Ogni volta che Terry Gilliam mette mano ad una nuova storia, i suoi fan cominciano un forsennato conto alla rovescia per vedere sul grande schermo l’ultima (sicuramente) folle fatica del loro beniamino. L’ultima volta l’abbiamo visto a Roma, quando ha presentato al pubblico del Festival Parnassus – L’uomo che voleva ingannare il diavolo, mentre oggi è stato a Venezia per la 70esima edizione del Festival del Lido per presentare The Zero Theorem, suo ultimo film con protagonista uno straordinario Christoph Waltz.

La trama di The Zero Theorem

In The Zero Theorem Qohen Leth è un eccentrico e solitario genio dell’informatica che vive in un imprecisato futuro e soffre di una profonda angoscia esistenziale. Sotto il controllo diretto di una misteriosa figura nota solo come “Il Management”, Qohen lavora senza sosta per risolvere lo “Zero Theorem”, un problema matematico che potrebbe finalmente rivelare se la vita ha un qualche significato e senso. Il lavoro solitario svolto dall’uomo nella cappella abbandonata dove abita viene interrotto dall’arrivo di Bainsley, una giovane bellissima donna, e di Bob, il figlio adolescente del Management.

Un vorticoso sfavillio di colori

Un vorticoso sfavillio di colori, luci, scenografie e costumi sfarzosi colpiscono i nostri occhi, in contrapposizione con l’austerità della vita del protagonista che si svolge tra l’eccentricità del suo lavoro e la sua cupa e innegabilmente angosciante abitazione. Tuttavia, pur mostrando sempre in primo piano l’attenzione alla messa in scena, il film si riduce ad essere una riproposizione un po’ stanca e meno vibrante di quel capolavoro, ad oggi inbattuto, che è Brazil.

Gilliam mette tanto di sé in The Zero Theorem, e una eccessiva complessità della trama e forse la riverenza dovuta al personaggio faranno dire a molti che si tratta di un grande film, come se un grande regista non possa sbagliare mai un colpo. Chi scrive non è della stessa opinione: Terry Gilliam non è solo forma e in questo film la sua follia artistica in genere incanalata verso qualcosa di più alto, si riduce ad una colorata messa in scena. Fortuna che il protagonista Christoph Waltz offre sempre una gran bella occasione per vedere sullo schermo una grande performance.

Alla luce della dichiarazione ufficiale, diffusa dopo la prima proiezione mondiale del film, del suo ritiro dalle scene possiamo considerare senza dubbio Si alza il vento (The Wind Rises) come il testamento del grande maestro dell’animazione giapponese Hayao Miyazaki. Un film che in molti hanno criticato, perché troppo realistico, troppo legato alle vicende storiche, come lo era anche Porco Rosso ad esempio, ma senza l’occhio di riguardo per la componente magica che è sempre stata una delle caratteristiche distintive del regista.

Il volo è una delle ossessioni del maestro Hayao, in quasi tutti i suoi film il rapporto dei personaggi con l’aria è sempre molto stretto, e con Si alza il vento (The Wind Rises), Miyazaki decide di raccontare dal punto di vista di una persona realmente esistita questo magico rapporto. Il film infatti racconta la vita di Jiro Horikoshi, l’uomo che ha progettato i caccia giapponesi durante la seconda guerra mondiale. Jiro è un sognatore che sin da piccolo desidera progettare aerei. Tuttavia il suo sogno, diventato realtà, ha mostrato troppo presto l’altro lato della medaglia: un lato oscuro con cui nella vita bisogna imparare a fare i conti e che Jiro non riesce a preventivare fino a quando non viene messo davanti al fatto compiuto.

Un biografia storica e drammatica, fortemente personale e sicuramente distante dai suoi primi e più grandi capolavori, con questo film Miyazaki ha lasciato il mondo della fantasia, pur non rinunciando mai alle sequenze oniriche e al sogno, quello genuino e puro che anima il mondo di un bambino. Il tipico tratto di matita del maestro si conferma in disegni morbidi e colorati, allegri seppure qui velati da una patina di realistica tragedia che li rende diversi. Il racconto è scandito da ritmi lenti e la sceneggiatura è sapientemente equilibrata tra momenti di grande poesia e momenti drammatici, con simpatici siparietti comici che impreziosiscono ulteriormente quello che a buon diritto può essere considerata l’opera più matura, la più dolorosa e forse la più complessa della vasta filmografia miyazakiana.

Presentato in concorso alla 70esima edizione del Festival di Venezia, Si alza il vento (The Wind Rises) “rischia” di portare a casa un premio importantissimo nella kermesse del Lido.

Tradito dalla sua stessa specie e lasciato a morire su un pianeta desolato, Riddick lotta per la sopravvivenza contro i predatori alieni e diventa più potente e pericoloso che mai. Dopo aver fatto dei cacciatori di taglie delle pedine per il suo piano di vendetta, scatena una feroce rappresaglia prima di tornare al suo pianeta natale di Furya e salvarlo dalla distruzione.

Nove anni fa abbiamo lasciato Riddick a capo dell’impero Necromonger e scoprire di appartenere alla razza Furiana, dopo un breve prologo della sua giunta in questo pianeta alieno, vediamo una piccola parentesi di quel mondo personificato dal Vakoo di Karl Urban. Inseguito la sceneggiatura anziché riprendere le trame della storia dei Furiani, preferisce ritornare a una struttura più simile a Pitch Black che richiama le atmosfere di film quali Dune.

Riddick, il film

I primi minuti del film procedono con estrema lentezza all’esplorazione di questo mondo alieno ed estremamente ostile in cui il ricercato più spietato del cosmo cerca di sopravvivere con il suo innato spirito da predatore e che pian piano riesce a conquistare grazie all’addestramento che si impone per ritornare ad essere “l’animale” delle origini. Quindi vediamo un Riddick vicino alla sua natura selvaggia e mostrando così nella prima mezz’ora le forti doti visive del regista e produttore David Twohy, che predilige primi piani e dettagli ma anche vari tipi di angolazioni e rallenty per catturare l’attenzione dello spettatore e seguire i perfetti movimenti del cacciatore. Ma anche all’impiego di numerosi effetti visivi ed una fotografia satura, che ci fornisce anche una forte caratterizzazione geografica.

Superata la mezz’ora del film si assiste all’azione che contraddistingue la serie di Vin Diesel, la sceneggiatura punterà alla lotta del nemico comune e alla caratterizzazione dei personaggi nei vari ruoli. Le scene splatter così come il taglio veloce e le atmosfere di tensione faranno da registro per il resto del film. I momenti di forte azione saranno alternati dalle battute esilaranti agli atteggiamenti spavaldi in cui Vin Diesel ormai è completamente a suo agio, conquistando così la simpatia del pubblico, che con il suo tono sbruffone e sopra le righe ribadisce il marchio della serie. Difatti sarà l’unico a spiccare per interpretazione all’interno del cast che nonostante tutto fornisce una buona recitazione. Brava Katee Sackhoff, l’unico personaggio femminile, nella veste di un freddo mercenario dal pungo facile e oggetto di numerose battute da “caserma”, ma anche Jordi Mollà nel ruolo del mercenario attaccabrighe che trova il suo esatto opposto nel metodico Matt Nable, che sin dai primi minuti in scena porterà il suo contribuito di collegamento agli altri film della serie.

Riddick chiude alcune parentesi a cui era legato il protagonista per dedicarsi ai probabili sequel che avrà il killer dello spazio. Ma il film manca l’appuntamento con una sceneggiatura sviluppata e costruita, lasciando che l’azione sia riversata solo alle ben orchestrate scene di lotta e alle battute; facendo apparire così, l’intero film come una parentesi tra il secondo e un eventuale quarto film della saga e non contribuendo allo sviluppo del personaggio Riddick e i suoi viaggi tra pianeti.