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San Andreas, la spiegazione del finale

I film catastrofici, generalmente associati agli anni ’70 e relegati negli scaffali dei DVD delle stazioni di servizio in tutta l’America, hanno sconvolto Hollywood nel 2015, quando un certo Dwayne Johnson li ha riportati all’attenzione del pubblico cinematografico. San Andreas è riuscito a incassare quasi mezzo miliardo di dollari al botteghino: non sono cifre da MCU, ma niente da sottovalutare.

Il film ha riportato in auge anche un altro grande classico di cinquant’anni fa: l’idea che la faglia di San Andreas potesse complottare contro la brava gente della California, pianificando furtivamente di far sprofondare lo Stato nell’Oceano Pacifico come un Slim Jim densamente popolato. Come in molti di quei “capolavori catastrofici” degli anni ’70, la triste previsione è fatta da un sismologo frustrato (interpretato qui da Paul Giamatti).

Il caos ha inizio quando il Golden State viene colpito da un devastante terremoto. Entra in scena Ray Gaines (Johnson), pilota di elicotteri dei vigili del fuoco, l’uomo più in forma che abbia mai avuto un lavoro in cui si sta seduti tutto il giorno. Ray salva la sua ex moglie Emma (Carla Gugino) dal caos di Los Angeles, ma la figlia della coppia, Blake (Alexandra Daddario), è a San Francisco con il fidanzato di Emma, un vero pezzo grosso interpretato da Ioan Gruffudd. Il fidanzato, che dovrebbe davvero sforzarsi di più per impressionare gli altri dato che la donna con cui esce era sposata con The Rock, alla fine abbandona Blake, cementando il suo destino di vittima del secondo atto.

San Andreas finisce con terremoti, tsunami e altro ancora

san andreas

Ray ed Emma partono per un’avventura ad alto rischio, volando in direzione della loro figlia fino a quando il maledetto elicottero non si rompe. Si svolge una sequenza assurda di eventi che vede la coppia rubare un camion, poi scambiarlo con un aereo, poi lanciarsi con il paracadute in uno stadio, poi piratare una barca. Alla fine del film, mancano solo uno shuttle spaziale e una locomotiva del Vecchio West per completare la loro lista di mezzi di trasporto.

Nel frattempo, un altro terremoto ancora più forte colpisce la California. Lo tsunami che ne deriva distrugge il Golden Gate Bridge e, cosa ancora più importante, il fidanzato di Emma, un vero e proprio idiota. Ray ed Emma raggiungono Blake, cercando di trovare riparo in un edificio, ma l’onda anomala li travolge. Ray dimostra una volta per tutte di essere una figura paterna migliore di quel tizio di prima, non solo rifiutandosi di abbandonare sua figlia, ma anche non facendosi uccidere dall’oceano. Poi Emma salva la famiglia appena riunita con una barca.

A seguito dei disastri naturali, la maggior parte della California è distrutta e la penisola di San Francisco è ora l’isola di San Francisco. Emma e Ray tornano insieme e la bandiera americana sventola su ciò che resta del Golden Gate Bridge come promemoria che gli Stati Uniti persevereranno — oh, e anche che il fidanzato perdente di Emma è morto lì una volta.

Fuori dallo schermo, la New Line ha annunciato l’intenzione di produrre un sequel e, anche se nessuno ha ufficialmente intitolato il progetto “San Andreas 2”, tutti sanno nel profondo del proprio cuore che probabilmente le cose andranno in questo modo.

Pirati dei Caraibi: il produttore conferma che Margot Robbie è ancora legata al nuovo film

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Un sorprendente aggiornamento ha confermato che Margot Robbie è ancora legata al nuovo film Pirati dei Caraibi. Pirati dei Caraibi è da tempo un punto di riferimento culturale, con le sue avventure rocambolesche e le interpretazioni iconiche, in particolare quella del Capitano Jack Sparrow di Johnny Depp. Il coinvolgimento di Margot Robbie nel franchise è stato anticipato per la prima volta anni fa, con l’attrice legata a un nuovo progetto al femminile.

Dal 2017, tutti i progetti di Pirati dei Caraibi sono stati rinviati a causa del futuro incerto della serie. I fan attendono da tempo Pirati dei Caraibi 6, che è stato sospeso da quando sono emerse le controversie su Depp. Detto questo, gli aggiornamenti sui vari progetti in fase di sviluppo hanno continuato ad arrivare dal produttore Jerry Bruckheimer, compreso il film di Margot Robbie.

In una recente intervista alla conferenza The Grill di TheWrap, il produttore Jerry Bruckheimer ha fornito un aggiornamento molto promettente sul franchise Pirati dei Caraibi, confermando che Robbie è “ancora coinvolta” nel prossimo capitolo. Bruckheimer ha confermato che lui e il suo team stanno “lavorando alla sceneggiatura” e che il progetto di Robbie andrà avanti, nonostante le voci precedenti suggerissero il contrario.

Bruckheimer ha dichiarato che il progetto non andrà avanti finché non saranno soddisfatti, sottolineando: “A un certo punto avevamo due sceneggiature, poi una è stata scartata e abbiamo deciso di andare avanti con l’altra”. Secondo Bruckheimer, il veterano della serie Ted Elliot ha contribuito alla sceneggiatura di Pirati dei Caraibi 6, anche se “hanno chiamato qualcun altro per riempire i vuoti.

Cosa significa questo per il futuro di Pirati dei Caraibi

Bruckheimer ha rilasciato una serie di aggiornamenti confusi in passato, ma quest’ultimo aggiornamento sottolinea che Pirati dei Caraibi è ben lungi dall’essere finito, anche dopo le iniziali difficoltà con la sceneggiatura. L’inclusione di Robbie nel prossimo film suggerisce una nuova prospettiva per la serie, che potrebbe attrarre una nuova generazione di fan, soprattutto considerando il repertorio di Robbie per i film di successo.

Data la lunga pausa tra Dead Men Tell No Tales e Pirati dei Caraibi 6, sembra che Bruckheimer sia impegnato a creare un film che risuoni sia con i vecchi fan che con i nuovi arrivati. Di conseguenza, il nuovo cast di Pirati dei Caraibi, combinato con la profondità creativa del franchise, potrebbe segnalare una rivitalizzazione del franchise in una nuova era.

Tuttavia, ci sono ancora molti fan che attendono con impazienza notizie sul ritorno di Johnny Depp. In precedenza, Bruckheimer aveva dichiarato di volere Depp in Pirati dei Caraibi 6, ma che ciò dipendeva dall’accettazione della sceneggiatura da parte dell’attore. Il silenzio di Bruckheimer su Depp e il rafforzamento del ruolo di Robbie potrebbero far temere che alla fine non tornerà, quindi ulteriori aggiornamenti potrebbero seguire a breve.

Disney rimuove la data di uscita di un film Marvel e sfata 5 teorie sul MCU

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Il Marvel Cinematic Universe ha appena visto un film essere rimosso dal suo programma di uscita, il che smentisce alcune importanti teorie sul futuro del franchise. La Marvel si prepara ad affrontare un paio d’anni molto intensi al botteghino. Dopo che i film del MCU del 2025 hanno faticato a ottenere buoni risultati nelle sale, il MCU ha tre colossi in uscita a breve.

Nel 2026, Spider-Man: Brand New Day e Avengers: Doomsday riporteranno in auge due dei franchise più importanti dell’MCU. Poi, il 2027 concluderà la saga del Multiverso con Avengers: Secret Wars. Tutti e tre i film hanno il potenziale per finire nella lista dei migliori film dell’MCU. Tuttavia, un altro film avrebbe potuto unirsi a loro, ma ciò non sarà possibile dopo un aggiornamento.

Un importante film dell’MCU non verrà più realizzato

A causa di un rallentamento della produzione, ogni anno verranno distribuiti meno film dell’MCU. Nel 2026 arriveranno nelle sale due film, mentre nel 2027 ce ne sarà solo uno, Avengers: Secret Wars. Tuttavia, fino a poco tempo fa, l’anno avrebbe dovuto includere due film dell’MCU, ma la Disney ha rimosso un film dell’MCU dal programma della Marvel (tramite Variety). La sua data di uscita era il 23 luglio 2027.

Sebbene il film fosse conosciuto semplicemente come un film “Marvel senza titolo”, sarebbe stato importante indipendentemente dall’eroe MCU su cui si sarebbe concentrato. Il motivo è che il film sarebbe stato l’unico film MCU ad essere distribuito tra i prossimi due film degli Avengers. Il film MCU è stato sostituito dal sequel di The Simpsons Movie nel programma della Disney.

L’aggiornamento della lista dei film dell’MCU smentisce 5 importanti teorie Marvel

Non essendoci un film dell’MCU a colmare il divario tra i prossimi due film degli Avengers, alcune importanti teorie sull’MCU sono state smentite. Ad esempio, dopo che Doctor Strange in the Multiverse of Madness ha anticipato che l’eroe avrebbe fermato un’incursione con Clea, molti credevano che Doctor Strange 3 sarebbe stato il misterioso film dell’MCU del 2027.

L’aspetto multiversale della storia e il fatto che Benedict Cumberbatch non fosse stato confermato nel cast di Avengers: Doomsday hanno contribuito a sostenere questa teoria. Allo stesso modo, si vocifera che Scarlet Witch, interpretata da Elizabeth Olsen, tornerà in uno o entrambi i prossimi film degli Avengers dell’MCU. Un film dedicato a Wanda Maximoff avrebbe potuto spiegare il suo ritorno e colmare perfettamente il divario tra i film degli Avengers.

La rimozione del film MCU fa anche sembrare che il film Blade di Mahershala Ali, se mai verrà realizzato, dovrà aspettare fino alla fine della saga Multiverse. Allo stesso modo, anche Black Panther 3 sarà probabilmente un film del 2028, nonostante alcune recenti anticipazioni, e il presunto film World War Hulk non uscirà nel 2027. Il cambiamento di programma della Marvel pone fine a tutte queste importanti teorie sull’MCU.

Wolfman: la spiegazione del finale del film

Il film Wolfman (qui la recensione) del 2010, con Benicio del Toro nei panni di Lawrence Talbot, si inserisce nella lunga tradizione dei film sul licantropo, riprendendo e rielaborando i canoni classici del genere horror gotico. Ambientato in un’Inghilterra vittoriana nebbiosa e oppressiva, il film richiama le atmosfere cupe e teatrali dei celebri classici della Universal degli anni ’30 e ’40, come L’uomo lupo del 1941, ma cerca di rinnovare la narrazione attraverso un approccio più realistico e psicologicamente complesso. La figura del licantropo, qui, non è solo un mostro da temere, ma anche un simbolo del dolore, della colpa e dell’eredità familiare, elementi che conferiscono maggiore profondità alla storia.

Rispetto alle versioni precedenti, Wolfman introduce diverse novità sia sul piano visivo che narrativo. La trasformazione del protagonista in licantropo è resa con effetti speciali moderni, combinando makeup prostetico e CGI, per creare sequenze più dinamiche e impressionanti rispetto agli effetti analogici dei film del passato. La sceneggiatura, inoltre, approfondisce la storia personale di Lawrence Talbot, il suo trauma infantile e il rapporto conflittuale con il padre, offrendo una dimensione emotiva più intensa rispetto ai licantropi classici, che spesso erano rappresentati come figure più archetipiche e meno psicologicamente complesse. L’ambientazione, volutamente cupa e piovosa, contribuisce a creare un tono gotico e realistico che distingue questa versione da altre moderne reinterpretazioni del mito.

All’uscita nelle sale, il film ha ricevuto un’accoglienza critica mista, con elogi rivolti principalmente all’interpretazione intensa di Benicio del Toro e alla qualità della produzione, mentre alcune critiche hanno riguardato la sceneggiatura e il ritmo narrativo, giudicati talvolta prevedibili. Nonostante ciò, Wolfman ha consolidato la tradizione dei film sul licantropo introducendo nuovi elementi di dramma e introspezione psicologica, cercando di attirare sia i fan del genere classico sia il pubblico contemporaneo. Nel resto dell’articolo si approfondirà il finale ambiguo del film, analizzando le sue implicazioni e spiegando come esso influenzi la percezione del destino del protagonista e il messaggio complessivo della pellicola.

Wolfman cast

La trama di Wolfman

Ambientato nell’Inghilterra del 1891, il film ha per protagonista Lawrence Talbot, attore teatrale, che torna nella sua casa natìa in seguito alla scomparsa di suo fratello Ben. Qui viene accolto dall’anziano padre John e da Gwen, la fidanzata del defunto. La morte di questi si presenta da subito come particolarmente controversa e misteriosa, poiché ad averlo ucciso sarebbe stata una bestia dalle dimensioni particolarmente imponenti. Deciso ad indagare sulla cosa, Lawrence inizia a ricostruire quanto può essere accaduto nelle ultime ore di vita del fratello. Così facendo, scopre di leggende che sembrano non essere poi tanto irrealistiche.

Secondo la gente del luogo, infatti, la zona è minacciata da un lupo mannaro, che strazia i corpi di quanti gli capitano a tiro durante le notti di luna piena. Per tentare di abbattere la bestia viene ingaggiato anche l’ispettore Aberline, il quale dà vita ad una spietata caccia al mostro. Lawrence cerca di tenersi lontano da tutto ciò, proseguendo la sua ricerca, che lo porterà a scontrarsi con segreti tanto antichi quanto pericolosi. Prima che la luna piena torni a splendere nel cielo e la bestia si scateni di nuovo, Lawrence e quanti vicino a lui dovranno essere pronti a difendersi come possibile.

La spiegazione del finale del film

Nel terzo atto di Wolfman, la tensione raggiunge il culmine mentre Lawrence Talbot, ormai trasformato in licantropo, si trova intrappolato in una spirale di violenza e caos. Dopo aver scoperto la verità sul padre e sul proprio destino, Lawrence fugge nel bosco durante una notte di luna piena, uccidendo cacciatori e seminando il panico tra gli abitanti. La città è in subbuglio e la sua stessa famiglia è minacciata, mentre il poliziotto Aberline tenta invano di contenere la furia del mostro. Lawrence, lacerato tra la sua umanità e la maledizione che lo domina, diventa il fulcro della distruzione imminente, mostrando la tragedia della sua condizione senza possibilità di redenzione immediata.

La narrazione del film si risolve con la resa dei conti tra Lawrence e suo padre Sir John all’interno di Talbot Hall, trasformando la tragedia familiare in un confronto violento tra licantropi. Durante la lotta, Sir John viene decapitato da Lawrence, ma la furia del licantropo non si placa: attacca Aberline e mette a rischio Gwen, la donna che ama. La scena culmina nel drammatico scontro sulla gola del dirupo, in cui Gwen, con grande coraggio, riesce a sparare a Lawrence, liberandolo dalla maledizione. Il film si chiude con Lawrence che, tornando umano, ringrazia Gwen prima di morire, mentre Aberline osserva terrorizzato la luna piena, simbolo perpetuo del ciclo di violenza.

Wolf man film

Il finale del film, pur risolvendo la vicenda principale, mantiene un forte senso di ambiguità e tragedia. Lawrence muore, ma il potere della luna piena e la maledizione della licantropia rimangono elementi che suggeriscono che la violenza potrebbe ripetersi. La lotta tra umanità e mostruosità è rappresentata come un conflitto interiore eterno, e la presenza del poliziotto Aberline alla fine indica che il mondo esterno resta in pericolo, incapace di contenere appieno il ciclo della maledizione. Questo finale apre una riflessione sulla natura della colpa, dell’ereditarietà e delle conseguenze inevitabili delle azioni del passato.

La spiegazione del finale evidenzia come Wolfman utilizzi la trasformazione in licantropo non solo come elemento di horror visivo, ma come metafora del conflitto umano e familiare. La maledizione, trasmessa dal padre a Lawrence, diventa simbolo della ciclicità della violenza e della difficoltà di sfuggire ai traumi ereditati. La morte di Lawrence per mano di Gwen rappresenta una liberazione sia fisica che morale, poiché pone fine al suo tormento e alla minaccia immediata. Tuttavia, il film lascia intendere che l’incontrollabile natura del mostro non può essere completamente sradicata, sottolineando la tragicità della condizione di Talbot.

Il messaggio che il film lascia allo spettatore è duplice: da un lato, la storia esplora la lotta interiore tra i propri impulsi distruttivi e la volontà di umanità; dall’altro, mette in guardia sul peso dell’eredità familiare e sui traumi irrisolti che possono condizionare le vite successive. La tragedia di Lawrence Talbot è quella di un uomo che non può sfuggire al proprio destino, e la sua morte simboleggia sia la fine della maledizione immediata sia l’impossibilità di eliminare completamente il male che risiede nell’essere umano. Il finale, seppur drammatico, invita a riflettere sul prezzo del potere, della vendetta e della redenzione.

The Witcher: l’autore dichiara che la serie Netflix non supererà mai i suoi libri

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L’autore di The Witcher, Andrzej Sapkowski, ha affermato che la controversa serie fantasy di Netflix non potrà mai superare i suoi romanzi. La serie ha debuttato sulla piattaforma di streaming nel 2019 e ha riscosso un grande successo sin dal suo lancio iniziale. Con Henry Cavill nel ruolo del protagonista Geralt di Rivia, la serie vede anche Freya Allen e Anya Chalotra in ruoli secondari.

Durante la sua messa in onda, la serie è stata caratterizzata da polemiche, presumibilmente riguardanti l’insoddisfazione di Cavill per la direzione che stava prendendo la serie, culminate con l’acrimoniosa uscita di Cavill dal progetto. È stato sostituito da Liam Hemsworth nel ruolo di Geralt per The Witcher – stagione 4, e non è chiaro per quanto tempo la serie continuerà oltre questo punto.

Secondo Reddit, durante una sessione AMA degli editori Orbit Books, Sapkowski ha risposto a una domanda sulle sue opinioni riguardo agli adattamenti televisivi e videoludici e alla direzione che stanno prendendo. Sapkowski ha difeso con fermezza la parola scritta e il materiale originale, sostenendo che qualsiasi adattamento perde qualcosa nel processo. Ecco i suoi commenti:

Mettiamola così: c’è l’originale e poi ci sono gli adattamenti. Indipendentemente dalla qualità di questi adattamenti, non ci sono dipendenze o punti di convergenza tra l’originale letterario e il suo adattamento. L’originale è autonomo e ogni adattamento è autonomo; non è possibile tradurre le parole in immagini senza perdere qualcosa e non possono esserci collegamenti in questo senso. Inoltre, gli adattamenti sono per lo più visualizzazioni, il che significa trasformare le parole scritte in immagini, e non c’è bisogno di dimostrare la superiorità della parola scritta rispetto alle immagini, è ovvio. La parola scritta trionfa sempre e decisamente sulle immagini e nessuna immagine, animata o meno, può eguagliare il potere della parola scritta.

Cosa significa questo per The Witcher di Netflix

The Witcher si è rivelato uno degli adattamenti più controversi di Netflix, ed è chiaro il perché. Sebbene all’inizio della serie abbia fatto un lavoro ammirevole nell’adattare i romanzi epici e tentacolari di Sapkowski, ci sono ancora molti aspetti che la serie non è riuscita ad adattare in modo efficace, e questo è il limite degli adattamenti visivi rispetto al materiale scritto originale.

È vero che The Witcher non è un adattamento fedele dei libri; questo non potrebbe mai essere il caso a causa delle restrizioni che derivano dalla realizzazione di serie televisive. Tuttavia, c’è stata una forte deviazione da ciò che ha reso i libri di Sapkowski così efficaci, e questo conferma l’affermazione dell’autore secondo cui nulla può eguagliare la parola scritta.

L’amore all’improvviso – Larry Crowne: curiosità sul film di e con Tom Hanks

Tom Hanks dirige L’amore all’improvviso – Larry Crowne di cui è anche protagonista, al fianco di Julia Roberts. La coppia di divi aveva già lavorato in La guerra di Charlie Wilson

La trama di L’amore all’improvviso – Larry Crowne

Larry Crowne è un uomo gentile e stimato, che da anni lavora come responsabile in una grande catena di negozi in franchising, dove era approdato dopo il congedo dalla marina. La sua vita subisce però una svolta improvvisa quando, nonostante la dedizione al lavoro, viene licenziato. Oltre al trauma della perdita del posto, Larry deve affrontare le difficoltà economiche legate al mutuo e la totale incertezza su come gestire il tempo libero che si ritrova improvvisamente. Su consiglio degli amici, decide di iscriversi all’East Valley Community College, alla ricerca di una nuova opportunità. Qui entra a far parte di un vivace gruppo di studenti accomunati dalla passione per lo scooter e dal desiderio di costruirsi un futuro migliore. L’esperienza scolastica prende una piega inaspettata quando Larry resta affascinato dalla sua insegnante di oratoria, una donna disillusa, priva di entusiasmo per il lavoro e intrappolata in un matrimonio infelice.

Le curiosità su L’amore all’improvviso – Larry Crowne

  • Questo film è basato sulla vita di un amico di Tom Hanks, Jim Chandler.
  • Dopo aver ricevuto la notizia che sarebbe stato scelto per il ruolo del marito del personaggio di Julia Roberts, Bryan Cranston ha iniziato un regime di allenamento e dieta accelerati. Si è anche sbiancato i denti. Cranston ha affermato che si trattava di un tentativo di convincere il più possibile la gente che il suo personaggio si sarebbe sposato con una come la Roberts, presentando un personaggio dall’aspetto più giovane.
  • Il cognome della signora in banca è Gammelgaard. Questo è un riferimento a That Thing You Do! (1996) (sempre con Tom Hanks). È lo stesso cognome del ragazzo che ha baciato “decentemente” Faye (Liv Tyler). Questa è una delle ultime battute del film.
  • Chet Hanks, figlio di Rita Wilson e Tom Hanks, appare in una piccola parte come fattorino delle pizze. Rita ha anche un ruolo secondario.
  • In questo film Tom Hanks interpreta un cuoco di fast food. Nella vita reale suo padre, Amos Medford Hanks, era un cuoco.
  • Con tre premi Oscar (Tom Hanks, Julia Roberts e Rami Malek) e tre candidati all’Oscar (Bryan Cranston, Taraji P. Henson e Nia Vardalos).
  • Ci sono molti riferimenti al fatto che il cognome di Larry (Tom Hanks) sia Crowne (loghi con la corona, ecc.), incluso il suo alias, Lance Corona, poiché Corona in spagnolo significa “corona”.
  • Julia Roberts aveva appena iniziato le riprese di Mangia Prega Ama (2010) a Roma, quando le è stata offerta per la prima volta la sceneggiatura di questo film.
  • Tom Hanks è un grande fan della serie TV originale di Star Trek (1966-1969) e dei film successivi, da qui la scelta di George Takei per questo film. In effetti, Hanks era pronto a realizzare un’ambizione personale quando gli fu chiesto di interpretare un personaggio nel film Star Trek: Primo contatto (1996), ma dovette rifiutare a malincuore perché coincideva con le date delle riprese del suo debutto alla regia, That Thing You Do (1996).
  • Il personaggio di Malcolm Barrett parla di “Star Trek”. George Takei, famoso per il suo ruolo di Mr. Sulu nella serie originale di “Star Trek (1966)”, ha un ruolo in questo film.
  • Verso la fine del film, Talia sta per mangiare del sushi da asporto. Esamina l’etichetta della salsa di soia e cerca di controllare la sua schiena il più possibile, poiché in precedenza nel film Larry aveva rivelato che il suo tatuaggio in realtà significa salsa di soia.

Le Mans ’66 – La grande sfida: curiosità sul film di James Mangold

Matt Damon e Christian Bale sono le star di Le Mans ’66 – La grande sfida, film basato sull’incredibile storia vera del visionario designer di automobili Carroll Shelby e dell’intrepido pilota britannico Ken Miles, che insieme si batterono contro l’interferenza delle corporation, le leggi della fisica e i loro demoni personali per costruire una rivoluzionaria auto da corsa per la Ford Motor Company e sfidare le imbattibili auto di Enzo Ferrari alla 24 Ore di Le Mans in Francia nel 1966.

La trama di Le Mans ’66 – La grande sfida

Nel 1959 Carroll Shelby vince la 24 Ore di Le Mans con l’Aston Martin, ma un problema cardiaco lo costringe a lasciare le corse. Trasferitosi negli Stati Uniti, nel 1963 diventa costruttore di auto sportive con le sue Cobra, gareggiando con la sua squadra nel campionato SCCA. Tra i suoi piloti spicca Ken Miles, talentuoso ma dal carattere spigoloso, che dimostra le proprie doti vincendo a Willow Springs nonostante un acceso scontro con Shelby.

Intanto la Ford, in crisi di immagine, cerca un rilancio: il giovane Lee Iacocca propone di battere Ferrari alla 24 Ore di Le Mans. Dopo il fallito tentativo di acquistare la casa di Maranello, Henry Ford II decide di costruire un’auto vincente. Shelby viene incaricato del progetto, pur ostacolato dal dirigente Leo Beebe. La nuova GT40 si rivela velocissima ma fragile: a Le Mans 1964 tutte le vetture Ford si ritirano. Shelby convince Ford a dargli maggiore autonomia e richiama Miles come collaudatore, anche se Beebe ne ostacola la presenza come pilota.

Con uno stratagemma Shelby riesce a reinserirlo e, dopo la vittoria a Daytona 1966, Miles conquista il diritto di correre a Le Mans. Durante la gara dimostra resistenza e abilità straordinarie, arrivando a dominare dopo una serie di guasti e duelli. Tuttavia Beebe ordina di rallentare per permettere un arrivo congiunto delle GT40: la vittoria viene attribuita a Bruce McLaren, che aveva percorso più distanza partendo da più indietro. Miles, pur deluso, riceve il rispetto di Enzo Ferrari.

Poco dopo, durante i test della nuova GT40, muore in un incidente causato dai freni, lasciando Shelby profondamente segnato. Sei mesi più tardi, Carroll consegna al figlio di Ken la chiave inglese simbolo della loro amicizia. Nei titoli di coda si ricorda che Miles fu inserito postumo nella Motorsports Hall of Fame nel 2001, mentre la Ford dominerà Le Mans fino al 1969.

Le Mans '66 - La grande sfidaLe curiosità su Le Mans ’66 – La grande sfida

  • Per prepararsi al ruolo, Christian Bale ha preso lezioni di guida presso la Bondurant High Performance Driving School. Il fondatore della scuola era amico di Ken Miles, così Bale ha avuto modo di ascoltare storie del mondo delle corse degli anni ’60. Robert Nagle, istruttore di Bale e coordinatore degli stunt del film, ha definito Bale “senza dubbio il miglior attore che abbia mai allenato“.
  • Matt Damon ha affermato che il motivo principale per cui voleva fare il film era lavorare con Christian Bale.
  • Per ricreare il circuito di Le Mans così come esisteva negli anni ’60, le scene ambientate in pista hanno dovuto essere girate in cinque location diverse. Questo si è rivelato una sfida in termini di continuità, poiché non solo le auto dovevano essere posizionate correttamente per ogni inquadratura, ma anche le condizioni meteorologiche dovevano essere costanti. Gli effetti visivi sono stati fondamentali per risolvere una serie di problemi di continuità, alcuni dei quali semplici come la regolazione degli orologi.
  • Secondo Matt Damon, Christian Bale ha dovuto perdere 32 chili prima dell’inizio delle riprese. Bale aveva già preso molto peso per il suo ruolo in Vice (2018) e aveva circa sette mesi per smaltirlo completamente per interpretare il pilota automobilistico snello. Damon ha chiesto a Bale come fosse riuscito a perdere tutto quel peso, e Bale ha risposto che semplicemente non mangiava. Damon ha detto di essere rimasto colpito dalla disciplina monastica di Bale.
  • Dan Gurney è interpretato in questo film dal suo figlio più giovane, Alex Gurney.
  • Matt Damon e Christian Bale hanno concordato che la rissa tra i loro rispettivi personaggi è stata la scena più divertente da girare. Entrambi hanno esperienza in scene di combattimento ampiamente coreografate che hanno richiesto settimane di apprendimento, quindi è stato un cambiamento dover provare la rissa solo per 20 minuti e non essere obbligati a sembrare letali mentre la eseguivano.
  • La Ford prese le distanze dal film prima della sua uscita a causa della rappresentazione di Leo Beebe come antagonista.
  • La vittoria di Carroll Shelby a Le Mans nel 1959 su un’Aston Martin DBR1 fu particolarmente commovente per lui. La Ferrari lo aveva scartato come pilota ufficiale, quindi batterla a Le Mans gli diede grande soddisfazione.
  • La J Car guidata da Ken Miles nel suo incidente mortale si disintegrò, rendendo impossibile determinarne la causa esatta. Tuttavia, un esame dei segni di frenata rivelò che le ruote posteriori si erano bloccate. La curva 9 del Riverside Raceway era una curva facile in leggera salita. Quando l’auto uscì di strada, volò in aria e si schiantò contro il muso, ribaltandosi, prendendo fuoco e sbalzando Miles, che morì sul colpo. Questo accadde dopo una giornata di test di dieci ore, che portò a un problema non diagnosticato.

I personaggi di Riverdale tornano in TV con una nuova serie horror su Disney+

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Il creatore di Riverdale sta tornando nel mondo di Archie, anche se con una svolta. Riverdale ha concluso la sua corsa nell’agosto 2023 con un sentito omaggio a Betty, Veronica, Jughead e Archie, segnando la fine di un’era per The CW, con la soap opera adolescenziale che ha contribuito a lanciare star come KJ Apa, Lili Reinhart, Cole Sprouse, Camila Mendes e Madelaine Petsch.

Deadline riporta che il creatore di Riverdale, Roberto Aguirre-Sacasa, sta sviluppando un adattamento del fumetto horror Afterlife with Archie per Disney+. Il progetto è un dramma della durata di un’ora basato sul best-seller Archie Comics gestito da Aguirre-Sacasa e Francesco Francavilla. Ha ricevuto un impegno script-to-series, il che significa che il progetto salterà la fase pilota.

La serie horror nasce dallo stesso team di Riverdale e Chilling Adventures of Sabrina composto da Aguirre-Sacasa, che scriverà la sceneggiatura, Berlanti Productions e Warner Bros. Television. Reimmagina l’amata città di Riverdale come un inferno apocalittico alimentato da incubi e invaso da zombie mangia-carne.

Cosa significa questo per i fan di Archie

Afterlife with Archie non è una continuazione di Riverdale. Sarà una versione diversa con un cast diverso, ispirata al mondo di Archie Comics. Le sue origini risalgono al fatto che Aguirre-Sacasa aveva scritto due serie horror di successo per Archie Comics, ovvero Afterlife with Archie e Chilling Adventures of Sabrina. Nel 2014 è stato poi nominato Chief Creative Officer dell’editore. Alcuni mesi dopo, Riverdale ha iniziato a prendere forma.

Dopo alcuni tentativi e interruzioni, Riverdale è diventato un mini-franchise televisivo che comprende Chilling Adventures of Sabrina e lo spin-off di breve durata Katy Keene, con Lucy Hale. Disney+ spera probabilmente di sfruttare parte di quel successo con la sua versione zombificata dell’iconico personaggio dai capelli rossi, mettendo forse in luce la prossima generazione di star che potrebbero decollare come il cast di Riverdale.

Afterlife with Archie è prodotto da Aguirre-Sacasa e Jimmy Gibbons, tramite Muckle Man Productions, insieme a Berlanti, Sarah Schechter e Leigh London Redman per Berlanti Productions, mentre Jon Goldwater è produttore esecutivo tramite Archie Comics Studios.

Afterlife with Archie è degno di nota per essere il più grande impegno di sviluppo finora per Warner Bros. Television su Disney+, ma potrebbe finire per attrarre tanto i fan di The Walking Dead quanto quelli di Riverdale per la sua attenzione agli zombie. In ogni caso, il fatto che stia saltando con sicurezza la fase pilota e passando direttamente alla serie significa che sarà uno dei titoli da tenere d’occhio per il casting e altri dettagli nei prossimi mesi.

San Andreas: la storia vera che ha ispirato il film con Dwayne Johnson

San Andreas (qui la recensione), uscito nel 2015 e diretto da Brad Peyton, rappresenta uno dei tasselli più significativi nella filmografia di Dwayne Johnson per quanto riguarda il suo consolidamento come icona dell’action spettacolare moderno. Dopo aver interpretato eroi muscolari e carismatici in saghe come Fast & Furious ed essersi cimentato anche nel fantasy con Hercules, l’attore affronta qui un ruolo diverso ma perfettamente cucito sulla sua immagine: quello di un padre coraggioso e infallibile messo di fronte alla più grande catastrofe naturale immaginabile. Il film sfrutta la forza empatica dell’attore, rendendolo ancora una volta il simbolo dell’eroe che non crolla nemmeno davanti alla distruzione del mondo intero.

Appartenente al filone del disaster movie hollywoodiano, San Andreas si inserisce nella tradizione inaugurata da classici come The Towering Inferno e Earthquake, proseguita poi negli anni ’90 e 2000 con film come Twister, Volcano, Armageddon e The Day After Tomorrow. Tuttavia, rispetto a molti predecessori, punta tutto sulla spettacolarità degli effetti speciali e su un ritmo costante di tensione, alternando crolli di grattacieli, tsunami giganti e inseguimenti disperati su elicotteri e barche. A differenza di film più corali come 2012, San Andreas sceglie una narrazione focalizzata quasi interamente su un unico nucleo familiare, mettendo al centro il legame padre-figlia e utilizzando la catastrofe come banco di prova emotivo oltre che fisico.

Ciò che rende San Andreas particolarmente interessante è il fatto che, pur essendo un film d’intrattenimento dichiaratamente esagerato e spettacolare, prende spunto da una realtà scientifica concreta: l’esistenza della faglia di Sant’Andrea, linea di frattura geologica realmente capace di generare terremoti devastanti. Nel resto dell’articolo analizzeremo quanto di ciò che vediamo nel film sia plausibile dal punto di vista geologico e quanto invece appartenga al puro regno dell’iperbole cinematografica, smontando miti e confermando verità nascoste dietro gli effetti speciali.

Carla Gugino San Andreas

La trama di San Andreas

Ray Gaines (Dwayne Johnson) è un pilota di elicotteri della squadra di soccorso dei vigili del fuoco. L’uomo sta facendo i conti con un triste passato e con un difficile divorzio da sua moglie Emma (Carla Gugino). Nel frattempo, il sismologo Lawrence Hayes e il suo collega Kim Park sono alla diga di Hoover a testare un nuovo modello di previsione dei terremoti. All’improvviso si scatena un terremoto di magnitudo 7,1 che fa crollare la diga: Hayes scopre così che l’intera faglia di San Andreas si sta spostando e causerà presto una serie di gravi sismi in grado di distruggere tutte le città lungo la sua linea. Come gli scienziati avevano predetto, un terremoto di magnitudo 9,1 devasta Los Angeles.

Nello scenario apocalittico, Ray riesce a salvare sua moglie e insieme si dirigono a San Francisco per trovare e recuperare la loro figlia Blake (Alexandra Daddario). Ben Taylor, un ingegnere britannico in cerca di lavoro, e suo fratello minore Ollie riescono però a salvare per primi la ragazza e insieme raggiungono Chinatown. Dopo aver sentito la figlia ed essersi dati appuntamento in un luogo apparentemente sicuro, Ray ed Emma tentano di raggiungere San Francisco. Tuttavia, superare la devastazione della natura risulterà un vera impresa. Dovranno fare presto, perché il più grande terremoto mai registrato nella storia di magnitudo 9,6 sta per colpire la faglia distruggendo tutto ciò che incontrerà.

La storia vera che ha ispirato il film

Il film San Andreas trae ispirazione dalla Faglia di Sant’Andrea, una frattura geologica lunga circa 1.200 chilometri che attraversa la California e segna il confine tra la placca pacifica e quella nordamericana. Questa faglia è nota per la sua capacità di generare terremoti significativi, come quelli del 1857 e del 1906, entrambi con magnitudo intorno a 8 e con epicentro nel centro-nord dello stato. Tuttavia, la porzione meridionale della faglia non ha registrato eventi di tale entità da quasi 300 anni, suscitando preoccupazioni tra i geologi per la possibile liberazione di energia accumulata nel cosiddetto “Big One”, un terremoto di enorme intensità che potrebbe avere effetti catastrofici sulle aree urbane circostanti.

Secondo il Uniform California Earthquake Rupture Forecast (UCERF3), la probabilità che un terremoto di magnitudo 6,7 o superiore si verifichi nella regione di Los Angeles entro i prossimi trent’anni è del 60%, mentre eventi di magnitudo 7 hanno una probabilità del 46% e quelli di magnitudo 7,5 del 31%. Nella regione della Baia di San Francisco, le probabilità sono ancora più elevate: 72% per magnitudo 6,7, 51% per magnitudo 7 e 20% per magnitudo 7,5. Queste stime evidenziano come la California sia una delle aree sismicamente più attive degli Stati Uniti, e pur essendo possibile prevedere le zone a rischio, non è ancora possibile stabilire con precisione il momento esatto in cui si verificherà un grande terremoto.

san andreas

Sebbene la probabilità di un terremoto di magnitudo 8 o superiore sia inferiore, non può essere esclusa. Studi recenti indicano una probabilità di circa il 7% di un evento di tale portata lungo la Faglia di Sant’Andrea nei prossimi trent’anni. Tuttavia, è importante ricordare che la previsione di terremoti di grande intensità resta altamente incerta, e gli scienziati continuano a monitorare la faglia per identificare eventuali segnali precursori. Elementi come la fuoriuscita di gas possono indicare tensioni nelle rocce, ma non costituiscono indicatori affidabili. In questo contesto, il film prende spunto da una realtà concreta, ma la sua rappresentazione dei disastri è chiaramente amplificata per finalità cinematografiche.

Nel film, infatti, si assiste a scenari di distruzione totale, con edifici che crollano e intere città devastate da un terremoto di magnitudo 9,1, con la faglia che si spacca letteralmente in due. Nella realtà, eventi di questa portata sono estremamente rari e la faglia meridionale non ha registrato un terremoto di grande intensità da oltre tre secoli. Sebbene il “Big One” rappresenti una minaccia reale, la probabilità che si verifichi un terremoto così catastrofico come quello mostrato nel film è molto bassa. L’opera cinematografica, quindi, sfrutta licenze artistiche per enfatizzare la suspense e il dramma, senza riflettere fedelmente la reale dinamica geologica.

In sintesi, San Andreas mescola dunque realtà scientifica e finzione cinematografica, prendendo spunto da una faglia realmente esistente e dagli studi sui terremoti della California, ma esasperandone gli effetti per creare spettacolarità e tensione. La Faglia di Sant’Andrea rappresenta una minaccia concreta, con probabilità significative di terremoti di magnitudo medio-alta entro i prossimi decenni, ma gli scenari apocalittici mostrati nel film restano altamente improbabili. È dunque importante distinguere tra ciò che è supportato dalla scienza e ciò che è frutto di esagerazioni hollywoodiane finalizzate a intrattenere lo spettatore.

Wicked 2: il nuovo teaser anticipa due momenti salienti del Mago di Oz

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La Universal Pictures continua a promuovere Wicked: For Good, soprattutto per quanto riguarda il modo in cui il film si intreccerà con la trama de Il mago di Oz. In un teaser appena pubblicato, Elphaba (Cynthia Erivo) e Glinda (Ariana Grande) sono entrambe pronte a svolgere il loro ruolo nei momenti salienti della famosa storia originale, mentre tutti i pezzi vanno al loro posto.

Mentre il Mago (Jeff Goldblum) e Madame Morrible (Michelle Yeoh) lanciano una campagna di propaganda contro Elphaba per tenere nascosti i propri crimini, il rapporto tra Elphaba e Glinda viene messo alla prova quando i loro desideri e le loro priorità entrano ulteriormente in conflitto, e Dorothy arriva a Oz e finisce per entrare in possesso delle scarpe decadenti di Nessarose (Marissa Bode), la sorella di Elphaba.

Dopo il Wicked: For Good‘s final full trailer, il team di marketing dovrebbe rilasciare alcuni promo più brevi: il primo anticipa sia l’incontro fatidico di Glinda con Dorothy sia Elphaba che alla fine trova degli alleati nelle scimmie volanti. Si vede Glinda che dà a Dorothy e Toto le indicazioni per seguire la strada di mattoni gialli, mentre altri animali cominciano ad avvicinarsi a Elphaba.

Dopo che Glinda ha dato a Dorothy le indicazioni francamente sbagliate “È solo in fondo a quella strada!”, il teaser mostra anche altro della lotta tra Elphaba e Glinda sul luogo dell’atterraggio di fortuna, con un tono più umoristico rispetto a quello che ha sul palco. In primo luogo, questa clip mostra alcuni indizi su ciò che verrà aggiunto al film.

Cosa significa questo per Wicked 2

Il pubblico non vede mai Glinda interagire direttamente con Dorothy nella produzione di Broadway, ma Wicked: For Good non ha intenzione di mostrare il volto di Dorothy, il che significa che la ricostruzione di parti del suo arrivo a Munchkinland si concentrerà principalmente sulla prospettiva di Glinda. Allo stesso modo, ciò che Elphaba fa esattamente per aiutare la popolazione animale di Oz durante i suoi anni di fuga rimane ambiguo sul palco.

Il primo film Wicked presenta Elphaba che recluta la guardia delle scimmie volanti come un punto della trama più complicato, ma che sappiamo deve realizzarsi a causa della famosa iconografia del Mago di Oz. Quando le scimmie non sono prigioniere ma soldati costretti con la forza, deve verificarsi un evento più grande per convincerle a fuggire con Elphaba.

Il brevissimo scorcio di altri animali che si radunano intorno a Elphaba, così come i teaser di ciò che accade al matrimonio di Glinda e Fiyero (Jonathan Bailey), suggeriscono che Elphaba istiga una rivolta degli animali, una nuova aggiunta alla sceneggiatura dello spettacolo. Pertanto, altri animali che si alleano con lei potrebbero portare anche le scimmie a radunarsi intorno a lei, credendo che possa proteggerle.

Fire Down Below – L’inferno sepolto: la spiegazione del finale del film

Fire Down Below – L’inferno sepolto, uscito nel 1997, rappresenta un capitolo importante nella filmografia di Steven Seagal, all’epoca già affermato come star dell’action anni ’90 grazie a titoli come Programmato per uccidere e Duro da uccidere. Il film si colloca nella fase in cui Seagal cercava di combinare le sue abilità nelle arti marziali con tematiche più adulte e realistiche, spostandosi dall’action puro verso un approccio più ambientalista e sociale. Qui l’attore interpreta Jack Taggart, un ispettore federale che si trova a confrontarsi con la criminalità ambientale e con la corruzione delle multinazionali, aggiungendo tensione morale al consueto ritmo da action movie.

Il film appartiene al filone action-thriller, ma si distingue per il forte impegno tematico. La trama ruota attorno all’inquinamento ambientale e alla lotta contro chi sfrutta le risorse naturali a scapito della salute delle persone e dell’ecosistema. Questa componente ambientalista, relativamente inedita per Seagal, offre una dimensione di impegno sociale al racconto: oltre alle scene di combattimento e alle esplosioni tipiche del genere, il film mette in luce le conseguenze devastanti dell’avidità umana e della negligenza industriale, rendendo il conflitto centrale sia fisico sia etico.

Nonostante alcune critiche per sceneggiatura e ritmo, Fire Down Below – L’inferno sepolto ha riscosso un discreto successo tra il pubblico appassionato di action, consolidando la reputazione di Seagal come protagonista capace di incarnare personaggi determinati e moralmente coerenti. La sua interpretazione di Jack Taggart, uomo di legge e giustizia, combina forza fisica e integrità morale, creando un eroe moderno che combatte sia contro nemici tangibili sia contro le ingiustizie sociali. Nel resto dell’articolo si approfondirà il finale del film, spiegandone gli sviluppi e come la storia si risolve, mettendo in luce le scelte decisive del protagonista.

Fire Down Below – L’inferno sepolto spiegazione finale film
Steven Seagal nel film Fire Down Below – L’inferno sepolto

La trama di Fire Down Below – L’inferno sepolto

Il film segue le vicende di Jack Taggart (Steven Seagal), un agente dell’EPA, compagnia che si occupa di protezione ambientale. L’uomo viene incaricato di condurre un’indagine in Kentucky sull’ecomafia, soprattutto in seguito ad alcuni decessi verificatisi in circostanze misteriose. La causa delle morti potrebbe essere imputata all’eliminazione illecita di una grossa quantità di rifiuti tossici in una vecchia miniera di carbone. Dietro questi affari loschi ci sarebbe l’imprenditore Orin Hanner (Kris Kristofferson) e suo figlio (Brad Hunt).

L’industriale sarebbe anche colpevole dell’assassinio di un ex collega di Taggart che stava lavorando al caso proprio prima di lui. Quando Jack arriva nella cittadina, viene subito ben accolto dagli abitanti, anche da quelli più ostili, come Sarah (Marg Helgenberger), che non va d’accordo praticamente con nessuno. Piano piano l’uomo riesce a inserirsi nella comunità, così da poter indagare indisturbato. Riuscirà a fare chiarezza sulla vicenda e a incastrare una volta per tutte Hanner e la sua compagnia?

La spiegazione del finale del film

Nel terzo atto di Fire Down Below – L’inferno sepolto, Jack Taggert affronta la crescente escalation di violenza orchestrata dalla Hanner Coal Company e dai suoi scagnozzi. Dopo aver subito minacce, attacchi diretti e tentativi di omicidio, Taggert reagisce con abilità e determinazione, neutralizzando uno a uno i suoi assalitori. L’episodio più drammatico vede Taggert sfuggire a un attentato orchestrato da un camionista della Hanner che lo spinge giù da una scarpata mineraria, mentre il colpevole rimane ucciso. Parallelamente, la sua vicinanza a Sarah Kellogg si consolida, rafforzando la sua determinazione a proteggere i cittadini e a smascherare i responsabili, mostrando il lato umano del suo personaggio.

Le tensioni raggiungono il culmine quando Earl, fratello di Sarah e complice della Hanner, incendia la chiesa e tenta di intrappolare Taggert in una miniera pronta a crollare. Taggert riesce a sopravvivere agli attacchi grazie a prontezza e astuzia, mentre diversi mercenari muoiono nei conflitti. L’azione culmina con l’arrivo dell’FBI, apparentemente pronta a proteggere la testimone, ma rivelatasi corrotta. Ne scaturisce uno scontro a fuoco in cui Taggert elimina un agente e manda l’altro con un avvertimento chiaro: la sua battaglia contro Orin Sr. e la corruzione non è finita. Questo passaggio prepara la risoluzione della vicenda e l’atto finale di giustizia personale e legale.

Steven Seagal nel film Fire Down Below – L’inferno sepolto
Steven Seagal nel film Fire Down Below – L’inferno sepolto

Il finale del film vede dunque Taggert affrontare direttamente Orin Jr., che, sotto pressione, accetta di collaborare con la giustizia rivelando le responsabilità del padre nei reati ambientali e nell’omicidio. Taggert si reca quindi al casinò per arrestare Orin Sr., che tenta di reagire armato, ma viene neutralizzato con un colpo alla spalla. Questa sequenza finale unisce azione e giustizia: l’eroe non solo elimina la minaccia fisica, ma riesce a smascherare un sistema corrotto che protegge i criminali. Con Orin Sr. in custodia e Sarah finalmente al sicuro, il film si chiude con il ritorno alla stabilità della comunità di Jackson e la consacrazione di Taggert come figura di integrità e coraggio.

Il finale evidenzia come la risoluzione della storia non si limiti alla semplice vittoria fisica sul nemico, ma completi anche il percorso morale e tematico del film. Taggert rappresenta la giustizia che si muove al di fuori dei vincoli burocratici e della corruzione istituzionale: affrontando i pericoli reali, proteggendo le vittime e raccogliendo prove decisive, egli garantisce che la legge e l’etica vengano rispettate. La sua determinazione a non cedere di fronte alla violenza e alla corruzione sottolinea il messaggio ambientale del film, mostrando come la protezione della comunità e dell’ambiente richieda coraggio e azione concreta.

Oltre alla suspense e alle sequenze d’azione, il film sottolinea l’importanza della responsabilità individuale nella difesa della giustizia e dell’ambiente. Attraverso il personaggio di Taggert, lo spettatore percepisce che la lotta contro la corruzione, l’avidità e la distruzione ecologica è una battaglia complessa ma necessaria. La storia trasmette che, anche in situazioni estreme e apparentemente dominate dal potere economico e dalla criminalità organizzata, l’integrità e il coraggio possono prevalere, lasciando una lezione morale tanto intensa quanto avvincente.

Il mistero dei Templari 3: il produttore conferma il ritorno di Nicolas Cage

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Il mistero dei Templari 3 (National Treasure 3) riceve un nuovo entusiasmante aggiornamento, con il produttore Jerry Bruckheimer che anticipa il ritorno di Nicolas Cage. Uscito nel 2004, l’originale Il mistero dei Templari rimane uno dei film più amati di Cage, con l’iconico attore nei panni dell’avventuriero Ben Gates.

Cage ha ripreso il suo ruolo nel sequel del 2007, sottotitolato Book of Secrets, ma non è tornato per la serie spin-off di breve durata Edge of History, trasmessa da Disney+ nel 2022. Il mistero dei Templari 3 (National Treasure 3) è in fase di sviluppo da tempo con il regista originale Jon Turteltaub, ma Cage ha già espresso scetticismo sulla realizzazione del progetto.

Ora, in una recente intervista con TheWrap, Bruckheimer conferma che Il mistero dei Templari 3 (National Treasure 3) è ancora in lavorazione. Ci stiamo avvicinando”, ha detto il produttore riguardo al progetto. Bruckheimer rivela anche che l’aspettativa per il film è che sia Turteltaub che Cage tornino.

Dopo l’aggiornamento su Il mistero dei Templari 3 (National Treasure 3), a Bruckheimer è stato chiesto se fosse deluso dal passaggio della serie alla TV in streaming con National Treasure: Edge of History. Il produttore spiega che la serie ha comunque svolto il suo compito di mantenere la serie rilevante per il pubblico. Come spiega:

“No, era completamente diverso. Vogliamo mantenere vivo il nome agli occhi del pubblico [e] nello spirito del tempo”.

Cosa significa questo per Il mistero dei Templari 3 (National Treasure 3)

Nicolas Cage
Nicolas Cage al Festival di Cannes – Foto di Luigi De Pompeis © Cinefilos.it

Nel marzo 2024, Cage ha condiviso alcuni commenti sinceri su Il mistero dei Templari 3 (National Treasure 3). L’attore ha preso di mira la Disney, suggerendo che la società è responsabile del fatto che il film non sia stato realizzato. Nelle sue stesse parole:

No, non c’è National Treasure 3. Se volete trovare un tesoro, non guardate alla Disney, ok? Non è lì.

Le parole schiette di Cage sono in contrasto con i commenti di Turteltaub e dello sceneggiatore Ted Elliot, che negli ultimi anni hanno fornito diversi aggiornamenti promettenti sul progetto. Nell’agosto 2024, Elliot ha dichiarato al National Treasure Hunt podcast che la prima bozza della sceneggiatura era stata completata e che Ben, Abigail (Diane Kruger) e Riley (Justin Bartha) erano tutti inclusi nella storia.

Le ultime dichiarazioni di Bruckheimer sembrano quindi confermare che il lavoro su Il mistero dei Templari 3 (National Treasure 3) non si è interrotto negli ultimi 14 mesi, da quando è stata completata la prima bozza della sceneggiatura. Le sue dichiarazioni potrebbero anche essere un segno che Cage ha cambiato idea sul terzo film.

Se la sceneggiatura di Il mistero dei Templari 3 (National Treasure 3) dovesse essere completata quest’anno, le riprese non inizierebbero prima del 2026, il che significa che l’uscita del film potrebbe avvenire nel 2027 o addirittura nel 2028. Detto questo, potrebbe volerci un altro anno o più prima che la sceneggiatura sia completata in modo soddisfacente per tutti, il che significa che l’attesa potrebbe essere molto lunga.

Alice In Borderland – Stagione 4: tutto quello che sappiamo fino ad ora

Sebbene la terza stagione di Alice in Borderland ripercorra il viaggio di Arisu e Usagi attraverso l’ultimo gioco Joker, termina in modo interessante con una nota ambigua e lascia spazio alla quarta stagione.

Per molto tempo è stato difficile non credere che la seconda stagione di Alice in Borderland avrebbe segnato la fine della serie live-action giapponese di Netflix. Poiché la conclusione della seconda stagione era in linea con quella del manga originale, la serie aveva esaurito il contenuto del materiale di partenza. Sorprendentemente, la serie è tornata con un’altra stagione, che ha seguito una narrazione originale.

Il contenuto promozionale della terza stagione di Alice in Borderland ha rivelato che avrebbe presentato la corsa finale di Arisu e Usagi nella Borderlands contro un Joker sfuggente. Anche se la storia di Arisu e Usagi sembra conclusiva verso la fine della terza stagione, un oscuro colpo di scena finale sembra preparare il terreno per una potenziale quarta stagione di Alice in Borderland.

Ultime notizie su Alice In Borderland – Stagione 4

Anche se il finale della terza stagione di Alice in Borderland lascia spazio a un altro capitolo, il cast e la troupe dello show non hanno fatto annunci ufficiali sul suo ritorno. Anche Netflix non ha rivelato nulla sul futuro dello show di sopravvivenza giapponese, anche se il finale della terza stagione suggerisce che potrebbe tornare con un altro seguito.

Dato che la terza stagione di Alice in Borderland porta a una conclusione definitiva e ben strutturata la storia di Arisu e Usagi, non avrebbe senso che una nuova stagione li vedesse nuovamente protagonisti. Per questo motivo, se Netflix decidesse di continuare il franchise, lo streamer probabilmente amplierebbe la sua tradizione con un potenziale spin-off.

La quarta stagione di Alice in Borderland non è ancora stata confermata

Non ci sono ancora conferme ufficiali sul rinnovo di Alice in Borderland oltre la terza stagione. È interessante notare, tuttavia, che proprio come la terza stagione di Squid Game, anche il terzo capitolo di Alice in Borderland si svolge negli Stati Uniti nei suoi momenti finali, suggerendo che il prossimo capitolo potrebbe ampliare la portata e la diffusione dei giochi centrali.

Ci sono state diverse voci sul ritorno di Squid Game su Netflix come potenziale reboot americano. Per quanto riguarda Alice in Borderland, invece, sembra che sia stato rivelato poco su ciò che potrebbe riservare il futuro. Dopo il finale ambiguo della terza stagione, però, è difficile non credere che Netflix abbia in programma qualcosa di più per il franchise se la terza puntata avrà un buon successo.

Parlando delle sfide tecniche che i creatori della serie hanno dovuto affrontare durante la produzione, il regista Shinsuke Sato ha specificatamente affermato (tramite Salon) che “la sfida più impegnativa è stata il gioco finale della serie”. Il fatto che abbia sottolineato come il gioco Joker fosse l’ultimo della serie suggerisce che non avesse intenzione di espanderla oltre la terza stagione. Il regista ha anche menzionato come, dopo che la seconda stagione ha finalmente rivelato la verità su Borderlands, hanno dovuto spostare la domanda centrale della terza stagione a: “Quindi dobbiamo tornare a [Borderland] – ma possiamo tornare al mondo reale?” Questo cambiamento nell’inquadramento della narrazione attorno a una domanda finale indica una mossa deliberata verso la conclusione definitiva della serie.

Dettagli sul cast della quarta stagione di Alice In Borderland

Dopo il finale della terza stagione di Alice in Borderland, è difficile immaginare come la serie possa continuare la storia di Arisu e Usagi. Tuttavia, prima che inizino i titoli di coda, il Giappone viene colpito da una serie di terremoti, che inducono Arisu a chiedersi cosa riserva il futuro. L’imminente catastrofe che porterà alla fine del mondo potrebbe riportare i personaggi interpretati da Kento Yamazaki e Tao Tsuchiya a Borderlands.

Anche i membri del cast secondario delle stagioni 1 e 2, tra cui Ayaka Miyoshi (Ann), Aya Asahina (Kuina), Sho Aoyagi (Aguni), Yuri Tsunematsu (Akane), Dori Sakurada (Niragi) e Nijirō Murakami (Chishiya), compaiono brevemente nella stagione 3. Anche le loro storie sembrano conclusive, ma un seguito diretto potrebbe segnare il loro ritorno.

Poiché la scena finale della terza stagione si svolge negli Stati Uniti e si concentra sul cartellino con il nome indossato da una cameriera americana di nome Alice, sembra possibile che un potenziale seguito prenderà la strada dello spin-off e presenterà una nuova serie di personaggi. La nuova protagonista potrebbe essere un personaggio femminile di nome Alice che, come molti esseri umani, si ritrova nelle Borderlands dopo un disastro che ha distrutto il mondo.

Potenziale trama della quarta stagione di Alice in Borderland

La trama della quarta stagione di Alice in Borderland dipenderà in gran parte da come Netflix deciderà di espandere il franchise. Un seguito diretto potrebbe rischiare di diluire le vicende concluse di Arisu e Usagi, ma potrebbe comunque trovare modi creativi per rimandarli nelle Borderlands.

Dopo il finale della terza stagione di Alice in Borderland, uno spin-off avrebbe più senso per la serie. Lo spin-off potrebbe ruotare attorno a un nuovo gruppo di personaggi e seguire le loro avventure – e disavventure – nel cupo mondo che esiste tra la vita e la morte. Il potenziale seguito potrebbe anche rivelare di più sulla misteriosa guardia di Borderlands e raccontare la storia di come è finito in purgatorio.

Se fosse abbastanza ambizioso, il potenziale seguito di Alice in Borderland potrebbe anche esplorare cosa si nasconde dietro il vuoto presente nel finale della terza stagione. Il finale accenna anche all’esistenza di un dio onnipotente, che potrebbe diventare una figura chiave in un nuovo capitolo.

Alice in Borderland 3: tutti i giochi della terza stagione spiegati nel dettaglio

Come le stagioni precedenti, anche la terza stagione di Alice in Borderland accompagna gli spettatori attraverso una serie di giochi fantascientifici avvincenti e inquietanti che determinano il futuro dei suoi personaggi principali.

Fin dalla prima stagione, Alice in Borderland si è distinta per l’innovatività della portata e della visione dei suoi giochi centrali. Mentre alcuni giochi della serie sono stati relativamente più realistici e hanno coinvolto solo la sopravvivenza fisica o la manipolazione psicologica, altri hanno presentato scenografie imponenti che hanno superato i limiti dell’immaginazione.

Alice in Borderland stagione 3 è narrativamente un po’ diversa dai precedenti capitoli, ma non delude con i suoi giochi. Simile ai capitoli precedenti, presenta il mix perfetto di giochi che costringono i giocatori a usare tutto, dalla strategia intelligente alla pura forza fisica.

Game No. Name Of Game Rules Summary
#1 Old Maid I giocatori pescano le carte dal mazzo o l’uno dall’altro. Chi ha il jolly muore e l’ultimo rimasto vince.
#2 Sacred Fortunes I giocatori pescano dei biglietti della fortuna e risolvono le domande che vi sono scritte.
#3 Runaway Train I giocatori devono raggiungere l’ultimo vagone di un treno partendo dal primo e fermarlo, giocando a un gioco di sopravvivenza a indovinelli in ogni vagone.
#4 Zombie Hunt I giocatori sono divisi in due gruppi, umani o zombie, in base ai loro gruppi. Vince il gruppo con più giocatori.
#5 Tokyo Bingo Tower I giocatori devono scalare la Tokyo Tower e premere i pulsanti con i numeri corrispondenti per completare una cartella del bingo.
#6 Kick The Can I giocatori devono calciare un barattolo e riportarlo al centro dell’arena prima che scada il tempo a disposizione.
#7 Possible Future I giocatori devono attraversare un’arena quadrata con 25 stanze in base ai numeri ottenuti con i dadi. Vincono se trovano l’uscita dell’area.
#8 The Joker Card Choice Arisu deve scegliere una delle due carte. Se si rivela essere un jolly, il Guardiano decide il suo destino.

Gioco n. 1: Old Maid

Il primo gioco della terza stagione di Alice in Borderland, “Old Maid”, è servito più che altro come audizione organizzata da Banda nel mondo reale per determinare quale essere umano fosse il candidato perfetto per la sua missione di riportare Arisu ai giochi. Il gioco segue regole semplici: i giocatori si riuniscono attorno a un tavolo e ciascuno riceve un mazzo di carte casuale.

Quando arriva il loro turno, i giocatori devono pescare una carta dal mazzo o da un altro giocatore, scartando le coppie. Se un giocatore si alza nel bel mezzo del gioco o finisce per pescare un jolly, la sua sedia gli invierà una scarica elettrica che lo ucciderà prima che possa andarsene.

Ryuji, che è il principale antagonista umano della terza stagione di Alice in Borderland, vince questo gioco e si guadagna l’opportunità di visitare le Borderlands.

Gioco n. 2: Sacred Fortunes

Poco dopo essere finito nelle Borderlands per la seconda volta, Arisu arriva al luogo in cui si svolge il gioco “Sacred Fortunes”. Anche questo gioco sembra semplice per quanto riguarda le regole. Ogni giocatore deve pescare un biglietto della fortuna e rispondere correttamente alla domanda che vi è scritta per evitare conseguenze disastrose.

Tutto inizia bene per i giocatori quando il primo pesca un biglietto che non porta a nulla. Le cose si complicano, però, quando il secondo giocatore non riesce a rispondere correttamente a un problema di matematica sul suo biglietto con un margine di tre. Di conseguenza, tre frecce volano verso i giocatori da una direzione sconosciuta e due giocatori finiscono per morire.

Man mano che il gioco prosegue, aumenta anche il margine di errore dei problemi riportati sui biglietti della fortuna. Di conseguenza, sempre più giocatori vanno incontro a un tragico destino. Arisu riceve uno dei biglietti più difficili, che gli chiede di indovinare correttamente la popolazione mondiale. Lui risponde 7,9 miliardi, che si rivela essere 100 milioni in meno rispetto alla risposta corretta.

Il cielo si riempie presto di milioni di frecce, ma Arisu si rende conto che ogni biglietto contiene anche un’istruzione di sicurezza sulla direzione da cui arriveranno le frecce. La sua prontezza di spirito aiuta gli ultimi giocatori a sopravvivere al gioco e a passare a quello successivo.

Gioco n. 3: Caccia agli zombie

In termini di regole, “Caccia agli zombie” si rivela molto più complesso e articolato rispetto ai due giochi precedenti. Il gioco si svolge in una struttura chiusa dove si riuniscono diverse squadre. A tutti i giocatori viene distribuito un mazzo di carte e devono competere in uno scontro uno contro uno con un altro giocatore di una squadra diversa.

Oltre alle normali carte da gioco, i mazzi contengono anche tre carte speciali:

  • Carta Zombie: la carta Zombie è contagiosa nel senso che, se un giocatore la pesca durante una partita, vince immediatamente e il suo avversario è costretto a unirsi a lui. Anche il giocatore perdente riceve una copia della carta Zombie e può usarla nella partita successiva per contagiare qualcun altro.
  • Carta Fucile: Alcuni giocatori hanno anche accesso a una carta Fucile, che usano per battere la carta Zombie del loro avversario. Anche se la carta Fucile non ha alcun effetto sulle carte normali, uccide letteralmente chi pesca gli zombie contro di essa.
  • Carta Vaccino: Come suggerisce il nome, la carta Vaccino “neutralizza” una carta Zombie. Quando un giocatore la usa contro uno Zombie, lo Zombie torna al suo stato non infetto. La carta Vaccino, tuttavia, può essere utilizzata solo sugli altri giocatori e non su se stessi.

Il gioco termina dopo 20 round di incontri uno contro uno e vince la fazione, umani o zombie, con il maggior numero di giocatori. Durante questo gioco viene presentata una delle nuove giocatrici principali, Rei. Per garantire la sua sopravvivenza, Rei inizialmente si avvicina ad Arisu e alla sua squadra e chiede loro di isolare il maggior numero possibile di zombie.

Lo fa perché inizialmente crede che gli umani saranno più numerosi degli zombie. Tuttavia, le cose prendono una piega caotica quando i giocatori di entrambe le parti iniziano a reagire. Arisu, come sempre, rimane un passo avanti e si assicura che tutti i membri della sua squadra siano zombie. Alla fine, gli zombie superano gli umani in numero e Arisu e i suoi amici passano al gioco successivo.

Gioco n. 4: Treno in fuga

In questo gioco i giocatori si ritrovano su un treno in corsa. Ogni vagone del treno contiene un uccello in gabbia e i giocatori devono spostarsi dal primo all’ultimo vagone senza morire. Per vincere il gioco, gli ultimi giocatori sopravvissuti devono anche fermare il treno dopo il suono di una forte sirena.

La particolarità di questo gioco è che ogni nuovo vagone in cui entrano i giocatori sarà pieno di ossigeno o di veleno. Sta ai giocatori indovinare quale dei due sarà. Se credono che il vagone sarà pieno di veleno, devono indossare una maschera antigas con un filtro che neutralizza il veleno. Il destino dell’uccello li aiuta a determinare se hanno fatto la scelta giusta.

Dato che ogni giocatore ha solo cinque filtri, devono elaborare una strategia accurata e indovinare se il loro vagone sarà pieno di veleno. Dopo una serie di ipotesi sbagliate, i giocatori finiscono in una situazione senza via d’uscita in cui esauriscono tutti i filtri. È allora che Usagi ha l’idea di saltare su un altro treno in transito, che permette ad alcuni di sopravvivere.

Gioco n. 5: Tokyo Bingo Tower

Quando Usagi e la sua squadra raggiungono le semifinali, finiscono sulla Tokyo Tower, dove devono arrampicarsi con cautela e premere dei pulsanti con dei numeri sopra. L’obiettivo è quello di tracciare una linea diagonale, una orizzontale e una verticale sulla loro cartella del bingo. Ciò che rende questo gioco più difficile è che ogni volta che un giocatore preme un pulsante, dall’alto cadono dei pesanti cuscinetti a sfera, rendendo più difficile la salita.

Mentre molti giocatori muoiono durante la salita, Usagi mette a frutto la sua esperienza di arrampicata. Raggiunge da sola la cima della torre per accedere al pulsante “Free Space”, consentendo ai sopravvissuti di vincere e passare alla partita finale.

Gioco n. 6: Kick The Can

Questo è il gioco a cui Arisu e la sua squadra giocano prima di passare alla partita finale della stagione. In questo gioco, i giocatori si riuniscono in uno spazio al coperto dove hanno accesso a 10 lattine. In ogni round, devono calciare le lattine e riportarle al centro dell’arena prima che il tempo scada. Ogni giocatore che porta la lattina al centro si qualifica per il round successivo.

Le lattine hanno anche delle bombe a orologeria che esplodono quando il tempo limite di un round finisce. A causa di un infortunio, Arisu fatica a giocare. Tuttavia, con l’aiuto dei suoi compagni di squadra, riesce a sopravvivere.

Gioco n. 7: Possibili futuri

“Possibili futuri” si rivela il gioco più inquietante e impegnativo della terza stagione di Alice in Borderland. Prima dell’inizio del gioco, a ogni giocatore viene chiesto di indossare un collare e dei braccialetti. Quindi, entrano nell’arena che contiene 25 stanze disposte a forma di quadrato. In ogni stanza, un giocatore deve lanciare i dadi e, in base ai numeri ottenuti, determinare quanti possono passare alla stanza successiva.

All’inizio del gioco tutti i giocatori ricevono 15 punti, che vengono visualizzati sul loro orologio. Ogni volta che i giocatori entrano in una nuova stanza, viene detratto un punto dal loro orologio. Se un giocatore non riesce ad avanzare da una stanza all’altra a causa dei limiti del dado, attiva un blocco della stanza, che può essere revocato solo da altri due giocatori.

Anche se la quarta stagione di Alice in Borderland non è stata ancora confermata ufficialmente, il finale della terza stagione suggerisce il ritorno della serie in qualche modo.

Rimanere in una stanza comporta anche la deduzione di un punto, e ogni stanza ha anche un proprio sistema di deduzione dei punti. Ciò che rende questo gioco più complicato è che sopra ogni porta di una stanza, una proiezione mostra il potenziale futuro che un giocatore sbloccherà con la sua scelta. Arisu consiglia a tutti i giocatori di essere consapevoli delle loro scelte e chiede loro di non lasciarsi manipolare dalle proiezioni.

Sfortunatamente, le proiezioni entrano presto nella testa di molti giocatori, costringendoli a fare scelte che non sono ottimali per la loro sopravvivenza. Di conseguenza, molti muoiono verso la fine. Nell’ultima stanza, un giocatore è chiamato a compiere il sacrificio estremo rimanendo indietro e lasciando che tutti gli altri se ne vadano.

Arisu si assume la responsabilità di salvare il gruppo scegliendo di rimanere indietro. Con suo grande shock, questo si rivela essere uno stratagemma ideato da Banda, che lo informa che scegliendo di rimanere, ha assicurato la sua sopravvivenza nelle Borderlands ma ha ucciso tutti gli altri. Con questo, mentre Usagi affronta Banda, gli altri all’esterno lottano per sopravvivere contro un’enorme alluvione che sta distruggendo il mondo.

Gioco n. 8: La scelta della carta jolly

Arisu incontra il Guardiano delle Terre di Confine nell’arco narrativo finale della terza stagione di Alice in Borderland. Il Guardiano seleziona due carte a caso dal suo mazzo e le posiziona a faccia in giù. Chiede quindi ad Arisu di sceglierne una e gli dice che il suo destino non sarà nelle sue mani se sceglierà un jolly.

Quando entrambe le carte risultano essere jolly, Arisu affronta il Guardiano per averlo ingannato. Nonostante abbia vinto, il Guardiano dà ad Arisu una seconda possibilità e gli permette di scegliere se tornare al mondo reale e sperimentare un dolore e una tragedia inimmaginabili, oppure accettare l’abbraccio oscuro e freddo della morte.

Arisu sceglie la prima opzione e si mette in viaggio per salvare Usagi dall’alluvione prima che sia troppo tardi. Entrambi i personaggi alla fine sfidano le maree e tornano verso la luce. Con questo, nei momenti finali della terza stagione di Alice in Borderland, Arisu e Usagi finiscono di nuovo nel mondo reale.

Chi è il Joker nella terza stagione di Alice in Borderland?

Il Joker è stato il personaggio più misterioso di Alice in Borderland sin dal finale della seconda stagione, ma la terza stagione della serie rivela finalmente la verità su di lui.

Sin dai primi momenti, Alice in Borderland ha affascinato gli spettatori con i suoi avvincenti giochi di sopravvivenza e la brillante costruzione di un mondo fantastico. Quasi tutto ciò che riguardava l’ambientazione della serie live-action giapponese di Netflix era un mistero. Con il progredire di Alice in Borderland, tutto è stato gradualmente svelato, da dove si trovano le Borderlands al motivo per cui solo alcuni esseri umani sono finiti lì. La seconda stagione di Alice in Borderland si è conclusa con una nota positiva, con Arisu che non solo è tornato nel mondo reale, ma si è anche riunito con Usagi. Tuttavia, prima che iniziassero i titoli di coda della seconda stagione, è stata accennata l’esistenza di un Joker onnipotente che avrebbe riportato Arisu nel mondo da cui era fuggito. La terza stagione chiarisce finalmente il mistero e l’intrigo che circondano il Joker e il significato della sua carta.

Arisu stava giocando contro il Joker nella terza stagione di Alice in Borderland

Il viaggio di Arisu nelle stagioni 1 e 2 di Alice in Borderland era relativamente più semplice, nel senso che doveva solo vincere tutti i giochi per tornare al mondo reale. Ogni gioco aveva una serie di colpi di scena complessi, ma almeno vincerli gli garantiva di poter tornare a casa. Le cose prendono una piega più complicata nella terza stagione, quando Arisu si ritrova ad affrontare il Joker.

Anche se Arisu ha pochi o nessun ricordo della sua precedente esperienza in Borderlands e non si ritrova accidentalmente in una situazione di pericolo di morte, lui e sua moglie Usagi vengono ingannati e costretti a tornare ai giochi. Le prestazioni di Arisu nei giochi raramente vacillano, ma il cittadino Banda, che ha complottato il suo ritorno ai giochi, ha in mente di intrappolarlo in uno stratagemma ancora più grande, indipendentemente dal fatto che vinca o perda.

A causa del fatto che Arisu si ritrova quasi in una situazione senza via d’uscita contro un abile imbroglione, la posta in gioco durante la sua seconda esperienza nelle Borderlands è significativamente più alta.

Banda non era il Joker nella terza stagione di Alice in Borderland

Banda era uno dei personaggi sopravvissuti nella seconda stagione di Alice in Borderland. Tuttavia, a differenza di Arisu e dei suoi amici, Banda ha scelto di rimanere nei Borderlands perché questo gli dava la libertà di fare tutto ciò che voleva. Nella terza stagione, Banda trama per riportare Arisu nei Borderlands e renderlo un cittadino, credendo che questo renderebbe il mondo tra la vita e la morte ancora più interessante.

Inizialmente, è difficile non vedere Banda come il Joker dominante, dato che inganna Usagi e Arisu per farli tornare nelle Borderlands e realizzare il suo grande piano. Va persino in giro a dare la carta Joker a ogni nuovo giocatore che invita per la serie finale di giochi, suggerendo che è lui il Joker che tira le fila.

Tuttavia, l’arco narrativo finale della terza stagione di Alice in Borderland conferma che, nonostante Banda detenga un immenso potere come cittadino delle Borderlands, non è lui il Joker. La serie conferma anche che anche lui lavora per figure ancora più potenti nel misterioso mondo tra la vita e la morte.

Il personaggio di Ken Watanabe con il cappello era il Joker?

Quando Arisu rifiuta di unirsi a Banda come cittadino, Banda decide di ucciderlo e mandarlo nell’aldilà. Tuttavia, prima che Banda possa premere il grilletto, appare un misterioso uomo con il cappello. Interpretato da Ken Watanabe, l’uomo allontana Banda e chiede ad Arisu di giocare a carte con lui.

L’uomo con il cappello sceglie due carte a caso da un mazzo e gli chiede di sceglierne una. Gli dice che se sceglie il Joker, non potrà scegliere il suo destino. Arisu finisce per scegliere il Joker e affronta l’uomo per averlo ingannato offrendogli due carte Joker come scelta. Quando Arisu gli chiede se è lui il Joker, lui gli assicura che non è chi pensa che sia.

Dice che lui è solo un guardiano/custode delle Terre di Confine. L’uomo incoraggia persino Arisu a scegliere la morte piuttosto che la vita, perché lo libererebbe dal dolore e dalle miserie dell’esistenza umana nel mondo reale. Arisu, tuttavia, non è d’accordo e lo affronta per avergli chiesto di scegliere la morte quando lui stesso non ha il coraggio di lasciare le Terre di Confine e accettare la morte.

Il Joker non era né una persona né un gioco in Alice in Borderland

Per spiegare il significato del Joker, l’Uomo con il Cappello dice ad Arisu che il Joker non è altro che una carta. Egli traccia un parallelo tra il calendario umano e il mazzo di carte, sottolineando come la somma di tutte le carte in un mazzo sia 364. Se si aggiunge un Joker, il totale arriva a 365, che è il numero di giorni in un anno.

Nel manga originale Alice in Borderland, il Joker è raffigurato più come un traghettatore che trasporta i morti nell’aldilà.

Se si aggiunge un altro Joker al mazzo, la somma arriva a 365, il numero di giorni in un anno bisestile. Con questo, l’uomo spiega che le carte Joker riempiono solo gli spazi vuoti tra il tempo e persino la vita e la morte per l’umanità. Sottolinea che il Joker non è un sovrano o un dio, ma una semplice carta che rappresenta l’illusione di autonomia dell’umanità.

La sua spiegazione nel finale della terza stagione di Alice in Borderland evidenzia come l’imprevedibilità che la carta Joker porta al “gioco” chiamato “Vita” mostri come essa rappresenti le forze incontrollabili che plasmano l’esistenza umana. Scegliendo la carta Joker, si accetta quanto possa essere fragile il senso di controllo dell’umanità.

Le 10 migliori serie giapponesi live-action di Netflix, in ordine di gradimento

Sebbene Netflix offra una vasta gamma di contenuti provenienti dal Giappone, dai reality show agli anime, le sue serie TV live-action si distinguono come alcune delle migliori offerte della piattaforma. Queste affascinanti produzioni mettono in mostra la straordinaria capacità del Giappone di creare programmi televisivi avvincenti e innovativi nell’era dello streaming. Nonostante il successo globale dei drama coreani, come Squid Game, le serie live-action giapponesi si sono silenziosamente affermate, offrendo storie uniche e coinvolgenti che meritano un maggiore riconoscimento. Con una ricca storia cinematografica e un’eredità di anime rivoluzionari, le serie live-action giapponesi sono pronte per una rinascita.

Vi presentiamo una selezione curata delle migliori serie TV live-action giapponesi disponibili su Netflix, che comprende sia classici senza tempo che titoli contemporanei da non perdere. Da drammi avvincenti a commedie esilaranti, queste serie dimostrano l’eccezionale talento e la creatività dei registi e degli attori giapponesi, offrendo agli spettatori una finestra sulla vivace cultura e sulle tradizioni narrative del Paese. Mentre Netflix continua ad ampliare la sua libreria di contenuti giapponesi, questi gioielli live-action sono destinati ad affascinare il pubblico di tutto il mondo, consolidando la posizione del Giappone come potenza nel regno della televisione in streaming.

Re:Mind (2017-2018)

Re-Mind (2017-2018)

Un thriller avvincente e inquietante che tiene gli spettatori con il fiato sospeso

L’eccezionale cast di Re:Mind conferisce profondità e sfumature ai propri ruoli, elevando la trama già avvincente a nuovi livelli.

Sebbene al momento ci siano molti ottimi programmi TV su Netflix, Re:Mind si distingue come una delle migliori offerte giapponesi della piattaforma. Con la sua narrazione magistrale e l’atmosfera inquietante, la serie intreccia una trama accattivante che approfondisce il passato oscuro dei personaggi e le conseguenze delle loro azioni. La capacità della serie di creare un senso di inquietudine e anticipazione è impareggiabile, poiché svela abilmente i suoi colpi di scena sconvolgenti. Il cast eccezionale di Re:Mind conferisce profondità e sfumature ai propri ruoli, elevando la trama già avvincente a nuovi livelli.

Good Morning Call (2016-2017)

Good Morning Call (2016-2017)

Una commedia romantica affascinante e coinvolgente

La serie naviga abilmente nelle complessità delle emozioni adolescenziali, creando un’esperienza coinvolgente e commovente che la distingue dalle altre.

La premessa di Good Morning Call, incentrata sull’improbabile convivenza di due personaggi contrastanti, pone le basi per una divertente esplorazione dell’amore e della crescita personale. La serie esplora abilmente le complessità delle emozioni adolescenziali, creando un’esperienza coinvolgente e commovente che la distingue dalle altre offerte del genere. Con il suo perfetto equilibrio tra umorismo, dramma e romanticismo, Good Morning Call emerge come una produzione che vale la pena guardare, mettendo in mostra il meglio che la televisione giapponese ha da offrire.

Samurai Gourmet (2017)

Samurai Gourmet (2017)

Commovente e innovativo

La serie fonde perfettamente il mondo culinario con le avventure fantasiose di un impiegato in pensione e del suo compagno samurai.

Samurai Gourmet è sicuramente uno dei migliori programmi televisivi giapponesi su Netflix grazie alla sua impareggiabile capacità di offrire una narrazione commovente e divertente che risuona con il pubblico. La serie fonde perfettamente il mondo culinario con le avventure fantasiose di un impiegato in pensione e del suo compagno samurai, distinguendosi dai suoi contemporanei. Attraverso il suo approccio leggero e introspettivo, Samurai Gourmet offre una visione rinfrescante dei temi della scoperta di sé e della crescita personale, rendendolo la scelta perfetta per chi cerca un’esperienza visiva davvero unica e coinvolgente.

Yu Yu Hakusho (2023)

Yu Yu Hakusho (2023)

Un classico ripensato per una nuova generazione

L’adattamento live-action di Yu Yu Hakusho non solo riprende molti elementi dell’anime, ma infonde nuova vita all’amata serie manga, stabilendo un nuovo standard sulla piattaforma di streaming. Lo show affronta senza timore la sfida di dare vita al mondo soprannaturale, immergendo gli spettatori in una rappresentazione cruda e realistica del viaggio di un ribelle che cerca di sfruttare i propri poteri per il bene dei suoi cari. Questo adattamento dimostra un impegno incrollabile nel catturare l’essenza dell’originale, tracciando al contempo una propria strada e creando un’esperienza emozionante che si distingue per i propri meriti.

Million Yen Women (2017)

Million Yen Women

Una serie eccentrica con un umorismo profondo

Million Yen Women è una gemma nascosta tra le offerte giapponesi di Netflix, che sfida le convenzioni di genere con la sua magistrale miscela di commedia, mistero e dramma. La serie prende una premessa apparentemente assurda e la trasforma in una narrazione accattivante che tiene gli spettatori con il fiato sospeso ad ogni svolta. Ciò che distingue Million Yen Women è la sua capacità di bilanciare l’eccentricità con la profondità, utilizzando l’umorismo come strumento per esplorare temi più profondi quali l’identità, lo scopo della vita e la complessità delle relazioni umane. Grazie alla sua sceneggiatura intelligente, ai personaggi multidimensionali e ai colpi di scena imprevedibili, questa serie si ritaglia uno spazio unico nel catalogo Netflix.

Ju-On: Origins (2020)

Ju-On- Origins (2020)

Un impegno incrollabile per una narrazione suggestiva

Ju-On: Origins è un capolavoro da brivido, che supera i suoi predecessori con una storia di terrore soprannaturale meticolosamente costruita. Approfondendo la storia infestata di una singola casa, la serie intreccia incidenti inquietanti collegati tra loro che abbracciano quattro decenni, uno più inquietante dell’altro. Parte della rinomata Ju-On / The Grudge franchise, questa serie non solo rende omaggio alle sue radici, ma offre un’esperienza nuova che consolida il suo status di imperdibile per i fan e i neofiti del genere. Ju-On: Origins è una testimonianza del potere dell’horror giapponese e mette in mostra la capacità di Netflix di offrire contenuti di altissimo livello.

Midnight Diner: Tokyo Stories (2016-2019)

Midnight Diner

Un equilibrio magistrale tra una narrazione toccante e delizie culinarie da leccarsi i baffi

L’approccio potente di Midnight Diner nell’esplorare la condizione umana attraverso la lente dei pasti notturni lo distingue dagli altri.

Midnight Diner: Tokyo Stories è un capolavoro narrativo, che offre un’esperienza visiva unica e accattivante che intreccia perfettamente il mondo del cibo e quello delle relazioni umane. Ogni episodio della serie si concentra su un singolo cliente del ristorante, condividendo le sue storie personali che si intrecciano con la cucina che sta cercando. La forza della serie risiede nella sua capacità di creare un’atmosfera intima e autentica, che coinvolge gli spettatori nella vita dei suoi diversi personaggi e nelle sfide che devono affrontare. L’approccio potente di Midnight Diner nell’esplorare la condizione umana attraverso la lente dei pasti notturni lo rende unico.

The Naked Director (2019-2021)

Il regista nudo (The Naked Director)

Uno sguardo intrigante e rinfrescante su un mondo misterioso

The Naked Director offre uno sguardo rinfrescante su un mondo inesplorato.

The Naked Director offre con sicurezza un ritratto audace e accattivante di Toru Muranishi, una figura famigerata nell’industria dei film per adulti giapponese. Ciò che distingue questa serie è la sua abile miscela di arguzia e genuino intrigo, che fa luce su una sottocultura spesso avvolta nel mistero. La sua natura semi-autobiografica aggiunge autenticità, mentre il ritmo vivace e la narrazione magnetica la rendono irresistibile per gli appassionati delle vivaci serie giapponesi. Pur esplorando un argomento tabù, The Naked Director si assicura un posto come produzione rivoluzionaria, affascinando il pubblico con il suo approccio non convenzionale. Si distingue tra le serie giapponesi di Netflix, offrendo uno sguardo rinfrescante su un mondo inesplorato.

Erased (2017)

Midnight Diner

Una serie che supera i confini

Erased emerge come un faro di originalità, ricordando agli spettatori le infinite possibilità che sorgono quando una serie osa sfidare lo status quo.

Erased sfida le convenzioni, intrecciando con disinvoltura suspense, emozioni e intrighi che la proiettano in prima linea tra le serie giapponesi di Netflix. La premessa della serie, che gioca con il tempo, è più di un semplice espediente. È invece un catalizzatore per un profondo sviluppo dei personaggi e un’analisi stimolante dell’umanità. Il modo in cui Erased affronta temi importanti, unito al suo ritmo e alle rivelazioni scioccanti, crea un’esperienza visiva coinvolgente che rimane impressa a lungo dopo i titoli di coda. Nel mare dei drammi giapponesi, Erased emerge come un faro di originalità, ricordando agli spettatori le infinite possibilità che si presentano quando una serie osa sfidare lo status quo.

Alice In Borderland (2020-)

Alice in Borderland

Stabilisce un nuovo punto di riferimento per l’eccellenza nella televisione giapponese

Dalle sue sequenze d’azione mozzafiato alla sua realtà alternativa sconvolgente, Alice in Borderland spinge costantemente i confini.

Alice in Borderland è un adattamento di una popolare serie manga ed è senza dubbio la migliore serie giapponese live-action su Netflix, che supera tutti i concorrenti con la sua elettrizzante interpretazione del genere fantascientifico distopico. Nessun altro programma nella programmazione giapponese della piattaforma può eguagliare l’intensità e l’originalità di questo capolavoro grintoso. Dalle sequenze d’azione mozzafiato alla realtà alternativa sconvolgente, Alice in Borderland supera costantemente i limiti di ciò che una serie giapponese può raggiungere. Con ogni episodio, Alice in Borderland consolida ulteriormente il suo status di fiore all’occhiello dell’offerta giapponese di Netflix, lasciando le altre serie nella sua scia.

Together: recensione del film con Dave Franco e Alison Brie

Conosciamo tutti coppie come Tim e Millie. Mai un “io”, sempre un “noi”. Mai una risposta immediata, sempre un “devo controllare prima con lui/lei”. Mai soli, sempre insieme. All’inizio, la percezione di questo tipo di relazione dipende inevitabilmente dalla nostra esperienza personale: c’è chi la considera rassicurante, chi la trova soffocante. È proprio dentro questo microcosmo fatto di sorrisi, abitudini e compromessi che Together, film d’esordio alla regia di Michael Shanks, ci invita a entrare.

Tim e Millie sono interpretati da Dave Franco e Alison Brie, coppia anche nella vita reale. Non è la prima volta che li vediamo fianco a fianco sullo schermo – avevano già condiviso il thriller The Rental – ma qui l’intesa e la familiarità che portano con sé diventa il cuore pulsante del racconto. Se allora ci avevano lasciato con un senso di déjà-vu, qui l’originalità prende il sopravvento.

La trama parte da un cliché consolidato: la coppia che lascia la città per trasferirsi in campagna. Ma sotto questa superficie familiare si nasconde un racconto molto meno rassicurante. Già dalla festa di addio emergono le prime crepe: battutine pungenti, sorrisi forzati, e un equilibrio che sembra reggersi più sulla forza dell’abitudine che sulla passione.

Cortesia di NEON – Crediti di Ben King

Together: il lato oscuro della simbiosi

Millie ha un lavoro sicuro come insegnante; Tim, invece, continua a inseguire il sogno sempre più sfuggente di una carriera musicale. Lei guida, lui no. Lei prende decisioni concrete, lui si rifugia nella giovinezza perduta. La dinamica potrebbe sembrare quella tradizionale e un po’ sessista del “lei adulta e responsabile vs lui eterno adolescente”, ma Shanks è troppo furbo per fermarsi lì.

Durante una passeggiata nei boschi vicino alla nuova casa, i due scoprono una misteriosa struttura sotterranea. Un banale incidente li costringe a passare la notte intrappolati. La sete spinge Tim a bere da una pozza d’acqua, e da quel momento qualcosa cambia. Al risveglio, i loro corpi cominciano a comportarsi in modo inquietante: gambe che si incollano, pelle che si fonde, un progressivo annullamento dei confini fisici tra lui e lei.

Quella che era stata una relazione simbiotica solo in senso figurato diventa, letteralmente, un corpo unico. Tim, prima insofferente alla presenza costante di Millie, ora sviluppa un bisogno ossessivo e patologico di lei: “È doloroso stare lontano da te”, confessa, e la frase assume un significato sempre più sinistro. Il film non si perde in lunghe spiegazioni metaforiche: la critica alla dipendenza affettiva è brutale, carnale, e si manifesta attraverso una serie di immagini di body horror che non lasciano scampo.

Un body horror che sa divertirsi

La forza di Together è proprio nella sua capacità di parlare di temi serissimi – la perdita di identità, la tossicità di certe relazioni, il terrore dell’annullamento nell’altro – senza mai appesantire il racconto. Shanks dosa con intelligenza le atmosfere: ci sono momenti disturbanti, ma anche scene di humour nero, situazioni assurde e persino sequenze sessuali tanto imbarazzanti quanto irresistibili.

Il paragone con Cronenberg viene spontaneo, ma qui il tono è meno cerebrale e più “pop”. È un body horror sopra le righe, sporco, ma non manca di difetti: la seconda parte corre un po’ troppo, sacrificando la tensione psicologica a favore di effetti più viscerali; il finale inciampa in spiegazioni un po’ goffe e in soluzioni narrative frettolose. Ma l’energia visiva, la compattezza del concept e il gusto per l’eccesso lo rendono un’esperienza cinematografica memorabile.

Cortesia di NEON – Crediti di Germain McMicking

Brie e Franco: chimica al veleno

Gran parte del fascino di Together sta nell’alchimia tra Alison Brie e Dave Franco. La loro interpretazione funziona perché non cercano di edulcorare il rapporto: i loro scambi sono realistici, pieni di punzecchiature, piccole crudeltà e momenti di affetto disordinato. È una coppia che conosciamo bene, proprio perché sembra vera, vissuta.

Quando il film spinge sull’acceleratore del grottesco, il loro rapporto resta credibile, e questo amplifica l’impatto dell’orrore. È impossibile non pensare che il legame reale tra i due attori offra al film una base di autenticità che poi viene distorta e ribaltata con sadico piacere.

Brie riesce a rendere Millie insieme vulnerabile e pragmatica, mentre Franco porta sullo schermo un Tim fragile, insicuro e progressivamente inquietante. Insieme creano una danza di attrazione e repulsione che è il vero cuore pulsante del film.

L’amore come trappola

Together gioca con un’idea molto antica: l’amore come fusione, come ricerca della “metà mancante” di cui parlava Platone. Ma Shanks ribalta il mito, mostrandoci il lato oscuro di questo desiderio: cosa succede quando diventare “uno” significa cancellare se stessi?

Il film diventa così una grottesca, sanguinolenta ma lucidissima parabola sul pericolo della simbiosi totale. Non a caso, il messaggio finale potrebbe essere letto come un ironico invito a rivalutare i piaceri della solitudine.

Pur con i suoi eccessi e qualche passaggio sbrigativo, Together resta una delle esperienze horror più fresche e originali degli ultimi anni. Diverte e spaventa, senza mai prendersi troppo sul serio. E se è vero che i corpi di Tim e Millie finiscono per fondersi, quello che resta allo spettatore è un pensiero ben chiaro: certe volte, stare da soli è molto meno pericoloso che stare insieme.

Mr. Scorsese: il trailer del documentario di 5 parti di Apple Tv+

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Apple TV+ ha presentato il trailer di “Mr. Scorsese”, il nuovo documentario in cinque parti della regista Rebecca Miller in arrivo il 17 ottobre e dedicato, ovviamente, al grande Martin Scorsese.

Mr. Scorsese” offre un’analisi intima e ricca di sfumature di una delle figure più influenti ed enigmatiche del cinema, con filmati inediti e interviste approfondite alle persone a lui più vicine. Il trailer anticipa un assaggio del cuore emotivo della docuserie, in cui Scorsese esplora la sua visione della natura umana e l’eterna lotta tra il bene e il male nel corso della sua vita e della sua carriera.

“Mr. Scorsese” è il ritratto di un uomo attraverso la lente della sua opera, un’esplorazione delle molteplici sfaccettature di un visionario che ha ridefinito il linguaggio cinematografico, includendo sia la sua straordinaria carriera, che la sua singolare storia personale. Con accesso esclusivo e illimitato agli archivi privati di Scorsese, la docuserie si basa su lunghe conversazioni con il regista e interviste inedite con amici, familiari e collaboratori creativi, tra cui Robert De Niro, Daniel Day-Lewis, Leonardo DiCaprio, Mick Jagger, Robbie Robertson, Thelma Schoonmaker, Steven Spielberg, Sharon Stone, Jodie Foster, Paul Schrader, Margot Robbie, Cate Blanchett, Jay Cocks e Rodrigo Prieto, oltre ai suoi figli, alla moglie Helen Morris e agli amici d’infanzia più cari.

Martin Scorsese
Martin Scorsese al Festival di Cannes – Foto di Luigi De Pompeis © Cinefilos.it

“Mr. Scorsese” esamina come le vivaci esperienze di vita del regista abbiano plasmato la sua visione artistica, mentre ogni suo film stupiva il mondo con la propria originalità. A partire dai suoi primi lavori (i cortometraggi realizzati da studente alla New York University) fino ai giorni nostri, questo documentario esplora i temi che hanno affascinato Scorsese, tra cui il ruolo del bene e del male nella natura fondamentale dell’essere umano.

Diretto dall’acclamata regista Rebecca Miller (“E all’improvviso arriva l’amore”, “Personal Velocity – Il momento giusto”), “Mr. Scorsese” è nato da un’idea dei produttori esecutivi Miller e Damon Cardasis di Round Films (“Il piano di Maggie – A cosa servono gli uomini”, “Saturday Church”) e Cindy Tolan (“Étoile”, “Dandelion”), storica collaboratrice di Miller. Il trio candidato agli Emmy – Cardasis, Tolan e Miller (“Arthur Miller: Writer”) – è affiancato dai produttori esecutivi Rick Yorn, Christopher Donnelly e Julie Yorn. La produzione è di Ron Burkle, con Robert Fernandez e Patrick Walmsley come co-produttori esecutivi. La serie è presentata da Expanded Media e Round Films, in collaborazione con LBI Entertainment e Moxie Pictures.

“Mr. Scorsese” si aggiunge all’offerta di pluripremiati documentari Apple Original, tra cui “STILL: La storia di Michael J. Fox” (vincitore di Emmy e Critics Choice Award), che racconta in prima persona il viaggio straordinario di Fox; il candidato agli Emmy “Selena Gomez: My Mind & Me”, un documentario intimo e crudo che ripercorre il viaggio dell’artista, lungo sei anni, verso una nuova luce; “STEVE! (martin): un documentario in 2 parti”, candidato agli Emmy, con il leggendario scrittore, produttore, regista, attore e comico Steve Martin; il recentemente annunciato documentario sui Fleetwood Mac, ancora senza titolo e molti altri.

Olivia Colman guida un cast di superstar per la contorta storia d’amore, Wicker

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Alexander Skarsgard, Peter Dinklage ed Elizabeth Debicki si uniscono a Olivia Colman nella contorta storia d’amore Wicker. A dare la notizia in esclusiva è VarietyAlexander Skarsgard ha aggiunto un’altra storia d’amore insolita al suo curriculum. L’attore, che presto vedremo nella commedia romantica BDSM di A24 “Pillion” (nel ruolo del dominatore della sottomessa di Harry Melling), acclamata dalla critica a Cannes, si è unito al cast del prossimo film Wicker al fianco di Olivia Colman. Skarsgard sostituisce Dev Patel, inizialmente previsto quando il film fu annunciato per la prima volta nel 2023. Si uniscono al film anche Peter Dinklage ed Elizabeth Debicki.

Wicker, la cui produzione è ormai terminata, è stato diretto da Alex Huston Fischer ed Eleanor Wilson da una sceneggiatura che hanno adattato dal racconto di Ursula Wills-JonesThe Wicker Husband“. Le riprese sono state affidate al direttore della fotografia premio Oscar Lol Crawley (“The Brutalist“).

Proposto come una “storia d’amore contorta e non convenzionale“, il film segue Olivia Colman nei panni di una pescatrice “puzzolente, single e perennemente ridicolizzata” che vive alla periferia di un villaggio in riva al mare. Un giorno, stanca dei suoi vicini soffocanti e ottusi, commissiona al cestaio locale di costruirle un marito interamente in vimini, e la loro relazione scatena “indignazione, gelosia e caos“.

Topic Studios e Tango finanziano e producono il film con Colman, Ed Sinclair e Tom Carver di South of The River, David Michôd e Brad Zimmerman per Yoki, Inc. e Justin Lothrop e Brent Stiefel per Votiv, che hanno ideato e finanziato lo sviluppo. UTA Independent Film Group si occupa delle vendite negli Stati Uniti con CAA Media Finance. Black Bear si occupa delle vendite internazionali.

Il film d’esordio di Fischer e Wilson, la commedia fantascientifica Save Yourselves!, da loro co-sceneggiati e co-diretti, è stato presentato in anteprima al Sundance Festival del 2020, dove è stato acquisito da Bleecker Street.

Il film si aggiunge a un anno impegnativo per Skarsgard. Di recente è stato protagonista di “Murderbot” su Apple TV+, mentre oltre a “Pillion” (che non ha ancora una data di uscita negli Stati Uniti), è protagonista anche di un altro titolo di A24, “The Moment“, al fianco di Charli XCX e Rosanna Arquette.

Anche Topic e Tango hanno avuto diari pieni. Oltre a Wicker, i progetti recenti di Topic includono Splitsville di Michael Angelo Covino con Neon, presentato a Cannes, il film premio Oscar A Real Pain di Jesse Eisenberg e i documentari del Sundance “It’s Never Over, Jeff Buckley” e “Folktales”, entrambi usciti nelle sale quest’anno.

Tango, nel frattempo, ha presentato in anteprima tre film al Sundance, tra cui “Together” di Michael Shanks e “Sorry, Baby” di Eva Victor, oltre a “Magic Farm” di Amalia Ulman. La compagnia ha anche recentemente presentato in anteprima “The History of Sound” a Cannes.

Operazione Speciale: Lioness – Stagione 3 è stata confermata!

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Operazione Speciale: Lioness è stata ufficialmente rinnovata per la terza stagione da Paramount+.

La notizia del rinnovo arriva a quasi un anno dalla première della seconda stagione della serie, lanciata nell’ottobre 2024. Precedenti indiscrezioni avevano indicato che Operazione Speciale: Lioness sarebbe tornata per una terza stagione nonostante il silenzio di Paramount, ma la notizia è stata ora confermata.

Operazione Speciale: Lioness vede nel cast Zoe Saldana, Nicole Kidman, Morgan Freeman, Michael Kelly, Laysla De Oliveira, Genesis Rodriguez, Dave Annable, Jill Wagner, LaMonica Garrett, James Jordan, Austin Hébert, Jonah Wharton, Thad Luckinbill e Hannah Love Lanier. La sinossi ufficiale della seconda stagione recita:

“La lotta della CIA contro il terrorismo si è avvicinata a casa. Joe (Saldaña), Kaitlyn (Kidman) e Byron (Kelly) hanno arruolato una nuova agente Lioness per infiltrarsi in una minaccia precedentemente sconosciuta. Con la pressione crescente da tutte le parti, Joe è stata costretta ad affrontare i profondi sacrifici personali che ha fatto come leader del programma Lioness.”

Operazione Speciale: Lioness è una delle numerose serie di Taylor Sheridan attualmente in onda su Paramount+. Il prolifico creatore ha anche in programma la seconda stagione del dramma petrolifero “Landman” in uscita a novembre e la quarta stagione di “Mayor of Kingstown” in uscita a ottobre, mentre la terza stagione di “Tulsa King” ha debuttato il 21 settembre. Sheridan ha anche lo spin-off di YellowstoneThe Madison“, la cui uscita è in attesa di una data. Sta inoltre preparando l’ultimo prequel di “Yellowstone“, “1944“.

Operazione Speciale: Lioness è prodotta da Sheridan, David C. Glasser, Saldaña, Kidman, Ron Burkle, Bob Yari, David Hutkin, Jill Wagner, David Lemanowicz, Geyer Kosinski, Michael Friedman e Keith Cox. La serie è prodotta da Paramount Television Studios e 101 Studios ed è distribuita da Paramount Global Content Distribution.

Frankenstein: il trailer e il nuovo suggestivo poster della Creatura

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Sono disponibili da oggi il trailer ufficiale e il poster che rivela la creatura protagonista di Frankenstein, il nuovo film di Guillermo del Toro presentato in concorso all’82ª edizione del Festival del Cinema di Venezia con Oscar Isaac, Mia Goth, Jacob Elordi e Christoph Waltz. Il film sarà disponibile in cinema selezionati dal 22 ottobre e su Netflix dal 7 novembre.

Il regista premio Oscar Guillermo Del Toro adatta il classico racconto di Mary Shelley su Victor Frankenstein, uno scienziato brillante ma egocentrico che dà vita a una creatura in un esperimento mostruoso che sarà la rovina sia del creatore stesso che della sua tragica creazione.

  • REGIA: Guillermo del Toro
  • SCENEGGIATURA: Guillermo del Toro
  • BASATO SU: ‘Frankenstein’ o ‘Il moderno Prometeo’ di Mary Shelley
  • PRODUTTORI: Guillermo del Toro, J. Miles Dale, Scott Stuber
  • CAST: Oscar Isaac, Jacob Elordi, Mia Goth, Felix Kammerer, David Bradley, Lars Mikkelsen, Christian Convery, with Charles Dance, and Christoph Waltz

“Uno scienziato brillante e egocentrico dà vita a una creatura in un mostruoso esperimento che alla fine porta alla rovina sia del creatore che della sua tragica creazione”. Questa la sinossi ufficiale del film che per il regista del Toro non sarà un horror ma una “storia molto emozionante”.

Perché la terza stagione di Alice in Borderland ha solo 6 episodi

La terza stagione di Alice in Borderland ha sorprendentemente solo sei episodi, il che la rende più corta di due episodi rispetto alle precedenti. Anche se non è insolito che le serie riducano il numero di episodi nelle stagioni successive, la durata più breve rende difficile non chiedersi perché sia stata presa questa decisione creativa.

Estendendo la serie live-action giapponese di Netflix oltre il manga originale, la terza stagione di Alice in Borderland fa un ottimo lavoro nel raccontare una storia originale in cui i protagonisti, Arisu e Usagi, tornano nella Borderlands del titolo. Con una nuova puntata, la terza stagione di Alice in Borderland presenta anche una nuova serie di giochi di sopravvivenza innovativi e originali.

Tuttavia, invece di durare quanto le stagioni 1 e 2, Alice in Borderland stagione 3 termina la sua corsa con soli sei episodi. Anche se il finale è comunque soddisfacente e conclusivo, il cambiamento nella struttura narrativa solleva molte domande sul perché i creatori abbiano deciso di renderlo più compatto invece di attenersi al vecchio formato degli episodi.

Alice In Borderland stagione 3 è la più breve finora

Sia nella stagione 1 che nella stagione 2, Alice in Borderland aveva una durata di otto episodi. Per questo motivo, era difficile non aspettarsi che anche la stagione 3 avesse lo stesso numero di episodi. Tuttavia, a differenza delle precedenti, la stagione 3 di Alice in Borderland conclude la storia in anticipo, terminando la sua corsa e concludendo la sua storia in soli sei episodi, rendendola la più breve della serie.

Le cose sono andate molto più velocemente nella terza stagione di Alice in Borderland rispetto alla prima e alla seconda

Forse uno dei motivi principali per cui la terza stagione di Alice in Borderland è molto più breve delle precedenti è che elimina la maggior parte dei personaggi principali delle stagioni precedenti. Concentrandosi principalmente su Arisu e Usagi, la trama si sviluppa molto più rapidamente nella sua fase iniziale.

A differenza delle stagioni 1 e 2, non aspetta prima di immergere gli spettatori nel suo dramma e nella sua azione. Al contrario, fin dai primi archi narrativi, si tuffa direttamente nel fantastico mondo di Borderlands e inizia a condurre il pubblico da un gioco di sopravvivenza all’altro. Il conflitto principale della stagione 3 è anche guidato da un grande mistero.

Le stagioni 1 e 2 avevano molto da spiegare sul perché e dove esistono le Borderlands e sul perché solo alcuni esseri umani fossero finiti in quel luogo ultraterreno come giocatori. La stagione 2 della serie aveva anche molto da spiegare sui Cittadini e su come avessero acquisito le loro posizioni di potere nel mondo tra la vita e la morte.

Con quasi tutte queste domande risolte nell’arco narrativo finale della seconda stagione di Alice in Borderland, la terza stagione è stata guidata da un unico conflitto principale: chi è il Joker? Con meno domande a cui rispondere e meno misteri da risolvere, la terza stagione si è conclusa molto prima rispetto alle precedenti.

Perché il minor numero di episodi ha funzionato per la terza stagione di Alice in Borderland

Per quanto riguarda i personaggi principali della serie, quasi tutti hanno avuto un finale soddisfacente verso la fine della terza stagione. Anche la narrazione di Arisu ha raggiunto una conclusione ben strutturata. Tuttavia, la serie non aveva ancora risolto completamente la storia di Usagi, quindi era logico che la terza stagione enfatizzasse il suo dolore per la perdita del padre e lo usasse come espediente narrativo per guidare la trama.

Molti personaggi originali di Alice in Borderland, tra cui Chishiya di Nijiro Murakami, hanno fatto un cameo nel segmento finale della terza stagione.

Riportando Usagi nelle Borderlands, la terza stagione di Alice in Borderlands ha anche trovato un motivo valido per segnare il ritorno di Arisu, ma questo filo narrativo non ha dato alla serie un motivo abbastanza forte per includere tutti i personaggi originali delle stagioni precedenti. Poiché questa volta l’attenzione era concentrata solo su due personaggi, la durata più breve della terza stagione di Alice in Borderland ha funzionato incredibilmente bene.

Alice in Borderland – Stagione 2: la spiegazione del finale

Il finale della seconda stagione di Alice in Borderland ha spiegato cos’era Borderland e perché tutti erano stati mandati lì. Il finale ha riservato un colpo di scena scioccante che ha risposto a molte domande, ma ha anche creato alcuni misteri sul futuro della serie Netflix. Due anni dopo la prima stagione di Alice in Borderland, la serie Netflix ricca di azione e battaglie all’ultimo sangue è tornata con una seconda stagione con giochi ancora più grandi e letali, ora comandati dalle Face Cards. Come sospettava Arisu, vincere tutti i giochi delle Carte Faccia avrebbe portato le risposte che stavano cercando.

Alice in Borderland di Netflix è basata sul manga Alice in Borderland pubblicato tra il 2010 e il 2016. La maggior parte degli eventi della serie Netflix, che vale la pena guardare tutta d’un fiato, sono stati adattati direttamente dal manga, compreso il finale della seconda stagione di Alice in Borderland. Ci sono state però alcune differenze, soprattutto per quanto riguarda la carta Joker alla fine e ciò che è successo ad Arisu e Usagi quando sono tornati. Questo ha fatto sì che i fan dovessero approfondire un po’ di più per capire davvero cosa fosse successo.

Arisu era morto fin dall’inizio?

Spiegazione del colpo di scena finale di Alice in Borderland

Arisu era vicino alla morte fin dall’inizio di Alice in Borderland, ma nel mondo reale era passato solo un minuto. Arisu ha subito un arresto cardiaco dopo essere stato coinvolto nell’esplosione causata dal meteorite che ha colpito Tokyo all’inizio di Alice in Borderland. I “fuochi d’artificio” visti durante la stagione 1, episodio 1 di Alice in Borderland erano in realtà frammenti del meteorite, che hanno colpito Tokyo causando centinaia di morti e mandando diverse persone in ospedale. Il finale della stagione 2 di Alice in Borderland ha spiegato che i personaggi erano in ospedale per tutto questo tempo.

“Borderland”, in questo scenario, significa la terra che esiste tra due stati dell’esistenza, la vita e la morte. Arisu, così come gli altri coraggiosi personaggi di Alice in Borderland, erano in condizioni critiche in ospedale. In altre parole, i personaggi di Alice in Borderland erano al confine tra la vita e la morte. Avevano tutti subito un arresto cardiaco e questa esperienza di pre-morte si era tradotta in un mondo in cui dovevano letteralmente lottare per sopravvivere. Pertanto, nessuno dei giochi di Alice in Borderland è realmente accaduto, almeno non nel mondo reale.

Il “Borderland” descritto nella serie Netflix era quindi uno stato intermedio tra la vita e la morte. Il finale della seconda stagione di Alice in Borderland, proprio come il finale del manga Alice in Borderland, non rivela quali forze fossero dietro i giochi di Borderland. Tuttavia, invece di alieni come quelli di cui scherzava la Regina di Cuori, è chiaro che qualunque cosa ci fosse dietro il purgatorio di Alice in Borderland è qualcosa di più metafisico o spirituale.

Le anime o la coscienza di coloro che si trovavano tra la vita e la morte sono state “caricate” nel Borderland, un luogo in cui hanno dovuto lottare per la propria vita mentre le loro controparti nel mondo reale facevano lo stesso. Il finale della seconda stagione di Alice in Borderland ha spiegato che Arisu, Usagi e gli altri erano in letti d’ospedale e che nessuna delle loro interazioni era “reale”.

Cosa significa la carta Joker di Alice in Borderland

È diversa dalle carte figurate

Alice in Borderland stagione 2 può essere considerata un finale felice, poiché la maggior parte dei personaggi si è svegliata nel mondo reale dopo aver capito di voler continuare a vivere, ma che dire della carta Joker? Durante i giochi di Alice in Borderland, i personaggi affrontano una sfida per ogni carta da gioco, comprese le carte figurate, ad eccezione del Joker. Nel manga originale Alice in Borderland, il Joker non era un game master come la Regina di Cuori o il Re di Quadri, ma piuttosto una figura oscura che appariva ad Arisu dopo il gioco finale della storia. Il Joker, come capì Arisu, era il Traghettatore di Borderland.

Pertanto, il Joker di Alice in Borderland esiste per riportare nel mondo reale coloro che hanno deciso di lasciare Borderland, almeno nel manga. La seconda stagione di Alice in Borderland di Netflix non ha introdotto il Joker come traghettatore come nel manga. Invece, il finale della seconda stagione di Alice in Borderland si è concluso con un inquietante zoom sulla carta del Joker quando tutto sembrava andare bene. La serie Netflix potrebbe presentare il Joker come il prossimo avversario, anche se si tratterebbe di una storia originale. La carta Joker del finale della seconda stagione di Alice in Borderland suggerisce che c’era ancora una partita da giocare, cosa che non è presente nel manga.

Cosa succede a coloro che sono rimasti a Borderland?

Diventeranno Game Master?

Coloro che hanno deciso di rimanere a Borderland nel finale della seconda stagione di Alice in Borderland diventeranno cittadini di quel mondo. Pertanto, coloro che hanno scelto di rimanere a Borderland diventeranno i giocatori ricorrenti e i Game Master di Borderland. Ad esempio, il Re di Fiori o la Regina di Quadri di Alice in Borderland erano giocatori che a un certo punto avevano scelto di rimanere a Borderland. Ora, se tutti i residenti di Borderland erano vittime del meteorite che ha colpito Tokyo, perché personaggi come i Game Master sono arrivati prima? La risposta confusa e che stravolge il tempo è che il tempo non scorreva allo stesso modo a Borderland per tutte le vittime.

Arisu e Usagi si ricordano l’uno dell’altra?

C’è ancora una sorta di connessione

Arisu e Usagi non si riconoscono alla fine della seconda stagione di Alice in Borderland. In realtà, nessuno dei personaggi ricorda nulla di ciò che è successo durante quel “minuto”. Gli eventi di Alice in Borderland sono stati un’esperienza di pre-morte per tutti i personaggi, compresi Arisu e Usagi. Curiosamente, Arisu e Usagi erano vicini l’uno all’altra quando i “fuochi d’artificio” sono stati avvistati per la prima volta a Tokyo durante l’episodio 1 di Alice in Borderland. Detto questo, Arisu e Usagi hanno entrambi la sensazione di conoscersi in qualche modo. L’amore di Arisu e Usagi li ha riuniti di nuovo nel mondo reale, nonostante i ricordi dimenticati.

Arisu e Usagi stanno insieme in Alice in Borderland?

In un sequel del manga, hanno una famiglia

Alice in Borderland stagione 2 si conclude con Arisu e Usagi che vanno a fare una passeggiata nel mondo reale, cosa che avevano fatto diverse volte in Borderland. La serie Netflix ha ora raggiunto il manga originale Alice in Borderland, che si concludeva anch’esso con Arisu e Usagi che andavano a fare una passeggiata. Tuttavia, in Alice in Borderland Retry, un sequel di Alice in Borderland ambientato alcuni anni dopo la storia originale, Arisu e Usagi sono sposati e aspettano un bambino. Nessuno dei due ricorda cosa è successo a Borderland, ma costruiscono una relazione completamente nuova. Arisu diventa uno psicologo mentre Usagi continua l’eredità di suo padre come alpinista.

Cosa significa davvero il finale della seconda stagione di Alice in Borderland

Si tratta di sopravvivenza

Alice in Borderland ha sempre trattato la lotta per la sopravvivenza, e il finale della seconda stagione di Alice in Borderland rivela che rimanere in vita era, dopotutto, il tema centrale della serie. Arisu e tutti gli altri personaggi di Alice in Borderland erano sull’orlo della morte, esistenti in un mondo simulato, mentre i loro cuori erano fermi. La maggior parte dei personaggi principali di Alice in Borderland, tuttavia, mancava di qualcosa nel mondo reale, che fosse empatia, amore o uno scopo. Ad esempio, Arisu soffriva di depressione, Usagi era afflitta dal dolore e Chishiya non si curava più della vita degli altri. I giochi di Borderland hanno mostrato loro che valeva la pena lottare per la vita.

Alla fine della seconda stagione di Alice in Borderland, quando i personaggi devono decidere se rimanere o meno a Borderland, stanno scegliendo se vogliono continuare a vivere. L’esperienza di pre-morte ha offerto ad Arisu, Usagi e agli altri personaggi di Alice in Borderland una seconda possibilità, senza contare come ha cambiato la loro percezione del mondo, nonostante non ricordassero cosa fosse successo esattamente lì. Ad esempio, in modo simile al finale di Inception, Chishiya si sveglia provando sentimenti diversi nei confronti del mondo, senza sapere perché. Alice in Borderland parlava di andare avanti nonostante le circostanze, un messaggio che ha spinto Arisu e i suoi amici a sopravvivere nel mondo reale.

Ci sarà una terza stagione di Alice in Borderland?

È all’orizzonte

Nel settembre 2023, Netflix ha confermato la terza stagione di Alice in Borderland. Sarà interessante, dato che la serie Alice in Borderland ha ormai coperto l’intera opera manga Alice in Borderland. In altre parole, non ci sono più archi narrativi o trame di Alice in Borderland nel manga che la serie possa adattare, ad eccezione del sequel, Alice in Borderland Retry. Una terza stagione di Alice in Borderland dovrebbe creare una storia originale basata sulla carta del Joker o adattare il manga Retry.

Come il finale della seconda stagione potrebbe influenzare la terza stagione di Alice in Borderland

La seconda stagione lascia molte domande senza risposta

Il finale della seconda stagione di Alice in Borderland ha spiegato che i sopravvissuti al gioco erano sopravvissuti nel mondo reale. La carta Joker significava che erano tornati nei loro corpi e erano sopravvissuti per andare avanti con la loro vita. Tuttavia, c’era un problema per quanto riguarda il manga. Questo finale aveva un colpo di scena che significa che la serie potrebbe andare avanti. La carta Joker nella serie Netflix potrebbe significare che è ora di un nuovo gioco? I giochi sono davvero finiti? Non è così che il manga ha continuato la storia, ma è qualcosa che potrebbe accadere su Netflix per offrire agli spettatori giochi più pericolosi. Potrebbe anche esserci un nuovo incidente con i gamemaster che tornano con un nuovo cast di personaggi

. Tuttavia, se la terza stagione di Alice in Borderland segue il manga, non è questo che gli spettatori dovrebbero aspettarsi. Questo potrebbe portare alla seconda idea per una terza stagione, che coinvolge Arisu e Usagi. Non avevano ricordi di Borderland, ma sapevano di conoscersi da qualche parte. In Retry, il sequel del manga, si sono sposati. Tuttavia, Arisu ha avuto un incidente e si è ritrovato di nuovo a Borderland mentre Usagi era incinta del loro bambino. Dato che hanno concluso la stagione 2 felicemente insieme, questo ha aumentato la posta in gioco per Arisu, ma con gli spettatori che sanno cosa sia realmente Alice in Borderland, la tensione della serie potrebbe non essere la stessa.

Paul Schrader condivide la sua opinione su Una battaglia dopo l’altra

L’iconico regista e sceneggiatore Paul Schrader è tornato ancora una volta su Facebook per esprimere alcune opinioni brutalmente sincere sui film da lui visti, questa volta concentrandosi sull’ultimo titolo di Paul Thomas Anderson: Una battaglia dopo l’altra (qui la nostra recensione).

Nel suo posto (che si può leggere qui) Schrader afferma che, sebbene il film rappresenti “un cinema di livello A+”, personalmente non è riuscito a entrare in sintonia con le interpretazioni dei protagonisti. “Per quanto ci provassi, non riuscivo a provare un briciolo di empatia per Leo DiCaprio o Sean Penn”, ha scritto Schrader, aggiungendo: “Continuavo ad aspettare che morissero”.

Tuttavia, ha fatto un complimento velato a Penn, definendo il suo lavoro “una lezione magistrale di recitazione da pavone”. Alla fine, ciò che ha colpito di più Schrader non sono stati i personaggi, ma la pura maestria di Anderson: “Ciò che mi ha tenuto incollato alla poltrona per quasi due ore è stata la gioia di fare cinema di PT Anderson”.

Come al solito, Schrader non usa mezzi termini nella sua recensione settimanale in stile Pauline Kael. I suoi commenti possono dare fastidio, ma il suo occhio da cineasta offre sempre un interessante punto di vista alternativo al consenso della critica. Il suo è dunque l’ennesimo parere tutto sommato positivo che si aggiunge ai tanti ricevuti dal film, da quello di Martin Scorsese a quello di Steven Spielberg.

LEGGI ANCHE: Una battaglia dopo l’altra, spiegazione del finale: cosa significa davvero il film di PTA e Leonardo DiCaprio?

Il film Una battaglia dopo l’altra di Paul Thomas Anderson ha conquistato il mondo dal 25 settembre, seguendo un ex rivoluzionario in una missione di salvataggio per sua figlia, che è stata rapita da un ufficiale militare corrotto. Con un Tomatometer del 96% su Rotten Tomatoes e un cast che include Leonardo DiCaprio, Regina Hall, Sean Penn, Benicio del Toro, Chase Infiniti e Teyana Taylor, il film è diventato uno dei film più apprezzati dell’anno.

Play Dirty – Triplo Gioco: Shane Black rivela perché Robert Downey Jr. ha abbandonato il film

In una recente intervista con ScreenRant, Shane Black ha rivelato perché Robert Downey Jr. ha dovuto abbandonare il suo nuovo film de sceneggiatore e regista, Play Dirty – Triplo Gioco. Black e Downey Jr., che avevano già collaborato in Kiss Kiss Bang Bang e Iron Man 3 e avrebbero dovuto lavorare di nuovo insieme in questo adattamento della serie di libri Parker di Donald E. Westlake, ma Downey Jr. è stato infine sostituito nel ruolo principale da Mark Wahlberg.

Il film, che debutterà il 1° ottobre su Prime Video, vede Parker, interpretato da Wahlberg, e la sua abile banda coinvolti in un colpo che li mette contro la mafia di New York. Nel cast figurano anche LaKeith Stanfield, Rosa Salazar, Keegan-Michael Key, Nat Wolff e Thomas Jane. Parlando con Black e il produttore Jules Daly, Liam Crowley di ScreenRant ha dunque ottenuto alcuni chiarimenti sul motivo per cui Downey Jr. ha dovuto abbandonare il progetto, anche se ha continuato a sostenerlo.

C’è stato un periodo in cui era impegnato in altro e noi stavamo scrivendo la sceneggiatura, poi è tornato e se n’è andato di nuovo per fare altro, era un tipo molto impegnato. Immagino che siano cose che capitano”, ha spiegato Black. “Era nella fase finale di Oppenheimer, quindi c’erano molte cose da fare, ma il fatto che lui e sua moglie siano rimasti coinvolti con noi nella realizzazione del film e che Mark sia venuto a trovarci l’altra sera, li rende dei partner incredibili”, ha aggiunto Daly.

Sì, è vero. E anche Downey, che Dio lo benedica, è andato a fare la sua piccola cosa chiamata Dr. Destino con gli Avengers, quindi sono sicuro che non… Beh, probabilmente non si sta pentendo di aver avuto l’opportunità di farlo“, ha concluso Black. Dunque sono stati i molteplici impegni dell’attore ad impedirgli di recitare in Play Dirty – Triplo gioco. Come noto, infatti, Downey Jr. è stato recentemente impegnato nell’assumere il ruolo di Dottor Destino per i prossimi due film Marvel dedicati agli Avengers.

Guarda anche: Play Dirty – Triplo gioco: trailer del thriller con Mark Wahlberg

Channing Tatum promette che Avengers: Doomsday “vi farà uscire il cervello dalle orecchie”

Channing Tatum è pronto a riprendere il ruolo di Gambit, già interpretato in Deadpool & Wolverine, in Avengers: Doomsday, e l’attore ha parlato del suo ritorno nell’MCU durante la promozione del suo ultimo film, Roofman. Parlando con ET del progetto, Tatum ha promesso ai fan che Doomsday non li deluderà, paragonando il suo entusiasmo per il prossimo film della Marvel Studios a quello che ha provato quando Wesley Snipes è apparso sullo schermo nei panni di Blade in Deadpool & Wolverine.

La Marvel si pone degli obiettivi ambiziosi per ogni film e li supera ogni volta. Mentre leggevo la sceneggiatura, pensavo: ‘No, come faranno a riuscirci?!’ Non siete pronti. Vi farà uscire il cervello dalle orecchie, proprio come quando ho visto Blade apparire sullo schermo in Deadpool & Wolverine… ma moltiplicato per 50”. Un attore che promuove uno dei suoi film non è una novità, ma è difficile fare a meno di lasciarci contagiare dall’entusiasmo di Tatum.

Cosa sappiamo di Avengers: Doomsday

Avengers: Doomsday e Avengers: Secret Wars arriveranno in sala rispettivamente il 18 dicembre 2026, e il 17 dicembre 2027. Entrambi i film saranno diretti da Joe e Anthony Russo, che tornano anche nel MCU dopo aver diretto Captain America: The Winter Soldier, Captain America: Civil War, Avengers: Infinity War e Avengers: Endgame.

Sono confermati nel cast del film (per ora): Paul Rudd (Ant-Man), Simu Liu (Shang-Chi), Tom Hiddleston (Loki), Lewis Pullman (Bob/Sentry), Florence Pugh (Yelena), Danny Ramirez (Falcon), Ian McKellen (Magneto), Sebastian Stan (Bucky), Winston Duke (M’Baku), Chris Hemsworth (Thor), Kelsey Grammer Bestia), James Marsden (Ciclope), Channing Tatum (Gambit), Wyatt Russell (U.S. Agent), Vanessa Kirby (Sue Storm), Rebecca Romijn (Mystica), Patrick Stewart (Professor X), Alan Cumming (Nightcrawler), Letitia Wright (Black Panther), Tenoch Huerta Mejia (Namor), Pedro Pascal (Reed Richards), Hannah John-Kamen (Ghost), Joseph Quinn (Johnny Storm), David Harbour (Red Guardian), Robert Downey Jr. (Dottor Destino), Ebon Moss-Bachrach (La Cosa), Anthony Mackie (Captain America).

Detective Knight – La notte del giudizio, spiegazione del finale: Casey si vendica su Winna?

Detective Knight – La notte del giudizio (primo film di una trilogia) trae in inganno fin dal titolo. Il film, infatti, non ruota davvero intorno al detective James Knight, ma su Casey Rhodes, con cui Knight sembra trovare un legame solo verso la fine. Per la maggior parte, la trama segue Casey e non Knight. Con un finale prevedibile e una narrazione piena di cliché, il film si rivela un altro insuccesso con Bruce Willis, che negli ultimi anni ha accumulato ruoli poco significativi in titoli come White Elephant, Wire Room, Agent Game, A Day to Die e Gasoline Alley.

Cosa accade in Detective Knight – La notte del giudizio

Casey, Sykes, Mike e Mercer lavorano per Andrew Winna, un ricco allibratore che, tramite una società di copertura, organizza rapine in varie città. Durante un colpo, però, la banda spara a un poliziotto, Fitz, partner di Knight. Questo imprevisto genera tensioni, perché finora non avevano mai ucciso nessuno. Winna, informato da contatti nella polizia, rassicura che l’agente sopravvivrà, ma Mercer decide di abbandonare la banda. Nel frattempo, Knight e il collega Goodwin Sango iniziano a indagare.

Winna propone a Casey un nuovo colpo, più remunerativo: rubare una carta rara a un’asta. Knight e Sango cercano informazioni da Winna, senza successo. In realtà Knight ha legami segreti sia con Winna che con il suo capo della sicurezza, Brigga, che gli rivela dettagli su Casey. I detective incontrano anche Casey, ma lui non collabora.

Sykes scopre il passato di Knight e Sango: anni prima, l’ex galeotto Jerry Leach aveva ucciso il direttore di una banca, che era il padre di Knight. Più tardi Knight uccise Leach grazie a una soffiata di Winna, all’epoca informatore della polizia. Questo rivela che Knight ha da tempo rapporti ambigui con Winna.

La rapina all’asta va male: Sykes viene arrestato, mentre Casey e Mike fuggono. Poco dopo vengono attaccati da uomini mascherati: Mike muore nell’esplosione di una bomba, ma Casey riconosce tra gli aggressori una guardia di Winna, capendo che il boss vuole eliminarli per non spartire i profitti né lasciare testimoni.

DETECTIVE KNIGHT
Knight Trilogy. Photo Credit: Ed Araquel

Il finale: vendetta e conseguenze

Casey desidera vendicarsi di Winna, ma le sue motivazioni vanno oltre il denaro: un tempo era una promessa del rugby, ma una lesione al ginocchio lo ha privato della carriera e della fama. Con una famiglia da mantenere e poche prospettive, Casey è caduto nella criminalità.

Parallelamente, James Knight vive ancora i fantasmi del passato legati all’omicidio del padre e alla scelta di uccidere Leach. Questa esperienza lo ha segnato, rendendolo più cauto. Quando Winna tenta di ricattarlo ricordandogli i favori fatti, Knight decide che è giunto il momento di chiudere i conti.

La svolta arriva quando Casey confessa di non voler lasciare sua figlia senza un padre. Knight, che da bambino ha vissuto lo stesso trauma, sceglie di aiutarlo a eliminare Winna. Alla fine, è Knight stesso a sparare a Winna, ponendo fine alla sua influenza.

Tuttavia, il film non offre un lieto fine: sia Knight che Casey vengono arrestati per i rispettivi crimini. Knight, pur avendo agito contro le regole, non è un “disonesto”, ma un uomo spinto fuori dai confini della legge da motivazioni personali. Questo dà un significato diverso al titolo: Knight non è un cavaliere irreprensibile, ma un uomo costretto a diventare “rogue”, cioè ribelle e moralmente ambiguo.

Jim Carrey riceverà il Premio César alla carriera

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Jim Carrey riceverà un riconoscimento alla carriera alla 51a edizione dei Premi César. La cerimonia si terrà il 27 febbraio a Parigi. Il Premio César alla carriera, che rende omaggio ai successi di artisti e registi, è stato precedentemente assegnato a Julia Roberts, David Fincher, Christopher Nolan, David Fincher, Cate Blanchett, Penelope Cruz, Robert Redford e George Clooney.

Carrey ha già ricevuto la prestigiosa medaglia francese dell’Ordine Nazionale delle Arti e delle Lettere nel 2010 dal Ministro della Cultura francese Frédéric Mitterrand per il suo significativo contributo all’arte e al cinema.

Nato in Canada, Jim Carrey si è fatto un nome inizialmente nel mondo della stand-up comedy e poi in televisione, in particolare in “Living Color”, prima di approdare sul grande schermo nel 1994 con “Ace Ventura: l’acchiappanimali“, “The Mask” e “Scemo & più scemo“.

“In questi film crea personaggi esuberanti, sfrenati e indimenticabili che sono diventati parte integrante della cultura popolare”, ha dichiarato l’Academy. Carrey si è poi dedicato a ruoli drammatici in “The Truman Show”, “Se mi lasci ti cancello” e “Man on the Moon“, che gli sono valsi due Golden Globe come miglior attore.

“La sua carriera è caratterizzata da un’eccezionale versatilità: al cinema, alterna blockbuster e cinema d’autore; in televisione, la sua interpretazione toccante e sensibile nella serie di Showtime Kidding ha confermato ancora una volta la portata del suo talento”, ha dichiarato l’Accademia Francese.

Chad Powers: la storia vera dietro la serie con Glen Powell

Chad Powers (qui la nostra recensione) di Hulu è una serie comica sportiva che segue la carriera di un giocatore di football americano anni dopo la sua caduta in disgrazia. Ai tempi del college, Russ Holliday, un quarterback di successo, aveva davanti a sé un futuro promettente. Questo fino a quando una decisione sbagliata, uno sfortunato incontro con un tifoso e una serie di decisioni successive hanno compromesso ogni sua possibilità di successo. Tuttavia, anni dopo, il giocatore di football caduto in disgrazia trova una possibile soluzione per riscattarsi: Chad Powers.

Con l’aiuto di protesi, una parrucca, un accento particolare e un carattere un po’ sciatto, Russ crea un travestimento per sé stesso e si candida per il provino come quarterback in una squadra di football universitario del sud che può sfruttare le sue capacità atletiche per la stagione imminente. Tuttavia, quando una maschera occasionale diventa una seconda identità, il giocatore si ritrova in acque inesplorate.

Ideata da Michael Waldron e Glen Powell, quest’ultimo anche protagonista della serie nel ruolo del titolo, questa serie porta in vita un’idea stravagante. Nonostante i vari elementi insoliti in gioco, la serie riesce a trovare una visione realistica di sé stessa attraverso la risonanza tematica e una solida base nel mondo dello sport. Naturalmente, è inevitabile che sorga l’intrigo riguardo al personaggio centrale, Russ Holliday, alle sue scelte eccentriche e alla loro rilevanza nella realtà.

Glen Powell in Chad Powers
Glen Powell in Chad Powers

Chad Powers è una storia di fantasia nata da una scenetta su Eli Manning

Chad Powers è una storia di fantasia, scritta da Glen Powell, Michael Waldron e Paloma Lamb. Tuttavia, nonostante le sue origini fittizie, la serie ha una storia affascinante che non è poi così lontana dalla realtà. L’idea del personaggio di Chad Powers è nata inizialmente come parte di una breve scenetta comica. L’ex giocatore della NFL Eli Manning, due volte vincitore del titolo di MVP del Super Bowl, è anche il conduttore del talk show sportivo “Eli’s Places”.

Nel 2022, nell’ambito dello stesso programma, l’ex giocatore di football professionista ha partecipato a un progetto della Omaha Productions in cui si è travestito e ha partecipato ai provini di football della Penn State University. È così che è nato Chad Powers, l’alias scelto da Manning. Il video è diventato virale, celebrato per il suo fascino comico. Ben presto, l’idea si è trasformata in una potenziale serie televisiva con Manning e suo fratello Peyton Manning, un altro ex giocatore di punta della NFL, coinvolti nella produzione.

In una conversazione con The Hollywood Reporter, Powell ha dunque discusso il processo di estrazione di una storia fittizia e sceneggiata dalla scenetta di Manning. Ha detto: “Ciò che ha reso la cosa di Eli così magica è che lo spettatore sapeva che Eli Manning era sotto (il travestimento)”. Powell ha poi aggiunto: “Quindi, usiamo la bugia al centro di questa cosa, che crea un conflitto intrinseco e divertente nel corso della serie”.

“Abbiamo pensato: OK, faremo una cosa alla ‘Tootsie’. Facciamo come in ‘Mrs. Doubtfire’ e vediamo fino a dove possiamo spingere questa bugia“, ha concluso l’attore. Pertanto, con una base così solida nel mondo dello sport, la serie mantiene inevitabilmente connessioni rilevanti e autentiche al di fuori dello schermo. Ad esempio, anche se la South Georgia University e la sua squadra di football, i Catfishes, sono elementi fittizi, le loro squadre rivali, gli stadi e altro ancora sono del tutto reali.

Glen Powell nella serie Chad Powers
Glen Powell nella serie Chad Powers

Chad Powers esplora una storia di redenzione

Nonostante le radici realistiche alla base di Chad Powers, lo show si basa dunque in gran parte su una narrazione fittizia. Questo principalmente perché, mentre il video della Omaha Production di Eli Manning era uno sketch umoristico, le buffonate sullo schermo di Russ Holliday hanno un po’ più di sfumature. Nella serie, il giocatore di football universitario indossa la maschera di Chad come ultimo tentativo disperato di giocare a football e forse reinventarsi nel mondo dello sport.

Pertanto, la storia si immerge in modo significativo nelle esperienze di Russ come personaggio pubblico che è stato effettivamente cancellato e messo da parte dalle masse. Di conseguenza, la cultura della cancellazione, in particolare per tutti i suoi effetti negativi, rimane un pilastro fondamentale dell’identità tematica della serie. Powell ha parlato di questo argomento in una conversazione con il Sydney Morning Herald. Il co-creatore della serie ha dichiarato: “Il mondo a volte non ti concede una seconda possibilità, quindi le persone non si assumono le proprie responsabilità”.

“Seppelliamo le persone nei loro errori e non permettiamo loro di dimenticarli. E molto spesso, soprattutto con Internet, sei definito dai tuoi errori”. Ha poi aggiunto: “C’è un messaggio davvero speciale in questa serie. È la qualità redentrice; non è limitata a una sola persona o a un solo tipo di persona. È un sentimento universale. Penso che non ci sia una sola persona che non vorrebbe tornare indietro, riportare indietro l’orologio e sistemare qualcosa che ha sbagliato la prima volta”.

Glen Powell e Perry Mattfeld in Chad Powers
Glen Powell e Perry Mattfeld in Chad Powers

Russ Holliday è un atleta immaginario con influenze realistiche

Fin dall’inizio, l’influenza della vita reale di Eli Manning sul personaggio interpretato da Glen Powell, Russ Holliday, rimane evidente. Tuttavia, mentre quest’ultimo e l’ex giocatore della NFL hanno in comune Chad Powers, i due non condividono altre somiglianze significative. Il personaggio ha invece un parallelo più intenzionale e evidente con un altro atleta fuori dallo schermo. Secondo quanto riferito, Powell si è ispirato all’ex quarterback Johnny Manziel per il suo personaggio.

Manziel, noto anche con il soprannome di Johnny Football, ha giocato per la Texas A&M University all’inizio degli anni 2010. Nel 2012 è persino diventato la prima matricola in assoluto a vincere il Davey O’Brien Award e l’Heisman Trophy. Tuttavia, la carriera di Manziel ha subito una svolta dopo una serie di problemi di salute mentale, abuso di droghe e alcol e un’accusa di violenza domestica, che alla fine è stata ritirata. Certo, la storia del giocatore nella vita reale rimane diversa dalla narrazione fittizia di Russ. Tuttavia, Powell è stato in grado di trarre ispirazione dalla complessa immagine di Manziel come atleta e personaggio pubblico.

Volevamo che Russ Holliday fosse estremamente simpatico, ma anche un ragazzo che rappresentasse un personaggio davvero divertente, carismatico e selvaggio da guardare, che cedesse ai suoi istinti migliori sul campo da football e a quelli peggiori fuori dal campo”, ha detto Powell a The Hollywood Reporter, “e penso che Johnny rappresentasse sicuramente questo”. In alternativa, l’attore ha perfezionato le esigenze atletiche della performance attraverso un rigoroso allenamento sotto la guida di Nic Shimonek, oltre che grazie alla guida costante di Eli e Peyton Manning.

The Terminal List, guida al cast e ai personaggi

La serie The Terminal List di Prime Video porta sullo schermo i personaggi del romanzo di Jack Carr con un cast ricco di volti noti. Protagonista è Chris Pratt nei panni di James Reece, un Navy SEAL che sopravvive a una missione finita in tragedia, in cui l’intera sua squadra viene eliminata. Da quel momento, Reece intraprende una spietata missione di vendetta, scoprendo una vasta cospirazione che coinvolge alti livelli di potere.

Accanto a Pratt troviamo Taylor Kitsch, Constance Wu, Riley Keough, Jai Courtney, JD Pardo e Jeanne Tripplehorn, che completano il nucleo principale del cast. Ognuno interpreta un personaggio chiave nel percorso di Reece: amici fidati, alleati temporanei, ma anche nemici mortali.

La serie è tratta dal romanzo The Terminal List del 2020, primo capitolo di una saga letteraria incentrata su James Reece. Il personaggio si inserisce nel solco di altri eroi militari diventati icone di Prime Video, come Jack Reacher e Jack Ryan. Carr ha rivelato di aver scritto la figura di Reece pensando proprio a Chris Pratt, dopo averlo visto interpretare un Navy SEAL in Zero Dark Thirty (2012). Inoltre, l’autore immaginava già Antoine Fuqua come regista dell’adattamento, scelta che si è poi concretizzata.

Come in ogni trasposizione da romanzo a serie TV, anche in The Terminal List compaiono sia personaggi principali e ricorrenti, sia figure che appaiono solo per una parte della storia, spesso nei panni di antagonisti destinati a non sopravvivere. Per i fan dei libri, molti di questi volti risultano familiari, poiché tornano nei vari capitoli della saga, mentre altri sono legati esclusivamente alla vicenda di questo primo titolo.

La forza della serie sta proprio nell’intreccio tra vendetta personale, intrigo politico e azione militare, reso possibile da un cast capace di dare spessore ai personaggi e di restituire l’intensità della scrittura di Carr. The Terminal List non solo introduce James Reece al pubblico televisivo, ma pone le basi per lo sviluppo della saga anche nelle stagioni future.

Chris Pratt è James Reece

Pratt interpreta il protagonista principale di The Terminal List, il Comandante James Reece, un Navy SEAL che subisce una tragedia immensa sia all’estero che in patria, mettendolo su un percorso di vendetta che lo porterà fino ai vertici del governo degli Stati Uniti. Pratt è noto soprattutto per i suoi recenti ruoli nella saga Marvel Guardiani della Galassia come Star-Lord e nel franchise di Jurassic World come Owen Grady, ma le sue origini sono legate principalmente a ruoli comici secondari, incluso Andy Dwyer nella sitcom Parks and Recreation ed Emmet nella saga di The LEGO Movie.

Taylor Kitsch è Ben Edwards

Kitsch interpreta Ben Edwards, il migliore amico di James Reece in The Terminal List. Ex SEAL, ora lavora per la CIA e aiuta Reece a portare avanti la sua missione di vendetta. L’attore non è nuovo a ruoli simili: ha interpretato il Navy SEAL Michael “Murph” Murphy in Lone Survivor, Chon in Le belve di Oliver Stone e Ghost in American Assassin. Kitsch ha recitato anche in vari film e serie TV, tra cui il flop al botteghino John Carter, True Detective (stagione 2), Waco e Only the Brave.

Constance Wu è Katie Buranek

Wu interpreta la giornalista Katie Buranek in The Terminal List, che si ritrova coinvolta nella storia di James Reece e finisce per collaborare con lui per scoprire la verità dietro il sabotaggio della sua unità e la tragedia familiare. Wu è conosciuta soprattutto per il ruolo di Jessica Huang nella serie ABC Fresh Off the Boat ed è stata protagonista di diversi progetti importanti, tra cui Crazy Rich Asians e Hustlers.

Jai Courtney è Steve Horn

Courtney interpreta Steve Horn, l’amministratore delegato di Capstone, un fondo globale che spazia dai farmaci alla tecnologia militare, e che finisce nel mirino di James Reece per il suo coinvolgimento nel farmaco sperimentale RD4895. L’attore è noto soprattutto per il ruolo di Captain Boomerang in Suicide Squad (2016) e The Suicide Squad (2021), oltre a progetti come Spartacus, la saga Divergent, Jack Reacher, Die Hard – Un buon giorno per morire e Stateless di Netflix.

Riley Keough è Lauren Reece

Keough interpreta Lauren Reece, moglie di James Reece, che rappresenta per lui una guida e una fonte di conforto, soprattutto dopo gli eventi che sconvolgono la sua vita in The Terminal List. Nipote di Elvis Presley, Keough si è affermata come attrice versatile, debuttando come Marie Currie nel biopic The Runaways e proseguendo con ruoli di rilievo in The Girlfriend Experience, Magic Mike, Mad Max: Fury Road (come una delle “mogli” di Immortan Joe), Zola e Le strade del male.

Jeanne Tripplehorn è la Segretaria Hartley

Tripplehorn interpreta la Segretaria alla Difesa Lorraine Hartley, un’ambiziosa politica interessata alla comunità delle forze speciali, ma le sue scelte rischiano di metterla in una posizione molto pericolosa. L’attrice è nota soprattutto per Basic Instinct e la serie HBO Big Love, e ha una lunga carriera che include titoli come Il socio, Waterworld, Criminal Minds e la stagione 1 di The Gilded Age.

JD Pardo è Tony Layun

Pardo interpreta l’agente dell’FBI Tony Layun in The Terminal List, incaricato di catturare James Reece quando quest’ultimo diventa un fuggitivo. Pardo è attualmente protagonista di Mayans di FX nel ruolo di Ezekiel “EZ” Reyes e ha partecipato a vari altri progetti televisivi, tra cui American Dreams, Clubhouse, The O.C. e Hidden Palms. Recentemente è apparso in F9: The Fast Saga nel ruolo di Jack Toretto.

Il cast di supporto di The Terminal List

  • Arlo Mertz è Lucy Reece: interpreta la figlia di James Reece, Lucy, parte fondamentale della sua motivazione e la persona che ama di più insieme alla moglie. È apparsa in Lucy in the Sky e The First Lady; The Terminal List è il suo primo ruolo ricorrente in TV.
  • Jared Shaw è Ernest “Boozer” Vickers: ex Navy SEAL diventato attore, Shaw interpreta Boozer, uno dei compagni più fidati di Reece. È anche produttore associato della serie e ha recitato in The Warfighters e The Tomorrow War. Lo vedremo presto in Civil War di Alex Garland.
  • LaMonica Garrett è il Comandante Bill Cox: interpreta Cox, un leader inflessibile che deve affrontare le conseguenze delle sue azioni contro Reece. Garrett è apparso in 1883 di Taylor Sheridan, Sons of Anarchy, Designated Survivor, The Last Ship e come The Monitor nell’Arrowverse della CW.
  • Christina Vidal è Mac Wilson: interpreta una U.S. Marshal incaricata di dare la caccia a Reece, lavorando a stretto contatto con l’agente Layun. Vidal è apparsa in serie come Training Day, Grand Hotel e United We Fall.