una scrittura che non giudica ma osserva, con rispetto e compassione.

La regia di De Stefano, sostenuta da una fotografia vibrante e da un uso sapiente del suono, riesce a fondere realismo e lirismo, offrendo un’esperienza sensoriale che colpisce lo spettatore sul piano emotivo. La colonna sonora, curata con attenzione, diventa parte integrante del racconto, amplificando il battito vitale del film.

Con Malavia, Nunzia De Stefano conferma di essere una delle voci più autentiche e necessarie del nuovo cinema italiano. Il suo è uno sguardo che non ha paura di sporcarsi di realtà, ma che sa trovare la bellezza anche nel dolore.

Il film parla di sogni, cadute e rinascite, ma soprattutto di identità: di come l’arte possa restituire dignità e speranza a chi la società tende a dimenticare. Intenso, vibrante e profondamente umano, Malavia è un film che tocca corde universali, ricordandoci che, anche nei luoghi più difficili, la bellezza può ancora salvare.