In Il Bianco Il Giallo e il Nero Il giovane samurai Sakura (Tomas Milian) si mette sulle tracce di un sacro pony che l’imperatore del Giappone ha inviato in dono ad una colonia giapponese nel vecchio west, ma che è stato rubato da alcuni falsi indiani per provocare una guerra contro i pellerossa stessi. Come riscatto i rapitori chiedono un milione di dollari custoditi in una cassa ed affidati, per la consegna, allo sceriffo Black Jack (Eli Wallach). Ma il bottino fa gola pure allo spregiudicato bandito svizzero Blanc de Blanc (Giuliano Gemma) che, per mettere le mani su di esso, stringe un accordo con lo sceriffo e Sakura, cercando però ovviamente di fregarli in ogni modo…

Analisi: Siamo nel 1974 quando Sergio Corbucci gira uno degli ultimi western italiani. Nella sua enorme carriera il regista romano ha spaziato nei generi più disparati, una carriera multiforme, contraddista da un enorme talento che gli permetteva proprio di sperimentare e cambiare genere con estrema versatilità. Uno degli ambiti nel quale ci ha sicuramente lasciato delle pietre miliari è sicuramente il western: un genere che gli italiani hanno “desunto” dalla tradizione prettamente americana popolata dal mito secessionista, gli indiani, la lotta per i territori, le carovane, i mormoni, i saloon, i banditi e gli eroi solitari e integerrimi alla John Wayne. L’ultimo western, il più “crepuscolare”, è Il Bianco Il Giallo e il Nero datato 1974 e che vede protagonisti tre glorie del genere: Eli Wallach, Tomas Milian e infine Giuliano Gemma, scomparso da pochi giorni e già compianta “faccia d’angelo” che ha segnato un genere con le sue interpretazioni di film memorabili come Una pistola per Ringo (1965) e I giorni dell’ira (1967).

Il Bianco Il Giallo e il Nero è una sorta di divertissement dalla trama improbabile, che mescola la cultura pop, una sorta di antologia del genere “spaghetti western”, con un occhio rivolto però verso il sottogenere dei “Fagioli western”, film dal sapere decisamente più comico come il filone inaugurato da Lo chiamavano Trinità (1970) ed epigoni.

Sicuramente l’aspetto che più colpisce è il gioco meta-cinematografico presente fin dall’inizio: la moglie di Black Jack (il cui nome già richiama un tipo di gioco d’azzardo) si “esibisce” in un delirante monologo costruito dagli sceneggiatori in modo tale da camuffare le citazioni di titoli di altri film western come delle invettive rivolte dalla signora al consorte. Ma il gioco non si esaurisce qui: le autocitazioni sono sparse in tutto il film, dalle tombe alle bare ridenti eredità del “Django” originale, oppure Wallach stesso che rifà il verso all’immortale “brutto” Tuco del film di Leone e Tomas Milian che anticipa le peripezie del “suo” cinese nel cult “delitto al ristorante cinese” improvvisandosi improbabile samurai nipponico dall’umorismo rabeleisiano e dalle enormi- ma esilaranti- difficoltà linguistiche.

Il clima farsesco della pellicola serve a separare definitivamente- come un ultimo, estremo, “canto del cigno” di un genere- il realismo dalla sua trasfigurazione finale in leggera e briosa parodia, camminando però in bilico su di un sottilissimo filo teso tra due entità apparentemente così distanti e distinte.

Minority Report è il film del 2002 di Steven Spielberg con Tom Cruise, Colin Farrell, Samantha Morton, Max von Sydow, Patrick Kilpatrick, Lois Smith, Peter Stormare, Tim Blake Nelson.

La trama di Minority Report

In un futuro prossimo, nella città di Washinghton, il crimine pare essere stato finalmente debellato grazie ad un sistema di previsione dei reati, chiamato precrimine, messo in atto da tre individui, i precong, dotati di capacità di precognizione in grado di prevedere lo svolgersi di un delitto e permettere così alla polizia di arrestare il colpevole prima del fatto. Il sistema deve però essere ancora testato, e durante questo periodo di prova, il detective Anderton, chiamato a sovrintendere il progetto, scopre che una delle previsioni lo indica come uno dei prossimi omicidi. Non capacitandosi di questa eventualità, Anderton viene a conoscenza del fatto che non sempre i precong sono affidabili, poiché uno di loro, la veggente Agatha, molto spesso ha delle visioni opposte, definite rapporto di minoranza. Basandosi su questa flebile speranza di errore, Anderson inizia una roccambolesca fuga per trovare il rapporto e provare così la sua innocenza, sventando una possibile macchinazione del governo.

Il film

Tratto da uno dei più famosi e visionari romanzi del guru della fantascienza P.K.Dick, Minority Report ci propone una visione futura da cortocircuito, in cui si può essere arrestati non per l’atto, ma per l’intenzione di commettere un delitto (gli echi di 1984 di Orwell urlano chiaramente vendetta), rappresentando in chiave fantascientifica uno dei più pesanti abomini della tradizione cattolica: il peccato d’intenzione .

La tecnologia e l’evoluzione vengono qui fatti regredire ad una condizione quasi magica e atavica, dove non sono le macchine ma bensì i poteri parapsicologici dell’uomo a dettare la legge, in una forma alquanto distorta di estetica stempunk. A suo agio con il terreno del futuribile e della fantasia tecnologica, Spielberg orchestra un colossal hollywoodiano dei tempi moderni, condendolo con gli strabilianti (anche se non del tutto credibili) effetti speciali della ILM dell’amico George Lucas e la memorabile colonna sonora di John Williams (miscelata a grandi classici come Moon River), il tutto in una commistione corale che è una vera benedizione per occhi, orecchie e cuore dello spettatore. Senza preoccuparsi troppo dell’attinenza al romanzo originario e ad alcuni scivoloni narrativi, Spielberg si affida al talento atletico di Tom Cruise che, bissando le sue performance in Mission Impossibile al top della sua forma, ci catapulta in un turbinio di inseguimenti, esplosioni e combattimenti da far impallidire il Neo di Matrix.

Altri grandi attori prestano la loro fisicità all’universo pop del film, a cominciare da Colin Farrell passando per Samantha Morton, Patrick Kilpatrick, fino ad arrivare al buon, vecchio Max Von Sydow, perfetto nel ruolo dell’ambiguo direttore Burgess. Non mancano numerosi cammei che comprendono Paul Thomas Anderson, Cameron Crowe e addirittura Cameron Diaz, come in un red carpet per la serata degli Oscar.

I precong, ognuno con un nome che rimanda ad un famoso scrittore giallo (Agata, Arthur e Dashiell) sono delle orga-macchine tenute prigioniere, i cui poteri di preveggenza vengono sfruttati da una società dedita all’abolizione del crimine su base preventiva, sfruttando un sistema del tutto antitetico che il nostro eroe cercherà di smascherare. Grazie alla collaborazione di esperti del MIT, Spielberg ha condito il suo immaginario futuro di oggetti, ambienti e tecnologie del tutto surreali ma in un certo senso possibili, dando maggior spessore al racconto di Dick e allo stesso tempo attualizzandolo (non dimentichiamoci però che il rumore dei velivoli del film è stato ottenuto dal cestello di una lavatrice!). Un fanta-action con tutti i sacri crismi del genere, perfettamente diretto e con un cast di punta, per un prodotto che, seppur non privo di imperfezioni, ha dato una svolta decisiva al panorama fantascientifico nel cinema.

Eraserhead – La mente che cancella è il film del 1977 di David Lynch con Jack Nance, Charlotte Stewart, Allen Joseph, Janne Bates, Laurel Near, Judith Anna Roberts, Jack Fisk, Thomas Coulson.

La trama di Eraserhead – La mente che cancella

Henry Spencer è uno strano omettino che lavora come tipografo in un surreale paesaggio industriale di un non ben specificato paese, dove tutto appare distorto e allucinato. Henry è innamorato di Mary, ragazza affetta da strani attacchi epilettici che vive con due strambi genitori. Durante una cena, Henry viene informato dalla ma dre che la figlia è rimasta misteriosamente incinta, senza però che i due avessero mai copulato. Il figlio che nasce però assomiglia ad un orribile girino gigante dalle fattezze orripilanti, sempre intento a piangere. Dopo alcuni giorni di convivenza Mary decide di lasciare Hery ed il bambino, costringendo l’uomo a doversi assumere il gravoso compito di allevare da solo la mostruosa creatura. Inizia così un viaggio allucinate in cui Hery non distingue più tra sogno e realtà, in cui egli intraprende una improbabile relazione con una donna mostruosa che vive nel suo termosifone.

L’Analisi

Allucinate, surreale, estremo, il film d’esordio del visionario David Lynch è una delle opere più complesse e psicoanalitiche che siano mai state tradotte su celluloide. Attraversato da numerosi travagli produttivi che ne hanno esteso la realizzazione pre ben cinque anni, dal 1972 al 1977, costringendo Lynch a ipotecare la casa e a dormire sul set per reperire i fondi necessari a ultimarlo, Erashead è un vero e proprio pugno nello stomaco (e nell’occhio) dello spettatore, letteralmente catapultato in un universo onirico e grottesco in cui tutto è distorto ed eccessivo, dove Hery, alter-ego (fisico e psicologico) di Lynch incarna le più ancestrali paure dell’uomo, prima fra tutti quella della paternità.

L’universo del film, virato in un metallico bianco e nero ed immerso in paesaggi postindustriali che anticipano Tzukamoto, Cronenberg e tutta la cultura cyberpunk, è ricco di personaggi grotteschi e archetipici che, come lo stesso Henry, paiono come marionette di uno strambo teatro dell’assurdo. Numerose sono le scene oniriche entrate degnamente nel subconscio cinematografico, tra cui l’incipit cosmogonico in cui un demiurgo-frankenstein in una decadente centrale elettrica dà vita al seminale mondo dell’orrore del film azionando una leva, così come l’onirico prologo in cui il cervello di Henry (dando il titolo al film) viene trasformato in tante gomme da cancellare per matite.

Anche l’orripilante creatura neonatale è uno dei simboli più reconditi del nostro io interiore, la paura della deformità e del caso (racconta Lynch che il feto era quello di un vitello). Ricco di messaggi sublimali impossibili da cogliere ad una prima visione (e nemmeno tutti alla centesima), il film si articola in spazi angusti e minimalisti, come ad esempio l’opprimente appartamento di Henry in cui piante crescono nei comodini e dove strani insetti vermiformi vengono segretamente custoditi in cassetti. 

La cacofonica colonna sonora, edita dallo stesso regista assieme all’amico Fats Waller è quanto di più disturbante i nostri orecchi possano assorbire, ricca di strumenti elettronici e sintetizzati. Un film maledetto, realizzato con poco o niente che non solo è diventato il simbolo dei midnight movies e dei circuiti d’essai, ma che si è presto a mille interpretazioni psicologiche e ha spianato la strada al nuovo filone del surrealismo cinematografico.

Raccontare Eraserhead – La mente che cancella non è possibile, tanto meno interpretarlo. Bisogna vederlo e godere delle sue atmosfere malate e ansiogene, dei suoi personaggi surreali che trovano nella Donna del Termosifone la loro forma più estrema e piacevole al contempo. Il film ha di fatto aperto le porte della visionarietà di Lynch al suo mondo fatto di incubi e di distorsioni, divenendo il compendio dei suoi precedenti lavori di cortometraggio, iniziati con The Alphabet e culminati con The Grandmother. Basti dire che era il film preferito di Stanley Kubrick!

Cube – Il Cubo è un film del 1997 diretto da Vincenzo Natali e con protagonisti Nicole de Boer, Nicky Guadagni, David Hewlett, Andrei Miller, Julian Richings, Wayne Robson e Maurice Dean Wint.

Trama Cube – Il Cubo: Un poliziotto, un criminale, un medico, un impiegato e una studentessa di matematica si risvegliano all’interno di uno strano ambiente cubico formato da sei portelli su cui sono incisi dei numeri. Senza sapere come e perché ci siano finiti, i cinque individui iniziano a collaborare, seppur con le consuete frizioni, per trovare un modo per uscire. Ben presto scoprono che alcuni dei pannelli sono mobili e si aprono su altri ambienti cubici simili al precedente, ma altri contengono trappole mortai. La studentessa capisce che solo i portelli su cui non sono indicati numeri primi conducono alla salvezza, e durante uno dei trasbordi da un ambiente all’altro, entrano in contatto con un giovane ragazzo affetto da autismo, che però pare l’unico in grado di aiutarli. Inizia così un terribile viaggio in cui il gruppo tenta di evadere da questo misterioso cubo.

Analisi: Esordio col botto per Vincenzo Natali, regista canadese di origini italiane, che reinventa il genere di unknown awakening (risveglio sconosciuto) miscelando tra loro i generi del thriller e della fantascienza, proponendoci un labirintico e opprimente universo dove l’apparente tranquillità e armonia della perfezione geometrica della matematica diventa qui simbolo di paura e caos totale.

Facendo leva sull’indefinito e sulla mancanza di informazioni spazio-temporali, in Cube – Il Cubo Natali tesse una stupenda trama in cui gli esseri umani paiono vere e proprie cavie da laboratorio in un perfido gioco di quella che pare essere un’entità superiore indefinita estremamente rigorosa e calcolatrice (nella versione originale della sceneggiatura si parlava addirittura di un’intelligenza aliena).

Ne il Cube – Il Cubo i cinque personaggi, ognuno con un nome che rimanda ad un penitenziario americano (Quentin, Rennes, Hollaway, Worth e Leaven) rappresentano l’alter ego tematico della loro condizione di prigionia, in cui però ognuno, con le sue peculiari qualità individuali, diventa un tassello prezioso nella risoluzione dell’enigma e nella possibile fuga.  Solo Kazan, il ragazzo artistico, pare un pesce fuor d’acqua, finendo però con il rivelasi il faro di salvezza del gruppo. Utilizzando una satura fotografia a colori primari edita da Derek Rogers e un unico set cubico di 14 piedi x 14 in cui i colori delle pareti cambiano a seconda della sezione, Natali sviluppa appieno il tema del topo in trappola, lavorando più per sottrazione che per aggiunta, utilizzando un montaggio minimale in favore di lunghi piani sequenza che ben rendono, assieme alle inquadrature grandangolari (marchio di fabbrica del regista), tutto il soffocamento della storia e dell’ambiente. Le stupende musiche di sintesi di Mark Korven aggiungo un tocco in più, sposandosi alla perfezioni con il rigore matematico su cui l’intera opera si basa.

Usando un cast di semi-sconosciuti (almeno per l’epoca) il regista ci immerge assieme ai personaggi, portandoci inconsciamente a provare il loro stesso sentimento di claustrofobia e di oppressione, in una vera forma di immedesimazione da manuale cinematografico.

Gioca con noi Natali, gioca e si diverte a far scontrare i suoi personaggi per testare le loro reazioni e per vedere come la loro intelligenza li porterà a risolvere un problema, proprio come un test scientifico sui topolini bianchi. Anticipando di gran carriera i grandi capolavori del filone che avranno in Saw la loro consacrazione, Cube – Il Cubo reinventa l’immaginario delle paure umane, propinandoci inoltre concetti matematici molto complessi in una maniera così semplice e razionale che, dopo la visione, non stupisce che i voti scolastici nella materia subiscano una brusca impennata.

Anno: 2002

Regia: Kurt Wimer

Cast:  Christian Bale, Sean Bean, Taye Diggs, Dominic Purcell, Emily Watson.

Trama: Dopo la terza guerra mondiale dei primi anni del XXI secolo, la razza umana ha sentito il bisogno di darsi una regolata bandendo le proprie emozioni, ritenute le principali colpevoli dei crimini di violenza ed odio.

Sotto questa legge è sorta Libria, una società-stato governata da Il Padre, un dittatore carismatico e onnipresente, che attraverso l’utilizzo di un farmaco inibitore di emozioni, il Prozium, controlla la vita dei cittadini. Per evitare rappresaglie e per combattere i ribelli, cittadini non consoni all’uso del Prozium, vengono messi al rogo tutte quelle cose, dai libri alla musica, che possano suscitare emozioni e viene costituito un corpo speciale, formato dagli agenti Cleric, dedito alla salvaguardia della società. Ma sarà proprio un cleric, John Preston (Christian Bale), a mettere in dubbio questo sistema dopo aver provato egli stesso delle emozioni.

Analisi: Cosa saremmo noi umani senza emozioni? Come sarebbero i nostri risvegli senza un accompagnamento musicale? E che valore avrebbero le nostre giornate senza la lettura di un libro, di un abbraccio, di una risata e, perché no, di un litigio? Equilibrium esplora questa possibile realtà, trasportandoci in un futuro freddo e schematico, dove gli esseri umani sono ridotti ad una schiavitù mediatica e chimica. Libria ha tutti i connotati di città senza emozioni: edifici imponenti monocromatici, strade grigie, abiti uguali per tutti, lo stessa saturazione azzurra del cielo porta con sé un senso di anedonia. E’ un’ambientazione già vista, in diverse misure, in altri film, e letta nei romanzi futuristici. Equilibrium sembra essere una via di mezzo di tante opere, che si intersecano e coesistono per un breve istante, e poi vanno a morire in qualche forzatura di sceneggiatura o in qualche scelta registica orientata ad un prodotto che preferisce la forma piuttosto che la sostanza. In effetti, quello che Kurt Wimer ci propone è una giusta contrapposizione tra trama e azione. Se la prima è vacillante, la seconda sembra essere il punto forte del film. Spettacolari, istantanee e dosate alla perfezione, intervallate spesso da momenti più introspettivi, le scene d’azione convincono egregiamente, emulando un po’ gli effetti tipici del capostipite del genere (Matrix) ma senza strafare e rendendosi appetibili con coreografie quanto mai azzeccate e innovative.

Christian Bale sopperisce come può ad un ruolo che, per sua natura, deve conferire una faccia asettica e quantomeno priva di espressione. Peccato che quando debba mostrarle, le emozioni e le espressioni, sembri sia impiastricciato nel personaggio, come se il prozium lo usasse davvero. Non la sua miglior prova ma, sicuramente, superiore al resto del cast, svantaggiato da una sceneggiatura che lascia ai rispettivi personaggi solo ruoli marginali o di comparsa; patetico, è per esempio, il breve utilizzo di un ottimo attore come Sean Bean.

Equilibrium lascia un po’ l’amaro in bocca dopo averlo visto. C’erano potenzialità da sfruttare meglio; lo stesso finale, un veloce e scontato epilogo verso una vittoria senza connotati riflessivi, fa storcere un po’ il naso a chi, come me, oltre alla potenza scenica vuole anche una trama da mordere.