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La petite dernière: recensione del film di Hafsia Herzi

Di
Chiara Guida
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Dopo Tu mérites un amour e Bonne mère, Hafsia Herzi approda per la prima volta nella competizione ufficiale di Cannes con La petite dernière, adattamento cinematografico dell’omonima opera autobiografica di Fatima Daas. Il film si inserisce nel solco del coming-of-age contemporaneo, cercando di restituire con pudore e sincerità il percorso di crescita, scoperta e affermazione identitaria di una giovane donna musulmana cresciuta nella banlieue parigina. A interpretarla è Nadia Melliti, alla sua prima esperienza cinematografica, vera rivelazione del film.

Un’identità in movimento

Fatima è l’ultima di tre sorelle e vive all’interno di una famiglia tradizionale di origine algerina. Ha 17 anni, gioca a calcio, frequenta il liceo e sogna di iscriversi alla facoltà di Filosofia. Ha un fidanzato, ma la sua vita affettiva è attraversata da una frattura profonda: attratta dalle ragazze, inizia a esplorare la propria sessualità attraverso un’app di incontri, fino a conoscere Ji-na (Park Ji-min), una giovane dottoressa di origini coreane con la quale intreccia una relazione intensa ma non priva di zone d’ombra. Ji-na soffre infatti di depressione e l’equilibrio tra le due si rivela fragile.

Herzi filma tutto questo con una sensibilità rara, scegliendo di non spettacolarizzare nulla, quasi come se si limitasse ad osservare con rispetto. Le scene di intimità, le abluzioni, i pasti familiari e i silenzi sono trattati con pari attenzione. La regista mostra così la complessità di un’identità in costruzione che non rinnega le proprie radici culturali o religiose, ma tenta di ridefinirle a partire dall’esperienza personale. Fatima partecipa con Ji-na a una manifestazione dell’orgoglio LGBTQ+, ma non smette di pregare, e questa convivenza tra elementi apparentemente in conflitto è una delle chiavi più interessanti della narrazione.

Tra cinema del reale e sguardo autoriale

La scelta di volti non professionisti, l’uso costante del primo piano, la durata generosa delle scene e l’attenzione al linguaggio del corpo richiamano l’esperienza di Hafsia Herzi come attrice in alcuni film di Abdellatif Kechiche. Tuttavia, a differenza del regista franco-tunisino, Herzi sceglie di non indulgere mai nel voyeurismo: c’è un amore profondo per i personaggi e una volontà sincera di raccontarli senza giudicarli.

Eppure, proprio questa delicatezza talvolta sembra limitare la forza narrativa del film. La seconda parte si fa infatti più didascalica, soprattutto nei momenti in cui la protagonista si confronta con la comunità lesbica e il suo attivismo. L’intreccio si appiattisce in alcuni passaggi, e si ha la sensazione che Herzi voglia dire troppo, con il rischio di sacrificare la naturalezza che aveva caratterizzato la prima ora di girato.

Una promessa ancora in cerca della sua voce più forte

La petite dernière è un film che affronta temi urgenti – la fede, la sessualità, il patriarcato, la marginalità – con onestà e uno sguardo che non cerca lo scandalo, ma l’empatia. È un’opera che vale per ciò che racconta e per il modo in cui lo fa, ma che avrebbe forse beneficiato di una maggiore compattezza drammaturgica e di uno sviluppo più profondo del conflitto interno alla protagonista.

Nadia Melliti regge con grande naturalezza il peso del racconto, imponendosi come un volto da tenere d’occhio nel panorama europeo. Hafsia Herzi, d’altro canto, conferma di essere una regista sensibile, capace di ascoltare e restituire con sincerità la complessità dei suoi personaggi. Tuttavia, resta l’impressione che, rispetto alle sue precedenti prove, questa terza regia sia meno incisiva, un po’ trattenuta, forse timorosa di osare di più.

 
 

Murderbot: recensione della serie Apple TV+

Di
Adriano Ercolani
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Dopo aver prodotto la miglior serie di fantascienza degli ultimi anni (se non avete avuto modo di vederla stiamo parlando di Foundation, tratta dal capolavoro letterario di Isaac Asimov) Apple TV+ ha deciso di affrontare nuovamente il genere con Murderbot, trasposizione in dieci episodi del romanzo All Systems Red di Martha Wells – primo capitolo della serie The Murderbor Diaries. In questo caso però il tono è diametralmente opposto, in quanto lo show scritto, prodotto e diretto da Chris e Paul Weitz è nel suo intento primario una commedia dell’assurdo.

La storia di Murderbot

Al centro della vicenda si trova infatti il cyborg denominato SecUnit (Alexander Skarsgård), il quale dopo aver hackerato il sistema che lo costringeva a essere manipolato dagli esseri umani si è rinominato Murderbot. Per evitare di essere scoperto ed eliminato, l’androide si finge funzionale e viene spedito a lavorare come garante della sicurezza di un gruppo di scienziati approdati su un pianeta sconosciuto e potenzialmente pericoloso. Incapace di interagire normalmente con gli esseri umani, ai quali preferisce di gran lunga le soap opera, Murderbot inizia a destare i sospetti di alcuni dei membri della squadra, in particolar modo Gurathin (David Dastmalchian).

Da un’idea di partenza piuttosto intrigante anche se non propriamente originale – pensiamo prima di tutto al robot depresso e filosofeggiante di Guida galattica per autostoppisti – i creators Chris e Paul Weitz avrebbero potuto trarre uno show decisamente più coinvolgente. Murdebot fin dall’episodio pilota si rivela invece un qualcosa che non trova mai un suo vero e proprio equilibrio, diviso costantemente tra una messa in scena che vuole rispettare lo sfarzo della fantascienza e un tono scanzonato il quale non si fonde con l’estetica del prodotto. Quello che avviene nei vari episodi è francamente poco interessante, anzi appare quasi un pretesto per regalare momenti di ilarità dovuti alla personalità sui generis del personaggio principale. La scelta di adoperare costantemente la voce interiore si rivela azzeccata soltanto in alcuni momenti, mentre alla lunga risulta un altro ostacolo all’efficacia della progressione narrativa. Anche se oggettivamente divertente in alcune sequenze, come ad esempio il primo interrogatorio tra Gurathin e SecUnit, Murdebot si poggia su scenette che quasi mai sviluppano reali situazioni, ovvero troppo poco per costruire una trama quanto meno interessante. La scelta poi di far durare gli episodi poco più di venti minuti ciascuno non offre alcuna possibilità di entrare in sintonia emotiva con quello che accade in ogni capitolo. Quando sembra che qualcosa stia per accadere, ecco che la puntata termina.

Un cast messo in difficoltà dalla scrittura

Dovendo lavorare con questo materiale, il cast di attori riesce soltanto in rarissimi casi a offrire il meglio delle proprie qualità di interpreti. Sarsgård risulta tutto sommato simpatico nella sua espressione costantemente attonita, il che funziona in maniera appropriata al personaggio di Murderbot. Dastmalchian invece risulta efficace soltanto a corrente alternata, il che risulta strano visto quanto il caratterista abbia dimostrato di essere a suo agio quando si tratta di personaggi lontani da una rappresentazione realistica. Tutti gli altri sono fracmaente dimenticabili, compresa in Noma Dumezweni solitamente invece capace di imporsi all’attenzione dello spettatore.

Se si pensa che Chris e Paul Weitz sono quelli che sfiorarono l’Oscar per il brioso adattamento di About a Boy – Un ragazzo da Nick Hornby, diventa ancora più sconcertante vedere quanto poco interessante sia stato il loro lavoro su Murderbot. La loro serie proprio non possiede mordente, non sviluppa caratteri in cui ci si può identificare né che si ama detestare, e tanto meno offre una trama avvincente. Se non fosse per alcuni momenti di stralunata ilarità dovuta ai rapporti complessi tra i personaggi, i vari episodi scivolerebbero via nella noia più completa. In alcuni momenti Murderbot diverte, ma nel complesso risulta un’operazione davvero scialba.

 
 

Paternal Leave, recensione del film di Alissa Jung

Di
Adriano Ercolani
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PAT_MainStill_KEY © 2024 Match Factory Productions GmbH, Wildside srl (2)

Dopo la vetrina europea del Festival di Berlino, Paternal Leave, l’esordio alla regia dell’attrice tedesca Alissa Jung ha trovato nuova conferma con l’inserimento nel cartellone ufficiale di Open Roads, la rassegna di cinema italiano contemporaneo della Society of Lincoln Center a New York. Una nuova e prestigiosa passerella internazionale che testimonia la qualità artistica di una produzione che rispecchia le molte influenze con cui è stata realizzata.

La storia di Paternal Leave

La protagonista di Paternal Leave è l’adolescente Leo (Juli Grabenhenrich), la quale di punto in bianco lascia la Germania per recarsi sulla costa marittima del Nord Italia, dove vive suo padre biologico Paolo (Luca Marinelli) che non ha mai conosciuto. Sorpreso dalla visita inaspettata, l’uomo fatica non poco a inserire la giovane figlia in una vita che lui stesso non è ancora pienamente riuscito a sistemare, dovendo anche fare i conti con la frustrazione e la rabbia repressa. Sia in Leo che, come capirà, in lui stesso.

La qualità migliore di questo primo lungometraggio dietro la macchina da presa della Jung sta nell’attenzione al tono del racconto, il quale evita costantemente lo scivolamento nel melodramma ostentato. Paternal Leave viene costruito sequenza dopo sequenza lavorando con efficacia sull’equilibrio metaforico tra le ambientazioni e lo stato psicologico ed emotivo dei personaggi, in particolar modo i due protagonisti. Dal momento che non si tratta di una storia che cerca nell’originalità il suo motivo fondante di racconto, la modalità con cui viene sviluppata ed espressa diventa allora il lato più importante, e la Jung dimostra di saperlo gestire con sicurezza: le spiagge malinconiche e semideserte, il paesino di provincia dove poco o nulla accade nelle stagioni maggiormente fredde, rappresentano il luogo perfetto per esternare lo stato di stasi in cui, per motivi diversi se non opposti, Paolo e Leo si trovano. Anche il non saper parlare l’uno la lingua dell’altre, il dover adoperare come primo tentativo un linguaggio “altro” insieme a quello che il corpo e il volto nonostante tutto esprimono, è un’idea di sceneggiatura che funziona pienamente nell’esprimere il distacco esistenziale, la difficoltà nel tentativo di avvicinarsi. Cosa che invece può avvenire principalmente con un atto di gentilezza o un sorriso, come avviene tra Leo ed Edoardo.

PAT_Still_117 KEY © 2024 Match Factory Productions GmbH – Wildside srl (1)

Animi ricchi di contrasti

Questo per raccontare che sotto la superficie pacata, mai urlata di questo racconto si celano invece psicologie ed animi ricchi di contrasti: il dolore sorpreso di Leo lo si deve andare a cercare dietro le piccole ma pungenti frecciate che lancia costantemente prima al padre e poi agli altri uomini che incontra. Allo stesso modo gli occhi sempre penetranti di Marinelli riescono a esprimere pienamente lo scoraggiamento di Paolo, incapace di fare i conti col suo passato, paralizzato (come lo stesso personaggio più volte confessa) nelle relazioni con l’altro sesso che possano veramente contare. I duetti tra la Grabenhenrich e l’attore italiano sono quasi sempre preziosi per quello che esprimono quasi in contrasto con i dialoghi, fino allo “showdown” emozionale che è giustamente frettoloso, quasi violento a livello emotivo, e rompe il ghiaccio tra padre e figlia ma senza veramente risanare un rapporto ancora sconosciuto, e non poteva essere altrimenti. La Jung segue un percorso narrativo conosciuto ma non lo adopera per arrivare a una conclusione retorica e falsamente allietante: quando salutiamo Leo e Paolo alla fine di Paternal Leave, il loro percorso di scoperta, di accettazione soprattutto dei propri rispettivi ruoli, è appena iniziato. E questo rende il film più vero.

PAT_Still_068 KEY © 2024 Match Factory Productions GmbH – Wildside srl (2)

Anche se si potrebbe obiettare che quello di Alissa Jung è in fondo un film “già visto”, la lucidità dell’esposizione e la compostezza del tono del racconto costituiscono quel qualcosa in più che rende Paternal Leave un lungometraggio denso di sostanza emotiva. Un buon esordio che racconta di una convivenza tanto “forzata” quanto necessaria. Per Leo che la ricerca ma senza dubbio anche per Paolo che deve accettarla.

 
 

Il significato dietro il titolo “Quando la vita ti regala mandarini”

Di
Redazione
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Quando la vita ti dà mandarini

Se sei un fan dei K-drama e non hai ancora visto When Life Gives You Tangerines, allora questo è il tuo segno. La serie Quando la vita ti dà mandarini, guidata da IU  e Park Bo Gum, è il drama “It” di questa stagione. Non solo è attualmente al primo posto su Netflix, ma è anche ovunque sui nostri social media, con gli spettatori che continuano a condividere le loro emozioni e reazioni a ogni episodio. 

Il vero significato del titolo “Quando la vita ti dà i mandarini”

Un dramma di vita quotidiana che segue la tenace Ae-sun e il devoto Gwan-sik mentre attraversano insieme la vita nell’arco di oltre 60 anni. Mentre Ae-sun desidera fuggire dalla sua povera vita sull’isola e diventare una poetessa, Gwan-sik non desidera altro che starle accanto e aiutarla a realizzare i suoi sogni. Quello che ne otteniamo è una storia d’amore generazionale che si estende fino a mostrare anche la vita dei loro futuri figli.

Essendo ambientata a Jeju, il titolo della serie trae spunto dall’espressione dialettale di Jeju “Pokssak Sogatsuda”, che si traduce letteralmente in “Hai lavorato sodo”. Invece di usare la frase tradotta per il titolo inglese, Netflix ha scelto di catturare l’essenza della serie con un’espressione più familiare, che potesse facilmente trovare riscontro nel suo pubblico globale.

Conosciamo tutti il ​​vecchio adagio “Quando la vita ti dà limoni, fai una limonata”. Da qui, il titolo del drama è diventato “When Life Gives You Tangerines” per trasmettere il messaggio di rimanere positivi e resilienti di fronte alle avversità. Un articolo del Korea Times spiega che “tangerines” è stato utilizzato al posto dell’originale “lemons” in omaggio al luogo delle riprese della serie, Jeju, e alla sua abbondanza di piantagioni di mandarini.

In una conferenza stampa, IU ha ulteriormente approfondito il significato del titolo inglese, affermando: “Anche se la vita ci presenta dei mandarini aspri, trasformiamoli in dolce marmellata e assaporiamo una calda tazza di tè al mandarino”.

Altre traduzioni straniere di When Life Gives You Tangerines hanno seguito la stessa strada per evocare il cuore dello spettacolo. In tailandese, si intitola Let’s Smile Even on Days When Tangerines Aren’t Sweet (Sorridiamo anche nei giorni in cui i mandarini non sono dolci) , mentre a Taiwan, si può trovare in un’espressione idiomatica cinese che, tradotta e con un tocco di Jeju, risulta in Bitterness Ends, Tangerines Come (L’amarezza finisce, i mandarini arrivano).

 
 

Andor – Stagione 2, il finale ci porta dritti a Rogue One: gli Easter Eggs e i riferimenti a Star Wars

Di
Chiara Guida
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Andor - Stagione 2, spiegazione del finale

Gli episodi finali di Andor – Stagione 2 presentano molteplici legami e connessioni con Rogue One e la galassia di Star Wars. Preparando il terreno per gli eventi del film di Gareth Edwards e la Battaglia di Scarif, gli episodi finali di Andor sono tra i capitoli più intensi ed emozionanti della serie. Inoltre, presentano numerosi riferimenti e spunti chiave per l’iconico film.

Dopo il Massacro di Ghorman nel 2 BBY e l’estrazione di Mon Mothma negli episodi 7-9 di Andor – Stagione 2, gli episodi finali si svolgono un anno dopo, nell’1 BBY. Si tratta dello stesso anno degli eventi di Rogue One. Tenendo presente questo, ecco i più grandi e migliori Easter egg, riferimenti e connessioni che abbiamo trovato negli episodi 10-12 della seconda stagione di Andor.

Gli Easter Eggs di Andor – Stagione 2

  • Partigiani a Jedha. L’ultima resistenza di Saw – Il supervisore dell’ISB Jung conferma a Luthen che l’Impero sa che i Partigiani di Saw sono su Jedha.
  • Carburante da Ghorman. E Kyber da Jedha – Sebbene la kalkite di Ghorman fosse effettivamente necessaria per il progetto della Morte Nera, l’Impero ora si è dedicato anche all’estrazione del kyber da Jedha, collegandosi agli eventi di Rogue One.
  • Loth Cat. Un classico animale domestico di Star Wars – Quando viene rivelato che Jung è stato ucciso da Luthen, si vede un passante nelle vicinanze con un Loth-Cat come animale domestico.
  • Galen Erso. Un architetto chiave della Morte Nera (e un ribelle segreto) – Galen Erso di Rogue One e il laboratorio su Eadu sono confermati come parte delle informazioni fornite da Jung a Luthen.
  • Scarif. In possesso di dati top secret (e della Morte Nera) – Anche Scarif fa parte delle informazioni, il mondo imperiale che detiene tutti i piani e i dati per i progetti più top secret dell’Impero (così come la Morte Nera stessa durante le fasi finali del progetto).
  • L’uccisione di Jung da parte di Luthen rispecchia le scene iniziali di Rogue One. Cassian uccide Tivik – L’uccisione del suo informatore dell’ISB rispecchia l’uccisione del suo informatore Tivik da parte di Cassian Andor all’inizio di Rogue One.
  • Kalikori. Un collegamento con Star Wars Rebels – Nella galleria di Luthen si può ammirare un Kalikori Twi’lek, una reliquia storica che rappresenta la storia di un clan familiare (apparsa per la prima volta in Star Wars: Rebels).
  • Sanguinatore Nautolano. Un omaggio alla specie di Kit Fisto – Luthen mostra a Dedra Meero un raro coltello sanguinante Nautolano. Uno dei Nautolani più noti di Star Wars è il Maestro Jedi Kit Fisto.
  • Unità Starpath Imperiale d’epoca. Un richiamo alla première della prima stagione di Andor – L’unità Starpath di Dedra è lo stesso dispositivo rubato a Steergard che ha attirato l’attenzione di Luthen e Cassian nella prima stagione di Andor.
  • Teschio Gungan. Spremimi? – Un teschio vicino a uno dei copricapi nubiani nella galleria di Luthen assomiglia incredibilmente a quello di un Gungan, con i segni cerimoniali in oro incisi sull’osso.
  • Le origini di Luthen. Sergente Lear – I flashback rivelano che Luthen Real un tempo era un sergente della Fanteria Imperiale di nome Lear.
  • L’Ospedale Lina Soh. Cancelliere dell’Alta Repubblica – L’ospedale nell’episodio 10 della seconda stagione di Andor prende il nome dall’ex Cancelliere Lina Soh dell’Alta Repubblica (tradotto dall’Aurebesh).
  • Collana della Vittoria Devaroniana. Una specie classica di Star Wars – Ulteriori flashback di Luthen e Kleya li mostrano mentre vendono una collana della vittoria Devaroniana. Tra i Devaroniani più noti ci sono il Vizago di Rebels e il Burg di The Mandalorian. I Devaroniani sono stati visti per la prima volta nella scena canina di Una Nuova Speranza.
  • Un bombardamento su Naboo. “È un bel posto” – Viene rivelato che Luthen e Kleya una volta bombardarono un ponte pieno di Imperiali. A giudicare dall’architettura e dall’abbigliamento dei civili nelle vicinanze, sembra proprio che questo pianeta fosse Naboo.
  • “Fallo”. Sfuggiremo mai al meme? – Mettendo alla prova Kleya con l’innesco della bomba, Luthen le urla di “fallo”. Siamo in Star Wars, quindi viene in mente il Cancelliere Palpatine de La vendetta dei Sith.
  • “Chi altro lo sa?”. Un parallelo chiave con Rogue One – Titolo dell’episodio 11 della seconda stagione di Andor e domanda principale che Krennic pone a Dedra sulla Morte Nera, questa è anche la domanda chiave che Cassian pone a Tivik in Rogue One.
  • “Di’ la parola”. L’arma più potente dell’Impero ha finalmente un nome – Dedra pronuncia finalmente il nome “Morte Nera” su suggerimento del Direttore Krennic, la prima volta che la designazione ufficiale della stazione da battaglia viene pronunciata ad alta voce in Andor.
  • “Five Fives”. La versione di Star Wars dei Dadi dei Pirati? – La partita di Cassian e Melshi con K-2SO assomiglia notevolmente ai Dadi dei Pirati di Pirati dei Caraibi: La maledizione del forziere fantasma, che per coincidenza vedeva Stellan Skarsgård di Luthen nei panni di Bootstrap Bill Turner.
  • “Risparmia il sermone per Palpatine”. Le cose non vanno bene per Krennic – Il Maggiore Partagaz ricorda a Krennic che non è lui quello a cui il Direttore deve trovare scuse per i ritardi della Morte Nera, il che si collega alle note pressioni a cui Krennic era sottoposto da Palpatine e dal Gran Moff Tarkin per fornire una stazione da battaglia operativa.
  • K-2SO a una parata imperiale. Giorno dell’Impero? – Kaytoo rivela di aver partecipato a una parata tra 200 droidi KX l’ultima volta che è stato su Coruscant, e che l’Imperatore era presente. Probabilmente si trattava di una celebrazione del Giorno dell’Impero, una festività annuale che celebra l’alba dell’Impero Galattico. Dopo la fine delle Guerre dei Cloni.
  • L’eredità di Luthen. Non gradito dall’Alleanza – A causa della sua mancanza di collaborazione, della sua rete di bugie e della sua paranoia, Luthen Rael era visto dall’Alleanza tanto male quanto Saw Gerrera, nonostante avesse fornito le basi fondamentali per le sue origini.
  • K-2SO ottiene una scena in corridoio. Salvare la situazione rispecchiando Rogue One – Non diversamente dalla scena in corridoio di Darth Vader alla fine di Rogue One, K-2SO ottiene la sua epica battaglia in corridoio contro una squadra di agenti tattici dell’ISB per salvare Andor, Melshi e Kleya.
  • Pao. Un memorabile ribelle di Rogue One – Durante il trambusto della base dell’Alleanza su Yavin, si può vedere Paodok’Draba’Takat Sap’De’Rekti Nik’Linke’Ti’ Ki’Vef’Nik’NeSevef’Li’Kek di Rogue One, alias “Pao”, camminare nell’hangar: è un Drabatan maschio che si è unito alla squadra d’assalto di Scarif.
  • Mon, Bail e Saw. Il trio all’alba della ribellione – Proprio come quando il trio si incontrò canonicamente all’alba dell’Impero nel romanzo La maschera della paura, Mon Mothma e Bail Organa cercano di contattare Saw tramite ologramma offrendogli aiuto, solo per vedere il paranoico leader partigiano rifiutare il loro aiuto nonostante l’arrivo di uno Star Destroyer imperiale su Jedha.
  • Diversi stili di Rogue One. Andor si avvicina a Rogue One – Diversi personaggi degli episodi finali della seconda stagione di Andor (Bail Organa, Mon Mothma, il Generale Draven) ora hanno gli stessi costumi e acconciature di Rogue One, a dimostrazione dell’imminenza degli eventi del film del 2016.
  • Ammiraglio Raddus. Un grande eroe di Rogue One – L’Ammiraglio Raddus appare nell’episodio finale della seconda stagione di Andor, il comandante della Ribellione che dà la vita durante la Battaglia di Scarif per assicurarsi che i piani della Morte Nera arrivino alla Principessa Leia. In Gli Ultimi Jedi, una delle navi ammiraglie della Resistenza prende il suo nome.
  • “Una nave rubata in missione non autorizzata”. Non è la prima, né l’ultima volta… – Questa non è la prima né l’ultima volta che Cassian vola su un U-Wing contro gli ordini, anche se la prossima volta che lo farà in Rogue One sarà ovviamente la più importante, garantendo la sopravvivenza e le possibilità di vittoria della Ribellione, fornendo loro i piani della Morte Nera.
  • Generale Merrick. Leader dello Squadrone Blu – Il Generale Merrick di Rogue One è menzionato da Raddus, un altro membro dell’Alto Consiglio dell’Alleanza e leader dello Squadrone Blu, una delle squadre che si trovava in orbita durante la Battaglia di Scarif.
  • Senatori di Rogue One. Jebel e Pamlo si uniscono all’Alto Comando dell’Alleanza – I senatori Jebel e Pamlo compaiono nell’episodio 12 della seconda stagione di Andor, gli altri membri dell’Alto Comando dell’Alleanza che hanno debuttato in Rogue One del 2016.
  • Tivik su Kafrene. Il debutto di Cassian in Rogue One – Informatore di Cassian e uno dei Partigiani di Saw Gerrera, Tivik si rivela aver telefonato a Yavin con informazioni che condividerà solo con Andor sull’Anello di Kafrene, il che si collega alla scena iniziale di Rogue One, dove Cassian conferma le informazioni sulla nuova superarma dell’Impero e su Galen Erso.
  • Brinda ai Caduti. Ricordando Aldhani, Ferrix, Ghorman e altri – Prima che Andor parta per Kafrene, Cassian e Vel brindano a coloro che sono caduti per la causa nelle stagioni 1 e 2 di Andor: Luthen, Gorn, Nemik, Taramyn, Cinta, i Ghorman, Ferrix, Maarva e i Dhani.
  • Manifesto di Nemik. “La Maschera della Paura” – Viene rivelato che il manifesto di Nemik si è diffuso in tutta la galassia di Star Wars, e persino il Maggiore Partagaz possiede una registrazione in cui ascolta le parole del giovane Ribelle su come “La frontiera della Ribellione sia ovunque”, “La tirannia richiede uno sforzo costante” e che “L’oppressione è la Maschera della Paura”. Ispirata dal manifesto, la Lucasfilm ha recentemente pubblicato un romanzo canonico intitolato “La Maschera della Paura”, ambientato durante i primi giorni dell’Impero.
  • “Andare giù a suon di pugni”. Uno degli ultimi ordini di Bail Organa – Nonostante i suoi dubbi tristemente ironici sulla Morte Nera, considerando l’imminente distruzione sua e di Alderaan da parte del superlaser della stazione da battaglia, Bail Organa approva la missione di Cassian Rogue One nell’Anello di Kafrene, volendo “andare giù a suon di pugni” contro l’Impero.
  • Andor indossa il costume di Rogue One. Cassian è pronto per Rogue One – Proprio come i personaggi precedenti nell’episodio finale della seconda stagione di Andor, Cassian indossa la stessa giacca, la stessa fondina e la stessa pistola che indossava nel suo debutto in Rogue One.
  • Dedra in prigione. Imprigionata su Narkina? – Non diversamente da Cassian e dal suo periodo su Narkina 5, Dedra Meero viene mostrata in una prigione imperiale molto simile, con la stessa uniforme bianca e arancione.
  • Saw su Jedha. Gerrera è pronto per Rogue One – Saw è mostrato mentre guarda fuori da una finestra dalla sua base operativa su Jedha, rispecchiando un’inquadratura simile di Rogue One.
  • Krennic supervisiona la Morte Nera. I test sono pronti per iniziare – Krennic è anche mostrato mentre supervisiona le fasi finali della costruzione della Morte Nera, un’altra inquadratura parallela a quella vista in Rogue One.
  • Bix con il suo bambino a Mina Rau. Il figlio segreto di Cassian – Bix Caleen è tornata a Mina Rau, il mondo agricolo visto nei primi episodi della seconda stagione di Andor. Nella scena finale che conclude l’epica serie di Star Wars, Bix tiene in braccio un bambino il cui padre è senza dubbio quello di Cassian Andor, il che significa che Cassian non ha mai conosciuto la famiglia che lo circonda. lo aveva aspettato prima che si sacrificasse in Rogue One.
 
 

Senza Rimorso (Without Remorse): la spiegazione della scena post-credits

Di
Redazione
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Senza rimorso trama film
Jodie Turner-Smith e Michael B. Jordan in Senza rimorso. Foto di Nadja Klier/Nadja Klier - © 2020 Paramount Pictures

Senza Rimorso (Tom Clancy’s Without Remorse) ha una scena a metà dei titoli di coda che prepara il terreno per un sequel, Rainbow Six. Tratto dal romanzo di Tom Clancy, Without Remorse vede Michael B. Jordan nei panni del Senior Chief John Kelly, un membro d’élite dei Navy SEAL che è uno dei personaggi più popolari dell’universo di Jack Ryan di Tom Clancy. Without Remorse è la storia delle origini di John Kelly, che riporta il pericoloso agente operativo nell’attuale tumultuoso scenario geopolitico.

Dopo che Kelly e la sua squadra SEAL, sotto il comando del tenente comandante Karen Greer (Jodie Turner-Smith), salvano un agente della CIA da ex soldati russi in Siria, la famiglia di John e i membri della sua unità vengono presi di mira per essere assassinati. La moglie incinta di Kelly, Pam (Lauren London), viene uccisa, spingendo John in una spirale di vendetta. Kelly scopre che un russo di nome Victor Rykov (Brett Gelman) ha guidato l’attacco alla sua casa. Con il supporto dell’agente della CIA Robert Ritter (Jamie Bell) e del Segretario alla Difesa Thomas Clay (Guy Pearce), Kelly e Greer guidano una missione a Murmansk, in Russia, per estrarre Rykov. Tuttavia, cadono in una trappola e riescono a malapena a scappare. Kelly poi mette insieme i pezzi del puzzle e capisce che il segretario Clay era la mente dietro tutto questo e che stava cercando di provocare una nuova guerra tra gli Stati Uniti e la Russia. Kelly rapisce Clay e lo costringe a confessare prima di assicurarsi la morte del segretario. Ma Kelly viene dato per morto in azione in Russia, quindi diventa “un fantasma” e la CIA procura una nuova identità al Navy SEAL ribelle: John Clark.

La scena a metà dei titoli di coda di Without Remorse si svolge un anno dopo, quando Robert Ritter incontra John Clark nei pressi del Washington Memorial. Ritter ha usato la confessione estorta da John al segretario Clay per smascherarne la corruzione e sfruttarla per diventare il nuovo direttore della CIA. Dopo che Clark si è congratulato con Ritter per la sua promozione, gli ha presentato la sua nuova idea per impedire che ciò che ha fatto Clay si ripeta:

“una squadra antiterrorismo multinazionale composta da personale statunitense, britannico e NATO selezionato con cura, con il pieno sostegno dei servizi segreti nazionali”. Clark vuole che la sua nuova squadra abbia il nome in codice Rainbow per motivi “personali” e, naturalmente, vuole dirigerla e presentare la sua idea al presidente. Questo è un preludio diretto al sequel, Rainbow Six.

Michael B. Jordan ha firmato per due film in cui interpreta John Kelly/Clark e Rainbow Six è sempre stato il sequel previsto. Il piano del produttore Akiva Goldsman era quello di utilizzare Without Remorse per presentare le origini di John Kelly e la sua trasformazione in John Clark, che avrebbe portato direttamente a Rainbow Six. Il sequel avrebbe adattato il romanzo Rainbow Six di Tom Clancy del 1998, che ha avuto spin-off e adattamenti per videogiochi. Rainbow Six avrebbe continuato la serie di film su John Clark incentrati su una squadra antiterroristica multinazionale che sventa complotti contro gli Stati Uniti, mentre i romanzi di Jack Ryan erano più incentrati sulla politica nazionale, anche se sia i film di Jack Ryan che la serie Amazon Jack Ryan con John Krasinski coinvolgono complotti terroristici e Ryan in azione.

Ci vorranno alcuni anni prima che Rainbow Six arrivi nei cinema (o su Amazon Prime, come ha fatto Without Remorse). È anche troppo presto per dire quanto Rainbow Six sarà fedele al libro di Tom Clancy, anche se è probabile che si discosterà in modo significativo dal materiale originale, come ha fatto Without Remorse. I punti di forza di Without Remorse erano l’attenzione all’azione mozzafiato e l’interpretazione intensamente viscerale di Michael B. Jordan nei panni di John Kelly, quindi ci si può aspettare che Rainbow Six aumenti l’azione ora che John Clark sarà circondato dalla sua squadra appositamente selezionata nel sequel.

 
 

Senza rimorso, la spiegazione del finale

Di
Redazione
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senza rimorso film

Senza rimorso (Without Remorse) termina con il capo dei Navy SEAL John Kelly (Michael B. Jordan) che scopre chi c’è dietro una cospirazione internazionale volta a scatenare una guerra tra Stati Uniti e Russia. Di conseguenza, John Kelly “muore” e assume la nuova identità di John Clark, diventando un agente segreto della Central Intelligence Agency. Diretto da Stefano Sollima, Senza rimorso (Without Remorse) è basato sul romanzo di Tom Clancy del 1993, ma il film è un reboot e racconta le origini di John Kelly/Clark nell’universo cinematografico di Jack Ryan.

Il terzo atto di Senza rimorso (Without Remorse, la nostra recensione)  è una sparatoria ultraviolenta a Murmansk, in Russia, dove l’obiettivo di John Kelly, Victor Rykov (Brett Gelman), rivela che entrambi sono stati usati come pedine nella cospirazione che ha avuto origine a Washington D.C. Rykov si suicida come previsto, costringendo Kelly e la sua squadra, tra cui il tenente comandante Karen Greer (Jodie Turner-Smith), a ingaggiare uno scontro a fuoco con la polizia russa. Kelly è riuscito a creare un diversivo che ha permesso a Greer e alla squadra di recupero di fuggire, mentre John, ferito, ha dovuto combattere per uscire dal condominio e raggiungere il punto di incontro. Dopo che tutti sono riusciti a mettersi in salvo, Kelly ha capito che l’agente della CIA Robert Ritter (Jamie Bell), che aveva sospettato per tutto il film, non era affatto suo nemico. Ritter ha quindi organizzato una copertura secondo cui Kelly sarebbe morto in Russia, in modo che John potesse tornare a Washington e affrontare il vero mandante del complotto: il segretario alla Difesa Thomas Clay (Guy Pearce).

Pur portando il marchio di fabbrica di Tom Clancy e Jack Ryan in fatto di geopolitica e intrighi internazionali, Senza rimorso (Without Remorse) è molto più incentrato su scene d’azione violente e spietate. La trama banale del film passa in secondo piano rispetto alle sparatorie e alle scazzottate in cui John Kelly subisce (e infligge) punizioni disumane nella sua ricerca della verità.

Di conseguenza, la maggior parte della cospirazione di Senza rimorso (Without Remorse) viene spiegata dai personaggi alla fine del film e, sebbene la trama non sia complessa o completamente sviluppata, presenta idee intriganti che spiegano abilmente perché John Kelly decide di diventare un “fantasma” e un agente ribelle di nome John Clark.

Il segretario Clay voleva scatenare una guerra tra Stati Uniti e Russia

Il segretario Clay ha orchestrato tutti i tragici eventi di Senza rimorso (Without Remorse). Clay ha influenzato la CIA affinché lo aiutasse ad aumentare le tensioni tra gli Stati Uniti e la Russia, nella speranza di scatenare una guerra. Non è chiaro se Clay si sarebbe accontentato di un’altra guerra fredda o se volesse un vero e proprio conflitto militare tra le due superpotenze, ma era fermamente convinto che gli Stati Uniti e il loro popolo avessero bisogno di un nemico altrettanto potente “in grado di minacciare la loro libertà”. La logica di Clay secondo cui l’attuale clima politico vede metà del Paese considerare l’altra metà come nemica è un commento sociale tagliente sulle tensioni reali negli Stati Uniti, e il Segretario era fermamente convinto che la soluzione fosse quella di tornare indietro di decenni, quando l’America era unita contro i russi (che all’epoca erano l’Unione Sovietica).

All’inizio di Senza rimorso (Without Remorse), la squadra SEAL di John Kelly è stata creata dalla CIA in Siria quando Ritter ha mentito loro dicendo che i combattenti nemici durante la loro missione di estrazione erano russi. A Kelly e Greer era stato detto che stavano combattendo contro i siriani, non contro i russi, ma faceva tutto parte di un piano più grande. L’attacco ai russi in Siria ha provocato una risposta, che ha visto i russi guidati da Victor Rykov uccidere i compagni di squadra di Kelly, Rowdy (Luke Mitchell) e Webb (Cam Gigandet), oltre ad attaccare Kelly a casa sua, causando l’omicidio della moglie incinta Pam (Lauren London). Questo ha spinto Kelly in una sanguinosa missione di vendetta, durante la quale ha scoperto che l’assassino solitario fuggito da casa sua era Victor Rykov. Tuttavia, quando Kelly lo ha rintracciato a Murmansk, Rykov ha rivelato di essere in realtà un agente della CIA, quindi l’attacco alla squadra e alla famiglia di Kelly faceva parte dell’operazione della CIA ordinata dal segretario Clay.

Come Victor Rykov faceva parte del piano del segretario Clay e della vendetta di John Kelly

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Jodie Turner-Smith e Michael B. Jordan in Senza rimorso. Foto di Nadja Klier/Nadja Klier – © 2020 Paramount Pictures

Lo scopo di attirare Kelly a Murmansk con Rykov come esca era quello di provocare un incidente internazionale in cui i soldati americani avrebbero inscenato un attacco sul suolo russo, alimentando ulteriormente le tensioni tra Stati Uniti e Russia e favorendo così il piano di Clay di scatenare una guerra tra i due paesi. Ancor prima che Kelly e la sua squadra arrivassero a Murmansk, Clay aveva informato i russi tramite la CIA che l’aereo che trasportava Kelly, camuffato da volo commerciale, era in rotta, in modo che i russi potessero abbatterlo. Quando Kelly e la sua squadra sono sopravvissuti, la fase successiva prevedeva che Rykov li attirasse nell’appartamento e poi si uccidesse con un giubbotto esplosivo, scatenando la reazione della polizia russa. Ma Clay non aveva previsto che Kelly e tutta la sua squadra sarebbero sopravvissuti, né che Ritter avrebbe ricostruito il piano del Segretario e aiutato Kelly.

Ritter ha dato a Kelly un borsone pieno di soldi e il rapporto ufficiale suo e di Greer ha dichiarato che John è stato ucciso in azione a Murmansk. Ora che è un “fantasma”, Kelly è tornato a Washington D.C. e ha rapito il segretario Clay per costringerlo a confessare, registrando segretamente la confessione. Kelly ha poi guidato il suo SUV nel fiume Potomac in modo che Clay annegasse mentre Greer salvava John. Al “funerale” di Kelly, gli “atti di tradimento” di Clay furono rivelati pubblicamente, così John Kelly riuscì a impedire la guerra tra gli Stati Uniti e la Russia voluta da Clay.

John Kelly è “morto” ed è diventato John Clark

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Alla fine di Senza rimorso (Without Remorse), il tenente comandante Greer diede a John la sua nuova identità falsa rilasciata dalla CIA e l’Agenzia gli diede il nome poco creativo di John Clark. Ufficialmente, John Kelly è morto a Murmansk e ha avuto un funerale di Stato. John Clark è ora un agente delle operazioni segrete della CIA che opera senza alcuna carica ufficiale. Ma senza più una famiglia, questo è il futuro che Clark ha scelto perché gli permette di lavorare per fermare ulteriori complotti da parte di uomini al potere come il segretario Clay. Quando Kelly e Clay erano sul fondo del Potomac, John ha fatto un sogno in cui diceva addio a Pam e alla sua vecchia vita per sempre.

John Kelly era un patriota che credeva nel contratto che aveva firmato quando si era arruolato in Marina, in cui si impegnava a difendere il suo Paese. Gli eventi di Senza rimorso (Without Remorse) hanno distrutto la fiducia di John negli Stati Uniti, che lo hanno usato come una pedina. Quando era a caccia di Victor Rykov, credeva che il russo fosse un potente membro dell’FSB (il servizio di sicurezza federale russo e successore del KGB). Kelly rimase scioccato nell’apprendere che anche Rykov era della CIA e che entrambi erano pedine. John immaginava di essere “una pedina a caccia di un re” quando dava la caccia a Rykov, ma con l’aiuto di Ritter e Greer, Kelly capì che il “re” che avrebbe dovuto dare la caccia fin dall’inizio era il segretario Clay.

Il ruolo di Robert Ritter e come è diventato direttore della CIA

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Guy Pearce in Senza Rimorso

Senza rimorso (Without Remorse) ha palesemente usato Robert Ritter come diversivo. Dato che nascondeva dei segreti a John Kelly, che non si fidava di Ritter, il pubblico doveva sospettare che fosse lui il grande cattivo che tirava le fila. Ma sebbene Ritter fosse subdolo e manipolatore, era anche a conoscenza degli eventi loschi che stavano accadendo tra la CIA e il Dipartimento della Difesa guidato dal Segretario Clay, ma ha taciuto fino a quando non ha raccolto abbastanza informazioni. Ritter era anche intenzionato a scalare la gerarchia della CIA e sapeva come manipolare gli eventi per assicurarsi la promozione al vertice dell’Agenzia.

Ritter non è salito sull’aereo per la Russia con Kelly, Greer e la loro squadra di recupero perché sapeva che la CIA aveva organizzato l’abbattimento dell’aereo. Ritter ha viaggiato separatamente in Russia e ha reclutato agenti pagati per trovare Rykov, poiché si aspettava che la squadra di Kelly fosse morta. Quando Kelly è apparso e ha accusato Ritter di essere un traditore, l’agente della CIA ha capito che c’era qualcos’altro sotto e che Rykov non era il vero obiettivo dell’operazione. Dopo che la squadra di estrazione di Kelly è sopravvissuta allo scontro a fuoco con la polizia russa, Ritter ha capito chi erano davvero i buoni e ha avuto la conferma che Clay era dietro a tutto. Ritter ha organizzato il trasporto negli Stati Uniti e ha inventato la storia della morte di John Kelly in Russia per poter ottenere la confessione di Clay. Ritter ha poi sfruttato la registrazione di Clay per “un favore”: la sua promozione a direttore della CIA.

Come Without Remorse prepara Rainbow Six

Senza rimorso cast
Michael B. Jordan in Senza rimorso. Foto di Nadja Klier/Nadja Klier – © 2020 Paramount Pictures

La scena a metà dei titoli di coda di Senza rimorso si svolge un anno dopo. John Clark incontra Ritter al Washington Memorial e si congratula con lui per la sua promozione a direttore della CIA. Clark rivela poi di aver riflettuto sugli eventi dell’anno precedente e John gli espone la sua nuova idea per impedire che Clay possa agire di nuovo: “una squadra antiterrorismo multinazionale composta da personale statunitense, britannico e NATO selezionato con cura, con il pieno sostegno dei servizi segreti nazionali”. Clark intende guidare questa nuova squadra, che ha chiamato Rainbow per motivi “personali”, e annuncia la sua intenzione di presentare il piano al presidente, chiedendo tacitamente a Ritter il sostegno della CIA.

Questo colpo di scena è un’anticipazione diretta del sequel di Without Remorse, Rainbow Six. Il produttore Akiva Goldsman aveva in mente di realizzare due film su John Clark, in modo che Without Remorse fosse il preludio di Rainbow Six, e Michael B. Jordan ha firmato per recitare in entrambi. È probabile che Jamie Bell e Jodie Turner-Smith riprenderanno i ruoli di Robert Ritter e del tenente comandante Greer in Without Remorse anche in Rainbow Six. Ma vista la squadra proposta da Clark, i fan di Tom Clancy possono anche aspettarsi un gruppo internazionale completamente nuovo di agenti speciali che sosterranno John Clark in Rainbow Six.

 
 

Love, Death + Robots 4: la spiegazione del finale di ogni episodio

Di
Redazione
-

La serie antologica (per lo più) animata di Netflix Love, Death + Robots 4 presenta 10 storie diverse che trattano una vasta gamma di argomenti, tutte meritevoli di un’analisi più approfondita. Love, Death + Robots è sempre stata una serie antologica profondamente riflessiva e simbolica. Ogni episodio nasconde una verità più profonda sul mondo strano e moderno in cui viviamo o sui fantastici mondi fantascientifici verso cui ci stiamo dirigendo. Ecco perché è una delle migliori serie su Netflix. Fortunatamente, la narrazione metaforica di Love, Death + Robots non ha perso slancio nel volume 4.

Uno degli obiettivi di ogni volume è quello di portare Love, Death + Robots a “nuovi livelli”, e l’ultima puntata non ha deluso le aspettative.

Dalle critiche pungenti alla società moderna ai viaggi sinceri verso l’illuminazione spirituale e religiosa, fino a un raro cortometraggio live-action, Love, Death + Robots volume 4 ha aperto una nuova strada per la serie antologica. Nel trovare questa nuova strada, però, la serie ha anche esplorato nuovi territori narrativi. Alcuni degli episodi più simbolici e significativi di Love, Death + Robots volume 4 potrebbero richiedere qualche spiegazione in più.

Can’t Stop

Can't Stop

Can’t Stop visualizza il potere trascendentale della musica

Il primo episodio di Love, Death + Robots volume 4, “Can’t Stop”, non sembra avere un significato molto profondo. Il cortometraggio è, dopotutto, solo un modo diverso di visualizzare la performance live dei Red Hot Chili Peppers di “Can’t Stop”.

La regia di David Fincher e l’animazione di Blur Studio, tuttavia, hanno dato a “Can’t Stop” un nuovo livello di significato. Raffigurando i Red Hot Chili Peppers e la folla come marionette, Love, Death + Robots ha visualizzato il potere trascendentale della musica. Tutti i partecipanti, compresi gli artisti, erano essenzialmente marionette attraverso cui fluivano la musica e la passione del momento, creando un’esperienza incredibile.

Close Encounters of the Mini Kind

Close Encounters of the Mini Kind

Close Encounters of the Mini Kind mette in evidenza il posto minuscolo dell’umanità nell’universo

Il secondo esperimento di Love, Death + Robots con le tecniche tilt-shift in “Close Encounters of the Mini Kind” si è rivelato estremamente importante per il suo messaggio. “Close Encounters of the Mini Kind” descrive un’invasione aliena della Terra piuttosto standard ma unica nel suo genere e ricca di umorismo. Tuttavia, il fatto di inquadrare l’invasione aliena come una “Mini Kind” sottolinea che l’umanità ha una visione di sé molto più grande di quella che abbiamo in realtà nel grande schema dell’universo. Le immagini finali del cortometraggio, quando il sistema solare viene inghiottito da un buco nero, mettono in risalto quanto siamo piccoli.

L’immagine eccessivamente importante che l’umanità ha di sé stessa ha anche contribuito a trasmettere il secondo tema principale del cortometraggio: che spesso gli esseri umani sono responsabili della propria distruzione. Gli alieni in “Close Encounters of the Mini Kind” sono arrivati sulla Terra in pace e la loro invasione è iniziata solo dopo che gli umani hanno sparato per primi. Poi, la Terra è stata inghiottita da un buco nero creato dagli umani utilizzando la tecnologia aliena. I tentativi accaniti dell’umanità di difendersi e l’eccessiva propensione alla violenza hanno finito per garantire la nostra distruzione (due volte) in “Close Encounters of the Mini Kind.” Un approccio più ponderato e freddo avrebbe salvato gli umani sia all’inizio che alla fine.

Spider Rose

Spider Rose

Spider Rose è una storia sulla natura totalizzante della vendetta e del dolore

La Spider Rose del terzo episodio del volume 4 di Love, Death + Robots era il fulcro del significato della storia. Come abbiamo appreso, Spider Rose un tempo si chiamava Lydia, ma ha scelto un nome meno umano dopo che il suo amore è stato ucciso da Jade, un membro del gruppo Shaper di Schismatrix di Bruce Sterling. Spider Rose ha anche spiegato che aveva vissuto completamente sola da quando il suo amore era stato ucciso, fino al momento in cui aveva ricevuto Nosey dagli Investitori. Spider Rose è una storia su come il dolore e la sete di vendetta possano consumare figurativamente una persona, proprio come Nosey ha consumato letteralmente lei.

Dopo aver ucciso Jade, Spider Rose disse a Nosey che era “morta” prima che gli Investitori glielo dessero. Gli disse che aveva degli amici da qualche altra parte nella galassia e che si era completamente isolata nel dolore per la perdita del suo amore e nella ricerca del vero Jade. Nosey è quasi riuscito a liberare Spider Rose dalla sua ossessione consumante per la vendetta, ma l’amore dell’animale è arrivato troppo tardi per salvarla. Poi, in un simbolico scherzo del destino, Spider Rose ha lasciato che Nosey banchettasse con la sua carne e consumasse letteralmente ciò che il dolore non era ancora riuscito a distruggere: il suo corpo.

400 Boys

400 Boys

400 Boys vede bande rivali unirsi come alleati per combattere un nemico comune

Sebbene veda bande rivali combattere contro enormi mostri simili a bambini, “400 Boys” è senza dubbio l’episodio più pieno di speranza del volume 4 di Love, Death + Robots. “400 Boys” stabilisce rapidamente che le numerose bande dotate di superpoteri sparse per la città si odiano a vicenda, ma si uniscono per combattere i “ragazzi” che hanno raso al suolo la città. “400 Boys” è una metafora di come un nemico comune, come i ragazzi, possa unire l’umanità e persino superare aspre rivalità e anni di ostilità. Le bande mettono da parte i loro litigi e i rancori del passato e riescono a scacciare i ragazzi.

“400 Boys” ha anche qualcosa da dire sul potere dell’amore e dei legami umani. Solo unendosi le bande hanno avuto abbastanza potere, sia fisico che psichico, per sconfiggere i ragazzi. Solo dopo aver visto morire Croak, Slash è stato in grado di affrontare i ragazzi da solo.

Alla fine, l’amore di Slash per gli altri membri della sua banda gli ha dato il coraggio e la forza necessari per guardare negli occhi il “dio o ragazzo” e ucciderlo. Anche se la città è stata rasa al suolo, le bande di “400 Boys” sono riuscite a stringere legami autentici e a respingere gli invasori.

The Other Large Thing

The Other Large Thing

I piani di Dingleberry Jones per dominare il mondo evidenziano quanto gli esseri umani si fidino di una tecnologia che forse non comprendono appieno

Alcuni episodi di Love, Death + Robot sono più comici di altri, ma anche “The Other Large Thing” ha un significato più profondo. “The Other Large Thing” è in gran parte una storia su come l’umanità sia troppo incline a fidarsi e ad affidarsi a cose che non comprende appieno, che si tratti di robot o gatti. Gli umani di Dingleberry Jones non avevano nemmeno iniziato a capire di cosa fosse capace Thumb Bringer, come dare fuoco al loro appartamento e chiuderli dentro a distanza, e non capivano la sete di dominio mondiale di Dingleberry Jones. Questa mancanza di comprensione è costata loro la vita e, presumibilmente, anche quella del resto dell’umanità.

Golgotha

Golgotha

Golgotha è una dura critica all’incapacità dell’umanità di agire come custode della Terra

Love, Death + Robots raramente usa mezzi termini, ma “Golgotha” è forse una delle sue critiche sociali più pungenti. Prendendo il nome dal luogo della crocifissione di Gesù Cristo, “Golgotha” segue padre Maguire (Rhys Darby) mentre entra in contatto per la prima volta con una razza aliena conosciuta come i Lupo. I Lupo credono che un delfino sia il loro messia e, dopo aver sentito come gli umani trattano i delfini e il mare, decidono di iniziare una crociata contro gli umani. Il messaggio principale di “Golgotha” è stato riassunto da Maguire: “Abbiamo fottuto tutto”. Non prendendosi cura della Terra e dei suoi animali, come i delfini, l’umanità ha fatto sì che i Lupo cercassero vendetta contro di noi.

Non riuscendo a prendersi cura della Terra e dei suoi animali, come i delfini, l’umanità ha fatto sì che i Lupo cercassero vendetta contro di noi.

“Golgotha” è ricco di simbolismo religioso, in particolare per i cristiani. Il suo riferimento più importante al cristianesimo è un insegnamento fondamentale di Gesù Cristo stesso: “fai agli altri ciò che vorresti fosse fatto a te”. Questo insegnamento è raramente preso alla lettera e ancora più raramente applicato agli animali della Terra. “Golgotha” è l’eccezione. “Golgotha” pone il delfino come una figura simile a Gesù nei confronti dei Lupo e gli esseri umani come Ponzio Pilato, poi chiede al pubblico se i Lupo hanno ragione a iniziare una crociata contro gli assassini del loro messia. La risposta è abbastanza facile da capire dopo aver considerato le fuoriuscite di petrolio, i cambiamenti climatici e altri disastri naturali causati dall’uomo.

The Screaming of the Tyrannosaur

The Screaming of the Tyrannosaur

The Screaming of the Tyrannosaur è una storia sulle lotte di classe e sul potere collettivo degli oppressi

Sebbene Love, Death + Robots volume 4 abbia un cameo di Mr. Beast, non è lui il protagonista di “The Screaming of the Tyrannosaur”. Il protagonista è un gladiatore senza nome doppiato da Bai Ling. “The Screaming of the Tyrannosaur” è una storia su come il tirannosauro rex e il gladiatore, due creature costrette a combattere e morire per il divertimento degli altri, sfruttano il loro potere collettivo per trovare un briciolo di giustizia. Lavorando insieme, il gladiatore e il dinosauro sono riusciti a infliggere una dose di dolore e umiliazione alla classe dominante, che stava letteralmente bevendo il loro sangue.

Cosa c’è di meglio di un malvagio game master che prova un tale piacere nel sottoporre queste povere persone indifese a tutte queste prove? Mi sembrava proprio un episodio di Beast Games. Non so voi, ma io ho guardato quella serie e tante volte ho pensato: “Oh mio Dio, è così crudele”, quindi ho pensato che sarebbe stato perfetto per quel ruolo.

– Tim Miller, creatore di Love, Death + Robots, in un’intervista a ScreenRant.

“The Screaming of the Tyrannosaur” non è sottile nel suo commento sulla lotta di classe. Mr. Beast (un multimilionario nella vita reale) e il resto degli aristocratici sono ritratti come edonisti letteralmente assetati di sangue e spietati che desiderano solo divertirsi. I gladiatori sono messi l’uno contro l’altro proprio perché il loro potere collettivo è l’unica cosa che può minacciare i governanti. “The Screaming of the Tyrannosaur” è una storia di oppressione che si schiera chiaramente dalla parte degli oppressi, anche se questi muoiono nei momenti finali del cortometraggio.

How Zeke Got Religion

Il viaggio di Zeke è un viaggio di fede e credenza in un potere superiore

La fede e la religione sono temi ricorrenti in Love, Death + Robots volume 4, e sono stati rappresentati in modo ancora più chiaro in “How Zeke Got Religion”. Durante una missione aerea per sventare un piano nazista per evocare un demone, Zeke e il resto del suo equipaggio vengono attaccati nel loro bombardiere B-52 dal suddetto demone. Solo dopo aver scoperto che un crocifisso può ferirlo, Zeke uccide il demone e riconsidera il suo ateismo. “How Zeke Got Religion” è una metafora del difficile percorso verso il vero risveglio spirituale e religioso. Zeke ha combattuto un demone letterale prima di accettare la religione, ma il percorso della maggior parte delle persone è più sottile.

All’inizio del cortometraggio, Zeke mostra letteralmente il dito medio a Dio come segno del suo ateismo. Per sconfiggere il demone, tuttavia, Zeke ha dovuto riporre la sua fede nel potere del crocifisso, simbolo della fede cristiana, e credere che potesse danneggiare questa entità malvagia.

Zeke è stato letteralmente salvato dalla fede e la sua nuova convinzione lo ha aiutato a sconfiggere i suoi demoni. “How Zeke Got His Religion” utilizza l’iconografia cristiana, ma è una storia su come molte persone devono lottare con i propri “demoni” prima di accettare qualsiasi potere superiore in cui scelgono di credere.

Smart Appliances, Stupid Owners

Smart Appliances, Stupid Owners

Love, Death + Robots mette in evidenza i modi divertenti e assurdi in cui interagiamo quotidianamente con la tecnologia

Non tutti i cortometraggi di Love, Death + Robots parlano di profondi viaggi spirituali, e “Smart Appliances, Stupid Owners” lo dimostra. “Smart Appliances, Stupid Owners” è essenzialmente una lunga battuta su come spesso usiamo (o abusiamo) la tecnologia quotidiana in modi assurdi. A un livello leggermente più profondo, mette in evidenza alcune delle sciocchezze della nostra vita mondana e tecnologica. Ad esempio, un WC deve essere “intelligente”? Allo stesso modo, che senso ha uno spazzolino “intelligente” che non usiamo mai? Non c’è alcun invito all’azione, ma “Smart Appliances, Stupid Owners” mette in evidenza alcuni modi divertenti in cui interagiamo con il nostro mondo sempre più tecnologico.

For He Can Creep

For He Can Creep

For He Can Creep è sia un’ode ai gatti che un commento sul potere dell’amore

L’ultimo episodio del volume 4 di Love, Death + Robots, “For He Can Creep”, è una storia curiosa su Jeoffrey, un gatto, e il suo poeta, assediato da Satana, che vuole una poesia per porre fine al mondo. In sostanza, “For He Can Creep” è sia un’ode alle curiose creature che sono i gatti. “For He Can Creep” descrive i gatti come esseri antichi e divini, capaci di danneggiare persino il diavolo in persona, e nutre un profondo amore per tutto ciò che è felino. Considera i gatti come eroi dal cuore buono e adorabili che tengono a bada l’oscurità, in senso letterale e figurato.

Mentre Jeoffrey e il resto dei gatti combattono letteralmente contro il diavolo, il gatto del poeta combatte figurativamente contro i demoni che lo perseguitano.

Oltre alla sua visione favorevole dei gatti, “For He Can Creep” ha anche molto da dire sul potere dell’amore, in particolare l’amore per un buon animale domestico. Lo dimostra il poeta, che è rinchiuso in un manicomio. Mentre Jeoffrey e gli altri gatti combattono letteralmente contro il diavolo, il gatto del poeta combatte figurativamente contro i demoni che lo perseguitano. È chiaro come il sole negli ultimi versi del poeta: egli vede Jeoffrey come un amico e un confidente e crede che possa scacciare l’oscurità della sua malattia mentale. Love, Death + Robots volume 4 ha trovato una nota felice con cui concludersi.

 
 

Tár è basato su una storia vera?

Di
Redazione
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Tár Cate Blanchett

Candidato a 6 premi Oscar alla 95ª edizione degli Academy Awards, il film di Todd Field, vincitore di numerosi premi nel 2022, offre uno sguardo così approfondito sul personaggio principale che non è sempre chiaro se Tár sia basato su una storia vera. L’interpretazione di Cate Blanchett nel ruolo della direttrice d’orchestra Lydia Tár contribuisce sicuramente a conferire un’aria di verosimiglianza a questa storia a tratti scioccante. Poiché Tár interroga molte questioni culturali che circondano la politica sessuale e l’abuso di potere, temi così attuali, è facile supporre che Tár (la nostra recensione) sia una storia vera. La scena iniziale di

Tár, in cui un vero giornalista del New Yorker recita la lunga lista dei successi musicali di Lydia, immerge lo spettatore nel mondo della protagonista, sottolineando come lei sia all’apice della sua carriera. Con ciò che segue, Cate Blanchett trasforma gradualmente Lydia Tár in un personaggio tridimensionale, aggiungendo alla sua narrazione molti strati complessi di contraddizioni e corruzione. Con tutte queste rivelazioni avvincenti che circondano la trama di Lydia, Tár sembra più un film biografico che un’opera di finzione. Per questo motivo, è difficile non chiedersi se i confini sfumati tra realtà e finzione abbiano ispirazioni nella vita reale.

Tár non è basato su una persona reale

Cate Blanchett in Tár

Anche se la caduta in disgrazia di Lydia in Tár sembra reale, il film non è basato sulla vita di un vero direttore d’orchestra. Tuttavia, è facile lasciarsi ingannare dal marketing e dal comportamento di Tár, che lo vendono ingegnosamente come un film biografico su questo personaggio immaginario. È simile al modo in cui i fratelli Coen hanno usato il testo di apertura per affermare che Fargo era basato su fatti reali, nonostante fosse completamente inventato. Anche la sinossi ufficiale di Tár – “ambientato nel mondo internazionale della musica classica, è incentrato su Lydia Tár, considerata una delle più grandi compositrici/direttrici d’orchestra viventi e prima donna a ricoprire il ruolo di direttrice principale di una grande orchestra tedesca” – suggerisce il biopic di un’artista reale, propagando il film come la biografia di una direttrice d’orchestra.

Nonostante il suo realismo ingannevole, Tár trae ispirazione dal mondo reale. Ad esempio, come ha spiegato il regista Todd Field in un’intervista (tramite Vanity Fair), la scena alla Julliard, in cui Lydia critica uno studente, rispecchia le esperienze del regista durante un corso molto duro alla scuola di cinema.

L’impulso dietro la scena, come ha ricordato Field, deriva anche da un dilemma universale: “Cosa direbbe il tuo io più anziano al tuo io più giovane?” In un’altra intervista (via AwardsWatch), Field ha parlato a lungo di come ha preso ispirazione da un direttore d’orchestra, John Mauceri, il che spiega perché la rappresentazione della direzione musicale del film candidato all’Oscar come miglior film nel 2023 sia così vicina alla realtà.

Perché Tár è commercializzato come un film biografico

Tár film

Anche Wikipedia aveva una pagina dedicata alla figura di Lydia Tár (via The Cut), ma è stata successivamente spostata nella pagina principale del film. Tutte queste misure adottate per vendere Tár come una storia vera suggeriscono che sia stato intenzionalmente commercializzato come un film biografico per attirare inizialmente gli spettatori e poi mantenerli interessati alla turbolenta narrazione di Lydia. Considerando la brillante interpretazione di Cate Blanchett e il talento registico di Todd Field, Tár avrebbe probabilmente ottenuto il plauso della critica anche senza tutti gli espedienti di marketing. Tuttavia, i motivi illusori della storia vera di Tár suscitano la curiosità dello spettatore e fungono da finestra sul mondo reale.

Il realismo di Tár ha portato a consensi e riconoscimenti

Il fatto che il pubblico consideri Tár una storia vera rende il successo del film e la sua nomination agli Oscar non eccessivamente sorprendenti. Guardando la performance di Cate Blanchett, che le è valsa una nomination all’Oscar come migliore attrice dopo la vittoria ai Golden Globe, sembra così basata sulla realtà che è sorprendente che l’attrice non si sia ispirata a una persona reale. La sua sicurezza di fronte a un’orchestra, in contrasto con la sua goffaggine sociale nella vita quotidiana, sembra autentica, così come la sua voce distintiva e l’arroganza rabbiosa che ribolle sotto la superficie. Alcuni dei ruoli interpretati da Blanchett la vedono come una presenza autorevole, ma questa interpretazione sembra radicata in qualcosa di reale.

Il film stesso, candidato all’Oscar per la migliore regia e il miglior film, rispecchia il realismo della performance della Blanchett. Sembra che il pubblico segua la graduale caduta in disgrazia senza momenti teatrali o artificiosi. Non è difficile accettarla come una storia vera, poiché è una storia che il pubblico ormai conosce molto bene. Tuttavia, sebbene la sceneggiatura di Todd Field sia stata nominata per la Migliore sceneggiatura originale, evita grandi colpi di scena con il finale di Tár che risulta credibile in quanto non risolve facilmente la storia. Nell’approccio a questa storia molto realistica, Tár cattura una certa verità, anche se è tutta finzione.

 
 

Superman: trailer ufficiale del film di James Gunn

Di
Redazione
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L’attesa per il nuovo look di Superman di James Gunn è finita. L’Uomo d’Acciaio interpretato da David Corenswet è il protagonista del primo film del nuovo DC Universe. Il film deve affrontare una grande pressione, non solo perché deve dimostrare che la DC si sta allontanando dalle ultime controverse uscite del DCEU, ma anche perché Gunn ha già dichiarato che i suoi piani per il DCU Capitolo 1 e oltre dipendono dal successo di Superman. Dopo alcuni teaser e video dietro le quinte, è ora disponibile uno sguardo più approfondito alla Superman e ai suoi personaggi.

DC ha pubblicato un nuovo trailer del film Superman di David Corenswet.

Il trailer rivela quanti personaggi del cast stellare di Superman avranno un ruolo nel film. Ci sono molte scene d’azione che mostrano Superman interpretato da Corenswet in azione, così come i poteri di eroi come Green Lantern Guy Gardner interpretato da Nathan Fillion e cattivi come l’Ingegnere interpretato da María Gabriela de Faría. Viene messa in risalto la relazione tra Clark Kent e Lois Lane, mostrando come sarà cruciale per il film, e le azioni di Superman lo mettono nei guai.

In precedenza, DC Studios aveva condiviso un poster ufficiale di Superman, che mostrava l’Uomo d’Acciaio interpretato da Corenswet in tutta la sua imponenza.

Cosa rivela il nuovo trailer del film Superman della DCU

Superman (2025)

L’Uomo d’Acciaio interpretato da David Corenswet dovrà affrontare molte minacce

Il nuovo trailer del film Superman rivela finalmente la trama del film della DCU. Il Superman interpretato da David Corenswet ha scelto di intervenire in una guerra in un altro paese. Questo ha complicato le cose per lui, dato che il mondo lo ha interpretato come un’azione degli Stati Uniti e non di Superman. Lex Luthor, interpretato da Nicholas Hoult, è uno di quelli furiosi per le sue azioni, così come Rick Flag Sr., interpretato da Frank Grillo, che ha il compito di arrestare Superman. Anche i cittadini che Clark Kent difende si sono rivoltati contro di lui nel trailer.

Un’altra rivelazione importante è il fatto che Lois Lane, interpretata da Rachel Brosnahan, è ben consapevole che Clark Kent è Superman. La rivelazione arriva all’inizio del trailer, quando Clark accetta di rilasciare un’intervista a lei nei panni di Superman. Lex Luthor e l’Ingegnere invadono la Fortezza della Solitudine di Superman, l’Uomo d’Acciaio ferma un kaiju a Metropolis e la Justice Gang, gli altri eroi DCU presenti nel film, mostrano i loro poteri in diverse scene. Il film Superman di James Gunn seguirà l’eroe che lotta per ciò che ritiene giusto e affronta le conseguenze.

 
 

Andor – Stagione 2, spiegazione del finale: rivelati gli ultimi segreti della Morte Nera

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Redazione
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Andor - Stagione 2, spiegazione del finale

Il finale della seconda stagione di Andor conclude la serie in modo soddisfacente, collegando la storia a Rogue One e spiegando gli ultimi misteri riguardanti l’Alleanza Ribelle e la Morte Nera. La linea temporale della seconda stagione di Andor è stata piuttosto singolare, con la serie che ha fatto un salto in avanti di un anno ogni tre episodi. Di conseguenza, gli ultimi tre episodi si svolgono poco prima degli eventi di Rogue One e un anno dopo il massacro di Ghorman e il caos che ne è seguito, mostrato nella seconda stagione di Andor, episodi 7-9.

Data la vicinanza temporale a Rogue One, la seconda stagione di Andor, episodi 10-12, ha risolto tutti i fili della trama rimasti in sospeso e ne ha lasciati altri in sospeso per alimentare direttamente la storia del primo. Che si tratti del destino dei membri del cast della seconda stagione di Andor che non compaiono in Rogue One, come Luthen, Kleya e Dedra, o di anticipazioni sul futuro di quelli che invece compaiono nel film del 2016, gli ultimi tre episodi forniscono risposte e si collegano senza soluzione di continuità al prossimo capitolo cronologico della saga di Star Wars. Una grande risposta che il finale della seconda stagione di Andor fornisce, naturalmente, riguarda la Morte Nera.

Finalmente sappiamo come i ribelli hanno scoperto l’esistenza della Morte Nera

Un mistero irrisolto è finalmente risolto

Ci siamo sempre chiesti come l’Alleanza Ribelle abbia scoperto l’esistenza della Morte Nera. La Ribellione aveva già sentito voci sulla super arma dell’Imperatore all’inizio di Rogue One, nonostante la segretezza con cui era stata costruita. Anche nella prima scena di Cassian in Rogue One, in cui incontra un informatore di nome Tivik, ammette di aver sentito parlare di Galen Erso e di conoscere i suoi legami con un’arma segreta dell’Impero. Nella stagione 2 di Andor, episodi 10-12, scopriamo finalmente come i ribelli sono venuti a conoscenza dell’esistenza della Morte Nera.

Nel primo episodio dell’arco narrativo finale della seconda stagione di Andor, Luthen Rael incontra il suo contatto imperiale di lunga data, Lonni Jung. Lonni è estremamente stressato e desidera essere portato via da Coruscant dopo aver setacciato i file di Dedra Meero e aver scoperto l’esistenza della Morte Nera. Lonni scopre che l’estrazione del kyber su Jedha, il massacro di Ghorman nell’episodio 8 di Andor e molti altri elementi descritti come un progetto di energia pulita sono in realtà collegati alla costruzione di un’arma gigantesca, guidata da Galen Erso e basata sul pianeta Scarif.

Cassian la salva e viene a conoscenza dell’arma, passando l’informazione al comando ribelle…

Lonni commette l’errore di dirlo a Luthen, che lo considera un elemento troppo pericoloso e lo uccide. Luthen trasmette quindi questa informazione a Kleya, ma viene catturato da Dedra Meero. Dopo una serie di eventi in cui Kleya uccide Luthen in lacrime per impedire all’Impero di scoprire i suoi segreti, Cassian la salva e viene a conoscenza dell’arma, passando l’informazione al comando ribelle. Questo spiega come l’Alleanza Ribelle sia venuta a conoscenza della Morte Nera, e la prima scena di Cassian in Rogue One, in cui si aggrappa al nome di Galen Erso, ora ha molto più senso, dato che l’ha sentito da Kleya.

“Ho amici ovunque” diventa l’ironia definitiva della vita di Luthen

Luthen è diventato famoso per il suo slogan: “Ho amici ovunque”. Tuttavia, il finale della seconda stagione di Andor rende questa frase incredibilmente ironica per quanto riguarda lo stesso Luthen. Uno dei temi centrali degli ultimi tre episodi della seconda stagione di Andor è la reputazione che Luthen si è guadagnato, o meglio, distrutto. Rimanendo su Coruscant e rifiutandosi di unirsi agli altri ribelli, Luthen ha fatto sì che personaggi come Bail e Draven si fidassero di lui ancora meno di prima.

Luthen era così dedito alla sua versione della causa che ha bruciato i ponti e le relazioni che lo circondavano. La mancanza di amici è diventata una grande ironia e ha quasi portato alla caduta della galassia. Luthen ha scoperto la Morte Nera prima di chiunque altro al di fuori dell’ISB, ma i suoi rapporti incrinati hanno fatto sì che l’Alleanza Ribelle quasi non gli credesse. Senza Cassian e Kleya, l’ostinato impegno di Luthen nei confronti della Ribellione avrebbe potuto effettivamente causarne il fallimento prima della sconfitta dell’Impero.

Bail Organa riceve un potente tributo

L’apparizione di Bail Organa in Andor ha inizialmente suscitato un certo scalpore, dato che il personaggio è stato interpretato da Benjamin Bratt invece che dal solito Jimmy Smits. Detto questo, la maggior parte degli spettatori ha accettato la scelta di Bratt dopo la spiegazione che Smits non era disponibile e grazie alla fantastica interpretazione dell’attore. Nell’universo di Star Wars, però, Andor è una delle trame che mostra Bail prima della sua tragica morte su Alderaan, causata dalla Morte Nera.

Fortunatamente, Bail riceve un potente tributo prima della sua morte sotto forma della sua ultima battuta nel finale della seconda stagione di Andor. Bail dice ad Andor che, se deve morire combattendo l’Impero, vuole farlo lottando. In un certo senso, il futuro di Bail descrive esattamente questo. Muore insieme al resto del suo popolo quando Alderaan viene distrutta, ma la sua eredità, la principessa Leia, continua a combattere in suo nome ed è fondamentale per la sconfitta finale dell’Impero.

Dedra Meero paga il prezzo della sua curiosità

Uno degli altri personaggi a cui il finale della seconda stagione di Andor offre una conclusione è Dedra Meero. Dopo l’incidente su Ghorman, Dedra è di nuovo ossessionata dalla ricerca di Axis, alias Luthen. Alla fine ci riesce, ma viene arrestata perché non era autorizzata a lavorare sul file Axis, il che porta a un interessante interrogatorio da parte nientemeno che del direttore Orson Krennic.

L’interrogatorio di Krennic si ricollega alle scoperte di Lonni, dato che Dedra Meero aveva accesso ai file relativi alla Morte Nera. Krennic sospetta che Dedra sia una spia ribelle, consentendo a Lonni e successivamente a Luthen e Kleya di scoprire la verità sulla Morte Nera.

Dedra insiste che non è così e che ha semplicemente dovuto cercare dei file per ottenere indizi su Axis, promettendo che non sapeva che Lonni avesse il codice di accesso ai suoi file. Indipendentemente da ciò, l’incuria di Dedra la porta in una cella della prigione di Narkina, completando la sua storia in modo piuttosto poetico.

La famiglia di Mon Mothma deve convivere con le sue decisioni

La ribellione sta costando la vita a molti altri

È interessante notare che, nonostante il discorso di Mon Mothma e la sua fuga da Coruscant e dal Senato nella seconda stagione di Andor, episodi 7-9, gli ultimi tre episodi non affrontano più di tanto le conseguenze di questa decisione. L’unico riferimento si trova in un montaggio finale, che mostra Perrin, l’ex marito di Mon, che beve sul sedile posteriore di un taxi con una donna, la moglie di Davo Sculdun, svenuta accanto a lui. Perrin è chiaramente infelice e affoga i suoi problemi nell’alcol con chiunque capiti a tiro, dimostrando quanto la famiglia di Mon sia stata colpita dalla sua decisione di unirsi alla Ribellione.

Cassian Andor ha una nuova eredità straziante anche dopo Rogue One

Infine, l’ultimo elemento degno di nota del finale della seconda stagione di Andor è l’ultima inquadratura. Dopo i teaser di Rogue One, Andor sfuma nel nero prima di mostrare i campi di grano di Mina-Rau. B2EMO viene mostrato mentre gioca con un altro droide prima che Bix si avventuri nei campi con un bambino in braccio. L’episodio 12 della seconda stagione di Andor non spiega esattamente quando si svolge questa scena ed è completamente privo di dialoghi, ma l’intenzione è chiara: Bix era incinta quando ha lasciato Cassian, e l’eredità di quest’ultimo continua a vivere nonostante la sua morte dopo Andor in Rogue One.

Il figlio di Cassian viene presentato nella stagione 2 di Andor, episodio 12, andato in onda il 13 maggio 2025, esattamente 10 anni dopo che Diego Luna è stato scelto per interpretare il personaggio in Rogue One.

Questa scena è davvero straziante, soprattutto dopo la tragica sequenza della stagione 2 di Andor, episodio 9, in cui Bix spiega che una volta finita la guerra, troverà Cassian. Cassian non saprà mai che Bix e suo figlio lo stavano aspettando, ma noi, come spettatori, lo sappiamo, rendendo Rogue One infinitamente più triste. Tuttavia, bisogna ammettere che questa rivelazione ha un sapore agrodolce. L’eredità di Cassian continua a vivere oltre Andor, così come Bix, che molti pensavano sarebbe morta. È un finale appropriato per il personaggio, che permette alla storia di Andor di concludersi e a quella di un altro personaggio di iniziare.

 
 

Ironheart: trailer dell’attesa serie Marvel in arrivo

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Ironheart

Dominique Thorne torna nel Marvel Cinematic Universe nei panni di Riri Williams nel primo trailer della serie TV Ironheart. Sono passati quasi tre anni da quando il personaggio ha fatto il suo debutto nella timeline dell’MCU in Black Panther: Wakanda Forever, ma quest’estate la Marvel Studios è finalmente pronta a puntare nuovamente i riflettori sull’eroina interpretata da Thorne, con l’arrivo della serie TV Ironheart su Disney+. La serie esplorerà la vita di Riri dopo gli eventi di Black Panther: Wakanda Forever, ampliando adeguatamente il suo ruolo nell’MCU.

Dopo una lunghissima attesa, la Marvel Studios ha finalmente pubblicato il primo trailer di Ironheart, con nuove immagini dello show solista di Riri e un assaggio dei numerosi personaggi che saranno esplorati nel corso della serie. Guardalo qui sotto:

Ironheart, che vede anche la partecipazione di Anthony Ramos, Alden Ehrenreich e Lyric Ross, debutterà con i primi tre episodi martedì 24 giugno su Disney+. La serie TV dell’MCU è stata scritta dalla sceneggiatrice Chinaka Hodge, che ha anche prodotto la serie insieme a Ryan Coogler, già regista di Black Panther e Black Panther: Wakanda Forever.

Cosa rivela il trailer di Ironheart

Uno dei dettagli chiave che spicca nel trailer è l’importanza del cattivo Marvel interpretato da Anthony Ramos, The Hood, poiché il filmato mostra come Parker Robbins e Riri finiscono per intraprendere un percorso insieme nel corso della storia di Ironheart. Ironheart sembra concentrarsi sui conflitti tra tecnologia e magia, con The Hood che rappresenta la seconda e Riri che onora la prima, poiché il filmato suggerisce che i due diventeranno rivali. Tuttavia, il trailer di Ironheart rivela anche le dinamiche tra Riri e molti dei suoi alleati e amici.

Un altro momento chiave che il trailer di Ironheart rivela è Riri che sembra creare il suo programma di intelligenza artificiale, N.A.T.A.L.I.E., dai fumetti, mentre accenna anche ai suoi aggiornamenti all’armatura Ironheart. Il filmato di Ironheart conferma anche come Riri stia cercando di creare un’eredità “iconica”, piuttosto che usare i suoi doni per servire le grandi aziende tecnologiche. Con una combinazione di diverse scene d’azione di Riri nella sua armatura Ironheart e l’introduzione del personaggio di Alden Ehrenreich, il trailer di Ironheart rivela molto sulla prossima storia di Riri nell’MCU, che i fan potranno scoprire a giugno.

 
 

Untold: The Liver King, la storia vera dietro al documentario Netflix

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Untold: The Liver King

Strappare organi da carcasse di animali insanguinati e dilaniarli con i denti; rosicchiare testicoli di toro a tavola con la sua famiglia come se fosse un arrosto: le trovate online di Brian Johnson lo hanno rapidamente reso una star del web. Nel 2021 Johnson, che si autodefiniva “Liver King”, ha raccolto 6 milioni di follower e ha lanciato un marchio di integratori con un fatturato annuo di 100 milioni di dollari, tutto grazie alle sue promesse che con poche pillole, il consumo di organi crudi e intense sfide di fitness chiunque avrebbe potuto ottenere il suo fisico ultra-muscoloso. Lui era al 100% naturale, insisteva ripetutamente. Fino alla fine del 2022, quando alcune e-mail trapelate hanno rivelato che si era iniettato steroidi e ormone della crescita umano (HGH) per un valore di 11.000 dollari al mese.

La notizia, che ha suscitato l’ira persino di Joe Rogan, potrebbe aver fatto scoppiare la sua bolla multimilionaria. Ma in un mondo in cui la disinformazione sulla salute può rendere famosi i suoi divulgatori, e per di più ricchi, la punizione è spesso breve. Ora, il Liver King è il protagonista di un episodio di Untold, l’antologia di documentari sportivi di Netflix in streaming dal 13 maggio: 70 minuti senza filtri della sua storia da perdente, come lui stesso si definisce, e del suo percorso verso la redenzione.

“Penso che sia un genio del marketing, lo penso davvero”, dice il regista Joe Pearlman, che ha già realizzato film su Robbie Williams, Lewis Capaldi e il cast di Harry Potter. “Questo ragazzo sa esattamente cosa vuole il pubblico e come vendere qualcosa al pubblico in tutti i sensi”.

Johnson, che a 48 anni è un texano di quasi 90 kg di muscoli e tendini scolpiti dal sole, racconta nel documentario di aver trascorso l’infanzia sentendosi un “nanerottolo”. Dopo la morte del padre quando era ancora un bambino, è cresciuto idolatrando Rambo e Conan il Barbaro, rendendosi conto durante l’adolescenza che l’allenamento gli avrebbe dato una comunità immediata e un modo per cambiare l’aspetto fisico che credeva lo stesse frenando. Il potere del fitness era così forte, dice nel film, che il suo primo orgasmo è avvenuto mentre faceva sollevamento pesi. Un’affermazione che potrebbe essere piuttosto sorprendente se non fosse stata fatta in modo quasi identico da Arnold Schwarzenegger nel film del 1977 Pumping Iron.

Non importa: la sua storia di trasformazione e il suo stile di vita ispirato all’uomo delle caverne affascinavano il pubblico. A questo si aggiungeva un altro retroscena – i suoi figli Rad e Stryker soffrivano di una salute cronicamente cagionevole durante l’infanzia (“erano deboli”) e il passaggio a una dieta ricca di sostanze nutritive aveva curato i loro mali – e circa 25.000 persone iniziarono ad acquistare i suoi integratori per il fegato ogni mese.

“Odiavo la mia fottuta vita”, ammette Johnson, “e ora ho fatto la mia fottuta fortuna”. Ma non era abbastanza, né l’enorme ranch pieno di armi e pellicce (anche sopra il suo letto); o la palestra dove persino i cani hanno i loro tapis roulant. Con l’aiuto di sua moglie Barbara e dei suoi ormai adolescenti, che pubblicano online come “Liver Boy Rad” e “Stryker the Barbarian” (in un video ingoiano i loro 15 tuorli d’uovo crudi al giorno: “disgustoso, ma molto ancestrale”), il marchio si stava consolidando ulteriormente. Johnson è apparso in podcast di successo guidati da artisti del calibro di Logan Paul, Ethan Klein e Bert Kreischer; era ovunque sui feed dei social media, incluso quello di Pearlman.

Con la crescita della sua fama, è cresciuta anche una domanda inevitabile: la sua figura da cartone animato avrebbe potuto essere ottenuta senza l’aiuto di sostanze chimiche? Johnson, incline ad apparire in macchina fotografica a torso nudo, era completamente “naturale”, ha ripetuto più volte, screditando teorie come quelle di Rogan e continuando a promuovere i “nove principi ancestrali” che lo avevano trasformato in un moderno Neanderthal multimilionario. Erano abbastanza semplici da seguire, ha esortato: dormire, mangiare, muoversi, proteggersi (evitare un’eccessiva esposizione al Wi-Fi e ai campi elettromagnetici), connettersi, freddo, sole, combattere (accettare le sfide fisiche e mentali) e creare legami. La masticazione cruda di organi, che comporta rischi tra cui epatite E e salmonella , ha chiaramente funzionato, ha detto: basta guardarlo.

Poi è arrivata la fuga di notizie via email e analisi del sangue, condivise sul canale di uno YouTuber di fitness che aveva accusato Johnson di uso di steroidi, nel novembre 2022. “Non si poteva negare, amico”, racconta Johnson alla troupe del documentario. “Sapevo che mi aveva fregato”. Sua moglie (che pubblica, come ci si aspetterebbe, come “la Regina del Fegato”) ha insistito perché tacesse, e Johnson ha concordato: “Ho detto, chi cazzo se ne frega… che tipo di male ho fatto davvero?”

Nel giro di tre giorni, tuttavia, si rese conto che non aveva altra scelta se non quella di tentare di limitare i danni, pubblicando un video (con i soliti tratti distintivi di un’apertura con un richiamo ai suoi “Primals” e di una seduta su un trono), in cui ammetteva di aver mentito.

“Non mi sarei mai aspettato questa visibilità pubblica, ed è stato fottutamente difficile da gestire”, ha detto (nel documentario, ammette di aver filmato 100 segmenti per ottenere l’inquadratura perfetta e di aver lasciato i video riprodotti in loop per accumulare visualizzazioni). La sua unica ragione d’essere era semplicemente “un esperimento per diffondere il messaggio” sulla salute mentale dei giovani uomini, lo stesso percorso che aveva intrapreso dopo aver trovato la forma fisica. Il suo saluto è arrivato con una promessa: “Starò meglio da subito”. Ciò che è seguito è stato un ritiro dai social media e una causa da 25 milioni di dollari da parte di clienti che lo accusavano di frode e inganno (il caso è stato infine archiviato).

Sono passati tre anni, è davvero dispiaciuto?

La prima volta che incontrò Johnson, Pearlman dice che era “l’uomo che avevo visto online. Era un’esperienza a tutto tondo, performativa, scandalosa”, racconta al TIME a proposito della sua visita al ranch di Johnson l’anno scorso. “Cercava di scioccare a ogni piè sospinto: eravamo sempre in allerta su cosa sarebbe successo dopo”. Le acrobazie a beneficio della squadra includevano la sua famiglia che inseguiva un toro, lo uccideva e poi ne strappava gli organi per mangiarli; e il traino di un camion con una catena intorno alla vita (che, a quanto pare, la sua squadra spingeva da dietro).

 
 

Virgin River – Stagione 7: al via le riprese dei nuovi episodi

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Virgin River - stagione 7

La settima stagione di Virgin River è ufficialmente entrata in produzione. La nuova stagione è stata commissionata prima della premiere della sesta stagione, prevista per dicembre 2024. Con Martin Henderson nel ruolo di Jack Sheridan e Alexandra Breckenridge in quello di Melinda Monroe, questa serie drammatica ambientata in una piccola città è ora la serie originale Netflix più longeva. Con tutti i 10 episodi della sesta stagione disponibili in streaming su Netflix, la nuova stagione promette di tornare con ancora più amore, avventura e fascino.

Martin Henderson ha pubblicato sul suo Instagram un importante aggiornamento sulle riprese. Caricato il 12 marzo, il video girato nella roulotte della star conferma che la produzione della settima stagione è ufficialmente iniziata nel “Day One”, mentre lui si prepara per il lavoro. Anche se la serie è ambientata in una piccola città della California settentrionale, le riprese si svolgono a Vancouver. Nel video, Henderson scarta i regali di Netflix e condivide un messaggio commovente con i fan per esprimere la sua gratitudine. Date un’occhiata al suo post su Instagram qui sotto:

Cosa significa questo per la settima stagione di Virgin River

Virgin River serie tv 2019

La settima stagione di Virgin River potrebbe ancora tornare quest’anno

Da quando Virgin River ha debuttato con la sua prima stagione nel 2019, la serie ha mantenuto un ritmo di uscita di una stagione all’anno. La produzione della sesta stagione è iniziata nel febbraio 2024 e si è conclusa a giugno, prima di essere lanciata a dicembre, mentre la quinta stagione è stata lanciata a settembre 2023, con le riprese che si sono svolte nell’estate 2022. Con la produzione della stagione 7 che inizierà a marzo, la serie dovrebbe tornare alla fine dell’anno, se non all’inizio del prossimo. Questo pone la stagione 7 più o meno in linea con il Virgin River‘s consistent release schedule, ma, ancora una volta, non senza un piccolo ritardo.

Si prevede che tutti i membri del cast principale torneranno, comprese le due nuove star introdotte nella sesta stagione. Mentre la settima stagione è in produzione, è attualmente in fase di sviluppo un prequel di Virgin River incentrato sui genitori di Mel, Everett e Sarah. Callum Kerr e Jessica Rothe, che hanno debuttato nei panni dei giovani Everett e Sarah, torneranno per la settima stagione, indicando che la serie continuerà ad ampliare le storie d’amore multigenerazionali.

 
 

The Last Of Us – Stagione 2, episodio 6, la spiegazione del finale: Ellie ha perdonato Joel?

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The last of us - Stagione 2 Episodio 6

La sesta puntata della seconda stagione di The Last of Us è finalmente arrivata, ed è davvero epica, quindi ecco tutto quello che è successo nella serie di flashback dell’episodio. Fino ad ora, la seconda stagione di The Last of Us si è concentrata sulla ricerca di vendetta di Ellie, che dà la caccia ad Abby dopo che questa ha ucciso Joel nel secondo episodio. Il sesto episodio della seconda stagione di The Last of Us segna però un cambio di ritmo. L’episodio si discosta dalla trama principale della stagione, concentrandosi invece su diversi flashback della vita di Joel ed Ellie.

La seconda stagione di The Last of Us, episodio 6, si apre con un flashback al 1983, che mostra una scena tra il giovane Joel, Tommy e il loro padre. Poi, l’episodio salta agli anni tra la prima e la seconda stagione di The Last of Us. Ognuna di queste scene flashback si svolge in uno dei compleanni di Ellie. Il primo vede Joel regalare una chitarra a Ellie, il secondo vede Joel portare Ellie in un museo, il terzo vede Ellie farsi un tatuaggio e il quarto vede Ellie andare in pattuglia con Joel. Poi, ha luogo una scena flashback ambientata dopo la stagione 2, episodio 1, che mostra Joel confessare la verità a Ellie.

Joel ha detto a Ellie la verità su Salt Lake City dopo il ballo di Capodanno

Durante tutta la seconda stagione di The Last of Us, è rimasto un mistero se Ellie fosse a conoscenza della grande bugia di Joel. Alla fine della prima stagione di The Last of Us, Joel uccide i Fireflies per salvare Ellie. Poi le mente su ciò che è successo, senza che lei sappia la verità sugli eventi accaduti a Salt Lake City. Negli anni successivi al finale della prima stagione di The Last of Us, Ellie ha iniziato a nutrire dei sospetti su Salt Lake City. Ha iniziato a notare delle incongruenze nella storia di Joel e ha persino stilato una lista di domande sui Fireflies che legge nell’episodio 6.

Prima che Ellie avesse la possibilità di chiedere a Joel dei Fireflies, si sono verificati gli eventi del flashback su Eugene, che hanno portato alla loro rottura. Tuttavia, l’aggressione di Joel a Seth al ballo di Capodanno ha dato a Ellie un’altra possibilità. L’episodio 6 rivela che Ellie ha visto Joel seduto sotto il portico poco dopo il ballo e ha deciso di chiedergli dei Fireflies. Ellie lo affronta e Joel finalmente le dice la verità. Ellie dice che vuole perdonare Joel, ma non sa se ci riuscirà. Purtroppo, Joel viene ucciso prima che Ellie abbia la possibilità di farlo.

Il significato del flashback di Joel del 1983, spiegato

The Last of Us stagione 2, episodio 6 si apre con un flashback sull’infanzia di Joel. Joel è nei guai e dice a Tommy che ha paura che il padre lo picchierà. Alla fine, il padre di Joel arriva a casa. Il padre di Joel racconta una storia su come suo nonno una volta gli ha dato un pugno in bocca, rompendogli la mascella. Il padre di Joel ammette che a volte picchia Joel, ma che è migliore del nonno di Joel. Poi dice che spera che Joel sia un po’ migliore di lui.

Joel ripete questo pensiero alla fine dell’episodio. Dopo aver detto la verità a Ellie, Joel ammette di aver sbagliato. Dice poi che spera che Ellie faccia un po’ meglio di lui se mai avrà un figlio. Questo mostra l’influenza che il padre di Joel ha avuto su di lui. Non si aspetta che Ellie sia perfetta, ma spera che impari dai suoi errori e migliori.

La canzone “Future Days” di Joel spiega la canzone di Ellie nell’episodio 5

La prima scena flashback del primo compleanno nella stagione 2, episodio 6 di The Last of Us vede Joel regalare una chitarra a Ellie. Decide di insegnarle a suonare, eseguendo la canzone dei Pearl Jam “Future Days”. Questo funge da introduzione tardiva a una scena della stagione 2, episodio 5, in cui Ellie suona “Future Days” con la chitarra in teatro. Questo flashback rivela che la canzone ha un posto speciale nel cuore di Ellie, che la suona per ricordare Joel.

Perché la gita al museo di Joel ed Ellie era così importante

Il flashback successivo dell’episodio vede Joel portare Ellie in un viaggio a sorpresa in un museo abbandonato. Questo flashback è tratto direttamente da The Last of Us Part II, con entrambe le versioni della scena che si svolgono in modo simile. Nella scena, Joel dice a Ellie di entrare in una capsula spaziale. Le dà un nastro che ha trovato con l’audio di un vero lancio di un razzo. Ellie lo ascolta seduta nella capsula, chiudendo gli occhi e immaginando di essere davvero in viaggio verso lo spazio. Con questo regalo, Joel permette a Ellie di essere una bambina per una volta, concedendole una breve tregua dagli orrori del mondo infetto.

Come la morte di Eugene ha causato la rottura tra Ellie e Joel

In un flashback successivo, Joel porta finalmente Ellie in pattuglia. Mentre sono fuori, vengono avvisati che un gruppo è stato attaccato da un’orda di Infetti. Joel ed Ellie corrono a controllare e scoprono che il gruppo è morto. L’unico sopravvissuto è Eugene, che è stato morso. Eugene è ancora nelle prime fasi del virus e chiede di essere riportato a Jackson per dire addio a sua moglie. Ellie accetta, ma Joel non è d’accordo. Alla fine, Joel dice a Ellie di andare a prendere i cavalli, promettendole che la aspetteranno. Mentre Ellie è via, Joel spara a Eugene.

Questo sconvolge incredibilmente Ellie, ma le cose peggiorano ulteriormente. Quando tornano a Jackson, Joel mente su quello che è successo alla moglie di Eugene, Gail. Ellie dice quindi la verità a Gail, che si arrabbia con Joel. Ellie è così furiosa che si rifiuta di parlare con Joel, e questo è ciò che ha causato la loro rottura. La frattura tra Ellie e Joel è ancora presente nella seconda stagione di The Last of Us, episodio 1, con gli eventi che circondano la morte di Eugene che hanno causato la rottura del loro rapporto.

Come Ellie è fuggita da Lakehill ed è tornata al teatro

Le spore l’hanno aiutata?

La scena finale della seconda stagione di The Last of Us, episodio 6, riprende la trama principale della serie, con Ellie che attraversa Seattle e arriva al teatro. Questa scena si svolge dopo la fine della seconda stagione di The Last of Us, episodio 5, in cui Ellie uccide Nora a colpi di tubo. Queste immagini significano che Ellie è riuscita a fuggire dal Lakehill Seattle Hospital e a ritrovare la strada per il teatro fuori campo, il che è sorprendente considerando che il WLF e i Seraphiti sapevano che era lì.

Nel gioco, si passa semplicemente a Ellie che arriva al teatro dopo aver ucciso anche Nora, il che significa che non viene mai rivelato cosa sia successo durante la sua fuga. Dato che si trova nel seminterrato infestato dalle spore, è possibile che questo abbia fornito una copertura a Ellie per fuggire, poiché nessuno può entrare per trovarla. Tuttavia, dato che nell’episodio 6 si vedono solo alcune immagini del ritorno di Ellie, ulteriori dettagli sulla fuga di Ellie da Lakehill potrebbero essere forniti nella seconda stagione di The Last of Us, episodio 7.

 
 

The Last of Us – Stagione 2, Episodio 5 introduce finalmente un aspetto importante del gioco

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The Last of Us - stagione 2 episode 5

“È nell’aria” è una delle frasi più toccanti della seconda stagione di The Last of Us, episodio 5, e introduce un aspetto fondamentale dell’infezione da Cordyceps che era stato tralasciato nella prima stagione. La seconda stagione ha visto Ellie e Dina addentrarsi sempre più a Seattle per affrontare Abby e gli altri coinvolti nell’omicidio di Joel. Sebbene Ellie e Dina dovranno affrontare diverse fazioni a Seattle, come il W.L.F. e i Seraphites, l’infezione da Cordyceps è ancora dilagante e pericolosa, con molte minacce ancora da affrontare che saranno nuove per i telespettatori.

La seconda stagione di The Last of Us ha già introdotto gli Stalker, una variante evoluta degli Infetti che sono più consapevoli e in grado di rintracciare e circondare i loro bersagli. Abbiamo anche visto il Bloater che Tommy ha affrontato durante la battaglia a Jackson nel secondo episodio. Il Cordyceps è terrificante, e l’aspetto che differenzia The Last of Us dagli altri media incentrati sui non morti è che ha una vita propria e può diffondersi e svilupparsi in modi diversi.

L’episodio 5 della seconda stagione di The Last Of Us ha confermato l’esistenza di spore tossiche collegate all’infezione da Cordyceps

L’episodio 5, intitolato “Day Two” come uno dei capitoli del videogioco The Last of Us Part II, è iniziato con una lunga sequenza di dialoghi tra due personaggi che non avevamo mai incontrato prima, introducendo il concetto di spore tossiche nell’aria. Si tratta di un aspetto importante dei videogiochi che non era ancora apparso nella serie TV e che ha finito per diventare una forza importante nel climax dell’episodio.

Nel confronto tra Ellie e Nora alla fine dell’episodio 5 della seconda stagione di The Last of Us, vediamo come le spore agiscono piuttosto rapidamente. Ellie è immune, ma quando Nora respira le spore del Cordyceps, inizia a tossire e sembra malata quasi immediatamente. Non riusciamo a vedere gli effetti a lungo termine in questa scena a causa della morte prematura di Nora attraverso un tubo di scarico, ma alla fine avrebbe ceduto, trasformandosi in una degli Infetti. Come dice Nora a Ellie: “Ci hai uccise entrambe”.

Perché le spore non sono state utilizzate nella prima stagione di The Last of Us

La prima stagione di The Last of Us era un adattamento di un videogioco che richiede circa 15-20 ore per essere completato, rendendo difficile inserire tutto il materiale nella stagione. Detto questo, sembra che la decisione di omettere le spore, nonostante fossero utilizzate nel gioco per scopi narrativi fondamentali, sia stata una scelta creativa per costruire il mondo della serie TV in modo diverso. A tal proposito, il co-creatore della serie TV The Last of Us, Craig Mazin, ha dichiarato a ComicBook.com:

“Nel mondo che stiamo creando, se mettessimo delle spore nell’aria, sarebbe abbastanza chiaro che si diffonderebbero ovunque e tutti dovrebbero indossare una maschera tutto il tempo e probabilmente a quel punto sarebbero tutti completamente infetti”.

Mazin sembra suggerire che le spore sarebbero state una minaccia troppo diffusa per essere inserite nella serie, anche se evidentemente hanno cambiato idea al riguardo, dato che le hanno utilizzate nella seconda stagione. Un elemento pratico da considerare è che gli attori di cinema e televisione in genere non vogliono indossare nulla che nasconda il loro viso, se non è necessario. Ad esempio, gli eroi dei film di guerra medievali non indossano elmi, anche se sarebbe pratico per l’ambientazione. Far indossare costantemente maschere antigas ai protagonisti di The Last of Us presenta un problema simile, impedendo la drammaticità delle espressioni facciali.

Cosa significano le spore per The Last Of Us stagione 2 e oltre

Le spore saranno una minaccia costante nella serie TV

Mentre l’immunità di Ellie impedisce alle spore di essere un problema per lei, sarà una questione costante per gli altri personaggi della serie TV. Le spore sono state utilizzate nell’episodio 5 in uno spazio chiuso e, riprendendo la preoccupazione di Mazin nella prima stagione, probabilmente rimarranno confinate in ambienti sotterranei o interni. Gli sceneggiatori dovranno fare attenzione nell’uso delle spore, per evitare che gli attori di The Last of Us siano costretti a indossare spesso maschere, eliminando alcuni degli elementi emotivi che rendono la serie così toccante.

 
 

Tracker – stagione 2, la spiegazione del finale

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Tracker - Stagione 2

Beh, la seconda stagione di Tracker ha sicuramente puntato in alto nel finale con la sorprendente rivelazione dell’identità dell’assassino di Ashton Shaw. Tuttavia, il mistero è lungi dall’essere risolto nella serie drammatica d’azione della CBS. Infatti, sulla base degli eventi del finale della seconda stagione di Tracker, ci sono più domande che mai sulla morte del padre di Colter, il che significa che i fan hanno molto da aspettarsi nella terza stagione.

Il finale della seconda stagione di Tracker, intitolato “Echo Ridge”, è stato diretto da Ken Olin e scritto da Elwood Reid.

Nella seconda stagione di Tracker, episodio 20, Colter torna a casa a Echo Ridge, in California, per aiutare un’amica di famiglia quando suo fratello Bill scompare. Bill era ossessionato dalla ricerca di un ragazzino spaventato che aveva visto in precedenza con un uomo sospetto. Colter e la sua squadra indagano e, sfortunatamente, scoprono un giro di traffico di bambini. Il personaggio interpretato da Justin Hartley rintraccia l’uomo responsabile di questi crimini orribili, Carl Murphy, e durante le sue ricerche fa una scoperta scioccante riguardante il caso di suo padre. Alla fine del finale, Colter sa esattamente chi ha ucciso suo padre.

Spiegazione dell’assassino del padre di Colter nella seconda stagione di Tracker

Colter trascorre gran parte dell’episodio 20 della seconda stagione di Tracker indagando su un giro di traffico di bambini. Sebbene il mistero sia tragico, complesso e tutto ciò che un caso in un dramma d’azione della CBS dovrebbe essere, il momento clou dell’episodio avviene durante gli ultimi minuti. Colter trova un’intaglio in legno unico a casa di Carl Murphy e capisce immediatamente che si tratta di un’opera di suo padre. Quando trova Carl, Colter non si trattiene dal cercare di saperne di più sul perché lui abbia qualcosa che apparteneva a suo padre (minaccia persino di tagliargli le dita). Carl cede e dice al protagonista che la scultura era di suo zio.

Colter fa poi visita allo zio di Carl (il cui nome, dai titoli di coda dell’episodio, è Otto Waldron) per concludere il finale. Otto spiega che conosceva il padre di Colter ai tempi. Era un operaio che la contea aveva incaricato di installare i cavi elettrici nella proprietà della famiglia Shaw. Ashton respinse i tentativi di Otto, ovviamente, e Otto accettò di aiutarlo. Otto tenne la contea lontana da Ashton e aiutò il padre di Colter quando installò il generatore della famiglia. Tuttavia, non erano esattamente amici, come scopre Colter.

Tracker stagione 2 rivela finalmente chi ha ucciso il padre di Colter quando Otto confessa. Il personaggio di Justin Hartley affronta l’uomo più anziano, chiedendogli se era lui la persona che Russell aveva visto la notte in cui era morto il padre. Otto conferma che era lui. Colter punta la pistola contro Otto e insiste affinché ammetta di aver ucciso Ashton, cosa che lui fa. Fino a questo punto, gli spettatori e Colter erano stati portati a credere che il governo avesse avuto un ruolo nella morte di Ashton. Ma Otho sostiene di non lavorare per il governo. Rivela invece di aver spinto Ashton giù dalla scogliera perché la madre di Colter gli aveva chiesto aiuto.

Il legame tra la madre di Colter e la morte di Ashton

Sebbene sia apparsa solo in pochi episodi di Tracker, Mary Dove Shaw è sempre stata un po’ sospetta. Non voleva che Colter riallacciasse i rapporti con suo fratello. Inoltre, si comporta in modo piuttosto ambiguo ogni volta che qualcuno menziona la morte del marito nella serie d’azione della CBS. Quindi, forse non è una grande sorpresa che Mary sia collegata alla morte di Ashton, ma è così.

Otto dice a Colter che sua madre gli ha chiesto aiuto, ed è per questo che ha spinto suo padre giù da una scogliera. Di conseguenza, non è chiaro esattamente come, ma Mary è stata senza dubbio coinvolta nell’omicidio del marito. Purtroppo, i fan dovranno aspettare la terza stagione per saperne di più. Fino ad allora, possiamo solo speculare sul motivo per cui la madre di Colter avrebbe voluto la morte di suo padre. Ashton aveva una relazione, il che potrebbe spiegare le azioni di Mary. Tuttavia, conoscendo Tracker, c’è sicuramente molto altro da scoprire sul mistero della famiglia Shaw, e la serie ha solo sfiorato la superficie per risolvere completamente il caso.

Il misterioso numero di telefono trovato nella scatola di Ashton apparteneva a uno scienziato

Oltre alla scioccante rivelazione che la madre di Colter è collegata all’omicidio di suo padre, il finale della seconda stagione di Tracker rivela anche ulteriori informazioni sul contenuto della misteriosa scatola di Ashton. Come molti ricorderanno, Lizzy Hawking ha trovato la scatola tra gli effetti personali di sua madre e l’ha data a Dory. Il personaggio interpretato da Melissa Roxburgh in Tracker ha finalmente consegnato la scatola a suo fratello nel penultimo episodio della seconda stagione. All’interno, Colter ha trovato un numero di telefono scollegato.

Nell’episodio 20, Randy rintraccia il numero e trova il suo proprietario: David Pearson (forse un piccolo riferimento a This Is Us).

Pearson era uno scienziato morto lo stesso anno di Ashton. Si era trasferito dalla Virginia alla California prima della sua morte e Randy sospetta che Pearson fosse coinvolto in ricerche segrete del governo (soprattutto perché non ci sono documenti pubblici sul suo lavoro). I personaggi della seconda stagione di Tracker non scoprono molto altro su Pearson o sul suo legame con il padre di Colter, ma il suo nome tornerà sicuramente nella terza stagione.

Come il finale della seconda stagione di The Tracker prepara la terza stagione

Dato che la seconda stagione si è conclusa con un colpo di scena, la serie ha già gettato le basi per la trama della terza stagione di Tracker. I prossimi episodi dovrebbero riprendere da dove si è interrotta la seconda stagione, con Colter che chiede maggiori informazioni su ciò che Otto sa della morte di suo padre, compreso il coinvolgimento di sua madre. Come suggerito sopra, il mistero che circonda la morte di Ashton Shaw è solo all’inizio nel dramma d’azione della CBS, e la terza stagione sarà senza dubbio ricca di ulteriori sorprese.

Nonostante l’episodio non si concentri troppo sui personaggi diversi da Colter, questa piccola informazione su Reenie e Leo implica che la loro storia è lungi dall’essere finita.

In un altro momento del finale della seconda stagione di Tracker, Velma informa Reenie che il suo losco cliente, Leo Sharf, ha cercato di contattarla. Tuttavia, Reenie sta evitando le sue chiamate. Nonostante l’episodio non si concentri troppo sui personaggi diversi da Colter, questa piccola informazione su Reenie e Leo implica che la loro storia è lungi dall’essere finita.

Cosa aspettarsi dalla terza stagione di Tracker

Mentre i fan salutano la seconda stagione di Tracker e guardano avanti alla terza, dovrebbero aspettarsi di saperne di più sulla trama generale della serie. Solo perché ora sappiamo chi ha ucciso il padre di Colter in Tracker, non significa che il mistero sia risolto. Quindi, Colter continuerà a indagare sul caso nella terza stagione. Di conseguenza, gli altri membri della famiglia di Colter, Russell (interpretato da Jensen Ackles) e Dory (interpretata da Melissa Roxburgh), torneranno probabilmente, se gli impegni degli attori non entreranno in conflitto con le riprese della serie della CBS. Anche Mary, che ora è la principale sospettata, dovrebbe apparire nei prossimi episodi.

Secondo Variety, Tracker tornerà nella sua fascia oraria domenicale alle 20:00 ET nell’autunno del 2025, quando sarà trasmessa la terza stagione.

Nel frattempo, l’arco narrativo di Reenie riguardante Leo probabilmente continuerà anche nella terza stagione di Tracker. La seconda stagione non ha chiuso completamente la loro storia e Leo potrebbe rivelarsi ancora una volta una minaccia. Potrebbero anche fare la loro comparsa i numerosi interessi amorosi di Colter (in particolare Billie Matalon, dopo la loro notte insieme). In ogni caso, i fan dovrebbero aspettarsi rivelazioni scioccanti sul mistero della famiglia Shaw, casi intriganti e ulteriori sviluppi nella vita sentimentale di Colter quando uscirà la terza stagione di Tracker.

 
 

Targaryen: la spiegazione dell’albero genealogico

Di
Redazione
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Targaryen

La serie House of the Dragon di HBO riporta alla ribalta i Targaryen di Game of Thrones, ma il prequel copre solo una parte dell’enorme albero genealogico dei Targaryen. Mentre Game of Thrones aveva come protagonisti principalmente la Casa Stark, la dinamica più avvincente della famiglia era la sua storia con la Casa Targaryen, che ha governato sul Trono di Spade per tre secoli. Alla fine di Game of Thrones, è diventato chiaro che il conflitto generale era basato sulla storia e sulle relazioni tra la casata Stark e la casata Targaryen.

Quando Game of Thrones ha avuto inizio, la famiglia Targaryen era stata finalmente spodestata dopo tre secoli sul Trono di Spade, con solo due eredi, Danaerys e Viserys, rimasti a rivendicare il loro diritto di nascita. Nonostante ciò, la storia e l’influenza della Casa Targaryen non hanno mai perso importanza per Westeros, poiché l’eredità dei molti re che l’avevano preceduta pesava fortemente sulle strategie e sulle decisioni prese dalle casate più importanti mentre giocavano al gioco dei troni. Durante tutta la storia di Westeros, un’affermazione sui Targaryen non sarebbe mai svanita: “Ogni volta che nasce un nuovo Targaryen, gli dei lanciano una moneta”. Westeros ha conosciuto il regno di molti re e regine Targaryen, troppi dei quali divisi dalla furia e dalla distruzione o dalla pace e dalla grandezza. Il materiale promozionale di House of the Dragon della HBO ha giustamente adottato questa citazione come uno dei suoi slogan, preparando il terreno per una delle epoche più cruciali della storia dei Targaryen.

Questo sentimento si sarebbe tramandato attraverso la stirpe dei Targaryen, fino ad arrivare alla Madre dei Draghi, Daenerys Targaryen, in Game of Thrones. Poiché House of the Dragon descrive una schiera molto più ampia di Targaryen nella storia di Game of Thrones, ecco una panoramica dell’albero genealogico dei Targaryen a Westeros, da Aegon il Conquistatore a Jon Snow.

La storia della casata dei Targaryen in Game of Thrones

La storia della Casa Targaryen in Game of Thrones inizia nell’epoca della conquista di Westeros e continua fino al momento in cui Jon Snow (Aegon Targaryen) inizia la sua vita oltre la Barriera. Mentre la storia conosciuta di Westeros risale a 12.000 anni fa, la cronologia di Game of Thrones è misurata in BC (Before Conquest, prima della conquista) e AC (After Conquest, dopo la conquista), con il primo anno AC che indica quando la Casa Targaryen fu incoronata per la prima volta e l’inizio ufficiale dell’albero genealogico dei Targaryen (gli antenati di Aegon I BC ovviamente esistevano, ma non sono noti). Dopo Aegon il Conquistatore, altri 16 re/regine si sarebbero seduti sul Trono di Spade, concludendo con la morte di Daenerys Targaryen nel 305 d.C. Il regno di Daenerys fu però breve (non è sul Trono di Spade per la maggior parte di Game of Thrones). A parte la Madre dei Draghi, i Targaryen furono anche destituiti nel 283 d.C., quando Robert Baratheon usurpò la corona ad Aerys II e Rhaegar Targaryen.

La storia della Casa Targaryen è spesso ricordata anche per i frequenti matrimoni tra consanguinei, con i Targaryen che per secoli si sono sposati tra fratelli, sorelle, zie e zii per mantenere “puro” il sangue dei draghi. I draghi erano anche uno degli aspetti più significativi del regno della famiglia Targaryen in Il Trono di Spade, poiché il potere di queste creature permetteva di instillare paura nei loro avversari. Tuttavia, l’ultimo dei draghi della Casa Targaryen sembrava essersi estinto nel 153 d.C., con Daenerys Targaryen che divenne la prima Targaryen a regnare con i draghi più di un secolo dopo. Fuoco e sangue tendono a descrivere la storia della Casa Targaryen in Game of Thrones, che ebbe finalmente fine quando Bran lo Spezzato fu incoronato re del Westeros.

Aegon il Conquistatore

Aegon I Targaryen, più comunemente noto come Aegon il Conquistatore, è stato il primo Targaryen a governare Westeros nella storia di Game of Thrones e il fondatore della loro dinastia. Nato a Roccia del Drago, Aegon I Targaryen conquistò i regni di Westeros con le sue sorelle cavallerizze di draghi, Visenya e Rhaenys, che aveva anche preso in moglie. Si diceva che Aegon avesse sposato Visenya, nota per essere una guerriera feroce, per dovere, mentre aveva sposato sua sorella minore Rhaenys, nota per la sua bellezza e il suo amore per le arti, per desiderio. Il regno di Aegon, durato 37 anni, fu caratterizzato da numerose battaglie con la Casata Martell di Dorne, che rifiutò di inginocchiarsi anche dopo che Rhaenys e il suo drago avevano bruciato gran parte del territorio. Una di queste guerre causò la morte di Rhaenys e del suo drago, Meraxes, che non fece altro che aumentare la rabbia di Aegon. Aegon ebbe due figli, Aenys I, avuto da Rhaenys, e Maegor I, avuto da Visenya. Dopo la morte di Aegon per un ictus all’età di 64 anni, il Trono di Spade passò al figlio maggiore, Aenys.

Aenys I Targaryen

Il secondo re dei Sette Regni fu Aenys I Targaryen, che si distingueva per la mancanza delle doti guerriere del padre e del fratello, ma era più incline alla gentilezza e all’indecisione.

Figlio della regina Rhaenyra, Aenys sposò rapidamente Alyssa Valeryon, dalla quale ebbe tre figli (Aegon, Viserys e Jaehaerys) e tre figlie (Rhaena, Alysanne e Vaella). Il breve regno di Aenys, durato solo cinque anni, fu segnato da numerose ribellioni, in particolare da parte dei guerrieri legati alla Game of Thrones’ Faith of the Seven. Prima della sua morte, Aenys annunciò che avrebbe sposato suo figlio Aegon con sua figlia Rhaena, che sarebbe stata la sua erede al trono. Tuttavia, Aenys morì all’età di 35 anni nel 42 d.C., il che portò all’usurpazione del trono da parte del suo fratellastro minore, Maegor.

Maegor il Crudele

Figlio minore di Aegon il Conquistatore, Maegor conquistò il Trono di Spade alla morte del fratello, dopo aver trascorso anni in esilio a causa del suo matrimonio poligamo con Ceryse Hightower e Alys Harroway. Maegor continuò a sposarsi poiché le sue precedenti mogli non gli avevano dato figli, arrivando ad avere sei mogli alla fine della sua vita. Maegor continuò a combattere contro l’Alto Septon e i Figli del Guerriero, giustiziando decine di septon prima che uno di loro lo sposasse con la sua prossima moglie. Quando il figlio maggiore di Aenys, l’omonimo storico di Jon Snow, Aegon Targaryen, annunciò la sua pretesa al trono, Maegor uccise lui e il suo drago, dopodiché mise i figli di Aenys, Jaehaerys e Alysanne, a Dragonstone come pupilli di sua madre. Maegor tenne con sé a corte il figlio maggiore sopravvissuto di Aenys, Viserys, che fece torturare e uccidere non appena venne a sapere che suo nipote e sua nipote erano fuggiti da Roccia del Drago. Poco dopo, Maegor prese con la forza sua nipote, Rhaena, come moglie, con l’intenzione di fare della figlia avuta da un precedente matrimonio la sua erede. Nel 48 d.C., Jaehaerys annunciò la sua rivendicazione al Trono di Spade, con sua sorella Rhaena e molti lord del Westeros che si unirono alla sua causa. Maegor fu presto trovato morto seduto sul Trono di Spade, con i polsi tagliati e la gola trafitta dal trono, anche se non si sa chi sia stato il responsabile della sua morte.

Jaehaerys I Targaryen

Dopo la morte di Maegor, il figlio di Aenys, Jaehaerys, fu incoronato all’età di 14 anni, diventando il quarto re sullo storico Trono di Spade. Jaehaerys era noto per essere saggio oltre i suoi anni, indulgente, risoluto e nato per essere re. Sebbene gli fosse stato sconsigliato, Jaehaerys prese in moglie sua sorella Alysanne Targaryen, dalla quale ebbe 13 figli: Aegon, Daenerys, Aemon, Baelon, Alyssa, Maegelle, Vaegon, Daella, Saera, Viserra, Gaemon, Valerion e Gael. Aemon ebbe una figlia, Rhaenys, mentre Jaehaerys sposò suo figlio Baelon con sua figlia Alyssa, che ebbe tre figli: Viserys, Daemon e Aegon Targaryen. Dopo la morte improvvisa di Baelon, Jaehaerys convocò un Gran Concilio per decidere la linea di successione, e i lord alla fine nominarono erede il figlio maggiore di Baelon, Viserys. Il regno di Jaehaerys, durato 55 anni e in gran parte pacifico, terminò nel 103 d.C., all’età di 69 anni.

Viserys I Targaryen

Un altro dei primi re, Viserys I Targaryen, appare in House of the Dragon, interpretato da Paddy Considine. Regnò su Westeros dal 103 al 129 d.C. e cavalcò il drago Balerion, che purtroppo morì prima di vedere il suo cavaliere salire al Trono di Spade. Viserys non trovò mai un altro drago, ma ciò non gli impedì di essere un sovrano influente e uno dei più significativi nella storia di Westeros. La fine del regno di Viserys segna anche la fine dell’età dell’oro dei Targaryen e l’inizio della guerra civile dei Targaryen (nota anche come la Danza dei Draghi, e al centro di House of the Dragon). Come per la maggior parte dei leader, la questione della successione di Viserys fu contestata da più parti, tra cui sua figlia Rhaeneyra, il figlio primogenito Aegon e il fratello minore Daemon. Il successore di Viserys è Aegon II Targaryen nel romanzo Fire & Blood di George R.R. Martin, quindi sarà interessante vedere se House of the Dragon seguirà lo stesso percorso (soprattutto perché Aegon II non sembra avere un ruolo di primo piano nel materiale promozionale di House of the Dragon).

Rhaenyra Targaryen

Rhaenyra è la figlia di Viserys e della sua prima moglie, Aemma Arryn. È la sorellastra di Aegon II. I due contendenti al Trono di Spade hanno fatto precipitare Westeros in una guerra civile distruttiva che, proprio come gli eventi di Game of Thrones, ha finito per coinvolgere diversi pretendenti sia all’interno della famiglia Targaryen che al di fuori di essa. È interpretata da Emma D’Arcy in House of the Dragon, con Milly Alcock che interpreta la giovane Rhaenyra nelle scene che esplorano il suo rapporto con la seconda moglie di Viserys, Alicent Hightower. I trailer e il materiale promozionale di House of the Dragon suggeriscono che il conflitto di Rhaenyra con suo zio Daemon, piuttosto che con il figlio di Alicent, Aegon II, sarà il focus principale (almeno per la prima stagione). Nel materiale originale, Rhaenyra e Daemon finiscono per sposarsi. Suo zio è però il suo secondo marito. Si sposa prima con Laenor Velaryon (John MacMillan), che si vede insieme ad Alcock nel trailer, e ha dei figli. Rhaenyra è un personaggio centrale nell’adattamento di Dance of the Dragons e, insieme a Daemon, la sua rivalità con Alicent Hightower è considerata una trama fondamentale in House of the Dragon.

Daemon Targaryen

Dopo la morte di suo nonno, il cavaliere dei draghi Viserys I Targaryen salì al Trono di Spade. Rhaenyra fu ufficialmente nominata sua erede poco dopo, ma suo fratello minore Daemon (interpretato da Matt Smith in House of the Dragon) considerava il Trono di Spade un suo diritto di nascita. Il promo di House of the Dragon mette in risalto la rivendicazione al trono di Daemon e, con un nome famoso come quello di Matt Smith di Doctor Who nel ruolo, è chiaro che Daemon Targaryen è un personaggio principale nel prequel di Game of Thrones. Anche se nella prima stagione sembrano essere in contrasto, Daemon e sua nipote Rhaenyra alla fine appianano le loro divergenze nel tipico modo inquietante dei Targaryen: con una storia d’amore all’interno della famiglia. Rhaenyra era stata inizialmente data in sposa a Laenor Velaryon, mentre il principe Daemon aveva avuto due figlie dalla moglie Laena Velaryon (sorella di Laenor, per aggiungere ulteriore confusione e volgarità). Dopo la morte dei rispettivi coniugi, Rhaenyra e Daemon Targaryen si sposarono rapidamente. Rhaenyra e Daemon diedero presto alla luce un figlio, Aegon il Giovane. Tuttavia, l’animosità tra Rhaenyra e Alicent era diventata una vera e propria scissione all’interno dei Targaryen tra i “verdi” (i sostenitori di Alicent e di Aegon II) e i “neri” (i sostenitori di Rhaenyra). Rhaenyra fu dichiarata erede di Viserys alla sua morte nel 129 d.C., ma i verdi decisero di sostenere la pretesa del figlio maggiore, Aegon II Targaryen, dando così inizio alla guerra civile dei Targaryen. A quel punto, Daemon era fedele alla moglie, la regina Rhaenyra, quindi, se la serie televisiva seguirà fedelmente il materiale originale, Matt Smith non riuscirà a conquistare il Trono di Spade. House of the Dragon ha già apportato alcune modifiche, quindi non c’è alcuna garanzia che il Daemon sullo schermo condividerà la stessa lealtà del suo omologo sulla pagina.

Aegon II Targaryen

Alla morte di Viserys, Aegon II salì al trono, con la sua pretesa contestata dalla sorella Rhaenyra. I due divisero il regno durante le loro battaglie, con entrambi i Targaryen che perirono nella Danza dei Draghi. Aegon aveva sposato sua sorella Helaena, dalla quale aveva avuto due figli, entrambi morti durante la guerra in tenera età. Dopo la morte dei suoi figli, l’erede di Aegon divenne il figlio di Rhaenyra e Daemon, Aegon III Targaryen. Così, quando Aegon II morì nel 131 d.C., il Trono di Spade passò a suo nipote.

Aegon III Targaryen

Con la fine della Danza dei Draghi, Aegon il Giovane salì al Trono di Spade dopo la morte di sua madre, Rhaenyra, e di suo zio, Aegon II. Il regno di Aegon vide l’unità dei Sette Regni dopo la guerra civile, con l’aiuto di suo fratello e Primo Cavaliere, House of the Dragon‘s Viserys. Il re infelice era segnato dalla sua giovinezza durante la guerra civile, e i suoi 26 anni di regno furono caratterizzati da scarsa emotività, a meno che non si parlasse di draghi, che lo facevano infuriare poiché erano estinti durante il suo regno. Aegon III sposò prima sua cugina Jaehaera, che morì due anni dopo, apparentemente suicida. Sposò poi Daenaera Velaryon, dalla quale ebbe cinque figli: Daeron, Baelor, Daena, Rhaena ed Elaena. Quando Aegon il Giovane morì a 36 anni di tubercolosi, il Trono di Spade passò al figlio maggiore, il quattordicenne Daeron I Targaryen.

Daeron I Targaryen

Nel 159 d.C., Daeron I salì al trono come ottavo re nella storia della Casa Targaryen. Il suo breve regno, durato solo fino al 161 d.C., fu segnato dalla sua notevole invasione di Dorne, che terminò nel 158 d.C. quando il principe di Dorne e vari lord finalmente si inginocchiarono. La conquista di Dorne da parte del Giovane Drago portò comunque alla ribellione dei Dorniani, che ben presto vide il re diciottenne ucciso da decine di nemici. Non avendo figli, il trono di Daeron passò al fratello minore, Baelor.

Baelor I Targaryen

All’età di 17 anni, Baelor I Targaryen, meglio ricordato come Baelor il Benedetto, fu incoronato re del Westeros. Il primo atto di Baelor fu quello di perdonare gli assassini di suo fratello, il che provocò le proteste di molti lord del Westeros. Baelor fece presto pace con il Principe di Dorne sposando sua cugina Daeron con la principessa di Dorne della Casa Martell. Noto per la sua pietà, Baelor mise presto fuori legge la prostituzione, costruì il grande sept e divenne un septon. Baelor morì nel 171 d.C. dopo un digiuno di 40 giorni, quindi, non avendo figli che potessero succedergli, il Trono di Spade passò al fratello di suo padre, Viserys II, il figlio minore di Rhaenyra e Daemon Targaryen.

Viserys II

Avendo già ricoperto il ruolo di Primo Cavaliere dei due nipoti, Viserys II salì al trono con molta più esperienza e conoscenza del governo rispetto ai suoi predecessori. A Westeros si diceva che Viserys avesse avvelenato Baelor per ottenere il Trono di Spade, quindi la sua eredità non fu ricordata con affetto nella storia di Game of Thrones. Tuttavia, il suo regno durò solo un anno, poiché Viserys morì improvvisamente nel 172 d.C.

Aegon l’Indegno

A Viserys II succedette il figlio maggiore, Aegon IV Targaryen, noto come Aegon l’Indegno. Considerato uno dei peggiori re Targaryen nella storia di Game of Thrones, Aegon IV era famoso per il suo stile di vita eccessivo, il malgoverno e i numerosi figli illegittimi. All’età di 49 anni, l’obesità patologica di Aegon causò numerosi problemi di salute, che portarono il re a una morte brutale. Prima di morire, Aegon IV Targaryen legittimò i suoi figli bastardi, tra cui Daemon I Blackfyre (avuto dalla cugina Daena) e Brynden Rivers (il Corvo con Tre Occhi).

Daeron II Targaryen

Unico figlio legittimo di Aegon IV Targaryen, Daeron II salì al trono nel 184 d.C. affrontando numerose sfide da parte dei suoi fratelli bastardi recentemente legittimati, noti come la Ribellione dei Blackfyre. Daeron II è ricordato come uno dei migliori re di Game of Thrones, poiché aveva portato la pace nel regno unendo tutti i Sette Regni. Dopo aver sposato Myriah Martell, Daeron II ebbe quattro figli: Baelor, Aerys, Rhaegel e Maekar Targaryen. Verso la fine del regno di Daeron II, nel 209 d.C., Baelor fu ucciso accidentalmente dal fratello Maekar durante un processo dei sette. Il suo erede divenne quindi il figlio di Baelor, Valarr, anche se sia Daeron che Valarr morirono durante la Grande Morte Primaverile, lasciando Aerys come erede.

Aerys I Targaryen

Secondo figlio di Daeron II, Aerys I Targaryen divenne re del Westeros nel 209 d.C., dove era noto per il suo interesse per i libri e la tradizione. Durante il periodo degli studi, Aerys nominò suo zio Brynden Rivers Primo Cavaliere, lasciandogli il governo al suo posto. Il regno di Aerys nella storia di Game of Thrones fu caratterizzato dalle guerre contro le ribellioni dei Blackfyre. Non avendo figli, alla sua morte nel 221 d.C. la corona di Aerys passò al fratello minore, Maekar Targaryen.

Maekar I Targaryen

Figlio minore di Daeron II, Maekar I era noto per il suo giudizio severo, l’impazienza e l’abilità militare. Il suo regno è ricordato soprattutto per essere stato breve e pacifico. Maekar ebbe sei figli: Daeron, Aerion, Aemon, Daella, Aegon V e Rhae Targaryen. La discendenza di Maekar era in crisi quando i suoi due figli maggiori morirono prima di lui e lasciarono figli ritenuti inadatti a governare. Fu quindi convocato un Gran Concilio per decidere la successione, ma il suo terzo figlio, Maester Aemon di Il Trono di Spade, rifiutò il trono e dichiarò che doveva essere dato al fratello minore, Egg.

Aegon V Targaryen

Aegon V Targaryen, noto come “Egg”, era il fratello minore dell’amato maestro Amon di Game of Thrones. Aegon fu incoronato nel 233 d.C. e il suo primo atto fu quello di arrestare Bloodraven, che mandò ai Guardiani della Notte. In questo periodo anche suo fratello Aemon entrò a far parte dei Guardiani della Notte come maestro, dove in seguito strinse un forte legame con Jon Snow.

Il regno di Aegon fu segnato da un’altra ribellione dei Blackfyre e da numerose rivolte, anche se il re si concentrò in modo significativo sul miglioramento delle condizioni di vita della popolazione, introducendo molte riforme che fecero infuriare i lord. Aegon ebbe cinque figli dalla moglie Betha Blackwood: Duncan, Jaehaerys II, Shaera, Daeron e Rhaelle Targaryen. Duncan sarebbe diventato famoso per il suo matrimonio con Jenny di Oldstones, per la quale abdicò al trono di ferro. Sebbene disapprovasse la storia di incesti dei Targaryen, il figlio di Aegon, Jaehaerys, sposò segretamente sua figlia Shaera, che avrebbe ereditato il trono di ferro alla morte di Aegon nel 259 d.C.

Jaehaerys II Targaryen

Jaehaerys II Targaryen salì al trono per un regno di soli tre anni, durante il quale l’evento più significativo fu la Guerra dei Nove Penny, l’ultima delle Ribellioni di Blackfyre.

Il cavaliere di Game of Thrones Ser Baristan Selmy pose fine alla ribellione uccidendo Maelys il Mostruoso in battaglia, dopodiché Jaehaerys lo nominò membro della Guardia Reale. Dopo la sua morte nel 262 d.C., Jaehaerys fu succeduto dal figlio Aerys II, che aveva costretto a sposare sua figlia Rhaella.

Aerys II (Il Re Folle)/Rhaegar/Viserys Targaryen

Gli eventi che precedono direttamente la linea temporale di Il Trono di Spade riguardano il regno di re Aerys II Targaryen, meglio conosciuto nel regno come il Re Folle. Aerys era noto per la sua paranoia e la paura di essere avvelenato o che la vita dei suoi figli fosse minacciata, vedendo qualsiasi piccolo atto di sfida come una cospirazione contro di lui. Ben presto sviluppò un interesse per il fuoco e il fuoco greco, e Aerys puniva i criminali bruciandoli vivi. Aerys e sua sorella ebbero diversi figli, solo tre dei quali raggiunsero l’età adulta: Rhaegar, Viserys e Daenerys Targaryen.

Il figlio maggiore di Aerys II, Rhaegar, famoso in tutto il regno per il suo fascino e la sua abilità in battaglia, sposò presto Elia Martell. I due figli di Rhaegar ed Elia furono entrambi uccisi nel mondo di Game of Thrones durante la rivolta della Ribellione di Robert, iniziata dopo che Rhaegar aveva apparentemente rapito Lyanna Stark, promessa sposa di Robert Baratheon. Rhaegar fu poi ucciso in battaglia da Robert Baratheon, che lo uccise nella Battaglia del Tridente. La ribellione prese davvero forma dopo che Aerys II ordinò la morte di importanti lord e pianificò di bruciare l’intera città di Approdo del Re, ma Aerys fu presto ucciso da un cavaliere della sua Guardia Reale, Jaime Lannister. I figli piccoli di Aerys, Viserys e Daenerys Targaryen, furono esiliati a Pentos, dove rimasero dopo che Robert Baratheon usurpò il Trono di Spade.

Daenerys Targaryen/Jon Snow

Con Viserys desideroso di riconquistare il Trono di Spade, il suo piano in Il Trono di Spade iniziò quando sposò sua sorella Daenerys con Khal Drogo, interpretato da Jason Momoa. Tuttavia, Drogo uccise presto Viserys versandogli dell’oro fuso sulla testa, lasciando Daenerys come ultima erede Targaryen al Trono di Spade. Dopo aver conquistato un vasto seguito a Essos, la regina Targaryen cercò di rivendicare il Trono di Spade a Westeros, dove ricevette il sostegno di Jon Snow, Tyrion Lannister e Lord Varys. Daenerys sarebbe stata nominata Regina di Westeros solo per un breve periodo dopo aver saccheggiato Approdo del Re, dove avrebbe ucciso migliaia di innocenti mentre bruciava la città. La sua furia ha portato Jon Snow a ucciderla davanti al Trono di Spade, dopodiché è stata portata via dal suo drago, Drogon. Poco prima che Daenerys salisse al Trono di Spade, è stato rivelato che Jon Snow era in realtà il figlio legittimo di Rhaegar Targaryen e Lyanna Stark, rendendolo il vero erede come Aegon VI Targaryen. Tuttavia, fu convocato un Grande Consiglio che nominò Bran Stark re del Westeros, ponendo fine ancora una volta al regno dei Targaryen, con il finale di Il Trono di Spade che vede Jon mandato oltre la Barriera per vivere con i liberi.

 
 

The Handmaid’s Tale – Stagione 6, Episode 7: la spiegazione del finale

Di
Redazione
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The Handmaid's Tale - Stagione 6, Episode 7

The Handmaid’s Tale stagione 6, episodio 7 è finalmente arrivato, ed ecco cosa succede alla fine del nuovo episodio mentre ci avviciniamo alla fine della serie. The Handmaid’s Tale stagione 6, episodio 6 si è concluso con una rivelazione devastante, con June che scopre che Nick l’ha tradita raccontando al comandante Wharton il piano di Jezebel di Mayday. L’episodio 7 riprende subito dopo questa rivelazione, con June e Mayday che devono trovare un nuovo modo per colpire Gilead e i suoi Comandanti prima che The Handmaid’s Tale giunga al termine.

L’episodio 7 si apre con June e Nick ancora nell’armadio di Serena Joy, con June ancora sconvolta dal tradimento di Nick. Nel frattempo, il comandante Wharton ha inviato alcuni uomini armati di Gilead al Jezebel, che hanno chiuso il bordello e ucciso tutte le donne (tranne Janine). Wharton e Serena Joy continuano a pianificare il loro matrimonio, il che apre una nuova opportunità per June. June propone a Mayday di mettere in atto il loro piano al matrimonio del comandante Wharton, dando loro l’opportunità di sferrare un colpo finale a Gilead.

Zia Lydia troverà June e Moira?

Zia Lydia vive un’altalena emotiva nell’episodio 7 della sesta stagione di The Handmaid’s Tale, quando trova le donne morte da Jezebel, solo per scoprire in seguito che Janine è ancora viva. Sebbene zia Lydia stia ancora attraversando il suo percorso di redenzione, è indubbiamente ancora dalla parte di Gilead. Pertanto, è contro June, Moira e Mayday. Verso la fine dell’episodio, zia Phoebe emerge in un corridoio dopo una conversazione segreta con June e Moira. Zia Lydia la sorprende e la interroga con sospetto. Phoebe tiene duro, mentre Lydia sembra ancora avere il vago sospetto che stia succedendo qualcosa.

Prima che la scena finisca, zia Lydia guarda attraverso la finestra della porta da cui è uscita Phoebe, segnalando che non si fida completamente di lei. Tuttavia, le possibilità che Lydia trovi June e Moira sono scarse. Lydia dice a Phoebe che deve andare a Washington D.C., lasciando a lei i preparativi per le Ancelle prima del matrimonio. Questo significa che Lydia sarà per lo più esclusa dal piano di Mayday. Senza Lydia a ficcare il naso, la parte dell’attacco che spetta alle ancelle sarà molto più facile, dato che Lydia non ne saprà nulla.

Cosa significa la citazione biblica di June alla fine dell’episodio 7 della sesta stagione di The Handmaid’s Tale

Dopo la conversazione con zia Phoebe, June e Moira si siedono insieme alla fine dell’episodio. June dice a Moira che sono lì per combattere per Janine e le altre donne. Moira chiede a June di dire qualcosa di incoraggiante, spingendola a citare diversi versetti della Bibbia. Prima recita il Salmo 23:1, poi passa al versetto 4, saltando alla fine del versetto 5 e recitando tutto il versetto 6. Conclude poi con una sua aggiunta, che può essere letta qui:

Il Signore è il nostro pastore: non mancheremo di nulla. Ma anche se camminiamo nella valle dell’ombra della morte, non temeremo alcun male, perché tu sei con noi. Tu ci conforti nella presenza dei nostri nemici. La nostra coppa trabocca. Sicuramente la bontà e la misericordia ci seguiranno tutti i giorni della nostra vita, e noi abiteremo nella casa del Signore per sempre. E per favore, caro Dio, dacci la forza di uccidere quei maledetti figli di puttana.

Il rapporto di June con il cristianesimo è stato interessante in tutto The Handmaid’s Tale. Sebbene provi risentimento per il fatto che la religione sia il principio fondamentale di Gilead, lo ha anche usato per ispirare se stessa e gli altri. Questi versetti della Bibbia sembrano essere una preghiera di June affinché Dio sia dalla loro parte durante l’attacco al matrimonio di Serena Joy. Citare la Bibbia implica che June sa che sono loro i giusti in questa battaglia, ma che si tratta di una battaglia in salita.

Chi è la zia Phoebe di D’Arcy Carden?

The Handmaid’s Tale stagione 6, episodio 7 introduce un nuovo personaggio interpretato da D’Arcy Carden: zia Phoebe. Zia Phoebe sembra spuntare dal nulla e, sebbene sia un’aggiunta tardiva a The Handmaid’s Tale, è un personaggio importante. La si vede lavorare con June e Moira durante tutto l’episodio, aiutandole a pianificare l’attacco al matrimonio di Serena Joy. Nel frattempo, Phoebe viene anche utilizzata per distrarre zia Lydia, impedendole di indagare e rovinare i piani delle Ancelle.

Sebbene ci siano ancora molte domande che circondano zia Phoebe, è chiaramente una spia di Mayday. Non è noto se Mayday abbia trasformato una zia o se siano riusciti a far promuovere una delle loro al ruolo di zia. In ogni caso, una spia all’interno di Gilead come zia Phoebe è uno strumento inestimabile, essendo lei la chiave per orchestrare e portare a termine il futuro attacco al matrimonio di Serena Joy.

Il piano di June per il matrimonio di Serena Joy spiegato

Anche se non sarà a Jezebel, June ha trovato un nuovo modo per uccidere alcuni dei comandanti più potenti di Gilead. In una conversazione con il comandante Lawrence, quest’ultimo incoraggia June a continuare a lottare, raccontandole della sopravvivenza di Janine e del matrimonio di Serena Joy. Questo porta June a una conclusione: possono attaccare il matrimonio di Serena Joy. June capisce quindi che, dato che le Ancelle saranno al matrimonio di Serena Joy, possono usarle per sferrare un attacco contro i comandanti.

June capisce quindi che, dato che le Ancelle saranno presenti al matrimonio di Serena Joy, possono usare le Ancelle per sferrare un attacco contro i comandanti.

Lawrence spiega che, dato che Gilead ha appena sventato il piano di Jezebel di Mayday, la loro fiducia sarà alta e le loro difese saranno abbassate. June afferma anche che le Ancelle, velate e invisibili, sono l’arma perfetta contro Gilead. Ha intenzione di contrabbandare armi per le Ancelle, avvolgendo i coltelli in pezzi di stoffa insieme a June e Moira. Poiché le bombe dell’attacco precedente sono ancora al loro posto, possono ancora essere utilizzate, consentendo all’esercito americano di invadere Gilead. La maggior parte delle guardie sarà stata spostata dal confine al matrimonio, lasciando Boston senza protezione.

Janine potrà essere salvata in The Handmaid’s Tale?

Una delle missioni secondarie di June negli ultimi episodi di The Handmaid’s Tale è quella di salvare Janine. Janine è sopravvissuta al massacro delle donne da Jezebel grazie al fatto di essere una delle preferite del comandante Bell, un cliente abituale. Janine è ora l’ancella del comandante Bell. Sfortunatamente, quando zia Lydia decide di controllarla, scopre che Janine è stata picchiata selvaggiamente. Il comandante Bell la tratta con durezza a causa del suo spirito ribelle, impedendole persino di uscire di casa per il matrimonio di Serena Joy.

Dato che Janine non sarà al matrimonio, sarà incredibilmente difficile salvarla. Non appena avverrà l’attacco, Gilead sarà senza dubbio blindata. Mayday non considererà Janine abbastanza preziosa da rischiare di salvarla, e sarà difficile per June raggiungere Janine dopo l’attacco. A meno che non cambi qualcosa, ci vorrà un miracolo perché Janine venga salvata entro la fine della sesta stagione di The Handmaid’s Tale.

 
 

A Deadly American Marriage: Il caso Jason Corbett, la storia vera dietro al film

Di
Redazione
-
A Deadly American Marriage: Il caso Jason Corbett, la storia vera

A Deadly American Marriage: Il caso Jason Corbett sta per diventare la tua prossima ossessione in fatto di crimini reali. Il documentario Netflix approfondisce l’affascinante e devastante storia vera di Jason Corbett, un irlandese vedovo e padre di due figli ucciso dalla sua nuova moglie americana, Molly Martens, e dal padre di lei, Thomas Martens, nel 2015. Due anni dopo, i due sono stati condannati per omicidio di secondo grado, ma le condanne sono state ribaltate in appello.

Nel 2023, Molly non ha contestato l’accusa e Thomas si è dichiarato colpevole del reato minore di omicidio volontario. Sono stati rilasciati dal carcere nel giugno 2024. Con interviste a Molly, Thomas e ai figli di Jason, Jack e Sarah, il documentario offre una nuova e complessa prospettiva sul caso, lasciando allo spettatore il compito di decidere cosa credere realmente. La coppia si è trasferita in North Carolina con Jack e Sarah, dove si sono sposati davanti ad amici e parenti nel 2011.

La notte dell’omicidio di Jason Corbett

La coppia ha vissuto insieme per i successivi anni fino al 2 agosto 2015, quando Jason è stato ucciso nella loro casa. Questo è tutto ciò che sappiamo con certezza, perché anni di battaglie legali e questo nuovo documentario Netflix hanno dimostrato una cosa: forse non sapremo mai esattamente cosa è successo quella notte.

Ciò che sembra chiaro è che è scoppiata una lite tra Jason, Molly e suo padre Thomas, ex agente dell’FBI. E che Jason è morto quella stessa notte.

Le domande senza risposta di A Deadly American Marriage

Da sinistra: Tracey Corbett-Lynch e Sarah Corbett Lynch. Da Un matrimonio americano mortale. Cr. Per gentile concessione di Netflix © 2025 Netflix

Il documentario solleva molte domande sullo stato della relazione tra Molly e Jason, ad esempio l’affermazione di Molly secondo cui lui la controllava in modo coercitivo.

Thomas sembra confermare le accuse della figlia nel documentario. “Molly stava diventando l’ombra di se stessa. Non era più felice”, ha detto. “Non era più sicura di sé. Sembrava abbattuta. Non mi rendevo conto della portata e della gravità degli abusi domestici, ma ora sì”.

Durante il primo processo, Thomas ha dichiarato di non essere a conoscenza di alcun episodio di abuso prima dell’incidente del 2 agosto 2015. Molly ha scelto di non testimoniare in sua difesa, ma i dettagli sui presunti abusi di Jason nei confronti di Molly sono stati esaminati più approfonditamente durante l’udienza di condanna nel 2023.

Nelle prime interviste, Jack e Sarah hanno affermato che il padre era stato violento. Tuttavia, in seguito hanno ritrattato quelle dichiarazioni e hanno persino detto che Molly aveva istruito loro cosa dire agli investigatori. Dopo che Jack e Sarah hanno letto in tribunale nel 2023 una dichiarazione sull’impatto della vittima, in cui accusavano Molly di averli istruiti in precedenza, un avvocato difensore di Molly ha detto: “Penso che sia stato molto difficile da ascoltare. Penso che se vi foste seduti ad ascoltare tutte le prove, tutti i video, avreste capito che Molly ha fatto del suo meglio per crescere quei bambini come una madre surrogata”.

La famiglia, gli amici e i vicini di Jason, tuttavia, dipingono un quadro diverso nel documentario. Essi accusano Molly di aver inventato bugie elaborate, come quella di aver detto ai vicini di aver dato alla luce Sarah. Affermano inoltre che c’era tensione tra Jason e Molly a causa del desiderio di lei di adottare Jack e Sarah, cosa a cui Jason sembrava opporsi, poiché avrebbe permesso a Molly di ottenere legalmente la tutela dei bambini in caso di divorzio. “Non fatevi ingannare dalla maschera di civiltà di Molly Martens”, ha detto Jack nella sua dichiarazione come vittima. “Mi ha sistematicamente distrutto e mi ha riempito di bugie. Voglio essere chiaro, non ho mai visto mio padre picchiare Molly Martens, mai”.

Jack dice nel documentario che ora non prova “alcun sentimento” verso Molly. “Non la odio, semplicemente non voglio più darle alcun potere su di me”, ha detto. “Mio padre era il mio eroe. Era qualcuno che ammiravo. Era il mio migliore amico”.

 
 

Nonnas: la spiegazione del finale del film

Di
Gianmaria Cataldo
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Nonnas spiegazione finale
Vince Vaughn, Lorraine Bracco, Talia Shire e Brenda Vaccaro in Nonnas. Foto di Jeong Park/Netflix - © 2025 Netflix, Inc.

Diretto da Stephen Chbosky (regista di Noi siamo infinito), Nonnas segue il protagonista interpretato da Vince Vaughn, Joe, mentre cerca di superare la morte della madre aprendo un ristorante che impiega solo nonne nella cucina. Il film è ispirato all’esperienza personale di Vaughn che ha mangiato nel vero ristorante su cui è basata la storia, creando un film molto dolce e divertente che tocca temi come la perdita, la famiglia e la comunità nella sua esilarante sceneggiatura.

La maggior parte del lungometraggio ruota attorno alle difficoltà di Joe nel trasformare il suo ristorante in un successo. Ci sono infatti diversi ostacoli professionali e personali che deve superare quando apre l’Enoteca Maria, che portano a quella che dovrebbe essere l’ultima serata di vita del ristorante prima che la fortuna del personaggio di Vaughn e la sua passione cambino. La posta in gioco narrativa è piuttosto bassa, ma la fine di Nonnas supera la sua storia prevedibile con una narrazione più toccante e agrodolce sulla famiglia, la perdita e il dolore in modo naturale.

Perché Durant finalmente recensisce il ristorante di Joe

Alla fine di Nonnas, Joe fa un tentativo disperato per convincere un acclamato critico gastronomico di nome Edward Durant a mangiare all’Enoteca Maria e convincere il suo pubblico che il ristorante merita una possibilità. Anche se Durant è inizialmente titubante e dice a Joe che è al completo fino a gennaio, manda segretamente uno dei suoi dipendenti alla festa di chiusura. Questa decisione sembra inizialmente fuori dal carattere del severo critico, ma è chiaro che è stato conquistato dal discorso emotivo di Joe.

Nello studio televisivo, Joe ricorda a Durant perché le persone vanno a cena fuori: non si tratta solo del cibo, ma dell’esperienza condivisa di mangiare insieme alle persone che ami e lasciare che il cibo crei un ricordo. Durant, essendo una persona la cui vita ruota attorno al settore alimentare, apprezza chiaramente l’onestà di Joe e decide di dargli una possibilità. Il fatto che Joe abbia cercato di corromperlo con secchielli pieni di dolci fatti in casa non guasta, ma non è questo il motivo per cui Durant ha scritto la recensione. Egli ha scelto di sostenere Joe e, fortunatamente, gli è piaciuto ciò che Enoteca Maria aveva da offrire.

Susan Sarandon, Lorraine Bracco, Talia Shire e Brenda Vaccaro in Nonnas
Susan Sarandon, Lorraine Bracco, Talia Shire e Brenda Vaccaro in Nonnas. Foto di Jeong Park/Netflix – © 2025 Netflix, Inc.

Cosa comunica Olivia a Joe nella scena finale

La dinamica tra Joe e Olivia (Linda Cardellini) passa in secondo piano per la maggior parte di Nonnas, poiché Olivia sta soffrendo per la recente perdita del marito e Joe non vuole intromettersi. Tuttavia, dopo un utile consiglio di Antonella (Brenda Vaccaro), decide di ricreare il loro ballo di fine anno del liceo nel tentativo di conquistarla. Joe è sempre attento a non oltrepassare il limite, incoraggiando Olivia a fare la prima mossa quando sarà pronta.

Questo contesto è importante per capire perché Joe bacia finalmente Olivia nella scena finale del film: non sta infrangendo il loro tacito accordo, ma piuttosto sta rispondendo alla decisione di Olivia di spostare la fede nuziale sull’altra mano, comunicando sottilmente che è pronta a voltare pagina rispetto al suo precedente matrimonio e a dare a Joe un’altra possibilità. È un piccolo dettaglio che è molto facile trascurare, ma l’intesa dietro le quinte del cast di Nonnas rende tutte queste piccole interazioni molto più reali.

Perché Joe vede sua madre al pasto di chiusura

Durante quella che dovrebbe essere l’ultima serata al ristorante di Joe, il protagonista porta la sua nuova famiglia fuori dalla cucina e incoraggia tutti i clienti ad applaudirli. È un momento molto toccante che rafforza i temi del film della famiglia ritrovata e della comunità, ma contiene anche una delle scene più sorprendenti di Nonnas: durante gli applausi, Joe guarda le nonne e vede un’immagine di sua madre.

Sebbene la madre di Joe non sia realmente lì, il fatto che lui pensi a lei in quel momento dimostra che tutto ciò che ha fatto è stato in sua memoria. Joe trascorre gran parte di Nonnas preoccupato di non essere all’altezza della memoria di sua madre, o che lei non sarebbe orgogliosa delle sue decisioni. Questo momento gli permette finalmente di accettare che lei avrebbe amato il ristorante e gli amici che si è fatto lungo il percorso.

Linda Cardellini in Nonnas
Linda Cardellini in Nonnas. Foto di Jeong Park/Netflix – © 2025 Netflix, Inc.

Perché gli abitanti del posto evitano il ristorante di Joe (e perché cambiano idea)

In tutto Nonnas, uno dei maggiori problemi che Joe deve affrontare è la mancanza di clienti nel suo ristorante. Utilizza diversi metodi creativi per cercare di attirare la clientela, come distribuire volantini per strada e invitare i suoi amici a essere i primi assaggiatori, ma nulla sembra funzionare. Alla fine, diventa chiaro che la popolazione italiana di Staten Island sta boicottando il suo ristorante perché crede che lui stia usando la loro cultura come espediente per sembrare creativo.

C’è anche il fatto che il nuovo ristorante di Joe si trova nello stesso edificio di un famoso ristorante italiano il cui proprietario, un membro molto amato della comunità, è recentemente scomparso. Questo è il motivo per cui molti abitanti del posto sono riluttanti a mangiare all’Enoteca Maria, e ciò danneggia seriamente le prospettive di Joe per la maggior parte del film.

Alla fine, è il messaggio d’amore e di comunità che convince la gente del posto a dare una possibilità al ristorante. Si rendono conto che lui ha sinceramente a cuore questa cultura, non solo perché gli ricorda sua madre, ma anche per la passione con cui considera il cibo come un mezzo per condividere ricordi e ricordare coloro che abbiamo perso nel corso della vita. È un messaggio molto potente che gli italiani di Staten Island imparano insieme al pubblico man mano che il film procede, ed è uno dei motivi principali per cui Nonnas sta ottenendo ottime recensioni.

Susan Sarandon, Lorraine Bracco, Brenda Vaccaro e Talia Shire in Nonnas
Susan Sarandon, Lorraine Bracco, Brenda Vaccaro e Talia Shire in Nonnas. Foto di Jeong Park/Netflix – © 2025 Netflix, Inc.

Il ristorante di Joe avrà successo?

Sebbene Nonnas finisca senza chiarire se il ristorante di Joe avrà successo o meno, non è difficile intuire che le cose stanno chiaramente migliorando per il protagonista del film. La recensione di Edward Durant ha dato alla sua attività la spinta di cui aveva bisogno e la gente del posto ha finalmente capito che il suo ristorante è più di un semplice investimento finanziario: è un’espressione d’amore per la comunità che gli ricorda la sua defunta madre.

In tutto il film Nonnas, Joe ha il compito di far capire alle persone quanto questa attività sia importante per lui. Quando esce la recensione di Durant, ha già impressionato abbastanza persone da convincerle a visitare il ristorante e, di conseguenza, a garantirne il futuro, nonostante le difficoltà finanziarie che senza dubbio lo attendono. Vince Vaughn offre una delle sue migliori interpretazioni in Nonnas, ed è chiaro dalla sua tenacia e dal suo cuore che Joe non lascerà sfuggire di nuovo questo sogno.

Il vero significato del finale di Nonnas

In definitiva, Nonnas è una storia su come l’amore e l’amicizia si coltivano nei momenti di esperienza condivisa, e la cucina è un modo perfetto per raggiungere questo obiettivo. Dalle ricette di famiglia tramandate di generazione in generazione, al modo in cui queste nonne dal carattere forte superano i loro conflitti in cucina e imparano invece a condividere le loro culture, l’intero film è una grande celebrazione del potere del cibo. Il finale di Nonnas si appoggia proprio a questa idea: Joe non riesce ad aprire il suo ristorante solo con i soldi e l’ambizione, ma una volta imparate lezioni importanti sulla famiglia e la cultura, il successo arriva.

 
 

Elsbeth – Stagione 2, la spiegazione del finale: Kaya dice addio (per ora)

Di
Redazione
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Elsbeth - Stagione 2 finale

C’è molto da analizzare dopo il finale della seconda stagione di Elsbeth, ma Tascioni supera alcuni importanti ostacoli recenti mentre la polizia di New York nel suo complesso dice addio a uno dei suoi membri. È stata una stagione divertente, che ha permesso di godersi le imprese di Tascioni per il doppio degli episodi. E la serie è riuscita a reggersi sulle proprie gambe senza bisogno di ricorrere alle apparizioni di The Good Wife in Elsbeth per consolidare il proprio successo. Ci sono stati anche alcuni cambiamenti nel cast di Elsbeth, alcuni piacevoli, altri agrodolci.

Ma mentre gran parte del finale è relativamente autonomo, ci sono almeno alcuni cambiamenti che potrebbero avere conseguenze durature. Dopo la scena finale, è chiaro che la terza stagione di Elsbeth sarà un po’ diversa, anche se il finale della seconda stagione di Elsbeth torna abbastanza allo status quo da non far preoccupare i fan che la serie possa perdere la sua identità. Non sarà facile trovare il giusto equilibrio, ma i punti salienti della trama del finale mostrano esattamente come la serie riuscirà nell’impresa.

Elsbeth distrugge un’intera prigione (per buoni motivi)

I detenuti ora la odiano ancora di più

Il personaggio di Tracey Ullman in Elsbeth, Marilyn Gladwell, aveva precedentemente detto a Tascioni che doveva stare attenta a una situazione che coinvolgeva una figura vestita con una tunica nera. Inizialmente sembrava che Elsbeth potesse essere in pericolo fisico, ma non le è successo nulla prima della morte di Crawford. Questo perché il vero pericolo di un uomo come il giudice Crawford era che aveva delle conoscenze in grado di piegare la legge al proprio volere, ed è proprio così che Elsbeth è finita in prigione. Fortunatamente per il suo lato curioso, è arrivata proprio prima che il suo primo sospettato, Alex Modarian, venisse assassinato nella biblioteca della prigione.CorrelatiElsbeth è ormai vicina alla perfezione come spin-off di The Good Wife – Manca solo una cosaElsbeth è già una serie fantastica, ma c’è una cosa che potrebbe prendere sia da The Good Wife che da The Good Fight per sentirsi davvero completa.1

Essendo Elsbeth quella che è, la mancanza di risorse della polizia non le avrebbe impedito di indagare sul caso. Con l’aiuto di diversi detenuti che la odiano per averli messi in prigione, Elsbeth è riuscita a ricondurre l’omicidio di Modarian al direttore Mama Martin, che ha ucciso Alex per impedirgli di rivelare il suo mercato nero nella prigione. Ironia della sorte, però, Martin, ora arrestato, era anche responsabile dei privilegi speciali dei detenuti, come il teatro e l’artigianato. Proprio mentre Elsbeth stava diventando amica dei suoi ex sospettati, questi ora la vedono come la donna che ha portato via loro le poche libertà rimaste.

Come Wagner e Blanke fanno uscire Elsbeth di prigione

Elsbeth - Stagione 2

Ci vuole l’aiuto di alcuni alleati familiari

Mentre Elsbeth si diverte un mondo a giocare alla detective tra le mura della prigione, Kaya e Wagner stanno facendo tutto il possibile per tirarla fuori. E il tempo stringono perché Kaya deve partire presto per l’addestramento della task force e non potrà salutare Elsbeth a meno che non riescano a tirarla fuori in pochi giorni. Wagner cerca di convincere il giudice Dousant ad archiviare il caso, ma lui continua a incolparla per la morte del suo amico Crawford.

Alla fine, Wagner non riesce a ottenere nulla da solo. Kaya e Wagner riescono a rivedere Elsbeth in libertà, ma solo con un piccolo aiuto. Innanzitutto, Teddy indaga sul caso Mertens e scopre che Edwin Dousant avrebbe dovuto occuparsi del caso prima di ricusarsi e lasciare il posto a Milton Crawford. Da lì, l’agente Chandler scopre che Dousant ha lasciato la toga per un viaggio pagato dalla Historical Law Society, dove risiede gran parte dell’influenza di Crawford. Dousant alla fine si convince della colpevolezza di Crawford e non perde tempo a ritirare le accuse contro Elsbeth.

Elsbeth dice addio a Blanke (spiegato il suo futuro nella terza stagione)

Con la recente rivelazione che Kaya lascerà il distretto di Wagner per unirsi alla task force sotto copertura del capitano Kershaw, non sorprende che Kaya Blanke, interpretata da Carra Patterson, lasci Elsbeth come personaggio fisso della serie. Fortunatamente, Kaya tornerà nella terza stagione di Elsbeth in un ruolo più limitato come guest star ricorrente. Tascioni ha inizialmente faticato ad accettare la notizia, ma alla fine ci riesce nella commovente scena finale della seconda stagione di Elsbeth, in cui riconosce che Kaya sta andando dove c’è più bisogno di lei in questo momento.

Non è chiaro se Kaya tornerà solo per visite amichevoli o se la sua task force apparirà in almeno un episodio. Tuttavia, il suo addio a Elsbeth si concentra sui momenti in cui non sarà affatto presente. Kaya dice a Elsbeth di guardarsi intorno ogni volta che si sente sola e di immaginare la persona più vicina come Blanke sotto copertura, cosa che Elsbeth accetta di provare con tutto il cuore. È un momento commovente, ma che dimostra quanto Kaya abbia capito e accettato la natura più fantasiosa della sua amica.

In che altro modo la seconda stagione di Elsbeth prepara la terza

Durante il brindisi, Elsbeth accenna al fatto che ha pensato di lasciare New York, cosa che la detective Samantha Edwards interpreta immediatamente come un desiderio di rivedere il personaggio di Ioan Gruffudd, Angus, per continuare la loro storia d’amore. Questo suggerisce un’idea originale per un episodio della serie, poiché implica che Elsbeth potrebbe volare in Scozia per vedere Angus invece di farlo venire a trovarla a New York. Se lo facesse, ci si potrebbe aspettare che lì scopra un omicidio. E mentre è a New York, non è da escludere un episodio che coinvolga la task force di Kaya.

Il finale della seconda stagione di Elsbeth introduce anche alcuni potenziali nuovi alleati per la terza stagione. La guardia carceraria Rocco ha espresso interesse a unirsi al distretto di Wagner e ha persino effettuato l’arresto finale di Mama Martin. Se Elsbeth mette una buona parola per lui, potrebbe ricomparire con un nuovo ruolo. Ancora più importante, il fatto che Dousant abbia riconosciuto la colpevolezza di Crawford significa che Elsbeth potrebbe avere un alleato in tribunale per future indagini sulla corruzione. Crawford ha ancora molti amici che non sono fan di Tascioni, quindi avrà bisogno di tutto l’aiuto possibile.

Cosa aspettarsi dalla terza stagione di Elsbeth

New York ha ancora molta corruzione da combattere

Sebbene la serie possa prendere qualsiasi direzione, ci sono alcune cose che vale la pena aspettarsi. Elsbeth ha cambiato il suo formato procedurale numerose volte nella seconda stagione, con episodi in cui l’assassino non veniva mai catturato o in cui l’assassino era sconosciuto al pubblico fino alla fine. Ci si può aspettare che la serie giochi ancora di più con il suo formato nella terza stagione di Elsbeth, includendo naturalmente guest star ancora più fantastiche. Nel frattempo, Wagner e Connor continueranno probabilmente la loro ricerca di un nuovo partner per Elsbeth, supponendo che lei non sia semplicemente felice di passare da un agente all’altro tra quelli già presenti nel cast.

Inoltre, il decreto di consenso di Elsbeth significa che la sua presenza nella serie richiede almeno una trama importante sulla corruzione in ogni stagione. Che Dousant torni come alleato o che il cattivo sia uno degli amici di Crawford, la terza stagione di Elsbeth troverà quasi certamente un modo per introdurre un cattivo corrotto ancora più imponente del giudice Crawford. E quando Kaya non sarà lì ad aiutare Elsbeth nella sua ultima battaglia, lei potrà sempre contare su Teddy e tutti i suoi amici rimasti nella polizia di New York per assisterla nella sua lotta senza fine per la verità.

 
 

Peacemaker – Stagione 2: il primo trailer rivela l’apparizione di Nathan Fillion

Di
Redazione
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Peacemaker - stagione 2 trailer nathan fillion

DC Studios debutta con il primo teaser trailer ufficiale della seconda stagione di Peacemaker, che apre un nuovo capitolo della saga di Christopher Smith nell’universo DC. Sono passati più di tre anni dalla fine della prima stagione di Peacemaker, ma l’attesa per il ritorno di John Cena nel mondo dei supereroi è quasi finita, dato che la serie tornerà questo autunno. Con la seconda stagione di Peacemaker che entra a far parte della timeline DCU, i fan non vedono l’ora di scoprire come l’ex serie DCEU si inserirà nel nuovo franchise di James Gunn.

Ora, DC Studios e Max hanno ufficialmente pubblicato il nuovo trailer della seconda stagione di Peacemaker, che mostra il personaggio titolare interpretato da Cena e la sua squadra mentre entrano nel prossimo capitolo. Guardalo qui sotto:

La data di uscita

Peacemaker – stagione 2 è ufficialmente prevista per giovedì 21 agosto, più di un mese dopo l’uscita nelle sale del film Superman di Gunn. Gunn ha anche condiviso il primo poster della seconda stagione di Peacemaker, che potete trovare qui sotto:

 

Il poster della seconda stagione di Peacemaker mostra il personaggio DC di Cena in tenuta da combattimento, mentre lui e la sua aquila domestica, Eagly, sono raffigurati fronte a fronte. Come la prima stagione, anche la seconda stagione di Peacemaker sarà composta da otto episodi.

Cosa rivela il trailer della seconda stagione di Peacemaker

john cena e Danielle Brooks in Peacemaker - Stagione 2

Una delle novità più importanti del trailer della seconda stagione di Peacemaker è la comparsa di tre membri del cast di Superman. Sebbene brevi, Guy Gardner di Nathan Fillion e Hawkgirl di Isabela Merced fanno parte dell’intervista ai supereroi di Peacemaker per Maxwell Lord, rivelando il primo sguardo al nuovo personaggio DCU di Sean Gunn. Il trailer include anche Rick Flag Sr. di Frank Grillo, che sarà anche in Superman, rendendolo il quarto membro del cast del film. La sua caccia a Peacemaker viene mostrata dopo che quest’ultimo ha ucciso Rick Flag Jr. in The Suicide Squad.

Mentre il trailer della seconda stagione di Peacemaker è fortemente incentrato sul team che cerca di trovare il proprio posto nel mondo dopo gli eventi della prima stagione, nelle immagini potrebbe essere stato finalmente svelato un indizio importante sul cambiamento dell’universo DCU. Verso la fine, il personaggio di Cena si trova di fronte a un altro Peacemaker, che potrebbe essere un doppelgänger proveniente da un’altra Terra o un clone, poiché al momento non è chiaro chi o cosa sia il nuovo personaggio simile a Cena. Sebbene non sia confermato, la seconda stagione di Peacemaker potrebbe suggerire che il concetto di multiverso avrà un ruolo importante nel ritorno della serie.

Il filmato della seconda stagione di Peacemaker offre anche alcuni scorci di altri nuovi membri del cast, tra cui Tim Meadows nel ruolo dell’agente ARGUS Langston Fleury e Sol Rodríguez nel ruolo del personaggio legato a Batman Sasha Bordeaux. Pur senza rivelare mai il suo nome, un personaggio misterioso che si vede evocare fiamme sembra essere interpretato da Michael Rooker, che ha lavorato con Gunn in diversi progetti, tra cui la serie Guardiani della Galassia. Al di là della trama, il teaser trailer della seconda stagione di Peacemaker mostra anche molti degli elementi d’azione che il pubblico potrà aspettarsi nella nuova stagione.

 
 

The Last Of Us – Stagione 2, Episodio 5, la spiegazione del finale: perché Ellie fa così

Di
Redazione
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the last of us - season 2 episode 5

La quinta puntata della seconda stagione di The Last of Us è finalmente arrivata, ed ecco spiegato tutto quello che succede alla fine, compreso il motivo per cui Ellie compie quell’azione brutale. La seconda stagione di The Last of Us ha superato il primo giorno di Ellie a Seattle e ha iniziato a concentrarsi sulla battaglia di Ellie contro la WLF, con lei e Dina che trascorrono l’episodio 5 alla ricerca di Abby e dei suoi amici della WLF. La ricerca di vendetta di Ellie sta diventando sempre più pericolosa con il passare del tempo, ma questo non la ferma, dato che si avvicina alla sua vendetta su Abby mentre la seconda stagione di The Last of Us volge al termine.

Dopo un altro nuovo flashback, l’episodio 5 della seconda stagione di The Last of Us segue Ellie e Dina mentre lasciano il teatro e si dirigono verso l’ospedale di Lakehill. Le due ragazze sono un po’ troppo sicure di sé, poiché si ritrovano intrappolate mentre affrontano un’orda di Stalker. Fortunatamente, vengono salvate da una figura sorprendente: Jesse. Sfortunatamente, il rumore degli spari ha allertato la WLF sulla loro posizione, dando il via a un inseguimento massiccio. Il WLF insegue il trio in un parco, dove incontrano i Seraphites. Ellie distrae i Seraphites per aiutare Dina ferita, portando a un altro incontro con il WLF.

Perché Ellie picchia a morte Nora in The Last of Us stagione 2, episodio 5

Dopo aver eluso i Seraphiti, Ellie torna a Lakehill da sola. All’interno, incontra la prima delle amiche di Abby: Nora. Riconoscendola, Ellie la punta con la pistola e le chiede dove si trova Abby. Nora ha brevemente la meglio e riesce a scappare. Ellie insegue Nora nei livelli inferiori dell’ospedale, solo per scoprire che sono stati invasi dalle spore.

Nora inizia a essere infettata, mentre Ellie, immune, continua a interrogarla. Dopo che Nora si rifiuta di fornire informazioni su dove si trova Abby, Ellie la picchia violentemente con un tubo che trova lì vicino. L’aggressione di Ellie nei confronti di Nora dimostra quanto sia diventata violenta, sintomo del suo desiderio di vendetta.

Ellie picchia Nora nel tentativo di costringerla a darle informazioni su Abby, un piano che fallisce dopo due colpi. Dopo il terzo colpo di Ellie, l’episodio si interrompe, lasciando nel mistero se Ellie l’abbia uccisa. Tuttavia, è chiaro che la violenza di Ellie era sia una tattica di negoziazione che una forma di vendetta, dato che Nora era uno dei membri del WLF che aveva aiutato a uccidere Joel.

Ellie sa cosa ha fatto Joel all’ospedale nella prima stagione?

La grande bugia di Joel alla fine della prima stagione di The Last of Us è stato il grande colpo di scena della serie, con i fan che ancora non sapevano se Ellie fosse a conoscenza della bugia di Joel. Tuttavia, l’episodio 5 della seconda stagione di The Last of Us offre un indizio importante. Mentre parla con Nora, Nora capisce che Ellie è la ragazza immune che Joel ha salvato nella prima stagione. Nora allora chiede: “Non sai cosa ha fatto?”, riferendosi al massacro compiuto da Joel in ospedale. La risposta di Ellie è sorprendente: “Non mi interessa”.

Questo potrebbe essere interpretato in due modi. Da un lato, potrebbe significare che Ellie non sa cosa ha fatto Joel ad Abby e che sinceramente non le importa. Potrebbe essere che pensi che Nora stia mentendo per salvarle la vita, ignorando la sua storia. D’altra parte, potrebbe significare che Ellie è a conoscenza della bugia di Joel. Negli anni trascorsi tra la prima e la seconda stagione di The Last of Us, Joel potrebbe aver confessato, spiegando la frattura tra Ellie e Joel. La morte di Joel potrebbe aver spinto Ellie a perdonarlo, spiegando perché ora non le importa.

La seconda stagione di The Last Of Us ha finalmente introdotto le spore: cosa sono e perché non erano presenti nella prima stagione

Le spore sono uno degli elementi chiave del gameplay dei videogiochi The Last of Us, ma sono state sorprendentemente omesse dalla serie HBO. Nel gioco, le spore sono una versione aerodispersa del virus Cordyceps, in grado di infettare le persone senza che queste vengano morse. Questo costringe i personaggi a indossare costantemente delle maschere nel gioco, unico modo in cui gli esseri umani possono sopravvivere alle spore.

La serie HBO The Last of Us non ha incluso le spore nella sua prima stagione per una serie di motivi, tra cui i costi e la difficoltà. Tuttavia, la seconda stagione ha deciso di aggiungerle. Sono molto meno diffuse nella serie HBO, dove finora sono presenti solo nei sotterranei del Lakehill Seattle Hospital. Viene spiegato che Lakehill è stato il punto zero dell’epidemia di Cordyceps a Seattle, il che significa che le spore possono svilupparsi solo dopo un tempo incredibilmente lungo.

Perché Jesse e Tommy vengono a Seattle (e in che modo è diverso dal gioco)

Proprio mentre gli Stalker stanno per uccidere Ellie e Dina, vengono salvate da Jesse. Jesse è arrivato da Jackson a Seattle proprio al momento giusto, spiegando che lui e Tommy hanno lasciato Jackson poco dopo la scomparsa di Ellie e Dina per rintracciarle. Una volta raggiunta Seattle, Jesse e Tommy si separano: Jesse individua il teatro e scopre la posizione di Dina grazie alle sue triangolazioni.

Si tratta di un cambiamento importante rispetto a The Last of Us Part II. Nel gioco, Tommy è il primo a lasciare Jackson per inseguire Abby e i suoi amici. Ellie e Dina vengono quindi mandate a riportare Tommy. Jesse fugge da Jackson più tardi, decidendo di aiutare i suoi amici a vendicarsi.

Dove sono Dina e Jesse dopo l’inseguimento dei Seraphite?

Dopo l’inseguimento della WLF, Ellie, Dina e Jesse si ritrovano in un parco pieno di Seraphite. Uno dei Seraphite spara a Dina a una gamba con una freccia, rendendola incapace di correre. Ellie decide di distrarre i Seraphiti, sparando con la sua pistola e scappando, così che i Seraphiti la inseguono. Prima di andarsene, Ellie dice a Jesse di riportare Dina al teatro, dicendogli che li raggiungerà lì. Dato che Jesse e Dina non compaiono più nell’episodio, non si sa se ce l’hanno fatta. Tuttavia, il teatro è senza dubbio la loro destinazione.

Quando ha luogo la scena flashback con Joel alla fine dell’episodio 5

Poco prima della fine dell’episodio 5 della seconda stagione di The Last of Us, vediamo un breve flashback. Nel flashback, Ellie è a letto e Joel apre la porta dicendo “Ehi, piccola”. Questo flashback presumibilmente si svolge a Jackson qualche tempo dopo gli eventi della fine della prima stagione di The Last of Us. Sebbene ci siano diverse scene flashback in The Last of Us Part II, questa non sembra essere una ricostruzione di nessuna di esse. Quindi, molto probabilmente si tratta di un nuovo flashback, ambientato all’inizio del periodo tra la prima e la seconda stagione di The Last of Us, qualche tempo prima della rottura tra Joel ed Ellie.

 
 

Per Sempre: la spiegazione del finale della serie Netflix

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Redazione
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Per Sempre

La serie Netflix Per Sempre (Forever) segue Justin e Keisha mentre si innamorano per la prima volta, ma la loro relazione durerà davvero per sempre? Basato sull’omonimo romanzo del 1975 di Judy Blume, Per Sempre inizia con l’incontro tra Justin e Keisha a una festa di Capodanno. Entrambi studenti del terzo anno delle superiori, i due si sono subito attratti, ma la loro relazione ha avuto un inizio piuttosto burrascoso. Justin scopre presto che Keisha ha cambiato scuola dopo che un video in cui fa sesso orale al suo ex ragazzo, Christian, ha iniziato a circolare su Internet. A peggiorare le cose, Christian ha cercato di rientrare nella vita di Keisha.

Keisha e Justin si bloccano a vicenda mentre cercano di risolvere una serie di controversie riguardanti Christian e il video a luci rosse. Il problema principale è che Keisha non vuole che sua madre venga a sapere cosa è successo tra lei e Christian, quindi è determinata a far sembrare che tutto vada bene. Questo include andare al ballo di fine anno di Christian, cosa che Justin non vede di buon occhio.

I due si sono lasciati, ma hanno ripreso la loro relazione durante l’estate a Martha’s Vineyard. La relazione tra Justin e Keisha è andata più liscia durante il loro ultimo anno in Per Sempre, ma i loro piani dopo il liceo hanno complicato le cose.

Keisha e Justin stanno insieme alla fine di Per Sempre?

La coppia che si era promessa per sempre – Ce l’hanno fatta?

Justin e Keisha erano il primo amore l’uno dell’altra e si erano promessi di stare insieme per sempre. Justin ha suggellato questo momento regalando a Keisha una collana con il simbolo dell’infinito, che lei ha continuato a indossare per tutta la durata di Per Sempre. Tuttavia, con l’avvicinarsi del diploma, le cose si sono complicate. Keisha aveva le idee chiare sul suo futuro, ma Justin faticava a pianificare il suo. Aveva paura di deludere i suoi genitori, ma Justin si rese anche conto che la sua attenzione per Keisha gli rendeva difficile decidere cosa voleva per sé stesso. Non riusciva a fare a meno di costruire il suo futuro intorno a lei.

Alla fine, Justin ha deciso di rompere con Keisha nel finale di Per Sempre. La amava ancora e ha lottato immensamente con questa decisione. Tuttavia, sapeva che era l’unico modo per avere davvero lo spazio per guardarsi dentro e decidere cosa voleva per il suo futuro. Keisha era distrutta, ma una parte di lei capiva. Verso la fine di Per Sempre, Keisha stessa aveva pensato che Justin potesse seguirla alla Howard. Anche lei voleva spazio per scoprire chi sarebbe stata nella prossima fase della sua vita. È stata una rottura dolorosa ma netta. Tuttavia, Keisha ha comunque incoraggiato Justin a parlare con i suoi genitori della Northwestern.

I piani di Justin e Keisha dopo il diploma

Dove andranno adesso?

Keisha è rimasta ferma nelle sue decisioni sul futuro in Per Sempre. Il suo obiettivo era sempre stato quello di frequentare la Howard University, e si è guadagnata un posto grazie all’eccellenza accademica e a una borsa di studio per l’atletica. La certezza di Keisha ha reso ancora più evidente la confusione generale di Justin. La scuola non era facile per lui a causa della sua ADHD, ma ha lavorato sodo e si è guadagnato un posto alla Northwestern University. Tuttavia, questo era ciò che sua madre desiderava per lui. Non riusciva a dirle che non aveva alcun desiderio di continuare quella strada.

Dopo la rottura, Justin ha seguito l’ultimo consiglio di Keisha e ha parlato con i suoi genitori. Sua madre era arrabbiata perché non voleva frequentare la Northwestern, ma sembra che alla fine abbia accettato l’idea che Justin intraprendesse la carriera di produttore musicale. Alla fine di Per Sempre, Justin e Keisha si incontrano un’ultima volta prima di partire per il loro futuro. Keisha rivela, senza sorpresa, che presto partirà per Howard, e Justin annuncia che una delle sue canzoni è stata venduta. Anche se non è chiaro cosa riserva loro il futuro, entrambi hanno realizzato i loro sogni dopo il liceo.

Justin e Keisha di Per Sempre non avrebbero raggiunto i loro obiettivi senza l’altro

Hanno plasmato il futuro l’uno dell’altra

Sebbene sia sempre possibile che Justin e Keisha si ritrovino dopo le rispettive avventure post-liceo, è improbabile. In Forever è chiaro che si ricorderanno per sempre, ma stare insieme per tutta la vita non era mai stato nei loro piani. Alla fine, gli obiettivi di Justin e Keisha non potevano conciliarsi, ma non li avrebbero mai raggiunti se non si fossero messi insieme.

Alla fine, gli obiettivi di Justin e Keisha non potevano conciliarsi, ma non li avrebbero mai raggiunti se non avessero iniziato a frequentarsi.

Durante l’ultimo incontro della coppia nel finale di Per Sempre, Justin ha detto che è tornato alla musica solo perché ha incontrato Keisha. È stato messo in punizione dopo aver rubato l’auto della scuola guida per andare a chiedere scusa a Keisha, il che significava che doveva usare il vecchio portatile di sua madre per fare i compiti. Mentre lo faceva, Justin ha scoperto i brani che aveva registrato da bambino. Inoltre, Justin non si sarebbe impegnato in un futuro come produttore musicale se Keisha non lo avesse incoraggiato a parlare con i suoi genitori della Northwestern University.

Tutti gli otto episodi di Per Sempre sono disponibili in streaming su Netflix.

Allo stesso modo, il futuro di Keisha non sarebbe stato così brillante senza Justin. Aveva tenuto segreta a sua madre la verità sul suo video porno, e questo aveva avuto un forte impatto sulla sua salute mentale. Justin l’ha incoraggiata a confessare tutto e, anche se sua madre ha dovuto dare un ultimatum a Keisha perché dicesse tutto a sua madre, alla fine lei ha ceduto. Keisha ha usato Howard come un modo per fuggire dai suoi problemi. Tuttavia, una volta affrontati quei segreti oscuri, la sua esperienza al college è diventata un futuro luminoso piuttosto che un metodo di fuga.

Come il finale di Per Sempre di Netflix si confronta con il libro di Judy Blume

I temi sono ancora presenti

Per Sempre di Netflix è una versione unica del romanzo originale di Judy Blume del 1975. Non c’è dubbio che gli adolescenti di oggi vivono vite molto diverse da quelle di 50 anni fa, ma entrambe le versioni di questa storia dimostrano le somiglianze senza tempo. La serie Netflix è stata ideata da Mara Brock Akil, che ha voluto dare un tocco moderno alla storia e mettere in primo piano i temi legati alla cultura afroamericana. Questo si riflette in ogni fase della relazione tra Justin e Keisha e porta a un finale molto diverso da quello del libro Forever di Blume.

Nel romanzo originale, i protagonisti si chiamano Katherine e Michael. La storia ruota prevalentemente attorno alla sessualità e all’espressione sessuale, mentre questa coppia esplora cosa significa innamorarsi e avere rapporti intimi in questa fase giovane della vita. Questo ha avuto un impatto enorme negli anni ’70, quando gli adolescenti non erano così esposti al sesso e alla sessualità nei media per giovani adulti.

La versione di Akil si concentra meno sul sesso in sé e più su come si presenta l’intimità adolescenziale negli anni 2020.

La versione di Akil si concentra meno sul sesso in sé e più su come si presenta l’intimità adolescenziale negli anni 2020. I dettagli del finale sono quindi diversi. Nel libro, Katherine si innamora di un altro ragazzo, motivo per cui la sua relazione con Michael finisce. Tuttavia, l’idea generale che l’impatto dell’amore giovanile duri per sempre, anche se la relazione non dura, rimane costante da una versione all’altra di Per Sempre.

Il titolo di Per Sempre e il suo vero significato

Cosa significa davvero “Forever” per l’amore giovanile

Il titolo di Per Sempreè un po’ ironico, dato che la coppia protagonista non rimane insieme per sempre. Tuttavia, ciò che questa serie e il romanzo originale di Blume mirano a esplorare è quella sensazione che l’amore giovanile è tutto. Justin e Keisha si amavano così tanto da credere che sarebbero stati insieme per sempre, ma in genere questo non è realistico. Tuttavia, questo non significa che ciò che provavano l’uno per l’altra non fosse reale o significativo.

La relazione tra Justin e Keisha ha avuto un impatto enorme sulla vita di entrambi, il che significa che la ricorderanno per sempre. Nel bene e nel male, questo vale per la maggior parte delle storie d’amore adolescenziali. L’effetto potrebbe non essere così positivo come lo è stato per questi due, ed è per questo che è importante che gli adolescenti scelgano con attenzione e commettano tutti gli errori migliori. Dopotutto, i segni che queste giovani storie d’amore lasciano nei nostri cuori sono Forever.

 
 

Andor – Stagione 2, Episodi 4-6: gli Easter Eggs e i riferimenti a Star Wars

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Redazione
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Andor – Stagione 2, Episodi 4-6, a sorpresa, costituiscono un importante evento canonico di Legends, insieme a diversi altri interessanti Easter Eggs, riferimenti e connessioni con la galassia di Star Wars.

Mentre la crisi sul pianeta Ghorman continua ad aggravarsi, agenti imperiali e ribelli lavorano insieme per rendere il mondo un fronte chiave per ragioni più profonde di quanto ciascuna parte possa mai immaginare. In questo nuovo arco narrativo, gli episodi presentano legami molto emozionanti, oltre a richiami alla prima stagione di Andor.

Mentre i primi episodi di Andor – Stagione 2 erano ambientati nell’anno 4 BBY, gli episodi 4-6 sono ambientati un anno dopo, nel 3 BBY. Sebbene sia noto da tempo che il Massacro di Ghorman sarà finalmente mostrato sullo schermo in questa nuova serie di Star Wars, questi nuovi episodi hanno anche confermato che la versione originale dell’evento in Legends si è verificata come precedente tragedia per il popolo Ghorman. Si tratta solo di uno dei tanti interessanti Easter egg e riferimenti presenti in Andor – Stagione 2, Episodi 4-6.

  • Una nuova lingua (e cultura) di Star Wars – Il pianeta Ghorman viene visitato da diversi personaggi, dove viene rivelato che i Ghor hanno una propria lingua e un proprio alfabeto, creati appositamente per la seconda stagione di Andor. È stato anche confermato che il popolo Ghorman è stato fortemente ispirato dai rivoluzionari francesi e italiani durante la seconda guerra mondiale.
  • Massacro di Tarkin – In Legends, il Massacro di Ghorman è stato un evento in cui il Grand Moff Tarkin ha fatto atterrare il suo incrociatore su una folla di manifestanti pacifici, uccidendo diversi innocenti. Sebbene il Massacro di Ghorman e le sue vittime siano ora molto più numerosi nel canone, l’episodio 4 di Andor – Stagione 2 conferma che il “Massacro di Tarkin” è una tragedia che è avvenuta precedentemente.
  • La Rotta Commerciale Rimma – Andor – Stagione 2 conferma anche che Ghorman si trova vicino alla Rotta Commerciale Rimma, un’importante rotta iperspaziale che attraversa diversi mondi chiave.
  • Troppe Notizie Imperiali (Buongiorno Coruscant) – Quando la madre di Syril inizia a condividere sentimenti anti-Ghorman, lui la rimprovera per aver guardato troppe Notizie Imperiali (riferendosi alla campagna diffamatoria intenzionale dell’Impero). Più tardi, viene trasmesso il canale delle Notizie Imperiali “Buongiorno, Coruscant!”.
  • Audio classico di Star Wars – Si possono ascoltare diversi brani audio classici di Star Wars. Ci sono suoni di Coruscant, come quelli degli speeder di passaggio, che si sentono fin da La minaccia fantasma. L’ascensore che Lonni Jung usa per incontrare Luthen ha lo stesso suono dell’ascensore usato da Anakin e Obi-Wan ne La vendetta dei Sith, e il motore che si spegne sul trasporto sabotato dai Ghorman ha lo stesso suono dell’iperguida in avaria del Millennium Falcon ne L’Impero colpisce ancora.
  • Corse degli sgusci! – Due ufficiali imperiali su Ghorman vengono mostrati mentre guardano le corse degli sgusci su un monitor, confermando che questo classico sport di Star Wars esiste ancora durante l’era imperiale.
  • Il Fronte Ghorman – Il Fronte Ghorman viene mostrato mentre cerca di reclutare Syril e sabotare le operazioni imperiali. Il gruppo è stato menzionato per la prima volta da Saw Gerrera nella prima stagione di Andor.
  • Yularen e Partagaz parlano con l’Imperatore – Il colonnello Yularen dell’ISB viene menzionato più volte in Andor – Stagione 2, episodi 4-6. Apparso sullo schermo nella prima stagione di Andor, Yularen ha anche prestato servizio al fianco di Anakin Skywalker e della 501ª Legione durante le Guerre dei Cloni.
  • Palazzo del Senato – Il palazzo del Senato Imperiale viene mostrato più di una volta in Andor – Stagione 2 (lo stesso edificio visto nei prequel).
  • D’Qar – Viene rivelato che Saw Gerrera e i suoi Partigiani si erano stabiliti temporaneamente sul pianeta D’Qar. Come visto nei sequel, D’Qar divenne la base operativa del Generale Leia Organa e della Resistenza, come visto ne Il Risveglio della Forza.
  • Ridonio – Un combustibile volatile per astronavi, la passione di Saw Gerrera per l’inalazione dei fumi tossici sembra rasentare la dipendenza. Pertanto, potrebbe essere proprio questo che respira quando lo vediamo in Rogue One.
  • Codici di radiofrequenza – Si possono udire diversi codici quando Kleya passa da una frequenza all’altra, che prendono il nome da pianeti diversi, tra cui “Ryloth 7-4-8” e “Corellia 2-2-2”. Tuttavia, alla fine atterra su Sculdun 3-4-3 per ascoltare Davo Sculdun, il delinquente e collezionista d’arte di Chandrilan.
  • Un doppiatore classico di Clone Wars? – Prima che Cassian parta per Ghorman, gli viene data una falsa identità e un falso personaggio, assegnatagli da una voce fuori campo tramite un auricolare. Questa voce è proprio Sam Witwer, noto per aver prestato la voce a Darth Maul in The Clone Wars (oltre che a essere uno Shoretrooper nella prima stagione di Andor).
  • Il Ballo Imperiale – Il Ballo Imperiale si tiene tra i vari partiti senatoriali in tutto Coruscant. Si tiene ogni anno, il grande gala si tiene nel Palazzo Imperiale dell’Imperatore Palpatine.
  • “L’Imperatore non ne ha idea” – L’errata convinzione che l’ISB gestisca un’organizzazione ombra e che l’Imperatore non abbia idea di cosa stia succedendo in suo nome deriva da sentimenti simili a quelli presentati nella trasposizione letteraria originale di Una Nuova Speranza.
  • Massiccio Arrosto – Gerrera e i suoi Partigiani vengono mostrati mentre mangiano un massiccio arrosto, la stessa creatura simile a un cane, meglio conosciuta per essere stata avvistata su Tatooine, insieme ai Predoni Tusken.
  • Gli X-Wing neri di Saw – Apparsi sullo sfondo della prima stagione di Andor, lo squadrone di X-Wing di Saw Gerrera con i suoi caratteristici dettagli neri viene mostrato mentre decolla pronto all’azione in Andor – Stagione 2, episodi 4-6.
  • Un’urna Togruta nel negozio di Luthen – Quando Kleya parla con il curatore di Davo, i due parlano accanto a un’urna che contiene una piccola scultura di un Torgruta (la stessa specie di Ahsoka Tano).
  • Il Gran Visir – Kleya rivela che lei e Luthen a un certo punto hanno ascoltato le conversazioni del Gran Visir dell’Imperatore Palpatine, Mad Amedda, l’imponente Chagrian blu che ha debuttato ne La minaccia fantasma.
  • La giungla di Onderon – Saw Gerrera condivide con Wilmon frammenti del suo passato sul suo pianeta natale, Onderon. Da giovane, Saw faceva parte di un gruppo di combattenti per la libertà che lavoravano per liberare il loro pianeta natale dal controllo separatista, come visto in The Clone Wars.
  • Steergard – Sebbene menzionato solo nelle stagioni 1 e 2 di Andor, il pianeta Steergard viene finalmente mostrato in Andor – Stagione 2, episodio 6, quando Luthen prende Cassian per riportarlo su Coruscant.
  • “Ho amici ovunque” – Pronunciata prima da Cassian e poi da Vel, è confermato che questa è una frase in codice chiave per i membri collegati alla rete di resistenza di Luthen.
  • Oathkeeper – Diversi nuovi senatori vengono introdotti nel Senato Imperiale nella stagione 2 di Andor (presumibilmente tutti fedeli a Palpatine). Questa idea viene ribadita dal primo debutto sullo schermo del Oathkeeper, un membro del Senato Imperiale che tradizionalmente apre le sessioni nelle Camere del Senato.
  • Bail Organa – Il senatore Bail Organa fa una breve apparizione, incontrando Mon Mothma e Perrin, anche se a sorpresa interpretato da Benjamin Bratt anziché da Jimmy Smits, come di consueto. Questo perché Smits non era disponibile per recitare nella nuova stagione a causa di impegni. Ciononostante, Organa conferma che sua moglie Breha è a un’altra festa su Coruscant, sebbene non venga menzionata la Principessa Leia, che forse si trova ancora su Alderaan.
  • Galleria di Sculdun – Nella galleria di Davo sono esposte numerose reliquie dell’antico passato della linea temporale di Star Wars, come l’anello carviano di Luthen risalente a un “Impero perduto”, un elmo del “Grande Conflitto”, ovvero la Battaglia di Carmeen, su cui il Direttore Krennic e Mon Mothma si lanciano in un acceso dibattito, e un dettagliato Codice Tiniano, proveniente da una razza che considerava la cecità un dono e che risale a 2000 anni prima del regno dell’Impero.
  • “Avremmo dovuto uccidere Krennic” – Anche se di certo non sarebbero usciti vivi dalla galleria e avrebbero probabilmente condannato la Ribellione, la battuta di Luthen a Kleya fa pensare a come sarebbe potuta cambiare la galassia se avessero effettivamente ucciso Krennic in quel preciso momento.
  • “Sembrerà come per sempre” – In missione per eliminare il Dottor Gorst dopo la rivelazione che il suo programma si sarebbe esteso oltre l’ISB, Bix Caleen si vendica uccidendo lo scienziato imperiale, usando le stesse parole e lo stesso orribile strumento di tortura che lui ha usato su di lei nella prima stagione di Andor, prima che lei e Cassian facciano saltare in aria la struttura in cui lo avevano lasciato.
 
 

Andor – Stagione 2 Episodio 9: spiegazione del finale – Star Wars modifica l’origine dell’Alleanza Ribelle

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Redazione
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Andor – Stagione 2 Episodio 9

Il finale di Andor – Stagione 2, episodio 9 ripercorre la formazione dell’Alleanza Ribelle nel miglior modo possibile, dopo aver offerto un’eccellente storia di Star Wars. Fin dal primo episodio, una delle linee guida della seconda stagione di Andor è stata la crescente tensione sul pianeta Ghorman. L’Impero desidera occupare Ghorman per estrarre materiale di cui il Direttore Krennic ha bisogno per presumibilmente finalizzare la costruzione della Morte Nera. Nella seconda stagione, episodi 7-9, il cast di personaggi di Andor si ritrova al centro della situazione di Ghorman, che sta per esplodere.

L’arco narrativo inizia con la formazione delle basi dell’Alleanza Ribelle di Star Wars su Yavin IV, ma Cassian non si ferma a lungo prima di partire per Ghorman grazie a una soffiata di Luthen. A Cassian viene offerta l’opportunità di assassinare Dedra Meero, responsabile della sottomissione di Ferrix mostrata nel finale della prima stagione di Andor. Questo coincide con il punto di svolta per Ghorman, quando i piani dell’Impero entrano in pieno effetto in modo straziante, dando vita alla trama politicamente carica dell’episodio 9 della seconda stagione di Andor, che rielabora perfettamente una precedente trama del franchise di Star Wars.

Il massacro di Ghorman: perché Mon Mothma si esprime contro l’Impero

In Andor – Stagione 2 Episodio 9, la storia si concentra sulle conseguenze del massacro di Ghorman dell’episodio 8. Gli eventi dell’episodio 8 mostrano il piano imperiale di fomentare la violenza tra il popolo Ghorman, utilizzando propaganda e false storie per trasmettere alla galassia più ampia che non si è trattato affatto di un massacro, ma piuttosto di un atto di insurrezione e terrorismo da parte dei civili Ghorman. Mon Mothma, tuttavia, vede oltre questo tentativo e trascorre l’episodio 9 cercando di parlare al Senato Imperiale di ciò che è realmente accaduto.

Mon viene mostrata mentre brucia tutti i ponti e le storie di copertura che ha costruito nel corso degli anni, con il Massacro di Ghorman – diverso dal Massacro di Tarkin di Star Wars – che si rivela essere la goccia che fa traboccare il vaso. Mon dice a Bail Organa che hanno sempre affermato che avrebbero lasciato Coruscant quando l’Impero si fosse spinto troppo oltre. Il Massacro di Ghorman si è rivelato essere esattamente questo evento, con Mon che rischia tutto per denunciare l’Impero. Mon riesce a usare le sue conoscenze per presentarsi al Senato e accusa Palpatine e l’Impero del loro genocidio velato, il tutto prima di essere portata via da Coruscant da Cassian Andor in persona.

Andor – Stagione 2 rielabora la storia di Mon Mothma di Star Wars Rebels

Andor si fonde perfettamente con – e rielabora – un’altra storia di Star Wars

Curiosamente, il finale di Andor – Stagione 2 Episodio 9 si fonde perfettamente e rielabora contemporaneamente un’altra storia di Star Wars che presenta lo stesso evento. Nell’episodio 18 della terza stagione di Star Wars Rebels, l’equipaggio del Ghost – i personaggi principali della serie – ha il compito di portare Mon Mothma lontano da Coruscant e verso Yavin IV dopo il suo discorso sul Massacro di Ghorman. Questo episodio si conclude con Mon che fa un altro discorso alla galassia, invocando un’azione contro l’Impero e permettendo all’Alleanza Ribelle di crescere esponenzialmente.

Era prevedibile che la versione degli stessi eventi di Andor – Stagione 2 Episodio 9 si integrasse bene con la serie animata. Per fortuna, lo fa, anche se non senza aggiungere qualche imperfezione. Andor rielabora perfettamente Rebels affermando esplicitamente che l’Alleanza Ribelle modifica la storia a proprio vantaggio. Invece di raccontare il coinvolgimento di Cassian e Luthen nell’aiutare Mon a raggiungere un rifugio a Coruscant, il Generale Draven intende raccontare una storia diversa.

Questo spiega come Mon arrivi dal rifugio di Coruscant alla nave Fantasma in Star Wars Rebels. Invece di dare credito a Luthen, che ora è visto come un emarginato inaffidabile tra i ribelli di Yavin IV, Draven fa sì che la Squadriglia Oro – aiutata dal Fantasma nell’episodio di Rebels sopra menzionato – prenda Mon da Coruscant e trasmetta il suo discorso. Questo ordine degli eventi avvantaggia l’intera Alleanza Ribelle, con Andor che rielabora esplicitamente e intenzionalmente un’altra storia di Star Wars in modo magistrale.

Mon Mothma accusa Palpatine per la prima volta

Etichettandolo come un mostro che distruggerà tutti se glielo si permette

Al di là dei collegamenti tra due storie ambientate nella stessa era della linea temporale di Star Wars, il discorso di Mon Mothma in Andor – Stagione 2 Episodio 9 è semplicemente un evento di enorme portata per la galassia. Basandosi su quanto noto da altri progetti dell’era imperiale della galassia di Star Wars, è lecito affermare che Palpatine spesso governa nell’ombra. L’Imperatore raramente si mostra o esce di persona nella galassia, permettendo invece a fazioni come l’Ufficio di Sicurezza Imperiale, Darth Vader e gli Inquisitori di eseguire i suoi ordini.

Questo argomento è stato persino accennato in precedenti episodi di Andor – Stagione 2, con un civile Ghorman che afferma di non credere che Palpatine sia a conoscenza della malvagità dell’Impero. Questa teoria dimostra che alcuni civili nella galassia di Star Wars credono che la volontà dell’Impero proviene invece da organizzazioni come l’ISB, piuttosto che da Palpatine stesso. Naturalmente, noi, come pubblico, ne sappiamo di più, così come personaggi come Mon Mothma. Questo spiega perché il suo discorso diretto contro Palpatine sia stato così importante.

Etichettando apertamente Palpatine come il mostro che ha orchestrato il Massacro di Ghorman, Mon ha iniziato a seminare dubbi nelle menti delle persone in tutta la galassia su chi fosse realmente responsabile della crudeltà dell’Impero. Le parole di Mon hanno chiarito che Palpatine è al comando e che si scaglierà contro tutti se gli verrà permesso di espandere senza freni il regno fascista dell’Impero. Questo non solo ispira i ribelli in tutta la galassia, ma porta anche al suddetto piano di Mon di lasciare Coruscant e diventare una parte autentica e operativa dell’Alleanza Ribelle.

In che modo Mon Mothma fugge da Coruscant e perché Bail non si unisce a lei

L’Alleanza Ribelle ha ancora bisogno di tempo

Come già accennato, Cassian è pronto ad aiutare Mon a fuggire da Coruscant. Con l’aiuto di Erskin, alleato di Mon, Cassian riesce a far uscire Mon dal palazzo del Senato e a portarla al rifugio dove un tempo viveva con Bix. Da lì, Mon viene trasportata in un container fino all’equipaggio fantasma di Star Wars Rebels e scortata dalla Squadriglia Oro fino a Yavin IV. È interessante notare che Bail Organa rimane indietro. Bail insiste sul fatto che la Ribellione ha bisogno di più tempo per formarsi completamente, il che significa che terrà d’occhio la situazione nella capitale imperiale finché non sarà il momento anche per lui di andarsene.

Cassian e Bix si stanno finalmente trasferendo fuori dall’ombra di Luthen

I due si dedicano completamente alla Ribellione

Forse uno dei momenti più strazianti dell’intera serie di Andor si verifica negli ultimi istanti dell’episodio 9. Bix, dopo aver appreso da un Guaritore della Forza che Cassian è importante per la Ribellione e aver capito che sacrificherebbe tutto per lei, lascia Yavin IV. Lascia a Cassian un videomessaggio, dicendogli che senza di lei può impegnarsi pienamente nell’Alleanza ed essere il ribelle di cui hanno bisogno. La situazione è resa ancora più tragica dalla promessa di Bix di riunirsi e vivere una vita insieme, nonostante Rogue One confermi che ciò non accadrà mai.

Attraverso questo snodo narrativo, sia Bix che Cassian si stanno allontanando dall’ombra di Luthen e si stanno impegnando nella Ribellione più ampia. Bix lo fa sacrificando la sua relazione con Cassian, il che, a sua volta, gli permette di diventare il ribelle fondamentale per il furto dei piani della Morte Nera. Non solo, ma questo lascia Luthen incredibilmente isolato su Coruscant, il che si collega a un’altra dura realtà sui ribelli della galassia di Star Wars al momento della conclusione dell’episodio 9 della seconda stagione di Andor.

I Ribelli sono ancora più frammentati di quanto pensassimo

Luthen è visto come un emarginato

La dura realtà in questione è che i ribelli della galassia sono ancora frammentati negli ultimi momenti di Andor – Stagione 2 Episodio 9. Gran parte dell’episodio si concentra su Luthen, in particolare sul suo isolamento su Coruscant e sul fatto che sia considerato un estraneo all’Alleanza Ribelle su Yavin IV. Questo, insieme a elementi come l’infiltrazione della squadra ribelle di Bail Organa, i continui atti di estremismo di Saw Gerrera e persino il disprezzo di Cassian per l’autorità di Yavin IV, dimostra quanto sia frammentata l’Alleanza Ribelle nel finale dell’episodio 9 della seconda stagione di Andor.

Cosa farà Dedra ora che ha pagato un prezzo elevato per aver servito l’Impero? Dedra ha mostrato rimorso per le sue azioni su Ghorman

Uno degli aspetti più interessanti di Andor nel suo complesso è il modo in cui vengono rappresentati gli Imperiali. Gli agenti dell’Impero vengono mostrati con molta più profondità del solito, sebbene la serie riesca sempre a riaffermarli come i cattivi. È stato il caso di Dedra Meero nel finale di Andor – Stagione 2, Episodio 9, che è stata mostrata sofferente di un attacco di panico dopo aver trascorso anni da sola a orchestrare il Massacro di Ghorman. La domanda ora è cosa ne sarà di Dedra Meero.

L’arco narrativo finale della seconda stagione di Andor risponderà a questa domanda e sarà interessante vedere come proseguirà la vicenda di Dedra. Continuerà a soffrire del rimorso che ha chiaramente provato o passerà semplicemente a un altro incarico che favorirà gli oscuri piani dell’Impero? In base alla bravura di Andor nel sottolineare come gli Imperiali siano ancora saldamente la radice del male nella galassia, si può supporre la prima ipotesi, ma la rappresentazione di Dedra rimane comunque avvincente.

 
 

Elsbeth – Stagione 2: trailer del finale rivela il personaggio di Carrie Preston in prigione e il ricongiungimento con i vecchi sospetti

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Redazione
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Elsbeth - Stagione 2

Il trailer del finale della seconda stagione di Elsbeth mostra l’eccentrica avvocatessa incarcerata insieme a diversi sospetti che ha contribuito a far arrestare. Nel penultimo episodio della seconda stagione di Elsbeth, Elsbeth Tascioni (Carrie Preston) è stata arrestata dopo aver molestato un testimone durante un interrogatorio. È stata prontamente mandata in prigione da un giudice acerrimo, che era un caro amico del suo defunto nemico, il giudice Milton Crawford. E nel prossimo episodio finale vedremo l’eroina protagonista trascorrere un po’ di tempo dietro le sbarre, dove potrebbe ricevere un’accoglienza non proprio calorosa.

Secondo il canale YouTube TV Promos, il trailer del finale mostra l’avvocatessa protagonista dietro le sbarre insieme ad alcuni dei criminali che ha aiutato a mettere in prigione, alcuni dei quali eseguono un numero musicale per “darle il benvenuto”. Tra i criminali mostrati nel trailer ci sono Margo Clarke, Freya Frostad, Vanessa Holmes, Quinn Powers e Pupetta Del Ponte, interpretata da Alyssa Milano. In un’altra scena, il capitano Charles Wallace Wagner, interpretato da Wendell Pierce, esorta un personaggio non visibile dicendo: “Lei non dovrebbe essere dietro le sbarre”. Guarda il trailer qui sotto:

Cosa significa questo per la terza stagione di Elsbeth

L’avvocato stravagante potrebbe trovarsi in un momento difficile

Sebbene la direzione che prenderà la terza stagione di Elsbeth non sia ancora chiara, il rinnovo dello show da parte della CBS significa che il team di sceneggiatori può pianificare la terza stagione, e l’incarcerazione di Elsbeth probabilmente avrà un ruolo importante in questo. Non si sa per quanto tempo rimarrà dietro le sbarre, ma l’esperienza avrà sicuramente un impatto formativo sul suo personaggio. Secondo la descrizione del finale, Elsbeth è intrappolata in prigione con nove assassini che ha contribuito a far incarcerare e, quando uno di loro viene pugnalato a morte, deve mettersi alla ricerca dell’assassino dell’assassino.

Gli eventi del finale avranno un impatto su gran parte di ciò che accadrà nella terza stagione, quindi ci saranno sicuramente diversi colpi di scena e svolte inaspettate.

È probabile che Elsbeth entrerà in conflitto con molti dei detenuti, ma le sue indagini sulla morte potrebbero aiutarla a ricostruire alcuni ponti e guadagnarsi il rispetto (e forse il perdono) di almeno un paio di criminali. Il team di Elsbeth lotterà all’esterno per ottenere il suo rilascio, il che potrebbe significare che la sua permanenza in prigione sarà limitata al solo episodio finale. Tuttavia, sembra probabile che gli eventi del finale avranno un impatto su gran parte di ciò che accadrà nella terza stagione, quindi ci saranno sicuramente più di pochi colpi di scena e svolte inaspettate.

 
 

The Last Of Us – Stagione 2, Episodio 4, la spiegazione del finale: la rivelazione di Dina

Di
Redazione
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The Last of Us - stagione 2 Dina

Dina ha appena rivelato un segreto importante a Ellie in The Last Of Us – Stagione 2, Episodio 4 “Day One”, ed ecco cosa significa questa rivelazione e come influenzerà il futuro della serie. Finora, The Last Of Us – Stagione 2 si è concentrata principalmente sui personaggi che ritornano dalla prima stagione, con Ellie e Joel come protagonisti principali fino alla sfortunata morte di quest’ultimo. Dina, tuttavia, è una nuova aggiunta al gruppo di protagonisti, e questa grande rivelazione svela finalmente cosa rende il personaggio unico.

Dopo la morte di Joel nell’episodio 2, Ellie e Dina decidono di partire per Seattle, sperando di trovare l’assassina di Joel, Abby, e i suoi amici del WLF. Il duo è arrivato alla fine dell’episodio 3, e l’episodio 4 che presenta la loro prima vera e propria esplorazione di Seattle. Nell’episodio, il duo si ritrova in una torre della WLF, nel luogo di un massacro di Seraphite. Questa scoperta le coinvolge in un inseguimento che coinvolge soldati della WLF e un’orda di Infetti, costringendoli alla fuga e destabilizzandoli.

Dina scopre di essere incinta in The Last Of Us – Stagione 2, Episodio 4 “Day One”

bacio The Last of Us - stagione 2

Grazie al ritrovamento di test di gravidanza

In The Last Of Us – Stagione 2, Episodio 4 “Day One”, Dina rivela in modo scioccante di essere incinta. All’inizio dell’episodio, Ellie e Dina stanno razziando un edificio abbandonato alla ricerca di forniture mediche. Non viene trovato molto, ma alla fine della scena si verifica uno strano momento. Dina sembra trovare qualcosa che le è utile, sebbene questo misterioso oggetto rimanga nascosto alla vista dello spettatore. Mente a Ellie su ciò che sta facendo, e tiene per sé questo misterioso oggetto. Ciò che Dina sta realmente facendo non viene rivelato fino a molto tempo dopo, quando il pubblico scopre che questo misterioso oggetto era un test di gravidanza.

Durante l’inseguimento fuori dalla stazione della metropolitana, Ellie mette il braccio davanti a un Infetto, venendo morsa per salvare Dina. Le due scappano, ma Dina è inorridita, convinta di dover uccidere Ellie. Ellie rivela di essere immune, dicendo a Dina di aspettare una notte e vedere. La mattina dopo, Dina è convinta che Ellie sia immune.

In risposta a questa informazione, Dina dice a Ellie di essere incinta. Dina mostra a Ellie di aver usato un gran numero di test di gravidanza, ognuno dei quali è risultato positivo. Dina ha anche detto che il suo ciclo era in ritardo, sollevando in lei la preoccupazione di una possibile gravidanza. Questo è ciò che la porta a provare i test di gravidanza, convincendosi che sia vero. Non è sicura di quanto sia avanti con le mestruazioni, ma è sicuramente incinta. Questo potrebbe avere un impatto enorme sul futuro della serie, dato che Ellie dovrà ora preoccuparsi di una Dina incinta.

Jesse è il padre del bambino di Dina in The Last of Us

The Last of Us - stagione 2

Grazie alla loro precedente relazione

A quanto pare, Jesse è il padre del bambino di Dina. Ellie presume immediatamente che sia Jesse, e Dina lo conferma. Sebbene Ellie e Dina abbiano una relazione ora, non è sempre stato così. Prima di Ellie, Dina aveva una relazione con Jesse, una figura importante di Jackson. La relazione tra Dina e Jesse è già stata accennata diverse volte durante The Last Of Us – Stagione 2, con il personaggio del giovane Mazino che condivideva scene sia con Ellie che con Dina negli episodi precedenti.

Come reagisce Ellie alla notizia della gravidanza di Dina

The Last of Us - stagione 2

È emozionata

Dina era ovviamente preoccupata di come Ellie avrebbe reagito alla notizia della sua gravidanza, dato che aveva deciso di tenerla segreta. Solo scoprire un segreto così grande come l’immunità di Ellie le aveva dato la sicurezza di dirlo a Ellie, ed Ellie sembra prenderla bene. Ellie si è subito presa cura del bambino, dicendo che sarebbe diventata papà. Ellie dice persino che lei, Dina e Jesse avranno il bambino insieme, dimostrando che Ellie è già impegnata a crescere il bambino. Ellie e Dina hanno poi un rapporto sessuale dopo aver saputo della gravidanza, dimostrando che Ellie è indubbiamente emozionata per la notizia.

Tuttavia, Ellie non si rende conto di quanto impatto avrà il bambino sul loro percorso. Questa sfida emerge per la prima volta alla fine dell’episodio, quando Ellie e Dina decidono di andare a Lakehill. Ellie dice a Dina di rimanere, ma Dina insiste sul fatto che vuole andare. Decidono di partire insieme, ma questo potrebbe essere il primo di una serie di conflitti riguardanti la gravidanza di Dina.

A seconda di quanto tempo Dina e Ellie rimarranno a Seattle, l’avanzamento della gravidanza di Dina potrebbe rappresentare una sfida più impegnativa. La ridotta mobilità, i dolori e gli altri rischi per la salute che una gravidanza comporta potrebbero rappresentare una sfida per sopravvivere alle forze della WLF e agli Infetti. Anche se dovessero lasciare Seattle in fretta, la gravidanza potrebbe comunque rappresentare un problema durante il viaggio di ritorno. La gravidanza di Dina è una buona notizia al momento, ma i futuri episodi di The Last Of Us – Stagione 2 potrebbero usarla per alzare ulteriormente la posta in gioco.

Confronto tra la rivelazione della gravidanza di Dina e il gioco di The Last of Us Parte II

The Last of us stagione 2 episodio 3 ellie e dina

La serie HBO è molto più positiva

Ecco diverse differenze chiave nel modo in cui la rivelazione della gravidanza di Dina si svolge nella serie HBO rispetto a The Last of Us Parte II. Nella serie, la rivelazione della gravidanza di Dina avviene la mattina dopo aver visto Ellie essere morsa. Nel gioco, Dina vede Ellie respirare spore, costringendola a rivelare la sua immunità. Dato che le spore non esistono in The Last of Us della HBO, questa sequenza doveva svolgersi in modo diverso, il che spiega perché la cronologia della rivelazione di Dina è leggermente diversa.

Inoltre, anche le tempistiche della gravidanza sono differenti. Nella serie, Dina dice di aver confermato la gravidanza dopo essere arrivata a Seattle, mostrando a Ellie diversi test di gravidanza. Nel gioco, Dina dice di aver dedotto di essere incinta qualche settimana fa a causa del ritardo del ciclo. Mentre nella serie la gravidanza di Dina viene presentata come un sospetto, nel gioco viene presentata come una bugia, con Ellie sconvolta dal fatto che Dina non glielo abbia detto prima di lasciare Jackson.

Infine, la reazione di Ellie è diversa. Ellie reagisce positivamente alla notizia nella serie HBO, ed è entusiasta di avere un figlio. Nel gioco, Ellie è molto più arrabbiata e Dina si vergogna di più. Ellie esprime il suo disappunto per la gravidanza di Dina, ed è furiosa perché Dina gliela ha nascosta. Questo fa sì che Ellie insista affinché Dina rimanga a teatro mentre Ellie continua a esplorare Seattle. Sicuramente questo elemento avrà conseguenze importanti sulla serie e sul rapporto tra le due.

 
 

Squid Game – stagione 3: teaser trailer preannuncia uno dei round più letali di sempre

Di
Redazione
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Squid Game - Stagione 3

Il primo trailer della terza stagione di Squid Game mostra in anteprima uno dei round mortali che coinvolge Gi-hun (Lee Jung-jae) e i sopravvissuti rimasti. La serie di successo di Netflix è pronta a concludere la storia di Gi-hun, che cerca di fermare i giochi una volta per tutte e salvare il maggior numero possibile di giocatori. Tuttavia, il suo piano di ribellione è fallito nel finale della seconda stagione di Squid Game, dopo che il Front Man (Lee Byung-hun) ha sabotato i suoi piani. Il Front Man dovrebbe anche riprendere il suo ruolo dopo aver finto per un breve periodo di essere uno dei giocatori. Ora, la serie Netflix si prepara allo scontro finale tra Gi-hun e il Front Man.

Ora, Netflix ha pubblicato il primo trailer della terza stagione di Squid Game. Un gruppo di guardie rosa trasporta una scatola nera con un nastro rosa all’interno del bunker, che si rivela contenere Gi-hun. Mentre un altro frammento mostra il protagonista incatenato, il teaser si concentra principalmente su un nuovo gioco, in cui ai giocatori viene assegnata a caso una pallina rossa o blu da un distributore di gomme da masticare.

La stanza ha anche un ingresso a forma di coltello, che suggerisce quale potrebbe essere il prossimo round. Il trailer mostra poi diverse immagini veloci di altri personaggi, tra cui la Guardia 011/No-uel (Park Gyu-young), mentre termina con il suono di un bambino che piange. Guardalo qui sotto:

Oltre al trailer, Netflix ha condiviso nuove immagini teaser e immagini fisse dei personaggi. Tra queste c’è Jun-hee (Jo Yu-ri) che sceglie una pallina rossa, mentre Yong-sik (Yang Dong-geun) e sua madre, Geum-ja (Kang Ae-shim), sembrano confortarsi a vicenda. D’altra parte, un poster teaser mostra Gi-hun circondato da scatole nere, presumibilmente contenenti i giocatori deceduti. Guardateli qui sotto:

Cosa rivela il trailer della terza stagione di Squid Game sugli episodi finali?

I VIP stanno arrivando e un nuovo gioco è stato appena svelato

Il trailer di un minuto rivela molti dettagli su ciò che ci aspetta negli episodi finali. Sebbene la scena a metà dei titoli di coda della seconda stagione di Squid Game anticipasse un gioco che coinvolgeva un ragazzo (Cheol-su) e una bambola (Young-hee), il teaser non indicava quale sarebbe stato il contenuto di quel round. Invece, le prime immagini svelano un altro gioco che sembra mettere l’una contro l’altra le squadre rossa e blu. Alcuni indizi suggeriscono che questo gioco potrebbe coinvolgere coltelli o un’arma, forse uno scenario di lotta all’ultimo sangue. Questo significa guai per la coppia madre-figlio, mentre un filmato sembra suggerire una resa dei conti tra Hyun-ju e Seon-nyeo, che sono state in contrasto tra loro.

D’altra parte, il trailer rivela anche il ritorno dei VIP, mentre il Front Man riprende il suo ruolo di supervisore dei giochi. Inoltre, il pianto del bambino suggerisce che Jun-hee abbia partorito mentre era all’interno del gioco. Tuttavia, il teaser sembra suggerire che No-eul sia stata impegnata dietro le quinte, anche se non è chiaro quali siano le sue intenzioni. Si ipotizza che lei avrà un ruolo importante nell’aiutare Gyeong-seok/Giocatore 246 (Lee Jin-wook), che appare nel teaser. Il suo destino è ancora incerto, ma il breve filmato potrebbe indicare che il giocatore è sopravvissuto alla ribellione.

Mentre la maggior parte dei giochi della seconda stagione prevedevano sfide a squadre o individuali, sembra che la terza stagione avrà il suo primo doppio round, non molto diverso dal gioco delle biglie della prima stagione.

Netflix ha già confermato che la terza stagione sarà l’ultima. Il creatore della serie, Hwang Dong-hyuk, ha precedentemente accennato al fatto che gli episodi finali mostreranno Gi-hun come una persona cambiata dopo la morte del suo migliore amico, Jung-bae. Si prevede inoltre che la terza stagione approfondirà il passato del Front Man e come è stato coinvolto nella vicenda. Anche se la serie è destinata a concludere la storia, non è ancora chiaro quanti episodi avrà la terza stagione. Ciononostante, si prevede che la terza stagione sarà molto attesa la prossima estate, considerando che le puntate precedenti sono riuscite a classificarsi nella classifica dei titoli più popolari di Netflix.

 
 
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